Moderne urfolks australsk kunst - Contemporary Indigenous Australian art

Moderne urfolks australsk kunst (også kjent som samtidens aboriginale australske kunst ) er det moderne kunstverket som er produsert av urfolk fra Australia , det vil si aboriginal australiere og Torres Strait Islander -folk. Det regnes generelt som begynnelsen i 1971 med en malerbevegelse som startet på Papunya , nordvest for Alice Springs , Northern Territory, som involverte aboriginale kunstnere som Clifford Possum Tjapaltjarri og Kaapa Tjampitjinpa , og tilrettelagt av den hvite australske læreren og kunstarbeideren Geoffrey Bardon . Bevegelsen skapte utbredt interesse på tvers av landlige og avsidesliggende Aboriginal Australia for å lage kunst, mens samtidige urfolkskunst av en annen art også dukket opp i urbane sentre; sammen har de blitt sentrale for australsk kunst . Innfødte kunstsentre har fremmet fremveksten av samtidskunstbevegelsen, og fra 2010 ble anslått å representere over 5000 kunstnere, hovedsakelig i Australias nord og vest.

Moderne urfolkskunstnere har vunnet mange av Australias mest fremtredende kunstpriser. Den wynneprisen har blitt vunnet av Indigenous artister på minst tre anledninger, den Blake Prisen for religiøs kunst ble i 2007 vunnet av Shirley Purdie med Linda Syddick Napaltjarri en av finalistene på tre separate anledninger, mens Clemenger Contemporary Art Award ble vunnet av John Mawurndjul i 2003 og Judy Watson i 2006. Det er en nasjonal kunstpris for urfolkskunstnere, National Aboriginal & Torres Strait Islander Art Award , som i 2013 ble vunnet av Jenni Kemarre Martiniello fra Canberra.

Urfolkskunstnere, inkludert Rover Thomas , har representert Australia på Venezia -biennalen i 1990 og 1997. I 2007 var et maleri av Emily Kngwarreye , Earth's Creation , det første urfolks australske kunstverket som ble solgt for mer enn 1 million dollar. Ledende urfolkskunstnere har hatt separatutstillinger i australske og internasjonale gallerier, mens arbeidet deres har blitt inkludert i store samarbeid som design av Musée du quai Branly . Verk av samtidige urfolksartister holdes av alle Australias store offentlige gallerier, inkludert National Gallery of Australia , som i 2010 åpnet en ny fløy dedikert til sin urfolksamling.

Det figurative " prikkmaleriet " produsert av kunstnere fra vestlige ørkener er blant de mest kjente stilene i samtidens aboriginsk kunst.

Opprinnelse og evolusjon

Urfolks australsk kunst kan hevde å være "verdens lengste tradisjon for fortsatt kunst". Før europeisk bosetting i Australia brukte urfolk mange kunstformer, inkludert skulptur , treskjæring , helleristning , kroppsmaling , barkmaling og veving . Mange av disse fortsetter å bli brukt både til tradisjonelle formål og til å lage kunstverk for utstilling og salg. Noen andre teknikker har avtatt eller forsvunnet siden europeisk bosetting, inkludert kroppsdekorasjon ved arrdannelse og fremstilling av kapper med hud . Imidlertid vedtok og utvidet urbefolkningen australiere også bruken av nye teknikker, inkludert maleri på papir og lerret. Tidlige eksempler inkluderer tegninger fra slutten av det nittende århundre av William Barak .

Tidlige tiltak

Albert Namatjira , til høyre, med portrettisten William Dargie

På 1930-tallet introduserte kunstnerne Rex Battarbee og John Gardner akvarellmaleri for Albert Namatjira , en urfolk ved Hermannsberg Mission , sør-vest for Alice Springs. Landskapsmaleriene hans, først opprettet i 1936 og utstilt i australske byer i 1938, var umiddelbart vellykkede, og han ble den første urfolks australske akvarellisten, så vel som den første som med hell viste ut og solgte verkene sine til ikke-urbefolkningen. Namatjiras arbeidsstil ble adoptert av andre urfolkskunstnere i regionen som begynte med hans nære mannlige slektninger, og de ble kjent som Hermannsburg -skolen eller som Arrernte akvarellister.

Namatjira døde i 1959, og da hadde et annet initiativ også begynt. På Ernabella, nå Pukatja, Sør -Australia, ble bruk av lyse akrylmaling for å produsere design for plakater og postkort introdusert. Dette førte senere til stoffdesign og batikkarbeid , som fremdeles produseres ved Australias eldste urfolks kunstsenter.

