Antikk gresk kunst - Ancient Greek art

Heracles og Athena , svart-figur side av en mageamfora av Andokides-maleren , ca. 520/510 f.Kr.
Det hellenistiske Pergamon -alteret : l til r Nereus , Doris , en gigant , Oceanus
Hades bortførte Persephone , veggmaleri fra 400 -tallet f.Kr. i den lille makedonske kongegraven i Vergina

Antikk gresk kunst skiller seg ut blant andre gamle kulturer for sin utvikling av naturalistiske, men idealiserte skildringer av menneskekroppen, der stort sett nakne mannlige figurer generelt var fokus for innovasjon. Hastigheten på stilistisk utvikling mellom ca 750 og 300 f.Kr. var bemerkelsesverdig etter eldgamle standarder, og i overlevende verk er det best å se i skulptur . Det var viktige nyvinninger innen maleri, som i hovedsak må rekonstrueres på grunn av mangel på originale overlevelser av kvalitet, annet enn det distinkte feltet malt keramikk.

Gresk arkitektur , teknisk veldig enkel, etablerte en harmonisk stil med mange detaljerte konvensjoner som stort sett ble vedtatt av romersk arkitektur og som fortsatt følges i noen moderne bygninger. Den brukte et ordforråd med ornament som ble delt med keramikk, metallarbeid og andre medier, og hadde en enorm innflytelse på eurasisk kunst, spesielt etter at buddhismen førte den utover den utvidede greske verden skapt av Alexander den store . Den sosiale konteksten for gresk kunst inkluderte radikal politisk utvikling og en stor velstandsøkning; de like imponerende greske prestasjonene innen filosofi , litteratur og andre felt er velkjente.

Den tidligste kunsten av grekere er generelt ekskludert fra "gammel gresk kunst", og i stedet kjent som gresk neolitisk kunst etterfulgt av egeisk kunst ; sistnevnte inkluderer kykladisk kunst og kunsten til den minoiske og mykeniske kulturen fra gresk bronsealder . Kunsten i det antikke Hellas er vanligvis stilistisk delt inn i fire perioder: det geometriske , arkaiske , klassiske og hellenistiske . Den geometriske alderen er vanligvis datert fra omtrent 1000 f.Kr., selv om det i realiteten er lite kjent om kunst i Hellas i de foregående 200 årene, tradisjonelt kjent som den greske mørke middelalderen . Den syvende århundre f.Kr. vitne den langsomme utviklingen av den arkaiske stilen som eksemplifisert ved svart-tallet stil vase maleri. Rundt 500 f.Kr., kort tid før begynnelsen av de persiske krigene (480 f.Kr. til 448 f.Kr.), blir vanligvis tatt som skillelinjen mellom den arkaiske og den klassiske perioden, og regjeringen til Alexander den store (336 f.Kr. til 323 f.Kr.) er antatt å skille det klassiske fra den hellenistiske perioden. Fra et tidspunkt i det første århundre f.Kr. og fremover brukes "gresk-romersk", eller flere lokale uttrykk for den østgreske verden.

I virkeligheten var det ingen skarp overgang fra en periode til en annen. Kunstformer utviklet seg med forskjellige hastigheter i forskjellige deler av den greske verden, og som i alle aldre jobbet noen kunstnere i mer innovative stiler enn andre. Sterke lokale tradisjoner og kravene til lokale kulter gjør historikere i stand til å finne opprinnelsen til og med kunstverk funnet langt fra opprinnelsesstedet. Gresk kunst av forskjellige slag ble mye eksportert. Hele perioden så en generelt jevn økning i velstand og handelsforbindelser i den greske verden og med nabokulturer.

Overlevelsesraten for gresk kunst skiller seg sterkt mellom media. Vi har store mengder keramikk og mynter, mye steinskulptur, men enda flere romerske kopier, og noen få store bronseskulpturer. Nesten helt mangler er maling, fine metallkar og alt som er i lett bedervelige materialer, inkludert tre. Steinskallet til en rekke templer og teatre har overlevd, men lite av deres omfattende dekorasjon.

Keramikk

Detalj av en svartfigur vase, ca. 540. Hvit, som ikke har slitt godt, og en annen rød-lilla brukes også.

Etter konvensjon kalles finmalte kar i alle fasonger "vaser", og det er over 100 000 vesentlig komplette gjenværende gjenstander, noe som gir (med påskriftene som mange bærer) enestående innsikt i mange aspekter av gresk liv. Skulpturell eller arkitektonisk keramikk, også veldig ofte malt, blir referert til som terrakottas , og overlever også i store mengder. I mye av litteraturen betyr "keramikk" bare malte kar eller "vaser". Keramikk var hovedformen for gravgods deponert i graver, ofte som "begravelsesurner" som inneholdt den kremerte asken, og ble eksportert mye.

Den berømte og særegne stilen til gresk vasemaleri med figurer avbildet med sterke konturer, med tynne linjer innenfor konturene, nådde sitt høydepunkt fra ca 600 til 350 f.Kr., og deler seg i de to hovedstiler, nesten reverseringer av hverandre, av svart -figur og maleri med rød figur , den andre fargen danner bakgrunnen i hvert tilfelle. Andre farger var svært begrensede, normalt til små hvite områder og større farger med en annen rød rød. Innenfor begrensningene i disse teknikkene og andre sterke konvensjoner oppnådde vasemalere bemerkelsesverdige resultater, som kombinerte forfining og kraftig uttrykk. Hvit bakketeknikk tillot mer frihet i skildring, men slites ikke godt og ble hovedsakelig laget for begravelse.

Interiør i en lofts - kopp med rød figur , omtrent 450

Konvensjonelt sies det at de gamle grekerne har laget de fleste keramikkfartøyene til daglig bruk, ikke for visning. Unntak er de store arkaiske monumentale vaser laget som gravmarkører, trofeer vunnet på kamper, for eksempel Panathenaic Amphorae fylt med olivenolje, og stykker laget spesielt for å bli liggende i graver; noen parfyme flasker har en pengebesparende bunn like under munnen, så en liten mengde får dem til å virke fulle. I de siste tiårene har mange forskere stilt spørsmål ved dette, og sett mye mer produksjon enn man tidligere trodde ble lagt i graver, som en billigere erstatning for metallvarer i både Hellas og Etruria.

De fleste gjenlevende keramikk består av kar for lagring, servering eller drikking av væsker som amfora , krater (boller for blanding av vin og vann), hydria (vannglass), libationskåler, olje- og parfymeflasker for toalettet, kanner og kopper. Malte kar for servering og spising av mat er mye mindre vanlig. Malt keramikk var rimelig selv av vanlige mennesker, og et stykke "anstendig dekorert med omtrent fem eller seks figurer kostet omtrent to eller tre dagers lønn". Miniatyrer ble også produsert i stort antall, hovedsakelig for bruk som tilbud ved templer. I den hellenistiske perioden ble det produsert et bredere utvalg av keramikk, men det meste har liten kunstnerisk betydning.

Hvit bakke , Loft, ca. 460, Cylix av Apollo , som skjenker en libation , detalj.

I tidligere perioder produserte selv ganske små greske byer keramikk til sitt eget land. Disse varierte mye i stil og standarder. Særpreget keramikk som er rangert som kunst ble produsert på noen av de egeiske øyer, på Kreta , og i de velstående greske koloniene i Sør -Italia og Sicilia . I den senere arkaiske og tidlige klassiske perioden kom imidlertid de to store handelsmaktene, Korint og Athen , til å dominere. Keramikken deres ble eksportert over hele den greske verden og drev ut de lokale variantene. Potter fra Korint og Athen finnes så langt unna som Spania og Ukraina , og er så vanlige i Italia at de først ble samlet på 1700 -tallet som "etruskiske vaser". Mange av disse grytene er masseproduserte produkter av lav kvalitet. Faktisk, på 500 -tallet f.Kr., hadde keramikk blitt en industri og keramikkmaleri opphørte å være en viktig kunstform.

Utvalget av farger som kunne brukes på potter ble begrenset av teknologien for avfyring: svart, hvitt, rødt og gult var det vanligste. I de tre tidligere periodene ble grytene igjen av sin naturlige lysfarge, og de var dekorert med skli som ble svart i ovnen.

Gresk keramikk er ofte signert, noen ganger av keramikeren eller keramikkmesteren, men bare noen ganger av maleren. Hundrevis av malere kan imidlertid identifiseres på grunn av deres kunstneriske personligheter: der signaturene deres ikke har overlevd, er de oppkalt etter emnevalgene sine, som " akillismaleren ", av keramikeren de jobbet for, for eksempel den senarkaiske " Kleophrades -maleren " , eller til og med av deres moderne beliggenhet, for eksempel den senarkaiske " Berlinmaler ".

Historie

Middel geometrisk krater , 99 cm høy, Loft, ca. 800-775 f.Kr.

Historien om gammel gresk keramikk er stilistisk delt inn i fem perioder:

  • den protogeometriske fra ca 1050 f.Kr.
  • det geometriske fra ca 900 f.Kr.
  • den Late Geometrisk eller Arkaiske fra omtrent 750 f.Kr.
  • den svarte figuren fra begynnelsen av 800 -tallet f.Kr.
  • og den røde figuren fra ca 530 f.Kr.

