Albumtiden - Album era
Den album epoken var en periode i engelskspråklig populærmusikk fra midten av 1960 til midten av 2000-tallet, der albumet var den dominerende form for innspilt musikk uttrykk og forbruk. Det ble først og fremst av tre suksessive musikkinnspillingstid formater: den 33 Anmeldelse for 1. / 3- rpm LP-plate (LP) , den audiocassette , og den kompakte plate . Rockmusikere fra USA og Storbritannia var ofte i spissen for tiden, som noen ganger kalles album-rock-tiden med henvisning til deres innflytelses- og aktivitetsfære. Begrepet "albumtid" brukes også for å referere til markedsførings- og estetisk periode rundt en innspillingskunstners albumutgivelse.
LP -album ble utviklet på begynnelsen av 1900 -tallet og ble opprinnelig markedsført for klassisk musikk og velstående voksne forbrukere. Imidlertid dominerte singler fortsatt musikkindustrien, etter hvert gjennom suksessen til rock og roll -artister på 1950 -tallet, da LP -formatet ble brukt mer til lydspor , jazz og noen popopptak. Det var først på midten av 1960-tallet, da Beatles begynte å gi ut kunstnerisk ambisiøse og bestselgende LP-plater, at flere rock- og pophandlinger fulgte etter og bransjen omfavnet album til enorm suksess mens spirende rockekritikere validerte deres kulturelle verdi. I det neste tiåret hadde LP -en fremstått som en grunnleggende kunstnerisk enhet og et populært element blant unge mennesker, ofte markedsført med ideen om et konseptalbum , som ble ansatt spesielt av progressive musikere i både rock og soul .
På slutten av 1970-tallet, LP album opplevde en nedgang i salget, mens single formatet ble reemphasized av utviklingen av punk rock , disco , og MTV 's musikkvideo programmering. Plateindustrien bekjempet denne trenden ved gradvis å forskyve LP -plater med CD -plater, gi ut færre singler som var hits for å tvinge salget av de medfølgende albumene og øke prisene på CD -album i løpet av de neste to tiårene, da produksjonen økte. Suksessen til store popstjerner førte til utviklingen av en utvidet utrullingsmodell blant plateselskaper, markedsføring av et album rundt en fengende singelsingel , en musikkvideo som fanger oppmerksomhet, nye varer, mediedekning og en støttende konserttur . Kvinner og svarte musikere fortsatte å få kritisk anerkjennelse blant albumtidens overveiende hvite-mannlige og rockorienterte kanon, med den spirende hiphop- sjangeren som utviklet albumbaserte standarder i seg selv. På 1990 -tallet så musikkindustrien en alternativ rock- og countrymusikkboom , noe som førte til en inntektstopp på 15 milliarder dollar i 1999 basert på CD -salg. Imidlertid begynte utviklingen av fildelingsnettverk som Napster å undergrave formatets levedyktighet, ettersom forbrukere kunne rippe og dele CD -spor digitalt over Internett .
På begynnelsen av 2000 -tallet fremsto nedlasting og streaming av musikk som populære distribusjonsmidler, ettersom albumsalget led en kraftig nedgang og innspillingshandlinger generelt fokuserte på singler, noe som effektivt avsluttet albumtiden. Det kritiske paradigmet gikk også bort fra rock og mot mer innovative verk som ble produsert i pop og urban musikk , som dominerte platesalget på 2000 -tallet. Høyprofilerte pophandlinger fortsatte å markedsføre albumene sine seriøst, med overraskende utgivelser som en populær strategi. Mens salget av fysisk musikk falt ytterligere på verdensbasis, forble CD-en populær i noen land som Japan, delvis på grunn av markedsføringen og fanden om de mest solgte japanske idolartistene , hvis suksess representerte et voksende skifte fra den globale dominansen av store engelsk- språkhandlinger. På slutten av 2010 -tallet hadde konseptalbum kommet igjen med kulturelt relevante og kritisk vellykkede personlige fortellinger. I mellomtiden oppnådde pop- og rapartister de fleste albumstrømmene med minimal markedsføring som utnyttet den digitale tids forbrukskultur på forespørsel, som ble radikalisert ytterligere av COVID-19-pandemien .