Opprinnelse

Selv om initiativene på Hermannsburg og Ernabella var viktige forløp, sporer de fleste kildene opprinnelsen til samtidens urfolkskunst, spesielt akrylmaleri, til Papunya , Northern Territory, i 1971. En australsk skolelærer, Geoffrey Bardon ankom Papunya og startet et kunstprogram med barn på skolen og deretter med mennene i samfunnet. Mennene begynte med å male et veggmaleri på skolens vegger, og fortsatte med å male på brett og lerret. På samme tid vant Kaapa Tjampitjinpa , et medlem av samfunnet som jobbet med Bardon, en regional kunstpris på Alice Springs med sitt maleri Gulgardi . Snart malte over 20 menn på Papunya, og de etablerte sitt eget selskap, Papunya Tula Artists Limited , for å støtte opprettelse og markedsføring av verk. Selv om maleriet tok grep raskt på Papunya, forble det et "lite regionalt fenomen" gjennom 1970-tallet, og i ti år samlet ingen av statens gallerier eller det nasjonale galleriet verkene, med det bemerkelsesverdige unntaket fra Museum and Art Gallery of Northern Territory , som anskaffet 220 av de tidlige Papunya -styrene.

Utvikling

Etter å ha vært stort sett begrenset til Papunya på 1970 -tallet , utviklet malerbevegelsen seg raskt på 1980 -tallet og spredte seg til Yuendumu , Lajamanu , Utopia og Haasts Bluff i Northern Territory og Balgo, Western Australia . På 1990 -tallet hadde kunstnerisk aktivitet spredt seg til mange lokalsamfunn i hele Nord -Australia , inkludert de som ble opprettet som en del av Outstation -bevegelsen , for eksempel Kintore, Northern Territory og Kiwirrkurra Community, Western Australia . Etter hvert som bevegelsen utviklet seg, var ikke alle kunstnerne fornøyd med banen. Det som begynte som et samtidsuttrykk for rituell kunnskap og identitet, ble i økende grad kommodifisert, ettersom maleriets økonomiske suksess skapte sitt eget press i lokalsamfunn. Noen kunstnere var kritiske til kunstsenterarbeiderne og flyttet bort fra maleriet og vendte oppmerksomheten tilbake til ritualer. Andre kunstnere produserte verk som var mindre knyttet til sosiale nettverk som tradisjonelt hadde vært ansvarlig for design. Mens bevegelsen utviklet seg, bremset imidlertid ikke veksten: minst 10 andre malermiljøer utviklet seg i det sentrale Australia mellom slutten av 1990 -tallet og 2006.

Innfødte kunstkooperativer har vært sentrale for fremveksten av samtidens urfolkskunst. Mens mange vestlige kunstnere forfølger formell opplæring og jobber som individer, er den fleste samtidige urfolkskunsten skapt i samfunnsgrupper og kunstsentre. I 2010 hadde toppkroppen som representerte sentrale australske urfolks kunstsentre, Desart, 44 medlemssentre, mens Association of Northern, Kimberley og Arnhem Aboriginal Artists (ANKAAA), topporganet for nord -australske samfunn, hadde 43 medlemssentre. Sentrene representerer et stort antall kunstnere - ANKAAA anslår at medlemsorganisasjonene i 2010 inkluderte opptil 5000. Antallet mennesker som er involvert, og de små størrelsene på stedene de jobber på, betyr at noen ganger en fjerdedel til en halv av medlemmene i samfunnet er artister, med kritiker Sasha Grishin som konkluderer med at samfunnene inkluderer "de høyeste konsentrasjonene per innbygger av artister hvor som helst i verden".

Stiler og temaer

Urfolkskunst gjenspeiler ofte de åndelige tradisjonene, kulturelle praksisene og sosialpolitiske forholdene til urfolk, og disse har variert over hele landet. Kunstverkene er derfor veldig forskjellige fra sted til sted. Store oppslagsverk om australsk urfolks kunst diskuterer ofte verk etter geografisk region. De vanlige grupperingene er av kunst fra den sentrale australske ørkenen; den Kimberley i Western Australia; de nordlige områdene i Northern Territory , spesielt Arnhem Land , ofte referert til som Top End ; og Nord -Queensland , inkludert Torres Strait Islands . Bykunst blir også generelt behandlet som en distinkt stil med urfolks kunst, selv om den ikke er klart geografisk definert.