I løpet av de protogeometriske og geometriske periodene ble gresk keramikk dekorert med abstrakte design, i den tidligere vanligvis elegante og store, med mye umalt plass, men i den geometriske ofte tett dekker det meste av overflaten, som i de store grytene av Dipylon Master , som jobbet rundt 750. Han og andre keramikere rundt hans tid begynte å introdusere veldig stiliserte silhuettfigurer av mennesker og dyr, spesielt hester. Disse representerer ofte begravelsesprosesser, eller kamper, antagelig representerer de den avdøde kjempet.

Den geometriske fasen ble etterfulgt av en orientaliseringsperiode på slutten av 800 -tallet, da noen få dyr, mange enten mytiske eller ikke innfødte i Hellas (som henholdsvis sfinx og løve) ble tilpasset fra Østen, ledsaget av dekorative motiver, som f.eks. lotus og palmette. Disse ble vist mye større enn de forrige tallene. The Wild Goat stil er en regional variant, svært ofte viser geiter . Menneskeskikkelser var ikke så påvirket fra øst, men ble også større og mer detaljerte.

Den fullt modne svartfigursteknikken , med ekstra røde og hvite detaljer og innhegning for konturer og detaljer, stammer fra Korint i begynnelsen av 800-tallet f.Kr. og ble introdusert i Attika omtrent en generasjon senere; den blomstret til slutten av 600 -tallet f.Kr. Den rød-tallet teknikk , oppfunnet i ca 530 f.Kr., reversert denne tradisjonen, med pottene blir malt svart og tallene malt i rødt. Vaser med rød figur erstattet sakte stilen med svart figur. Noen ganger ble større fartøyer gravert så vel som malt. Erotiske temaer, både heterofile og mannlige homofile , ble vanlige.

Omkring 320 f.Kr. hadde det fine figurative vasemaleriet opphørt i Athen og andre greske sentre, med den polykromatiske Kerch-stilen en siste blomstring; det ble sannsynligvis erstattet av metallarbeid for de fleste funksjonene. West Slope Ware , med dekorative motiver på en svart glassert kropp , fortsatte i over et århundre etter. Italiensk rødfigurmaleri endte med rundt 300, og i det neste århundre var de relativt primitive Hadra-vaser , sannsynligvis fra Kreta , Centuripe ware fra Sicilia og Panathenaic amphorae , nå en frossen tradisjon, de eneste store malte vaser som fremdeles er laget.

Metallarbeid

Den Derveni Krater , 4. århundre f.Kr., med Dionysos og Ariadne sett her.

Fint metallarbeid var en viktig kunst i det gamle Hellas, men senere er produksjonen veldig dårlig representert av overlevende, hvorav de fleste kommer fra kantene i den greske verden eller utover, så langt som til Frankrike eller Russland. Fartøy og smykker ble produsert etter høye standarder og eksportert langt unna. Gjenstander i sølv, på den tiden verdt mer i forhold til gull enn det er i moderne tid, ble ofte innskrevet av produsenten med sin vekt, ettersom de i stor grad ble behandlet som verdilagre, og sannsynligvis vil bli solgt eller smeltet på nytt før lang.

I løpet av de geometriske og Arkaiske faser, produksjon av store metallskip var et viktig uttrykk av gresk kreativitet, og et viktig trinn i utviklingen av bronzeworking teknikker, slik som støping og Repoussé hamring. Tidlige helligdommer, spesielt Olympia , ga mange hundre stativfartøyer eller offerstativfartøyer , hovedsakelig i bronse , deponert som votives . Disse hadde en grunne bolle med to håndtak løftet høyt på tre bein; i senere versjoner var stativet og bollen forskjellige stykker. I løpet av orientaliseringsperioden ble slike stativer ofte dekorert med figurprotomer , i form av griffiner , sfinxer og andre fantastiske skapninger.

Sverd, den greske hjelmen og ofte kroppspanser som muskelkuirassen var laget av bronse, noen ganger dekorert i edelt metall, som i Ksour Essef cuirass fra 300 -tallet . Rustning og "skjoldbånd" er to av kontekstene for strimler av arkaiske lavrelieffscener, som også var festet til forskjellige gjenstander i tre; bandet på Vix Krater er et stort eksempel. Polerte bronsespeil, opprinnelig med dekorerte rygg og korehåndtak, var et annet vanlig element; den senere "sammenleggbare speilet" hadde hengslede omslagstykker, ofte dekorert med en relieffscene, vanligvis erotisk. Mynter er beskrevet nedenfor.

Fra slutten av arkaen holdt den beste metallbearbeiding tritt med stilistisk utvikling innen skulptur og andre kunstarter, og Phidias er blant skulptørene som er kjent for å ha praktisert det. Hellenistisk smak oppmuntret til svært intrikate visninger av teknisk dydighet, med en tendens til "smarthet, innfall eller overdreven eleganse". Mange eller de fleste greske keramikkformer ble hentet fra former som først ble brukt i metall, og i de siste tiårene har det blitt en økende oppfatning at mye av det fineste vasemaleriet gjenbrukte design av sølvsmed for fartøyer med gravering og seksjoner belagt i et annet metall, som fungerte fra tegnet design.

Eksepsjonelle overlevelser av det som kan ha vært en relativt vanlig klasse av store bronsefartøyer er to volutte kratere , for blanding av vin og vann. Dette er Vix Krater , ca. 530 f.Kr., 1,63 m (5'4 ") høy og over 200 kg (450 lbs) i vekt, med en kapasitet på 1100 liter, og funnet ved begravelsen av en keltisk kvinne i det moderne Frankrike, og Derveni Krater fra 400 -tallet , 90,5 cm (35 tommer) høy. Elitene til andre naboer til grekerne, som trakierne og skyterne , var ivrige forbrukere av gresk metallarbeid, og sannsynligvis betjent av greske gullsmedere bosatt på deres territorier, som tilpasset produktene etter lokal smak Slike hybridstykker utgjør en stor del av de overlevende, inkludert Panagyurishte -skatten , Borovo -skatten og andre trakiske skatter , og flere skythiske begravelser, som sannsynligvis inneholdt verk av greske kunstnere med base i de greske bosetningene ved Svartehavet . Som med andre luksuskunster, den makedonske kongelige kirkegården på Vergina har produsert gjenstander av topp kvalitet fra begynnelsen av de klassiske og hellenistiske periodene.

Smykker for det greske markedet er ofte av ypperlig kvalitet, med en uvanlig form som er intrikate og veldig delikate gullkranser som etterligner planteformer, slitt på hodet. Disse ble sannsynligvis sjelden, om noen gang, slitt i livet, men ble gitt som votives og slitt i døden. Mange av Fayum -mummyportrettene bærer dem. Noen stykker, spesielt i den hellenistiske perioden, er store nok til å gi rom for figurer, det samme gjorde skytisk smak for relativt betydelige gullstykker.

Monumental skulptur

Ryttere fra Parthenon Frieze , rundt 440 f.Kr.

Grekerne bestemte seg veldig tidlig for at den menneskelige formen var det viktigste emnet for kunstnerisk innsats. Da de så på gudene deres som menneskelige former, var det lite skille mellom det hellige og det sekulære i kunsten - menneskekroppen var både sekulær og hellig. En mannlig naken fra Apollo eller Heracles hadde bare små forskjeller i behandling til en av årets olympiske boksmester. I den arkaiske perioden var den viktigste skulpturelle formen kouros (flertall kouroi ), den stående mannlige naken (Se for eksempel Biton og Kleobis ). The Kore (flertall korai ), eller står kledde kvinnelige figuren, var også vanlig, men siden det greske samfunnet ikke tillater offentlig visning av kvinnelig nakenhet før det 4. århundre f.Kr., er kore anses å være av mindre betydning i utviklingen av skulpturen . På slutten av perioden ble arkitektonisk skulptur på templer viktig.

Som med keramikk produserte ikke grekerne monumental skulptur bare for kunstnerisk visning. Statuer ble bestilt enten av aristokratiske individer eller av staten, og ble brukt til offentlige minnesmerker, som tilbud til templer, orakler og helligdommer (som det ofte vises med inskripsjoner på statuene), eller som markører for graver. Statuer i den arkaiske perioden var ikke alle ment å representere bestemte individer. De var skildringer av et ideal - skjønnhet, fromhet, ære eller offer. Dette var alltid skildringer av unge menn, alt fra ungdom til tidlig modenhet, selv når de ble plassert på gravene til (antagelig) eldre borgere. Kouroi var alle stilmessig like. Gradueringer i den sosiale staturen til personen som bestilte statuen ble indikert med størrelse i stedet for kunstneriske nyvinninger.

I motsetning til forfattere hadde de som praktiserte billedkunsten, inkludert skulptur, i utgangspunktet en lav sosial status i det gamle Hellas, selv om stadig ledende billedhuggere kan bli berømte og ganske velstående, og ofte signerte arbeidet sitt (dessverre ofte på sokkelen, som vanligvis ble skilt fra selve statuen). Plutarch ( Life of Pericles , II) sa "vi beundrer kunstverket, men forakter skaperen av det"; dette var et vanlig syn i den gamle verden. Eldgammel gresk skulptur er kategorisert etter de vanlige stilistiske periodene "arkaisk", "klassisk" og "hellenistisk", forsterket med noen ekstra som hovedsakelig gjelder skulptur, for eksempel den orientaliserende daedalske stilen og den alvorlige stilen til tidlig klassisk skulptur.