Forhistorien
Den teknologiske utviklingen på begynnelsen av 1900 -tallet førte til omfattende endringer i måten innspilt musikk ble laget og solgt på. Før LP-en hadde standardmediet for innspilt musikk vært 78 rpm grammofonplaten , laget av shellac og med en tre-til-fem minutters kapasitet per side. Kapasitetsbegrensningene satte begrensninger på komponentprosessene for innspillingskunstnere, mens skjellakkens skjørhet førte til emballasje av disse postene i tomme hefter som lignet fotoalbum , med vanligvis brunt farget innpakningspapir som omslag. Innføringen av polyvinylklorid i plateproduksjon førte til vinylplater, som spilte med mindre støy og mer holdbarhet.
På 1940-tallet ble markedet for kommersielle og hjemmebrukte innspillinger dominert av de konkurrerende RCA Victor og Columbia Records , hvis sjefingeniør Peter Carl Goldmark var banebrytende for utviklingen av den 12-tommers vinylplaten (LP) . Dette formatet kan holde opptak så lenge som 52 minutter eller 26 minutter på hver side, med en hastighet på 33 Anmeldelse for 1. / 3- omdr./min, og var spilles med en liten tupp "mikrorille" stylus beregnet for hjemmeavspillingssystemer . Offisielt introdusert i 1948 av Columbia, ble LP-plater kjent som "platealbum", betegnet som referanse til fotoalbumlignende 78 emballasje. En annen innovasjon fra Columbia var tillegg av grafisk og typografisk design til albumjakkeomslag, introdusert av Alex Steinweiss, etikettens art director. Musikkindustrien ble oppmuntret til den positive effekten på LP -salget, og tok på seg illustrerte albumomslag som standard på 1950 -tallet.
.jpg)
Opprinnelig ble albumet først og fremst markedsført for lyttere av klassisk musikk , og den første LP -en som ble utgitt var Mendelssohn: Concerto in E Minor for Fiolin and Orchestra Op. 64 (1948) av Nathan Milstein og Philharmonic-Symphony Orchestra of New York . Filmspor , Broadway viser innspillinger , jazzmusikere og noen popsangere som Frank Sinatra brukte snart det nye lengre formatet. Spesielt jazzartister, som Duke Ellington , Miles Davis og Dave Brubeck , foretrakk LP-en fremfor hvordan dens kapasitet tillot dem å spille inn komposisjoner med konsertlange arrangementer og improvisasjoner . Den originale Broadway -innspillingen av musikalen Kiss Me, Kate (1949) solgte 100 000 eksemplarer i den første utgivelsesmåneden, og sammen med South Pacific (som toppet albumlistene i 63 uker) ga den mer oppmerksomhet til LP -plater, mens Broadway cast innspilling av My Fair Lady ble den første LP -en som solgte en million eksemplarer. På 1950-tallet og inn på 1960-tallet ble sju-tommers enkeltsalg på 45 rpm fremdeles ansett som hovedmarkedet for musikkindustrien, og album forble et sekundært marked. Karrieren til bemerkelsesverdige rock and roll -artister som Elvis Presley ble hovedsakelig drevet av enkeltsalg.