Ørken kunst

Urfolk fra det fjerne sentrale Australia, spesielt det sentrale og vestlige ørkenområdet , maler ofte bestemte ' drømmer ' eller historier som de har personlig ansvar eller rettigheter for. Mest kjent blant disse er verkene til Papunya Tula -malerne og til Utopia -kunstneren Emily Kngwarreye . Mønstrene fremstilt av sentrale australske kunstnere, for eksempel de fra Papunya, stammer fra oversettelser av tradisjonelle motiver merket med sand, brett eller innskåret i stein. Symbolene som brukes i design kan representere sted, bevegelse eller mennesker og dyr, mens prikkfelt kan indikere en rekke fenomener som gnister, skyer eller regn.

Det er noen figurative tilnærminger i kunsten til sentrale Australia, for eksempel blant noen av malerne fra Balgo, Vest -Australia . Noen sentrale australske kunstnere hvis folk ble fordrevet fra landene sine på midten av det tjuende århundre av atomvåpenprøver har malt verk som bruker tradisjonelle maleteknikker, men som også skildrer virkningene av eksplosjonene på landet deres.

APY lander

Anangu Pitjantjatjara Yankunytjatjara , i det avsidesliggende nordvestlige Sør-Australia , er kjent for sine kunstnere, som alltid er godt representert på utstillinger og priser for urfolk i australsk kunst. I 2017 tjente APY -kunstnere 25 nominasjoner i de prestisjetunge Telstra National Aboriginal & Torres Strait Islander Art Awards ; to ble kåret til finalistene i Archibald -prisen ; 14 APY -kunstners arbeid kom på shortlisten til Wynne -prisen på $ 50 000 for landskapsmaleri i 2019 ; og i 2019 vant APY -artister eller ble listet til Ramsay Art Prize , Sir John Sulman Prize , John Fries Award og andre. Nici Cumpston , kunstnerisk leder for Tarnanthi Festival ved Art Gallery i Sør -Australia , besøker jevnlig kunstsentrene i APY.

APY Art Center Collective er fra 2020 en gruppe på ti urfolkseide og -styrte foretak som støtter kunstnere fra hele landet og hjelper til med å markedsføre arbeidet sitt. Kollektivet støtter regionale samarbeidsprosjekter, for eksempel det berømte Kulata Tjuta -prosjektet, og APY Photography -initiativet. Syv kunstsentre over hele landet støtter arbeidet til mer enn 500 Anangu-kunstnere, fra den eldste, Ernabella Arts , til Iwantja Arts på Indulkana, hvis innbyggere inkluderer prisbelønte Vincent Namatjira. Andre APY -sentre er Tjala Arts (ved Amata ), Kaltjiti Arts, Mimili Maku Arts og Tjungu Palya ( Nyapari ). I tillegg til APY -sentrene, bringer Maruku Arts fra Uluru , Tjanpi Desert Weavers med base i Alice Springs og Ara Iritja Aboriginal Corporation tallet opp til ti.

The Collective har gallerier i Darlinghurst, Sydney og, siden mai 2019, et galleri og studiorom på Light Square ( Wauwi ) i Adelaide .

Toppenden

I Arnhem Land i Northern Territory har menn malt sine tradisjonelle klan -design. Ikonografien er imidlertid ganske atskilt og forskjellig fra den i sentrale Australia. I Nord -Queensland og Torresstredet fortsetter mange samfunn å praktisere kulturelle kunstneriske tradisjoner sammen med å uttrykke sterke politiske og sosiale meldinger i arbeidet sitt.

Urban kunst

I urfolkssamfunn i Nord -Australia har de fleste artister ingen formell opplæring, og arbeidet er i stedet basert på tradisjonell kunnskap og ferdigheter. I sørøst Australia har andre urfolk, ofte bosatt i byene, trent på kunstskoler og universiteter. Disse artistene blir ofte referert til som "urbane" urfolk, selv om begrepet noen ganger er kontroversielt, og ikke nøyaktig beskriver opprinnelsen til noen av disse individene, for eksempel Bronwyn Bancroft som vokste opp i byen Tenterfield, New South Wales , Michael Riley som kom fra landsbygda New South Wales nær Dubbo og Moree , eller Lin tyngende som brukte tid på farens tradisjonelle land på Murray River nær Victoria 's Barmah skogen. Noen, som Onus, var autodidakt, mens andre, for eksempel kunstneren Danie Mellor eller kunstneren og kuratoren Brenda Croft , fullførte universitetsstudier i kunst.