Materialer, former

Sjelden stor sen arkaisk terrakottastatue av Zeus og Ganymedes , Olympia .

Overlevende gamle greske skulpturer var for det meste laget av to typer materiale. Stein, spesielt marmor eller andre kalkstein av høy kvalitet ble brukt hyppigst og skåret for hånd med metallverktøy. Steinskulpturer kan være frittstående helt skåret i runden (statuer), eller bare delvis utskårne relieffer fortsatt festet til en bakgrunnsplakett, for eksempel i arkitektoniske friser eller gravstelai .

Bronsestatuer hadde høyere status, men har overlevd i langt mindre antall på grunn av gjenbruk av metaller. De ble vanligvis laget i teknikken for tapt voks . Chryselephantine , eller gull-og-elfenben, statuer var kultbildene i templer og ble sett på som den høyeste formen for skulptur, men bare noen fragmentariske stykker har overlevd. De var normalt over-lifesize, bygget rundt en treramme, med tynne utskårne elfenbenplater som representerer kjøttet, og ark av gullblad , sannsynligvis over tre, som representerer plaggene, rustningen, håret og andre detaljer.

I noen tilfeller ble glasspasta, glass og edelstener og halvedeler brukt til detaljer som øyne, smykker og våpen. Andre store akrolittiske statuer brukte stein til kjøttdelene og tre for resten, og marmorstatuer hadde noen ganger stukkfrisyrer . De fleste skulpturer ble malt (se nedenfor), og mange hadde på seg ekte smykker og hadde innlagte øyne og andre elementer i forskjellige materialer.

Terrakotta ble tidvis ansatt for store statuer. Få eksempler på dette overlevde, i hvert fall delvis på grunn av skjørheten i slike statuer. Det mest kjente unntaket fra dette er en statue av Zeus som bar Ganymedes funnet på Olympia , henrettet rundt 470 f.Kr. I dette tilfellet er terrakotta malt. Det var utvilsomt skulpturer rent i tre, som kan ha vært veldig viktige i tidlige perioder, men faktisk har ingen overlevd.

Arkaisk

Kleobis og Biton , kouroi fra den arkaiske perioden, ca. 580 f.Kr., Delphi arkeologiske museum

Bronsealder kykladisk kunst , til ca 1100 f.Kr., hadde allerede vist et uvanlig fokus på menneskeskikkelsen, vanligvis vist i en rett frontal stående stilling med armene brettet over magen. Blant de mindre trekkene ble bare neser, noen ganger øyne og kvinnelige bryster skåret, selv om figurene tilsynelatende vanligvis var malt og opprinnelig kan ha sett veldig annerledes ut.

Inspirert av den monumentale steinskulpturen i Egypt og Mesopotamia begynte grekerne igjen i den arkaiske perioden å skjære i stein. Frittstående figurer deler soliditet og frontal holdning som er karakteristisk for østlige modeller, men deres former er mer dynamiske enn egyptiske skulpturer, som for eksempel Lady of Auxerre og Torso of Hera (tidlig arkaisk periode, ca. 660–580 f.Kr., begge i Louvre, Paris). Etter ca 575 f.Kr. hadde figurer, som disse, både mann og kvinne, det såkalte arkaiske smilet . Dette uttrykket, som ikke har noen spesifikk egnethet for personen eller situasjonen som er avbildet, kan ha vært en enhet for å gi figurene en særegen menneskelig egenskap.

Tre typer figurer seiret - den stående naken ungdom (kouros), den stående draperte jenta (kore) og, sjeldnere, den sittende kvinnen. Alle understreker og generaliserer de viktigste egenskapene til menneskeskikkelsen og viser en stadig mer nøyaktig forståelse av menneskelig anatomi. Ungdommene var enten grav- eller votivstatuer. Eksempler er Apollo (Metropolitan Museum of Art, New York), et tidlig verk; den Strang Apollo fra Anafi (British Museum, London), et mye senere arbeid; og Anavyssos Kouros ( Nasjonalt arkeologisk museum i Athen ). Mer av muskulaturen og skjelettstrukturen er synlig i denne statuen enn i tidligere arbeider. De stående, draperte jentene har et bredt spekter av uttrykk, som i skulpturene i Akropolis -museet i Athen . Draperiet er hugget og malt med den delikatesse og omhyggelighet som er vanlig i detaljene i skulpturen fra denne perioden.

Arkaiske relieffer har overlevd fra mange graver og fra større bygninger ved Foce del Sele (nå i museet i Paestum ) i Italia, med to grupper metopaneler , fra ca 550 og 510, og Siphnian Treasury i Delphi, med friser og et lite pediment . Deler, alle nå i lokale museer, overlever av de store trekantede pedimentgruppene fra Artemis-tempelet, Korfu (ca. 580), dominert av en enorm Gorgon , og det gamle tempelet i Athena i Athen (ca. 530-500).

Klassisk

Den Artemision Bronze , enten Poseidon eller Zeus , c. 460 f.Kr., Nasjonalt arkeologisk museum , Athen . Dette mesterverket av klassisk skulptur ble funnet av fiskere utenfor Cape Artemisium i 1928. Det er mer enn 2 m høyt.

I den klassiske perioden skjedde det en revolusjon i gresk statuer, vanligvis forbundet med innføring av demokrati og slutten på den aristokratiske kulturen knyttet til kouroi . Den klassiske perioden så endringer i skulpturens stil og funksjon. Poses ble mer naturalistiske (se Vognmannen i Delphi for et eksempel på overgangen til mer naturalistisk skulptur), og de tekniske ferdighetene til greske billedhuggere i å skildre den menneskelige formen i en rekke stillinger, økte sterkt. Fra omtrent 500 f.Kr. begynte statuer å skildre virkelige mennesker. Statuene av Harmodius og Aristogeiton satt opp i Athen for å markere styrtet av tyranniet ble sagt å være de første offentlige monumentene for faktiske mennesker.

"Det første sanne portrettet av en individuell europeer": kopi av romertiden av en tapt byste av Themistokles i 470 f.Kr. i alvorlig stil .

Samtidig ble skulptur og statuer brukt til større bruk. De store templene i den klassiske epoken, som Parthenon i Athen og Zeus -tempelet i Olympia, krevde relieffskulptur for dekorative friser og skulptur i runden for å fylle trekantfeltene på pedimentene . Den vanskelige estetiske og tekniske utfordringen stimulerte mye i form av skulpturell innovasjon. Dessverre overlever disse verkene bare i fragmenter, hvorav de mest kjente er Parthenon Marbles , hvorav halvparten er i British Museum.

Begravelses statuer utviklet seg i løpet av denne perioden fra de stive og upersonlige kourosene i den arkaiske perioden til de svært personlige familiegruppene i den klassiske perioden. Disse monumentene finnes ofte i forstedene til Athen, som i gammel tid var kirkegårder i utkanten av byen. Selv om noen av dem skildrer "ideelle" typer - den sørgende moren, den pliktoppfyllende sønnen - skildret de i økende grad virkelige mennesker, typisk viste de avdøde at han tok sin verdige permisjon fra familien. De er blant de mest intime og påvirkende restene av de gamle grekerne.

I den klassiske perioden for første gang kjenner vi navnene på individuelle skulptører. Phidias hadde tilsyn med designet og bygningen av Parthenon . Praxiteles gjorde kvinnen naken respektabel for første gang i slutten av den klassiske perioden (midten av 4. århundre): hans Afrodite av Knidos , som overlever i kopier, ble sagt av Plinius som den største statuen i verden.

De mest kjente verkene i den klassiske perioden for samtidige var den kolossale statuen av Zeus i Olympia og statuen av Athena Parthenos i Parthenon. Begge var chryselephantine og henrettet av Phidias eller under hans ledelse, og er nå tapt, selv om mindre eksemplarer (i andre materialer) og gode beskrivelser av begge fortsatt eksisterer. Deres størrelse og storhet fikk keisere til å gripe dem i den bysantinske perioden, og begge ble flyttet til Konstantinopel , hvor de senere ble ødelagt i branner.

Hellenistisk

The Venus de Milo , oppdaget på den greske øya Milos , 130-100 f.Kr., Louvre

Overgangen fra den klassiske til den hellenistiske perioden skjedde i løpet av 400 -tallet f.Kr. Etter erobringene av Alexander den store (336 f.Kr. til 323 f.Kr.) spredte gresk kultur seg så langt som til India , slik det ble avslørt ved utgravningene av Ai-Khanoum i Øst- Afghanistan , og sivilisasjonen til de gresk-baktrierne og indo-grekerne . Gresk -buddhistisk kunst representerte en synkretisme mellom gresk kunst og buddhismens visuelle uttrykk. Dermed ble gresk kunst mer mangfoldig og mer påvirket av kulturen til folkene som ble trukket inn i den greske bane.