1960 -tallet: Begynnelsen i rocketiden
Beatles ankomst til USA i 1964 blir kreditert av musikkskribentene Ann Powers og Joel Whitburn som varsler om den "klassiske albumtiden" eller "rockalbumtiden". I sin Concise Dictionary of Popular Culture , Marcel Danesi kommentarer som "albumet ble en sentral del av den motkulturelle bevegelsen på 1960-tallet, med sine musikalske, estetiske og politiske temaer. Fra dette, den ' konseptalbum ' dukket opp, med æra blir kalt "albumtiden" ". Dansei siterer Beatles 'album Rubber Soul fra 1965 som et av æraens første konseptalbum. I følge mediefaglærer Roy Shuker, med utviklingen av konseptalbumet på 1960 -tallet, "endret albumet seg fra en samling heterogene sanger til et fortellende verk med et enkelt tema, der individuelle sanger segrerer i hverandre", "forent av et tema, som kan være instrumental, komposisjonelt, fortellende eller lyrisk ". På den annen side sier populærkulturhistorikeren Jim Cullen at konseptalbumet "noen ganger [feilaktig] antas å være et produkt av rocketiden", med The AV Club -forfatter Noel Murray som argumenterer for at Sinatras LP -er fra 1950 -tallet, for eksempel In the Wee Small Hours (1955), hadde tidligere vært pionerer i formen med sine "tematisk koblede sanger". På samme måte observerer Will Friedwald at Ray Charles også hadde gitt ut tematisk enhetlige album på begynnelsen av 1960-tallet som gjorde ham til en stor LP-artist innen R & B , og toppet seg i 1962 med de høyt solgte Modern Sounds in Country og Western Music .
I følge musikkhistoriker Bill Martin var utgivelsen av Rubber Soul i desember 1965 "vendepunktet" for populærmusikk, for det første at " albumet fremfor sangen ble den grunnleggende enheten for kunstnerisk produksjon." Forfatter David Howard er enig og sier at "pops innsatser hadde blitt hevet inn i stratosfæren" av Rubber Soul og at "plutselig handlet det mer om å lage et flott album uten fyllstoff enn en flott singel." I januar 1966 refererte magasinet Billboard til åpningssalget til Rubber Soul i USA (1,2 millioner eksemplarer over ni dager) som bevis på at tenåringsrekordkjøpere tiltrekker seg LP-formatet. Selv om det var i tråd med bransjenormen i Storbritannia, bidro mangelen på en hitsingel på Rubber Soul til albumets identitet i USA som en selvstendig kunstnerisk uttalelse.
Etter Beatles 'eksempel ble det gitt ut flere rockealbum som var ment som kunstneriske uttalelser i 1966, inkludert Rolling Stones ' Aftermath , Beach Boys ' Pet Sounds , Bob Dylan 's Blonde on Blonde , Beatles' egen Revolver og Who ' s En rask . Musikkjournalist Mat Snow siterer disse fem utgivelsene, sammen med Otis Reddings LP fra Otis Blue fra 1965 , som bevis på at "albumtiden var her, og selv om hitsingler fortsatt var viktige, var de ikke lenger popens viktigste pengespinnere og kunstneriske utsagn. " I følge Jon Pareles tjente musikkindustrien enormt og omdefinerte sin økonomiske identitet på grunn av epokens rockemusikere, som "begynte å se seg selv som noe mer enn leverandører av flyktige hitsingler". I tilfelle av den britiske musikkindustrien, forvirret den kommersielle suksessen til Rubber Soul og Aftermath forsøk på å gjenopprette LP-markedet som domenet til velstående, voksne platekjøpere. Fra begynnelsen av 1966 opphørte plateselskapene der sin politikk for å promotere voksenorienterte underholdere over rockeakter, og omfavnet budsjettalbum for deres lavere selgende artister for å imøtekomme den økte etterspørselen etter LP-plater.
The Beatles 'album fra 1967 Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band blir identifisert av Rolling Stone -assisterende redaktør Andy Greene som markering "begynnelsen på albumtiden", en referanse ekko av Scott Plagenhoef fra Pitchfork ; Greene legger til at "det var det store smellet av album". Chuck Eddy refererer til "high album era" som begynte med Sgt. Pepper . Utgivelsen i mai 1967 falt sammen med fremveksten av dedikert rockekritikk i USA og intellektuelle som forsøkte å posisjonere popalbum som gyldige kulturverk. Musikkhistoriker Simon Philo skriver at, bortsett fra nivået på kritisk anerkjennelse den mottok, "platens [kommersielle] suksess innledet en epoke med albumorientert rock , og radikalt omformet hvordan popmusikk fungerte økonomisk." Sgt. Forsterket sin kreative ambisjon . Pepper ble pakket i en gatefold -erme med et tekstark, noe som karakteriserer en trend der musikere nå ga medarbeidere fra kunstverdenen i oppdrag å designe LP -ermene og presenterte albumene sine for plateselskapet for utgivelse. Greg Kot sa at Sgt. Pepper introduserte en mal for både å produsere albumorientert rock og konsumere den, "med lyttere som ikke lenger vrir natten bort til et utvalg av tre minutter lange singler, men mistet seg selv i en rekke 20-minutters album sider, og tok en reise ledet av kunstneren. " På grunn av sin sammenhengende musikalske estetikk, blir det ofte sett på som et konseptalbum.