Media

Bronwyn Bancroft, Sydney-basert kunstner som har jobbet i et bredt spekter av medier, inkludert tekstiler, maleri og skulptur

Antropolog Nicholas Thomas observerte at samtidens urfolks kunstpraksis kanskje var unik i hvordan "helt nye medier ble tilpasset så raskt for å produsere arbeider med en så håndgripelig styrke". Mye moderne urfolks kunst produseres ved hjelp av akrylmaling på lerret. Imidlertid er andre materialer og teknikker i bruk, ofte i bestemte regioner. Barkmaleri dominerer blant kunstnere fra Arnhem Land, som også driver med utskjæring og veving. I sentrale australske samfunn knyttet til Pitjantjatjara mennesker, pokerwork er carving betydelig. Aboriginal og Torres Strait Islander printmaking ble i 2011 beskrevet av National Gallery's senior kurator for trykk og tegninger som "den mest betydningsfulle utviklingen i nyere grafikkhistorie".

Tekstilproduksjon inkludert batik har vært viktig i de nordvestlige ørkenregionene i Sør -Australia , i Northern Territory's Utopia -samfunn og i andre områder i Sentral -Australia. I et tiår før hun begynte på malerikarrieren som ville gjøre henne kjent, laget Emily Kngwarreye batikkdesigner som avslørte hennes "fantastiske originale talent" og moderniteten i hennes kunstneriske visjon. Et bredt spekter av tekstilkunstteknikker, inkludert farging og veving, er spesielt knyttet til Pukatja, Sør-Australia (tidligere kjent som Ernabella), men på midten av 2000-tallet utviklet samfunnet også et rykte for fin sgraffitokeramikk . Hermannsburg, opprinnelig hjemmet til Albert Namatjira og Arrente Watercolourists, er nå kjent for keramikk.

Blant urbefolkningens urbane kunstnere er mer forskjellige teknikker i bruk, for eksempel silketrykk , plakatproduksjon, fotografering, fjernsyn og film. En av de viktigste samtidige urfolkskunstnerne i sin generasjon, Michael Riley jobbet med film, video, stillfotografering og digitale medier. På samme måte har Bronwyn Bancroft jobbet med stoff, tekstiler, "smykkedesign, maleri, collage, illustrasjon, skulptur og interiørdekorasjon". Likevel er maleriet fortsatt et medium som brukes av mange 'urbane' kunstnere, som Gordon Bennett , Fiona Foley , Trevor Nickolls , Lin Onus , Judy Watson og Harry Wedge .

Utstillinger og samlinger

National Gallery of Australia forlengelse, ferdigstilt i 2010, som huser en representativ samling av urfolks kunst, inkludert Aboriginal Memorial ( ovenfor )

Den offentlige anerkjennelsen og utstillingen av samtidens urfolkskunst var i utgangspunktet svært begrenset: for eksempel var den bare en mindre del av samlingen til Australias nasjonale galleri da bygningen ble åpnet i 1982. Tidlige utstillinger av store verk ble holdt som en del av Sydney Biennaler i 1979 og 1982, mens et stort sandmaleri var et trekk ved Sydney Festival i 1981 . Tidlige private gallerioppvisninger av samtidskunst fra urfolk inkluderte en separatutstilling med barkmalerier av Johnny Bulunbulun på Hogarth Gallery i Sydney i 1981, og en utstilling av vestlige ørkenartisterGallery A i Sydney, som utgjorde en del av Sydney -festivalen i 1982.

Det er en rekke vanlige utstillinger viet til moderne urfolks kunst. Siden 1984 har utstillingen National Aboriginal og Torres Strait Islander Art Award blitt arrangert i Northern Territory, i regi av Museum and Art Gallery of the Northern Territory. I 2007 holdt National Gallery of Australia den første National Indigenous Art Triennial (NIAT), med tittelen unDISCLOSED, som inkluderte verk av tretti samtidige urfolkskunstnere som Richard Bell , Danie Mellor , Doreen Reid Nakamarra og Shane Pickett . Til tross for navnet ble den andre triennalen ikke holdt før i 2012, og fikk tittelen unDisclosed . Den tredje triennalen, Defying Empire , ble arrangert i 2017, med tittelen som refererte til 50 -årsjubileet for folkeavstemningen i 1967 .

Den Araluen Center for Arts and Entertainment , et offentlig kunstgalleri i Alice Springs, og den årlige Desert Mob utstilling, som representerer dagens maleri aktiviteter på tvers av Australias Aboriginal kunst sentre.

Flere individuelle kunstnere har vært gjenstand for retrospektive utstillinger på offentlige gallerier. Disse har inkludert Rover Thomas ved National Gallery of Australia i 1994, Emily Kngwarreye , ved Queensland Art Gallery i 1998, John Mawurndjul ved Tinguely Museum i Basel , Sveits i 2005, og Paddy Bedford på flere gallerier, inkludert Museum of Contemporary Art , Sydney i 2006–07.