Etter synspunktet til noen kunsthistorikere gikk det også ned i kvalitet og originalitet. Dette er imidlertid en dom som kunstnere og kunstelskere på den tiden ikke ville ha delt. Mange skulpturer som tidligere ble betraktet som klassiske mesterverk, er nå anerkjent som hellenistiske. Den tekniske evnen til hellenistiske billedhuggere viser tydelig i store arbeider som Winged Victory of Samothrace og Pergamon -alteret . Nye sentre for gresk kultur, spesielt innen skulptur, utviklet seg i Alexandria , Antiokia , Pergamum og andre byer, hvor de nye monarkiene var overdådige lånetakere. På 2. århundre hadde den stigende makten i Roma også absorbert mye av den greske tradisjonen - og en økende andel av produktene også.

I løpet av denne perioden ble skulpturen mer naturalistisk og uttrykksfull; interessen for å skildre ekstreme følelser blir noen ganger presset til ekstremer. Sjangeremner for vanlige mennesker, kvinner, barn, dyr og husbilder ble akseptable emner for skulptur, som ble bestilt av velstående familier for utsmykningen av deres hjem og hager; den Boy med Thorn er et eksempel. Realistiske portretter av menn og kvinner i alle aldre ble produsert, og skulptører følte seg ikke lenger forpliktet til å fremstille mennesker som idealer om skjønnhet eller fysisk perfeksjon.

Verden til Dionysos , en pastoral idyll befolket av satyrer , maenader , nymfer og sileni , hadde ofte blitt avbildet i tidligere vasemalerier og figurer, men sjelden i skulptur i full størrelse. Nå ble slike verk laget, og overlevde i eksemplarer inkludert Barberini Faun , Belvedere Torso og Resting Satyr ; de Furietti kentaurer og Sleeping hermaphroditus reflektere relaterte temaer. På samme tid krevde de nye hellenistiske byene over hele Egypt , Syria og Anatolia statuer som skildrer gudene og heltene i Hellas for sine templer og offentlige steder. Dette gjorde skulpturen, i likhet med keramikk, til en industri, med påfølgende standardisering og en viss kvalitetsreduksjon. Av disse grunnene har mange flere hellenistiske statuer overlevd enn tilfellet er med den klassiske perioden.

Noen av de mest kjente hellenistiske skulpturene er Winged Victory of Samothrace (2. eller 1. århundre f.Kr.), statuen av Afrodite fra øya Melos kjent som Venus de Milo (midten av 2. århundre f.Kr.), den døende Gallia (ca. 230 F.Kr.), og den monumentale gruppen Laocoön og hans sønner (slutten av 1. århundre f.Kr.). Alle disse statuene skildrer klassiske temaer, men behandlingen er langt mer sanselig og emosjonell enn den strenge smaken i den klassiske perioden ville ha tillatt eller dens tekniske ferdigheter tillatt.

Flersfigurgruppen av statuer var en hellenistisk nyskapning, sannsynligvis på 300-tallet, og tok de episke kampene fra tidligere tempelpedimentrelieffer av veggene og plasserte dem som grupper av statuer i naturlig størrelse. Deres stil kalles ofte " barokk ", med ekstravagant forvrengte kroppsstillinger og intense uttrykk i ansiktene. Relieffene på Pergamon -alteret er de nærmeste opprinnelige overlevende, men flere kjente verk antas å være romerske kopier av hellenistiske originaler. Disse inkluderer Dying Gallia og Ludovisi Gallia , i tillegg til en mindre kjent Kneeling Gallia og andre, alle antatt å kopiere Pergamene -kommisjoner av Attalus I for å minnes seieren rundt 241 over Gallerne i Galatia , sannsynligvis bestående av to grupper.

Den Laocoon gruppen , den Farnese Bull , Menelaus understøttelse av kroppen av Patroklus ( "Pasquino gruppe"), Arrotino , og de Sper skulpturer , er andre eksempler. Fra det andre århundre ble den neo-attiske eller nyklassiske stilen sett av forskjellige lærde som enten en reaksjon på barokke overdrev, tilbake til en versjon av klassisk stil, eller som en fortsettelse av den tradisjonelle stilen for kultstatuer. Workshops i stilen ble hovedsakelig produsenter av kopier for det romerske markedet, som foretrakk kopier av klassiske snarere enn hellenistiske stykker.

Funn gjort siden slutten av 1800-tallet rundt (nå nedsenket) den gamle egyptiske byen Heracleum inkluderer et 4. århundre f.Kr., uvanlig sensuell, detaljert og feministisk (i motsetning til guddommeliggjort) skildring av Isis , som markerer en kombinasjon av egyptisk og hellenistisk former som begynte rundt tidspunktet for Egypts erobring av Alexander den store . Imidlertid var dette utypisk for Ptolemaisk domstolsskulptur, som vanligvis unngikk å blande egyptiske stiler med sin ganske konvensjonelle hellenistiske stil, mens templer i resten av landet fortsatte å bruke sene versjoner av tradisjonelle egyptiske formler. Forskere har foreslått en "alexandrisk stil" i hellenistisk skulptur, men det er faktisk lite å koble det til Alexandria.

Den hellenistiske skulpturen var også preget av en økning i skala, som kulminerte med Kolossen på Rhodos (slutten av 300 -tallet), som var i samme størrelse som Frihetsgudinnen . Den kombinerte effekten av jordskjelv og plyndring har ødelagt dette så vel som andre veldig store verk i denne perioden.

Figurer

Terrakottafigurer

Keramikkfartøy i form av Afrodite inne i et skall; fra Attika , det klassiske Hellas , oppdaget på Phanagoria kirkegård, Taman -halvøya ( Bosporanriket , Sør -Russland ), 1. kvartal av 4. århundre f.Kr., Hermitage Museum , St. Petersburg .

Leire er et materiale som ofte brukes til fremstilling av votive statuetter eller avguder, selv før den minoiske sivilisasjonen og fortsetter til romertiden. I løpet av 800 -tallet f.Kr. inneholder gravene i Boeotia ofte "klokkeidoler", kvinnelige statuetter med bevegelige bein: hodet, lite i forhold til resten av kroppen, ligger på slutten av en lang nakke, mens kroppen er veldig full, i form av en bjelle. Arkaiske herongraver , for lokale helter, kan motta et stort antall grovformede figurer, med rudimentær figurasjon, som vanligvis representerer karakterer med hevede armer.

I den hellenistiske perioden har de fleste terrakottafigurer mistet sin religiøse natur og representerer karakterer fra hverdagen. Tanagra-figurer , fra et av flere produksjonssentre, blir masseprodusert ved hjelp av former, og deretter malt etter avfyring. Dukker, figurer av moteriktig kledde damer og skuespillere, noen av disse sannsynligvis portrettene, var blant de nye fagene, avbildet med en raffinert stil. Disse var billige og ble opprinnelig vist i hjemmet omtrent som moderne prydfigurer, men ble ganske ofte begravet sammen med eierne. På samme tid produserte byer som Alexandria , Smyrna eller Tarsus en overflod av groteske figurer, som representerte individer med deformerte medlemmer, øynene bulet og forvrengte seg selv. Slike figurer ble også laget av bronse.

For malte arkitektoniske terrakottas, se Arkitektur nedenfor.

Metallfigurer

Figurer laget av metall, hovedsakelig bronse, er et ekstremt vanlig funn på tidlige greske helligdommer som Olympia , hvor tusenvis av slike gjenstander, for det meste skildrer dyr, har blitt funnet. De er vanligvis produsert i den tapte voksteknikken og kan betraktes som det første stadiet i utviklingen av gresk bronseskulptur. De vanligste motivene i den geometriske perioden var hester og rådyr, men hunder, storfe og andre dyr er også avbildet. Menneskeskikkelser forekommer av og til. Produksjonen av small metal votives fortsatte gjennom den greske antikken. I de klassiske og hellenistiske periodene ble også mer forseggjorte bronsestatuetter, nært knyttet til monumental skulptur , vanlige. Eksempler av høy kvalitet ble sterkt samlet av velstående grekere og senere romere, men relativt få har overlevd.

Arkitektur

To tidlige arkaiske doriske greske templer i Paestum , Italia, med mye større hovedsteder enn senere.
Temple of Hephaistos , Athen , godt bevart moden dorisk, sent på 500-tallet f.Kr.

Arkitektur (som betyr bygninger utført med et estetisk betraktet design) opphørte i Hellas fra slutten av den mykeniske perioden (ca. 1200 f.Kr.) til det 7. århundre, da bylivet og velstanden kom seg tilbake til et punkt der offentlig bygging kunne gjennomføres. Siden de fleste greske bygninger i de arkaiske og tidlige klassiske periodene var laget av tre eller murstein , gjenstår ingenting av dem bortsett fra noen få grunnplaner, og det er nesten ingen skriftlige kilder om tidlig arkitektur eller beskrivelser av bygninger. Mesteparten av vår kunnskap om gresk arkitektur kommer fra de overlevende bygningene i de senarkaiske, klassiske, hellenistiske og romerske periodene (siden gammel romersk arkitektur brukte mye greske stiler), og fra sent skriftlige kilder som Vitruvius (1. århundre f.Kr.). Dette betyr at det er en sterk skjevhet mot templer , de vanligste store bygningene for å overleve. Her var de firkantede steinblokkene som ble brukt til vegger nyttige for senere bygninger, og så ofte er alt som overlever deler av søyler og metoper som var vanskeligere å resirkulere.