Den klassiske albumtiden begynner rundt denne tiden, og den kanoniserer musikk på en helt annen måte enn når du hører en singel. Og det er en kraftig grunn til at musikken forblir så resonans, fordi albumet er som en roman satt til musikk. Det er skjemaet vi deler med barna våre og skjemaet vi lærer og skjemaet vi samler inn.
- Ann Powers (2017)
I spissen for Sgt. Pepper , 1967 så en større produksjon av kunstnerisk innovative og anerkjente rockealbum fra blomstrende musikkscener i både USA og Storbritannia. Disse ble ofte akkompagnert av populære singler og inkluderte Stones ' Between the Buttons (med den tosidige singelen " Ruby Tuesday "/" Let's Spend the Night Together "), Cream 's Disraeli Gears (med bandets mest kjente sang " Sunshine of Your Love "), og Who's The Who Sell Out , som inkluderte hits som " I Can See for Miles " i rammen av et konseptalbum som satiriserer kommersialisme og radio. I mellomtiden ble Jimi Hendrix " Purple Haze " (1967) gitt ut som "debutsingel av Album Rock Era", ifølge Dave Marsh . Danesi siterer Beatles ' White Album fra 1968 sammen med Sgt. Pepper som en del av epokens fremvekst. Shuker siterer We Only in It for the Money (1967) av The Mothers of Invention og Arthur, eller Decline of the British Empire (1969) av Kinks som påfølgende konseptalbum, mens han la merke til en undersett av formen i rockoperaer som som Pretty Things ' SF Sorrow (1968) og Who's Tommy (1969).
I følge Neil Strauss begynte "album-rock-tiden" på slutten av 1960-tallet og omfattet til slutt LP-plater av både rock- og ikke-rockeartister. I følge Ron Wynn hjalp singer-songwriteren og multiinstrumentalisten Isaac Hayes med å bringe soulmusikk inn i "konseptalbumtiden" med albumet Hot Buttered Soul fra 1969 , som lyktes kommersielt og introduserte flere eksperimentelle strukturer og arrangementer til sjangeren. Også blant soulsangere siterer Robert Christgau Redding som en av sjangerens "få pålitelige langformede artister" (med Otis Blue som hans "første flotte album"), i tillegg til Aretha Franklin og hennes serie med fire "klassiske" LP-er for Atlantic Records , fra I Never Loved a Man the Way I Love You (1967) til Aretha Now (1968), som han sier etablerte en "estetisk standard" for "rytmisk stamp og fengende sanger". Denne serien sammenlignes av Christgau med lignende "produktive" serier fra Beatles, Stones og Dylan i samme tiår, samt påfølgende serier av Al Green og Parliament-Funkadelic . Rolling Stones 'firealbum som startet på slutten av 1960-tallet med Beggars Banquet (1968) og Let It Bleed (1969)-og avsluttende med Sticky Fingers (1971) og Exile on Main St. (1972)-er også høyt ansett, med kulturhistorikeren Jack Hamilton som kalte det "en av de store vedvarende kreative toppene i all populærmusikk".