Internasjonalt har urfolk representert Australia på Venezia -biennalen , inkludert Rover Thomas og Trevor Nickolls i 1990, og Emily Kngwarreye, Judy Watson og Yvonne Koolmatrie i 1997. I 2000 ble en rekke individuelle kunstnere og kunstneriske samarbeid vist i den prestisjetunge Nicholas HallHermitage Museum i Russland. I 2003 samarbeidet åtte urfolksartister - Paddy Bedford, John Mawurndjul, Ningura Napurrula , Lena Nyadbi , Michael Riley , Judy Watson, Tommy Watson og Gulumbu Yunupingu - om en kommisjon for å tilby verk som dekorerer en av Musée du quai Branlys fire bygninger ferdig i 2006.

Moderne urfolks kunstverk er samlet av alle Australias store offentlige gallerier. Den National Gallery of Australia har en betydelig samling, og en ny fløy ble ( avbildet ) åpnet i 2010 for sin permanente utstilling. Noen statlige gallerier, for eksempel Art Gallery of New South Wales , National Gallery of Victoria og Museum and Art Gallery of the Northern Territory , har gallerirom permanent dedikert til utstillingen av samtidskunst fra urfolk. Nasjonalgalleriet i Victorias samling inkluderer landets hovedsamling av urfolk batikk. Araluen Center for Arts and Entertainment er landets største samling av verk av Albert Namatjira.

Gallerier utenfor Australia som tilegner seg urfolks samtidskunst inkluderer British Museum , Victoria and Albert Museum og New Yorks Metropolitan Museum of Art . Permanente utstillinger av urfolks kunst utenfor Australia finnes på Seattle Art Museum , Glasgows Gallery of Modern Art og Kluge - Ruhe Museum ved University of Virginia .

Premier

Moderne urfolks kunstverk har vunnet en rekke av Australias viktigste nasjonale kunstpriser, inkludert Wynne -prisen , Clemenger Contemporary Art Award og Blake Prize for Religious Art . Urfolkspremierte har inkludert Shirley Purdie , 2007 -vinner av Blake -prisen, med sitt verk Stations of the Cross ; 2003 Clemenger Award -vinner John Mawurndjul , og 2006 Clemenger -vinner Judy Watson. Wynne -prisen har blitt vunnet av samtidige urfolkskunstnere ved flere anledninger, blant annet i 1999 av Gloria Petyarre with Leaves ; i 2004 av George Tjungurrayi ; og i 2008 av Joanne Currie Nalingu , med maleriet Elven er rolig .

I tillegg til å vinne store premier, har urfolk blitt godt representert blant finalistene i disse konkurransene. Blake -prisen har inkludert en rekke urfolksfinalister, som Bronwyn Bancroft (2008), Angelina Ngal og Irene (Mbitjana) Entata (2009), Genevieve Kemarr Loy, Cowboy Loy Pwerl, Dinni Kunoth Kemarre , Elizabeth Kunoth Kngwarray (2010) og Linda Syddick Napaltjarri (ved tre separate anledninger).

Australias største kunstpris er National Aboriginal & Torres Strait Islander Art Award . Prisen ble opprettet av Museum and Art Gallery of the Northern Territory i 1984, og inkluderer en stor vinner som mottar 40 000 dollar , og fem kategoripriser hver verdt $ 4000: en for barkmaling , en for verk på papir, en for tredimensjonale fungerer og, introdusert for første gang i 2010, en for nye medier. Vinnere av hovedprisen har inkludert Makinti Napanangka i 2008 og Danie Mellor i 2009. I 2008 etablerte Art Gallery of Western Australia Western Australian Indigenous Art Awards , som inkluderer landets mest verdifulle kontantpris for urfolks kunst på 50 000 dollar, som i tillegg til en premie på 10 000 dollar for den vestlige australske artisten, og en People's Choice Award på 5000 dollar, alle valgt fra finalistene, som inkluderer 15 individer og en samarbeidsgruppe. Vinneren av hovedprisen i 2009 var Ricardo Idagi , mens People's Choice -prisen ble vunnet av Shane Pickett . Wayne Quilliam ble tildelt 2009 NAIDOC Artist of the Year for sitt mangeårige arbeid på den lokale og internasjonale scenen som jobbet med urfolk i hele verden.