I det meste av perioden ble det brukt et strengt byggverk av stein og overligger som bare ble holdt på plass av tyngdekraften. Corbelling var kjent i Mykenisk Hellas, og buen var kjent fra det 5. århundre senest, men neppe noen bruk ble brukt av disse teknikkene før romertiden. Tre ble bare brukt til tak og takvirke i prestisjetunge steinbygninger. Bruken av store terrakottatakstein, som bare ble holdt på plass ved sporing, betydde at takene måtte ha en lav skråning.

Fram til hellenistisk tid ble bare offentlige bygninger bygget i formell steinstil; disse inkluderte over alle templene og de mindre statskassen som ofte fulgte dem, og ble bygget på Delphi av mange byer. Andre bygningstyper, ofte ikke taktekkede, var den sentrale agoraen , ofte med en eller flere kolonnadert stoa rundt seg, teatre , gymsalen og palaestra eller bryteskole, ekklesiasterion eller bouleuterion for forsamlinger, og propylen eller monumentale innganger. Runde bygninger for forskjellige funksjoner ble kalt en tholos , og de største steinstrukturene var ofte defensive bymurer.

Graver ble i det meste av perioden bare laget som forseggjort mausolea rundt kantene på den greske verden, spesielt i Anatolia. Private hus ble bygget rundt en gårdsplass der midler tillot det, og viste tomme vegger til gaten. Noen ganger hadde de en andre historie, men svært sjelden kjellere. De ble vanligvis i beste fall bygget av steinsprut, og det er relativt lite kjent om dem; i det minste for menn ble mye av livet brukt utenfor dem. Noen få palasser fra den hellenistiske perioden er gravd ut.

Den rekonstruerte athenske statskassen i Delphi

Templer og noen andre bygninger som statskassene i Delphi ble planlagt som enten en terning eller oftere et rektangel laget av kalkstein , som Hellas har en overflod av, og som ble skåret i store blokker og kledd. Dette ble supplert med søyler, i hvert fall på inngangsfronten, og ofte på alle sider. Andre bygninger var mer fleksible i planen, og selv de velstående husene synes å ha manglet mye utvendig pryd. Marmor var et dyrt byggemateriale i Hellas: Marmor av høy kvalitet kom bare fra Mount Pentelus i Attica og fra noen få øyer som Paros , og transporten i store blokker var vanskelig. Den ble hovedsakelig brukt til skulpturell dekorasjon , ikke strukturelt, bortsett fra i de aller flotteste bygningene i den klassiske perioden, for eksempel Parthenon i Athen.

Det var to hovedklassiske ordener for gresk arkitektur, den doriske og den ioniske , med korintisk orden som bare dukket opp i den klassiske perioden, og ble ikke dominerende før den romerske perioden. De mest åpenbare egenskapene til de tre ordrene er hovedstedene i kolonnene, men det er betydelige forskjeller i andre design- og dekorasjonspunkter mellom ordrene. Disse navnene ble brukt av grekerne selv, og reflekterte deres tro på at stilene stammer fra de doriske og joniske grekerne i den mørke middelalderen, men dette er usannsynlig å være sant. Dorikeren var den tidligste, sannsynligvis første gang den dukket opp i stein på tidligere 700 -tallet, etter å ha utviklet seg (men kanskje ikke veldig direkte) fra forgjengerne i tre. Den ble brukt på fastlands -Hellas og de greske koloniene i Italia. Den joniske stilen ble først brukt i byene Ionia (nå vestkysten av Tyrkia) og noen av de egeiske øyer, sannsynligvis fra det 6. århundre. Den doriske stilen var mer formell og streng, den ioniske mer avslappet og dekorativ. Den mer utsmykkede korintiske orden var en senere utvikling av det joniske, opprinnelig tilsynelatende bare brukt inne i bygninger, og ved bruk av joniske former for alt unntatt hovedstedene. Det berømte og godt bevarte Choragic Monument of Lysicrates nær Akropolis i Athen (335/334) er den første kjente bruken av den korintiske orden på utsiden av en bygning.

De fleste av de mest kjente overlevende greske bygningene, som Parthenon og Hephaestus -tempelet i Athen, er doriske. Den Erechtheum , ved siden av Parthenon, men er Ionic. Den joniske orden ble dominerende i den hellenistiske perioden, siden den mer dekorative stilen passet periodens estetikk bedre enn den mer behersket doriske. Noen av de best overlevende hellenistiske bygningene, for eksempel Library of Celsus , kan sees i Tyrkia, i byer som Efesos og Pergamum . Men i de største hellenistiske byene, Alexandria i Egypt , overlever nesten ingenting.

Myntdesign

Athensk tetradrakme med sjef for Athena og ugle , etter 449 f.Kr. Den mest akseptable mynten i Middelhavsverdenen.
Gull 20- stater av Eukratides av Bactria rundt 150 f.Kr., antikkens største gullmynt. 169,2 gram, diameter 58 mm.

Mynter ble (sannsynligvis) oppfunnet i Lydia på 800 -tallet f.Kr., men de ble først mye brukt av grekerne, og grekerne satte kanonen for myntdesign som har blitt fulgt siden. Myntdesign i dag følger fortsatt gjenkjennelig mønstre som stammer fra antikkens Hellas. Grekerne så ikke myntdesign som en stor kunstform, selv om noen ble dyrt designet av ledende gullsmed, spesielt utenfor Hellas selv, blant de sentralasiatiske kongedømmene og i sicilianske byer som var ivrige etter å promotere seg selv. Likevel har holdbarheten og overfloden av mynter gjort dem til en av de viktigste kunnskapskildene om gresk estetikk. Greske mynter er den eneste kunstformen fra den antikke greske verden som fremdeles kan kjøpes og eies av private samlere av beskjedne midler.

De mest utbredte myntene, brukt langt utenfor deres hjemlige territorier og kopiert og smidd av andre, var den athenske tetradrachmen , utstedt fra ca. 510 til ca. 38 f.Kr., og i den hellenistiske tidsalderen den makedonske tetradrachmen, begge sølv. Disse begge beholdt det samme kjente designet i lange perioder. Greske designere begynte praksisen med å sette et profilportrett på forsiden av mynter. Dette var opprinnelig et symbolsk portrett av skytsguden eller gudinnen i byen som utstedte mynten: Athena for Athen , Apollo i Korint, Demeter i Theben og så videre. Senere ble hoder for helter fra gresk mytologi brukt, for eksempel Herakles på myntene til Alexander den store .

De første menneskelige portrettene på mynter var de av Achaemenid Empire Satraps i Lilleasia , som startet med den eksilerte athenske generalen Themistocles som ble en Satrap av Magnesia rundt 450 f.Kr., og fortsatte spesielt med dynastene i Lykia mot slutten av 500 -tallet. Greske byer i Italia som Syracuse begynte å sette hodene til virkelige mennesker på mynter i det 4. århundre f.Kr., det samme gjorde de hellenistiske etterfølgerne til Alexander den store i Egypt , Syria og andre steder. På baksiden av myntene legger de greske byene ofte et symbol på byen: en ugle for Athen, en delfin for Syracuse og så videre. Plasseringen av inskripsjoner på mynter begynte også i gresk tid. Alle disse skikkene ble senere videreført av romerne.

De mest kunstnerisk ambisiøse myntene, designet av gullsmed eller perlegraverer, var ofte fra kantene i den greske verden, fra nye kolonier i den tidlige perioden og nye riker senere, som en form for markedsføring av sine "merker" i moderne termer. Av de større byene ga Korint og Syracuse også ut konsekvent attraktive mynter. Noen av de gresk-baktriske myntene regnes som de fineste eksemplene på greske mynter med store portretter med "en fin blanding av realisme og idealisering", inkludert de største myntene som skulle preges i den hellenistiske verden: den største gullmynten ble preget av Eukratides ( regjerte 171–145 f.Kr.), den største sølvmynten av den indo-greske kongen Amyntas Nikator (regjerte ca. 95–90 f.Kr.). Portrettene "viser en grad av individualitet som aldri ble matchet av de ofte intetsigende skildringene av deres kongelige samtidige lenger vest".

Maleri

Makedonsk gravmaleri fra Agios Athanasios, Thessaloniki , Hellas, 4. århundre f.Kr.

Grekerne ser ut til å ha verdsatt maleriet over jevne skulptur, og i den hellenistiske perioden var den informerte anerkjennelsen og til og med malerpraksis komponenter i en gentleman -utdannelse. Den Ekfrase var en litterær form som består av en beskrivelse av et kunstverk, og vi har en betydelig mengde litteratur på gresk maleri og malere, med ytterligere tillegg i latin, men ingen av avhandlinger av kunstnere som er nevnt har overlevd. Dessverre har vi knapt noen av de mest prestisjefylte slags malerier, på trepanel eller i fresker , som denne litteraturen var opptatt av.

Kontrasten mot vasemaling er total. Det er ikke nevnt noe om det i litteraturen i det hele tatt, men over 100 000 overlevende eksempler, noe som gir mange individuelle malere et respektabelt overlevende verk. Vår ide om hvordan det beste greske maleriet var må trekkes fra en grundig vurdering av paralleller i vasemaleri, sene gresk-romerske kopier i mosaikk og freskomalerier, noen svært sene eksempler på faktisk maleri i den greske tradisjonen, og gammel litteratur .