1970 -tallet: Gullalderen til LP -en
Perioden fra midten av 1960 -tallet til slutten av 1970 -årene var epoken med LP -en og "gulltiden" til albumet. Ifølge BBC Four 's Når Albums Ruled the World (2013), "Dette var de årene da musikkbransjen eksploderte til å bli større enn Hollywood ." "Albumtiden hadde innledet forestillingen om rocksanger som en artist som er verdt å ta hensyn til for mer enn lengden på et hit", observerte Pareles senere. "Utøvere kan bli levende tilstedeværelse for fansen selv om de ikke var allestedsnærværende på topp 40 , og lojaliteter ble dannet som fortsetter [d] til [1990 -tallet] for noen artister på 1960- og 1970 -tallet, fra Kinks til Michael Jackson til Sting . " Blant dem som dukket opp på 1970-tallet var Bruce Springsteen , som Powers kaller "den typiske rockestjernen i albumtiden" for hvordan han "brukte langspillerformen seg sterkere over en karrieres bue, ikke bare for å etablere en verden gjennom sang, men for å leve i en varig personlighet ".
Progressive rock- og soulmusikere benyttet svært konseptuelle albumorienterte tilnærminger på 1970-tallet. Pink Floyd ga ut tematisk konseptuelle og intrikat produserte LP -er som gjenoppfant standarder innen rock gjennom det neste tiåret, spesielt med albumet The Dark Side of the Moon fra 1973 . Musiker-produsenten Brian Eno dukket opp gjennom et frodig arbeid som grundig utnyttet formatet med gradvis eksperimentelle tilnærminger til rock, og nådde toppen gjennom albumtiden med sine soloopptak samt album av Roxy Music , David Bowie , Talking Heads og U2 . Under Berry Gordys ledelse ved souletiket Motown , fikk singer-songwriterne Marvin Gaye og Stevie Wonder kreativ kontroll for å nærme seg albumene mer seriøst i det som generelt sett hadde vært en enkeltfokusert sjanger, noe som førte til en rekke innovative LP-plater fra de to etter hvert som tiåret fulgte. For sitt nyskapende arbeid var Gaye og Wonder de få unntakene fra det Marc Hogan fra Pitchfork observerer ville bli en overveiende hvit-mannlig "rock-fylt kanon" i løpet av albumtiden, en som i stor grad ekskluderte verk av kvinnelige og afroamerikanske musikere.
I følge Eric Olsen var Pink Floyd "det mest eksentriske og eksperimentelle multi-platina-bandet i albumrocktiden", mens reggae- artisten Bob Marley var "den eneste ruvende figuren i rocketiden ikke fra Amerika eller Storbritannia" 1970 Joni Mitchell LP Ladies of the Canyon blir ofte sett på som en av albumtidens viktigste plater. Produksjonene til Bob Ezrin - som jobbet på album fra 1970 -tallet av Alice Cooper og Kiss ' Destroyer (1976) - blir også fremhevet fra denne epoken. Som musikkjournalist James Campion skriver: "Albumtiden fra 1970 -tallet passet perfekt til hans filmatiske tilnærming. Formatet, med sine to sider, som om to akter i et teaterstykke med mellomrom, gir en avgjørende bue i historiefortellingen." Sammen med LP-platen var 8-spors båndet et annet format populært i USA i denne perioden.