Fordeler og kostnader

Blomstringen av urfolks kunst har gitt økonomiske, sosiale og kulturelle fordeler til urbefolkningen australiere, som er sosialt og økonomisk vanskeligstilte sammenlignet med det australske samfunnet som helhet. Salg av kunstverk er en betydelig økonomisk aktivitet for individuelle kunstnere og for deres lokalsamfunn. Estimater for størrelsen på sektoren varierer, men plasserte verdien på begynnelsen av 2000 -tallet på 100 til 300 millioner dollar, og innen 2007 på en halv milliard dollar og vokser. Sektoren er spesielt viktig for mange urbefolkningssamfunn fordi den, i tillegg til å være en kontantkilde for en økonomisk vanskeligstilte gruppe, forsterker urfolks identitet og tradisjon, og har hjulpet opprettholdelsen av sosial samhørighet. For eksempel ble tidlige verk malt på Papunya opprettet av eldre aboriginale menn for å hjelpe utdanne yngre generasjoner om deres kultur og deres kulturelle ansvar.

"Det er for tiden en økning i interessen for aboriginsk kunst blant den australske offentligheten og utenlandske besøkende ... Det resulterende presset på kunstnere for å produsere har til slutt ført til en kollaps eller emaskulering av kunstformen. Aboriginal kunst er nå under utrolig belastning å oppfylle hvite krav til aboriginsk kultur. "

Innfødt australsk aktivist Djon Mundine , som skrev i løpet av Australias toårsdag, 1988.

Svindel og utnyttelse er viktige spørsmål som påvirker samtidens urfolks australske kunst. Innfødte kunstverk har regelmessig blitt gjengitt uten kunstners tillatelse, blant annet av Reserve Bank of Australia da det brukte et David Malangi- maleri på en seddel i 1966. Lignende tilegnelse av materiale har funnet sted med stoffdesign , T-skjorter og tepper . Det har vært påstander om at kunstnere ble kidnappet, eller flyttet mot familiens ønske, av folk som er opptatt av å skaffe kunstnerens malerier.

Kunstnere, spesielt i de fjernliggende delene av Australia, maler noen ganger for andre utsalgssteder enn de opprinnelige kunstsenterene eller sine egne selskaper. De gjør dette av økonomiske årsaker, men de resulterende maleriene kan være av ujevn kvalitet og av prekær økonomisk verdi. Tvil om opprinnelsen til urfolks malerier og om prisene som er betalt for dem, har skapt medieundersøkelse, en australsk parlamentarisk undersøkelse, og har vært en faktor som begrenser veksten i verdi på verk. Spørsmål angående verkets ekthet har oppstått i forhold til bestemte artister, inkludert Emily Kngwarreye, Rover Thomas, Kathleen Petyarre, Tyrkia Tolson Tjupurrula , Ginger Riley Munduwalawala og Clifford Possum Tjapaltjarri ; i 2001 ble en kunsthandler fengslet for bedrageri i forhold til Clifford Possums arbeid. Dette presset førte i 2009 til innføringen av en kommersiell oppførselskodeks, som hadde til hensikt å etablere "minimumsstandarder for praksis og rettferdig handel i urfolks billedkunstindustri". Vedvarende problemer i bransjen i september 2012 førte imidlertid til at lederen for kodens administrerende organ Indigenous Art Code, Ron Merkel , ba om at koden ble obligatorisk for kunsthandlere.

Prisene på det andre markedet for urfolks kunstverk varierer mye. Fram til 2007 var rekorden på auksjon for et urfolks kunstverk $ 778 750 dollar betalt i 2003 for et Rover Thomas -maleri, All That Big Rain Coming from the Top Side . I 2007 solgte et større verk av Emily Kngwarreye, Earth's Creation for $ 1.056 millioner, en ny rekord som imidlertid ble overskygget bare noen måneder senere, da Clifford Possums episke verk Warlugulong ble kjøpt for $ 2,4 millioner av National Gallery of Australia. På samme tid ble imidlertid verk av fremtredende kunstnere, men med tvilsom opprinnelse, sendt på auksjoner. I 2003 var det 97 innfødte australske kunstnere hvis verk ble solgt på auksjon i Australia for priser over $ 5000, med det totale auksjonsmarkedet til en verdi av rundt 9,5 millioner dollar. I det året estimerte Sotheby's at halvparten av salget var til budgivere utenfor Australia. I 2012 hadde markedet endret seg, med eldre verk som ga høyere priser enn samtidens malerier.