Det var flere sammenhengende tradisjoner for maleri i antikkens Hellas. På grunn av deres tekniske forskjeller gjennomgikk de en noe differensiert utvikling. Tidlig maleri ser ut til å ha utviklet seg på samme måte som vasemaling, sterkt avhengig av omriss og flate farger, men deretter blomstret og utviklet seg på det tidspunktet vasemaleriet gikk i tilbakegang. På slutten av den hellenistiske perioden inkluderte den tekniske utviklingen modellering for å indikere konturer i former, skygger, forkortelse, noen sannsynligvis upresis form for perspektiv, interiør og landskapsbakgrunn, og bruk av skiftende farger for å foreslå avstand i landskap, slik at "gresk kunstnere hadde alle de tekniske enhetene som trengs for fullt illusjonistisk maleri ".

Panel og veggmaleri

Den mest vanlige og respekterte kunstformen, ifølge forfattere som Plinius eller Pausanias , var panelmalerier , individuelle, bærbare malerier på treplater. Teknikkene som ble brukt var encaustic (voks) maling og tempera . Slike malerier skildrer normalt figurbilder, inkludert portretter og stilleben ; vi har beskrivelser av mange komposisjoner. De ble samlet og ofte vist i offentlige rom. Pausanias beskriver slike utstillinger i Athen og Delphi . Vi kjenner navnene på mange kjente malere, hovedsakelig fra de klassiske og hellenistiske periodene, fra litteraturen (se listen som kan utvides til høyre). Den mest kjente av alle gamle greske malere var Apelles fra Kos , som Plinius den eldste roset for å ha "overgått alle de andre malerne som enten gikk foran eller etterfulgte ham."

På grunn av materialets forgjengelige natur og de store omveltningene på slutten av antikken, har dessverre ikke et av de berømte verkene av gresk panelmaleri overlevd, og heller ikke noen av kopiene som utvilsomt eksisterte, og som gir oss det meste av vår kunnskap om gresk skulptur. Vi har litt mer betydelige overlevelser av veggmalerier. De viktigste overlevende greske eksemplene fra før romertiden er Pitsa-panelene av ganske lav kvalitet fra ca. 530 f.Kr., dykkerens grav fra Paestum , og forskjellige malerier fra de kongelige gravene på Vergina . Flere tallrike malerier i etruskiske og campanske graver er basert på greske stiler. I romertiden er det en rekke veggmalerier i Pompeii og omegn, så vel som i Roma selv, hvorav noen antas å være kopier av spesifikke tidligere mesterverk.

Spesielt har kopier av spesifikke veggmalerier blitt trygt identifisert i Alexander Mosaic og Villa Boscoreale . Det er en stor gruppe mye senere gresk-romerske arkeologiske overlevelser fra de tørre forholdene i Egypt, Fayum-mumieportrettene , sammen med den lignende Severan Tondo , og en liten gruppe malte portrettminiatyrer i gullglass . Bysantinske ikoner er også avledet fra den encaustiske panelmalerietradisjonen, og bysantinske belyste manuskripter fortsatte noen ganger med en gresk illusjonistisk stil i århundrer.

Symposiumscene i dykkerens gravPaestum , ca. 480 f.Kr.

Tradisjonen med veggmaleri i Hellas går i det minste tilbake til den minoiske og mykeniske bronsealderen , med overdådig freskomaleri på steder som Knossos , Tiryns og Mykene . Det er ikke klart om det er noen kontinuitet mellom disse fortidene og senere greske veggmalerier.

Veggmalerier blir ofte beskrevet i Pausanias, og mange ser ut til å ha blitt produsert i de klassiske og hellenistiske periodene. På grunn av mangelen på arkitektur som overlever intakt, er det ikke mange som er bevart. De mest bemerkelsesverdige eksemplene er en monumental arkaisk scene fra 800 -tallet f.Kr. med hoplittkamp fra et tempel i Kalapodi (nær Thebe ), og de forseggjorte freskomaleriene fra "Phillipps grav" fra 4. århundre og "Tomb of Persephone" på Vergina i Makedonia , eller graven ved Agios Athanasios, Thessaloniki , noen ganger foreslått å være nært knyttet til panelmaleriene av høy kvalitet som er nevnt ovenfor. Den uvanlige overlevelsen til Palmettes grav ( 300 -tallet f.Kr., gravd ut i 1971) med maleri i god stand inkluderer portretter av paret som ble begravet inne på tympanumet .

Gresk veggmalerietradisjon gjenspeiles også i samtidens gravdekorasjoner i de greske koloniene i Italia , f.eks. Den berømte dykkerens gravPaestum . Noen forskere antyder at de berømte romerske fresker på steder som Pompeii er direkte etterkommere av gresk tradisjon, og at noen av dem kopierer berømte panelmalerier.

Rekonstruert fargevalg av entablaturen på et dorisk tempel

Polykromi: maleri om statuer og arkitektur

Spor av maling som viser broderte mønstre på peplosene til en arkaisk kore , Akropolis Museum

Mye av figur- eller arkitektonisk skulptur i det antikke Hellas ble malt fargerikt. Dette aspektet av gresk steinverk er beskrevet som polykrom (fra gresk πολυχρωμία , πολύ = mange og χρώμα = farge). På grunn av intensiv forvitring har polykromi på skulptur og arkitektur i de fleste tilfeller vesentlig eller totalt bleknet.

Selv om ordet polykrom er opprettet ved å kombinere to greske ord, ble det ikke brukt i det gamle Hellas. Begrepet ble laget på begynnelsen av det nittende århundre av Antoine Chrysostôme Quatremère de Quincy.

Arkitektur

Maleri ble også brukt for å forbedre de visuelle aspektene ved arkitektur. Enkelte deler av overbygningen til greske templer ble vanligvis malt siden den arkaiske perioden. Slik arkitektonisk polykromi kan ha form av lyse farger som direkte påføres steinen (f.eks. På Parthenon , eller av forseggjorte mønstre, ofte arkitektoniske medlemmer laget av terrakotta (arkaiske eksempler fra Olympia og Delphi ). Noen ganger skildret terrakottene også figurscener , som gjør syvende århundre f.Kr. terracotta metopes fra Thermon .

Rekonstruert fargeskjema på en trojansk bueskytter fra Temple of Aphaia , Aegina .

Skulptur

De fleste greske skulpturer ble malt i sterke og lyse farger; dette kalles " polykromi ". Malingen var ofte begrenset til deler som viser klær, hår og så videre, med huden igjen i steinens eller bronsens naturlige farge, men den kan også dekke skulpturer i sin helhet; hunnhud i marmor hadde en tendens til å være ufarget, mens hannhud kan være lysebrun. Maleriet av gresk skulptur skal ikke bare sees på som en forbedring av deres skulpturelle form, men har egenskapene til en distinkt kunststil.

For eksempel har de pedimentale skulpturene fra Aphaia -tempeletEgina nylig vist seg å ha blitt malt med dristige og forseggjorte mønstre, som blant annet skildrer mønstret klær. Polykromien av steinstatuer ble parallelt med bruk av forskjellige materialer for å skille hud, klær og andre detaljer i chryselephantine skulpturer , og ved bruk av forskjellige metaller for å skildre lepper, negler, etc. på bronser av høy kvalitet som Riace-bronsene .

Vasmaling

Det mest omfattende beviset på gammelt gresk maleri overlever i form av vasemalerier . Disse er beskrevet i delen " keramikk " ovenfor. De gir i det minste en viss følelse av estetikken til gresk maleri. De involverte teknikkene var imidlertid veldig forskjellige fra de som ble brukt i maleri i stort format. Det samme gjelder sannsynligvis emnet som er avbildet. Vasmalere ser vanligvis ut til å ha vært spesialister på et keramikkverksted, verken malere i andre medier eller keramikere. Det må også tas i betraktning at vasemaleri, om enn den klart mest iøynefallende kilden som overlevde på gresk maleri, ikke ble holdt i høyeste grad i antikken, og aldri er nevnt i klassisk litteratur.

Mosaikk

The Stag Hunt Mosaic , slutten av 4. århundre f.Kr., fra Pella ; figuren til høyre er muligens Alexander den store på grunn av datoen for mosaikken sammen med den avbildede oppveien av hans sentralt skilt hår ( anastole ); figuren til venstre med en tveegget øks (assosiert med Hephaistos ) er kanskje Hephaestion , en av Alexanders lojale ledsagere.
Unswept Floor , romersk kopi av mosaikken av Sosus av Pergamon
En hjemlig gulvmosaikk som skildrer Athena , fra "Jewellery Quarter" i Delos , Hellas, slutten av 2. eller begynnelsen av 1. århundre f.Kr.

Mosaikk ble opprinnelig laget med avrundede småstein, og senere glass med tesserae som ga mer farge og en flat overflate. De var populære i den hellenistiske perioden, først som dekorasjon for gulvene i palasser, men til slutt for private hjem. Ofte ble et sentralt emblembilde i et sentralpanel fullført i mye finere arbeid enn dekorasjonen rundt. Xenia-motiver , der et hus viste eksempler på de forskjellige matvarene gjestene kan forvente å nyte, gir de fleste av de overlevende eksemplene fra gresk stilleben . Generelt må mosaikk betraktes som et sekundært mediumkopierende maleri, ofte veldig direkte, som i Alexander Mosaic .