Campion utdypet 1970 -tallets LP -estetikk og identifiserer kulturelle og miljømessige faktorer som i hans sinn gjorde formatet ideelt for unge mennesker i løpet av tiåret. Han beskriver den "ensomme atmosfæren" som tilbys lytterne av platespilleren og hodetelefonene, som "innhyllet [dem] i intrikat stereopanning, atmosfæriske lyder og flersjikt vokal -lureri". Warren Zanes ser på den smarte sekvensen av LP-spor som "albumtidens mest under anerkjente kunst". Populariteten til fritidsmedisiner og stemningslamper på den tiden ga ytterligere innstillinger for mer fokuserte lytteopplevelser, slik Campion bemerker: "Dette holdt lytteren glad for hver sang: hvordan den ene strømmet inn i den andre, det sammenhengende lyriske innholdet og meldingen av instrumentering. "
.jpg)
Sammenlignet med fremtidige generasjoner, forklarer Campion at folk som vokste opp på 1970 -tallet fant større verdi i albumlytting, delvis på grunn av deres begrensede tilgang til andre hjemmeunderholdningsapparater: "Mange av dem klarte ikke å kontrollere familie -TV -en eller til og med kjøkkenradio. Dette førte til prioritering av soverommet eller ovenpå hiet ". Campion beskriver denne innstillingen som en "fantasikapsel" for tidens lyttere, som "låste seg inne i hodetelefonens drømmebild, studerte hvert hjørne av det 12-tommers kunstverket og dypet dypere i lyrisk subtekst, enten på måter som var bestemt av artisten eller ikke" . Andre kulturelle påvirkninger fra den tiden informerte også lytteopplevelsene, ifølge Campion, som siterer skrekk- og science fiction -fantasier og bilder fra tegneserier , samt reklame , propaganda og "det amerikanske løftet om storhet ". I sin analyse konkluderer Campion: "Som om de satt i sitt eget teater i sinnet ... de var villige deltakere i den lekne slyngingen av rock-and-roll-heltene sine." Pareles legger til denne observasjonen og sier: "Suksessive sanger blir en slags fortelling, holdt sammen av bildet av og fantasier om utøveren." Som "lytternes hengivenhet og fascinasjon ... overført fra en hit eller en rekke hits, til sangeren", utviklet spesielt vellykkede innspillingsartister en "stayerevne" blant publikum, ifølge Pareles.
Dommene var enklere i popens tidlige dager, blant annet fordi rock and roll var designet for å bli konsumert i tre minutters take-it-or-leave-it-segmenter. Fremveksten av LP -en som en form - som en kunstnerisk enhet, som de pleide å si - har komplisert hvordan vi oppfatter og husker det som en gang var den mest flyktige av kunsten. Albumet kan vise seg at en totem -briefer -konfigurasjon fra 70 -tallet gjorde et comeback innen tiårets slutt. Men på 70 -tallet vil det forbli den grunnleggende musikalske enheten.
- Christgau's Record Guide: Rock Albums of the Seventies (1981)
Ifølge Hogan, med Sgt. Etter at Pepper var drivkraften, ble ideen om et "konseptalbum" et markedsføringsverktøy på 1970 -tallet, ettersom "ingen mangel på band brukte foregivelsen" kunst "for å selge titalls millioner plater." Med henvisning til enormt vellykkede album som The Dark Side of the Moon for å lede trenden, sier Hogan at "platesalget gikk oppover" gjennom midten av 1970 -tallet. I 1974 nådde "dollarsalget av plater og kassetter i USA et rekordhøydepunkt på 2,2 milliarder dollar", ifølge World Book Encyclopedia , med pop- og rockopptak som utgjør to tredjedeler av alt innspilt musikksalg. Boken tilskriver dette imidlertid delvis en økning i rekordpriser gjennom året, mens estimering av det faktiske antallet netto LP -salg hadde redusert fra 280 millioner til 276 millioner eksemplarer og merket en økning i kassettsalget fra 108 millioner til 114 millioner. Etter hvert som plateselskaper konsentrerte seg om pop og rock, ble utgivelser i andre sjangere som klassisk, jazz og lett å lytte marginalisert i markedet. Mange jazzartister i løpet av denne perioden spilte inn crossover- LP-er med popvennlige sanger for å øke platesalget.