En endring i 2011 i australske regler for belønningsinvesteringer resulterte i en kraftig nedgang i salget av ny urfolks kunst. Endringen forbyr eiendeler som er anskaffet for et selvforvaltet pensjonskasse, å bli "brukt" før pensjonisttilværelsen; spesielt må et kunstverk oppbevares i stedet for å vises.

evaluering

Professor i kunsthistorie Ian McLean beskrev fødselen til den samtidige urfolks kunstbevegelsen i 1971 som "det mest fantastiske øyeblikket i australsk kunsthistorie", og mente at den ble en av Australias grunnleggende myter, som ANZAC -ånden . Kunsthistoriker Wally Caruana kalte innfødt kunst "den siste store tradisjonen for kunst som verdsattes av hele verden", og samtida urfolks kunst er den eneste kunstbevegelsen av internasjonal betydning som dukker opp fra Australia. Ledende kritiker Robert Hughes så på det som "den siste store kunstbevegelsen på 1900 -tallet", mens poeten Les Murray tenkte på det som "Australias ekvivalent med jazz". Spesielt malerier av kunstnerne i den vestlige ørkenen har raskt oppnådd "et usedvanlig utbredt rykte", med samlere som konkurrerer om å skaffe dem. Noen urfolksartister blir sett på som blant Australias fremste kreative talenter; Emily Kngwarreye er blitt beskrevet som "en av de største moderne australske malerne", og "blant de beste australske kunstnerne, uten tvil blant de beste i sin tid." Kritikere som gjennomgikk Hermitage Museum -utstillingen i 2000, var fulle av rosene, en som bemerket: "Dette er en utstilling av samtidskunst, ikke i den forstand at den ble gjort nylig, men i at den er forankret i mentaliteten, teknologien og filosofien til radikal kunst fra den siste tiden. Ingen andre enn aboriginerne i Australia har lyktes med å stille ut slik kunst på Eremitasjen ".

Vurderingene har ikke vært universelt gunstige. Da en utstilling ble holdt i Storbritannia i 1993, beskrev en anmelder i The Independent verkene som "kanskje den mest kjedelige kunsten i verden". Museumskurator Philip Batty, som hadde vært involvert i å hjelpe til med å lage og selge kunst i Sentral-Australia, uttrykte bekymring for effekten av det ikke-urbefolkede kunstmarkedet på kunstnerne-spesielt Emily Kngwarreye-og deres arbeid. Han skrev "det var alltid en fare for at den europeiske komponenten i dette tverrkulturelle partnerskapet skulle bli altfor dominerende. På slutten av hennes korte karriere tror jeg at Emily nesten hadde evakuert dette interkulturelle domenet, og arbeidet hennes ble rett og slett et speil bilde av europeiske ønsker ". Enestående kunstverk er blandet med fattige, med tiden som har gått for å filtrere det gode fra det dårlige.

Opprinnelig en kilde til etnografisk interesse, og senere en kunstnerisk bevegelse med røtter utenfor vestlige kunsttradisjoner, var urfolks kunst påvirket av, og hadde innflytelse på, få europeiske australske kunstnere. De tidlige verkene til Margaret Preston uttrykte noen ganger motiver fra tradisjonell urfolks kunst; hennes senere arbeider viser en dypere innflytelse, "i fargebruk, i samspillet mellom figurasjon og abstraksjon i den formelle strukturen". I kontrast var Hans Heysen , selv om han beundret landskapsarkitekten Albert Namatjira og samlet maleriene hans, ikke påvirket av sin urfolks motstykke. Den samtidige urfolks kunstbevegelsen har påvirket noen ikke-urbefolkning australske kunstnere gjennom samarbeidsprosjekter. Indigenous artister Gordon Bennett og Michael Nelson Jagamarra har engasjert i både samarbeids kunstverk og utstillinger med galle Michael Eather , og maleren Imants ploger , den australske fødte sønn av latviske flyktninger. Den australske Forskningsrådet og Land & Water Australia støttet en kunstnerisk og arkeologisk samarbeid gjennom prosjektet Strata: Ørkener fortid, nåtid og fremtid , som involverte urfolk kunstnere Daisy Jugadai Napaltjarri og Molly Jugadai Napaltjarri .