The Unswept Floor av Sosus av Pergamon (ca. 200 f.Kr.) var et originalt og berømt trompe-l'œil- stykke, kjent fra mange gresk-romerske kopier. I følge John Boardman er Sosus den eneste mosaikkartisten hvis navn har overlevd; hans duer er også nevnt i litteratur og kopiert. Imidlertid hevder Katherine MD Dunbabin at to forskjellige mosaikkartister forlot signaturene sine på mosaikker av Delos . Artisten fra Stag Hunt Mosaic fra 400-tallet f.Kr. lot kanskje også signaturen hans stå som Gnosis , selv om dette ordet kan være en referanse til det abstrakte kunnskapsbegrepet.

Mosaikk er et viktig element i overlevende makedonsk kunst, med et stort antall eksempler bevart i ruinene av Pella , den gamle makedonske hovedstaden , i dagens Sentral -Makedonia . Mosaikk som mosaikken "Stag Hunt Mosaic and Lion Hunt" demonstrerer illusjonistiske og tredimensjonale kvaliteter som vanligvis finnes i hellenistiske malerier, selv om den rustikke makedonske jakten er markant mer uttalt enn andre temaer. Mosaikkene fra 2. århundre f.Kr. i Delos , Hellas ble dømt av François Chamoux som å representere toppen av den hellenistiske mosaikkkunsten, med lignende stiler som fortsatte gjennom romertiden og kanskje la grunnlaget for utbredt bruk av mosaikk i den vestlige verden gjennom til middelalderen .

Graverte perler

Apollonios av Athen, gullring med portrett i granat , ca. 220 f.Kr.

Den graverte perlen var en luksuskunst med høy prestisje; Pompeius og Julius Caesar var blant senere samlere. Teknikken har en gammel tradisjon i Midtøsten , og sylinderforseglinger , hvis design bare vises når de rulles over fuktig leire, som flatringstypen utviklet seg fra, spredte seg til den minoiske verden, inkludert deler av Hellas og Kypros . Den greske tradisjonen dukket opp under minoisk innflytelse på Helladisk kultur på fastlandet , og nådde en apogee av subtilitet og forfining i den hellenistiske perioden.

Runde eller ovale greske perler (sammen med lignende gjenstander i bein og elfenben) finnes fra 800- og 800 -tallet f.Kr., vanligvis med dyr i energiske geometriske stillinger, ofte med en kant preget av prikker eller kant. Tidlige eksempler er for det meste i mykere steiner. Perler fra det 6. århundre er oftere ovale, med skarabakk tilbake (tidligere ble denne typen kalt en "scarabaeus"), og menneskelige eller guddommelige figurer så vel som dyr; skarabéformen ble tilsynelatende adoptert fra Fenicia .

Skjemaene er sofistikerte for perioden, til tross for at edelstenene vanligvis er små. På 500 -tallet ble edelstener noe større, men fortsatt bare 2–3 centimeter høye. Til tross for dette vises veldig fine detaljer, inkludert øyenvippene på det mannlige hodet, kanskje et portrett. Fire perler signert av Dexamenos of Chios er de fineste i perioden, to viser hegre .

Relieffskjæring ble vanlig i Hellas fra 500 -tallet f.Kr., og etter hvert var de fleste av de spektakulære utskårne perlene i lettelse. Vanligvis er et relieffbilde mer imponerende enn et intaglio; i den tidligere danne mottakeren av et dokument så dette i imponert forsegling voks, mens i de senere relieffer var det eieren av forseglingen som holdt det for seg selv, sannsynligvis markerer fremveksten av edelstener ment å bli samlet eller bæres som smykker anheng i halskjeder og lignende, i stedet for å brukes som sel - senere er noen ganger ganske store å bruke for å forsegle bokstaver. Imidlertid er inskripsjoner vanligvis fortsatt omvendt ("speilskriving"), slik at de bare leser riktig på inntrykk (eller ved å se bakfra med gjennomsiktige steiner). Dette aspektet forklarer også delvis innsamlingen av avtrykk i gips eller voks fra perler, som kan være lettere å sette pris på enn originalen.

Større utskjæringer og cameoer i hardstein , som er sjeldne i intaglioform, ser ut til å ha nådd Hellas rundt 300 -tallet; den Farnese Tazza er den eneste store gjenlevende hellenistiske eksempel (avhengig av datoer tildelt Gonzaga Cameo og Cup of Ptolemies ), men andre glass lime imitasjoner med portretter tyder på at perle-type cameos ble gjort i denne perioden. Erobringer av Alexander hadde åpnet nye handelsruter til den greske verden og økt omfanget av edelstener som er tilgjengelige.

Ornament

Et typisk utvalg av prydmotiver på en loftsvase på ca. 530.

Syntesen i den arkaiske perioden av det innfødte repertoaret av enkle geometriske motiver med importerte, for det meste plantebaserte, motiver fra lengre øst skapte et stort ordforråd med ornament, som kunstnere og håndverkere brukte med tillit og flyt. I dag er dette vokabularet fremfor alt sett i det store korpuset av malt keramikk, så vel som i arkitektoniske levninger, men det ville opprinnelig ha blitt brukt i et bredt spekter av medier, ettersom en senere versjon av det ble brukt i europeisk nyklassisisme .

Elementer i dette ordforrådet inkluderer den geometriske slyngen eller "gresk nøkkel", egg-og-dart , perle og hjul , vitruviansk rulle , guilloche , og fra planteverdenen de stiliserte akantusbladene , volute , palmette og halvpalette, planteskriver av forskjellige typer , rosett , lotusblomst og papyrusblomst . Opprinnelig brukt fremtredende på arkaiske vaser, ettersom figurativt maleri utviklet disse ble vanligvis henvist til å tjene som grenser som avgrenser kanter på vasen eller forskjellige dekorasjonssoner. Gresk arkitektur var kjent for å utvikle sofistikerte konvensjoner for bruk av lister og andre arkitektoniske prydelementer, som brukte disse motivene i en harmonisk integrert helhet.

Selv før den klassiske perioden hadde dette vokabularet påvirket keltisk kunst, og utvidelsen av den greske verden etter Alexander, og eksporten av greske gjenstander lenger unna, utsatte mye av Eurasia for det, inkludert regionene i nord på det indiske subkontinentet der buddhismen ekspanderte og skapte gresk-buddhistisk kunst . Da buddhismen spredte seg over Sentral -Asia til Kina og resten av Øst -Asia , i en form som gjorde stor bruk av religiøs kunst, ble versjoner av dette vokabularet tatt med og brukt til å omgi bilder av buddhaer og andre religiøse bilder, ofte med en størrelse og vektlegging som ville ha virket overdreven for de gamle grekerne. Ordforrådet ble absorbert i ornamentet til India, Kina, Persia og andre asiatiske land, samt utviklet seg videre innen bysantinsk kunst . Romerne overtok ordforrådet mer eller mindre i sin helhet, og selv om det er mye endret, kan det spores gjennom europeisk middelalderkunst , spesielt i plantebasert ornament.

Islamsk kunst , der ornament i stor grad erstatter figurering, utviklet den bysantinske planteskrullen til den fulle, uendelige arabesken , og spesielt fra de mongolske erobringene på 1300 -tallet mottok ny påvirkning fra Kina, inkludert etterkommere av det greske vokabularet. Fra renessansen og fremover var flere av disse asiatiske stilene representert på tekstiler, porselen og andre varer importert til Europa, og påvirket ornament der, en prosess som fortsatt fortsetter.

Andre kunstarter

Venstre: En hellenistisk glassamfora gravd ut fra Olbia , Sardinia , datert til det 2. århundre f.Kr.
Høyre: Hellenistisk satyr som bærer et rustikt perizoma (lendeklut) og bærer en pedum (hyrdekrok ). Elfenbensapplikasjon, sannsynligvis for møbler.

Selv om glass ble laget på Kypros på 900-tallet f.Kr., og ble betydelig utviklet ved slutten av perioden, er det bare noen få overlevelser av glassarbeid fra før den gresk-romerske perioden som viser den kunstneriske kvaliteten på det beste verket. De fleste overlevende er små parfyme flasker, i fancy fargede "fjærede" stiler som ligner på annet middelhavsglass . Hellenistisk glass ble billigere og tilgjengelig for en bredere befolkning.

Ingen greske møbler har overlevd, men det er mange bilder av det på vaser og minnesrelieffer , for eksempel det til Hegeso . Det var tydeligvis veldig elegant, det samme var stilene som ble hentet fra det 18. århundre og fremover. Noen stykker av utskåret elfenben som ble brukt som innlegg har overlevd, som ved Vergina, og noen få elfenbenutskjæringer; Dette var en luksus kunst som kunne være av veldig fin kvalitet.

Det er klart fra vasemalerier at grekerne ofte hadde på seg utførlig mønstrede klær, og dyktighet i veving var preget av den respektable kvinnen. To luksuriøse tøystykker overlever, fra graven til Filip av Makedonia . Det er mange referanser til dekorative oppheng for både hjem og templer, men ingen av disse har overlevd.