Se også

Referanser

Bibliografi

  • Bedford, Paddy og Russell Storer (2006). Paddy Bedford . Sydney: Museum for samtidskunst. ISBN  1-921034-16-5 .
  • Butler, Roger (2011). "Print - Matters". I Jaynie Anderson (red.). Cambridge Companion to Australian Art . Cambridge: Cambridge University Press. s. 97–108. ISBN 978-1-107-60158-1.
  • Carty, John; French, Alison (2011). "Art of Central Australia: Refigured Ground". I Jaynie Anderson (red.). Cambridge Companion to Australian Art . Cambridge: Cambridge University Press. s. 122–142. ISBN 978-1-107-60158-1.
  • Caruana, Wally (2003). Aboriginal Art (2. utg.). London: Thames & Hudson. ISBN 978-0-500-20366-8.
  • Croft, Brenda (2006). Michael Riley: Severdigheter usett . Canberra: National Gallery of Australia. ISBN  0-642-54162-0 .
  • Croft, Brenda, red (2007). Culture Warriors: National Indigenous Art Triennial 2007 . Canberra: National Gallery of Australia. ISBN  978-0-642-54133-8 .
  • Cubillo, Franchesca; Wally Caruana, red. (2010). Aboriginal & Torres Strait Islander Art: Collection Highlights . Canberra: National Gallery of Australia. ISBN 978-0-642-33414-5.
  • Dussart, Francoise (2006). "Å finne identiteter: reflekterer over akrylkunstbevegelsen i en australsk aboriginsk bosetning". Aboriginals historie . 30 : 156–168.
  • (ingen redaktør) (1996). Emily Kngwarreye - Malerier . North Ryde New South Wales: Craftsman House / G + B Arts International. ISBN  90-5703-681-9 .
  • Genocchio, Benjamin (2008). Dollar Dreaming . Prahran, VIC: Hardie Grant Books. ISBN 978-1-74066-609-1.
  • Greer, Germaine , red (2004). Whitefella Jump Up: Den korteste veien til nasjon . London: Profilbøker. ISBN  1-86197-739-5 .
  • Horton, David, red. (1994). Encyclopaedia of Aboriginal Australia . Bind 1. Canberra: Aboriginal Studies Press for Australian Institute of Aboriginal and Torres Strait Islander Studies. ISBN  978-0-85575-234-7 .
  • Jenkins, Susan (2004). No Ordinary Place: the Art of David Malangi . Canberra: National Gallery of Australia. ISBN  0-642-54179-5 .
  • Johnson, Vivien (1994). Aboriginal Artists of the Western Desert: A Biographical Dictionary . Roseville East, NSW: Craftsman House. ISBN  976-8097-81-7 .
  • Johnson, Vivien, red (2007). Papunya -maleri: Ut av ørkenen . Canberra: National Museum of Australia. ISBN  978-1-876944-58-2 .
  • Johnson, Vivien (2010). Det var en gang i Papunya . Sydney: University of New South Wales Press. ISBN 978-1-74223-007-8.
  • Kleinert, Sylvia og Margot Neale, red. (2000). The Oxford Companion to Aboriginal Art and Culture . Oxford: Oxford University Press. ISBN  0-19-550649-9 .
  • McCulloch, Alan; Susan McCulloch og Emily McCulloch Childs (2006). The New McCulloch's Encyclopedia of Australian Art . Fitzroy, Victoria: Aus Art Editions i samarbeid med The Miegunyah Press. ISBN 0-522-85317-X.
  • McCulloch, Susan og Emily McCulloch Childs (2008). McCulloch's Contemporary Aboriginal Art: The Complete Guide . 3. utgave. Balnarring, Victoria: McCulloch & McCulloch. ISBN  978-0-9804494-2-6 .
  • McLean, Ian (2011). "Gaven som tiden ga: myte og historie i den vestlige ørkenmaleribevegelsen". I Jaynie Anderson (red.). Cambridge Companion to Australian Art . Cambridge: Cambridge University Press. s. 180–192. ISBN 978-1-107-60158-1.
  • Morphy, Howard (2011). "Kommer til enighet med aboriginsk kunst på 1960 -tallet". I Jaynie Anderson (red.). Cambridge Companion to Australian Art . Cambridge: Cambridge University Press. s. 153–167. ISBN 978-1-107-60158-1.
  • Morphy, Howard (1999). Aboriginal Art . London: Phaidon. ISBN  0-7148-3752-0 .
  • Murphy, John, red (2009). Galleri A Sydney 1964–1983 . Campbelltown NSW: Campbelltown Arts Center og Newcastle NSW: Newcastle Region Art Gallery. ISBN  978-1-875199-67-9 .
  • Rothwell, Nicholas (2007). Et annet land . Melbourne: Black Inc. ISBN  978-1-86395-382-5 .
  • Ryan, Judith (2008). Over Desert: Aboriginal Batik fra Sentral -Australia . Melbourne: National Gallery of Victoria. ISBN  978-0-7241-0299-0 .
  • Ryan, Judith; Carol Cooper og Joy Murphy-Wandin (2003). Husker Barak . Melbourne: National Gallery of Victoria. ISBN  0-7241-0222-1 .
  • Senatets miljø, kommunikasjon, informasjonsteknologi og kunstkomiteen (2007). Urfolkskunst - sikre fremtiden. Australias urfolks billedkunst og håndverkssektor . Canberra: Senatet. ISBN  978-0-642-71788-7 .
  • Thomas, Nicholas (1999). Besittelser. Urfolkskunst / kolonial kultur . London: Thames og Hudson. ISBN  0-500-28097-5

Eksterne linker