Spredning og arv

Gresk-buddhistisk frise fra Gandhara med hengivne, som holder plantainblader , i hellenistisk stil, inne i korintiske søyler , 1. – 2. århundre e.Kr., Buner, Swat, Pakistan , Victoria og Albert Museum

Antikk gresk kunst har utøvd betydelig innflytelse på kulturen i mange land over hele verden, fremfor alt i behandlingen av menneskeskikkelsen. I vest var gresk arkitektur også enormt innflytelsesrik, og i både øst og vest kan innflytelsen fra gresk dekorasjon spores tilbake til vår tid. Etruskisk og romersk kunst var i stor grad og direkte avledet fra greske modeller, og greske objekter og innflytelse nådde inn i keltisk kunst nord for Alpene, så vel som rundt Middelhavet og i Persia.

I øst startet Alexander den stores erobringer flere århundrer med utveksling mellom greske, sentralasiatiske og indiske kulturer, noe som ble sterkt hjulpet av spredningen av buddhismen , som tidlig oppdaget mange greske trekk og motiver i gresk-buddhistisk kunst , som deretter ble overført som en del av en kulturpakke til Øst -Asia , til og med Japan , blant kunstnere som uten tvil var helt uvitende om opprinnelsen til motivene og stilene de brukte.

Etter renessansen i Europa inspirerte den humanistiske estetikken og de høye tekniske standardene for gresk kunst generasjoner av europeiske kunstnere, med en stor vekkelse i bevegelsen av nyklassisisme som begynte på midten av 1700-tallet, som falt sammen med lettere tilgang fra Vest-Europa til Hellas seg selv, og en fornyet import av greske originaler, mest beryktet Elgin Marbles fra Parthenon. Langt ut på 1800 -tallet dominerte den klassiske tradisjonen fra Hellas kunsten i den vestlige verden.

Historiografi

Hypnos og Thanatos bærer liket av Sarpedon fra slagmarken i Troja ; detalj fra et loft på hvit bakken lekythos , ca. 440 f.Kr.

De helleniserte romerske overklassene i senrepublikken og det tidlige imperiet aksepterte generelt gresk overlegenhet innen kunsten uten mange krangler, selv om ros av Plinius for skulpturen og maleriet til pre-hellenistiske kunstnere kan være basert på tidligere greske skrifter i stedet for mye personlig kunnskap . Plinius og andre klassiske forfattere var kjent i renessansen, og denne antagelsen om gresk overlegenhet ble igjen generelt akseptert. Kritikere i renessansen og mye senere var imidlertid uklare hvilke verk som egentlig var greske.

Som en del av det osmanske riket kunne Hellas selv bare nås av svært få vesteuropeere fram til midten av 1700-tallet. Ikke bare de greske vaser som ble funnet på de etruskiske kirkegårdene, men også (mer kontroversielt) ble de greske templene i Paestum ansett som etruskiske, eller på annen måte kursiv, til slutten av 1700 -tallet og utover, en misforståelse forlenget av italiensk nasjonalistisk følelse.

Skriftene til Johann Joachim Winckelmann , spesielt bøkene hans Tanker om imitasjon av greske verk i maleri og skulptur (1750) og Geschichte der Kunst des Alterthums ("History of Ancient Art", 1764) var de første som skarpt skiller mellom gammel gresk, Etruskisk og romersk kunst, og definerer perioder innenfor gresk kunst, og sporer en bane fra vekst til modenhet og deretter imitasjon eller dekadens som fortsetter å ha innflytelse til i dag.

Den fullstendige avkoblingen av greske statuer fra deres senere romerske kopier, og en bedre forståelse av balansen mellom greskhet og romerskhet i gresk-romersk kunst, skulle ta mye lengre tid, og kanskje fortsatt. Gresk kunst, spesielt skulptur, fortsatte å glede seg over et enormt rykte, og å studere og kopiere det var en stor del av opplæringen av kunstnere, inntil akademisk kunst falt på slutten av 1800 -tallet. I løpet av denne perioden har det faktiske kjente korpuset av gresk kunst, og i mindre grad arkitektur, utvidet seg sterkt. Den studie av vaser utviklet en enorm litteratur på slutten av det 19. og 20. århundre, mye basert på identifisering av hendene på enkeltkunstnere, med Sir John Beazley den ledende figuren. Denne litteraturen antok generelt at vasemaleri representerte utviklingen av et uavhengig medium, bare generelt sett fra stilistisk utvikling i andre kunstneriske medier. Denne antagelsen har blitt stadig mer utfordret de siste tiårene, og noen forskere ser den nå som et sekundært medium, som i stor grad representerer billige kopier av nå mistet metallarbeid, og mye av det laget, ikke til vanlig bruk, men for å deponere i begravelser.

Se også

Merknader

Referanser

  • "Beazley" The Classical Art Research Center, Oxford University. Beazley Archive - Omfattende nettsted om klassiske perler; sidetitler brukt som referanser
  • Boardman, John red., The Oxford History of Classical Art , Oxford University Press , 1993, ISBN  0198143869
  • Burnett, Andrew, Coins; Tolke fortiden , University of California/British Museum, 1991, ISBN  0520076281
  • Chamoux, Françios, Hellenistic Civilization , oversatt av Michel Roussel, Oxford: Blackwell Publishing, 2002 [1981], ISBN  0631222421 .
  • Cohen, Ada, Art in the Era of Alexander the Great: Paradigms of Manhood and Their Cultural Traditions , New York: Cambridge University Press, 2010, ISBN  9780521769044
  • Cook, RM , Greek Art , Penguin, 1986 (opptrykk av 1972), ISBN  0140218661
  • Dunbabin, Katherine, MD , Mosaics of the Greek and Roman World , Cambridge: Cambridge University Press , 1999, ISBN  0521002303
  • Hardiman, Craig I., (2010). "Klassisk kunst til 221 f.Kr.", I Roisman, Joseph; Worthington, Ian, A Companion to Ancient Macedonia , Oxford: Wiley-Blackwell, 2010, ISBN  9781405179362 .
  • Ære, Hugh , nyklassisisme. Style and Civilization 1968 (trykt på nytt 1977), Penguin
  • Howgego, Christopher, Ancient History from Coins , Routledge, 1995, ISBN  041508993X
  • Karouzou, Semni, National Museum: Illustrated Guide to the Museum (NM of Athens), 1980, Ekdotike Athenon SA, ISBN  9789602130049 (senere utgave)
  • Rasmussen, Tom, Spivey, Nigel , red., Looking at Greek Vases , 1991, Cambridge University Press, ISBN  9780521376792 , google books
  • Rawson, Jessica , Chinese Ornament: The Lotus and the Dragon , 1984, British Museum Publications, ISBN  0714114316
  • Smith, RRR, Hellenistic Sculpture, a handbook , Thames & Hudson, 1991, ISBN  0500202494
  • Williams, Dyfri. Mesterverk av klassisk kunst , 2009, British Museum Press, ISBN  9780714122540
  • Woodford, Susan, En introduksjon til gresk kunst , 1986, Duckworth, ISBN  9780801419942
  • Hellas: Fra Mykene til Parthenon , Henri Stierlin, TASCHEN , 2004

Videre lesning

  • Shanks, Michael (1999). Kunst og den greske bystaten . Cambridge: Cambridge University Press. ISBN 0521 56117 5.
  • Betancourt, Philip P. Introduksjon til Egeisk kunst . Philadelphia: INSTAP Academic Press, 2007.
  • Burn, Lucilla. Hellenistisk kunst: Fra Alexander den store til Augustus . Los Angeles: J. Paul Getty Museum, 2004.
  • Coldstream, JN Geometriske Hellas: 900-700 BC . 2. utg. London: Routledge, 2003.
  • Jenkins, Ian, Celeste Farge og Victoria Turner. Definere Beauty: The Body In Ancient Greek Art . London: British Museum, 2015.
  • Langdon, Susan Helen. Kunst og identitet i mørketiden Hellas, 1100-700 f.Kr. Cambridge: Cambridge University Press, 2008.
  • Ling, Roger. Making Classical Art: Process & Practice . Stroud, Gloucestershire: Tempus, 2000.
  • Moon, Warren G. Antikk gresk kunst og ikonografi . Madison: University of Wisconsin Press, 1983.
  • Pedley, John Griffiths. Gresk kunst og arkeologi . 5. utg. Upper Saddle River, NJ: Prentice Hall, 2012.
  • Plantzos, Dimitris. Hellenistiske graverte perler . Oxford: Clarendon Press, 1999.
  • Pollitt, JJ Art In the Hellenistic Age . Cambridge: Cambridge University Press, 1986.
  • -. Kunst og erfaring i det klassiske Hellas . Cambridge: Cambridge University Press, 1972.
  • Smith, Tyler Jo og Dimitris Plantzos. En følgesvenn til gresk kunst . Somerset: Wiley, 2012.
  • Stewart, Andrew F. Classical Greece and the Birth of Western Art . Cambridge: Cambridge University Press, 2008.
  • Yatromanolakis, Dimitrios. Epigrafi of Art: Ancient Greek Vase-Inscriptions and Vase-Paintings . Oxford: Archaeopress, 2016.

Eksterne linker