I 1977 hadde albumsalget begynt å "tikke nedover", ifølge Hogan. Pareles tilskriver denne tilbakegangen til utviklingen av punkrock og disco på slutten av 1970 -tallet: "Punk returnerte fokuset til den korte og bråkete sangen. Disco konsentrerte seg om det fysiske øyeblikket når en sang får en kropp til å bevege seg." Christgau sa på samme måte, "estetikken til singlene begynte å slå seg tilbake med disco og punk", noe som antydet at dette avsluttet "High Album Era". I en annen analyse observerte historikeren Matthew Restall i denne perioden populære handlinger som sliter med å opprettholde det høye suksessnivået de tidligere albumene ga. Siterer den skuffende mottakelser av Elton John 's Blå Moves (1976) og Fleetwood Mac ' s Tusk (1979), sa Restall, "[Dette] er dramatiske eksempler på hvordan plateartister i flott album era ... led mottaker slutten av en forventningshorisont. "
1980–1990 -tallet: Konkurrerende formater, markedsføringstaktikk
Fallet med LP-platesalg på slutten av 1970-tallet markerte slutten på den LP-drevne "gullalderen", ettersom musikkindustrien møtte konkurranse fra en kommersiell gjenoppblomstring i filmindustrien og populariteten til arkadespill . Suksessen til MTV 's musikkvideo programmering også reemphasized det enkelt format på 1980-tallet og begynnelsen av 1990-tallet. I følge Pareles ble det snart klart at "etter album-rock-epoken på 1970-tallet, hjalp MTV med å bringe hit-singelen til prominens som et popmarkedsføringsverktøy" og påvirket platekjøpers forbrukende vaner mot mer "engangsslag".
Popstjerner på 1980 -tallet, som Michael Jackson og Madonna , var i stand til å skape interesse for albumene sine ved å gi ut en singel eller musikkvideo til MTV. Dette førte til utviklingen av den moderne albumlanseringen, som var ment å drive et album markedsføringsmoment i en lengre periode, fra mange uker og måneder til mer enn et år. "Over tid ble det en uuttalt (og til slutt bakt inn i budsjettet) sjekkliste for å gi ut et popalbum med store etiketter", skriver Gribjournalist Justin Curto, som siterer elementer i denne modellen for å være en positiv singel, en oppmerksomhet -grabbing av musikkvideo, presseomtale, nye varer og kunngjøring om en støttende konserttur . Avhengig av utsalgssteder som MTV som utelukkende spilte hitlåter, la plateselskapene mer press på innspillingshandlinger for å oppnå umiddelbar kommersiell suksess og salgbarhet. "1980- og 1990 brakte rekordsalg til nye topper mens utøverne selv hadde en tendens til å blinke og brenne ut", som Pareles krøniker.
På begynnelsen av 1980 -tallet slet kritikere først med å forene fremveksten av punk -singler i deres forestillinger om den hierarkiske LP -kanonen. Imidlertid oppnådde The Clash 's London Calling (1979) og andre punk -LPer snart anerkjennelse på rangeringene til de største albumene. Etter hvert som tiåret fulgte, dukket Prince , Kate Bush og Public Enemy opp som ytterligere unntak i albumet som hovedsakelig var hvit-mann og rockorientert. Hiphop -artister oppnådde også en tilsvarende kritisk statur gjennom en rekke vellykkede album senere på tiåret. Fra og med mai 1986-utgaven av Run-DMC 's Raising Hell , som solgte mer enn tre millioner eksemplarer, inkluderte disse Beastie Boys ' Licensed to Ill (1986), Boogie Down Productions ' Criminal Minded (1987), Public Enemy's Yo! Bum Rush the Show (1987), og Eric B. & Rakim 's Paid in Full (1987). I følge The Boombox- skribenten Todd "Stereo" Williams initierte dette hiphopens "gullalder" så vel som sjangerens egen "albumtid" fra slutten av 1980-tallet til slutten av 1990-tallet, hvor "hip-hop-album ville være målepinnen som de fleste av sjangerens storheter ville bli dømt etter ". Som svar på raskt utviklede trender i disse siste tiårene av albumtiden, ble sjangere og formater ofte omdøpt eller omgruppert, for eksempel kategorisering av tidligere " pop/rock " -musikk i " classic rock " -formatet.
I løpet av 1980 -årene konsoliderte albumformatet sin dominans av det innspilte musikkmarkedet, først med fremveksten av kassetten. I følge PC Mag -spaltist John C. Dvorak , "albumtiden hadde resultert i for mange album med bare en god sang på hver av dem, så kassetter lot brukerne lage sine egne mikser ", en trend som ble fremskyndet av introduksjonen av Sony Walkman i 1979. Innføringen av CD -en , sammen med den bærbare Discman -spilleren i 1984, begynte forskyvningen av LP -plater på 1980 -tallet som standardalbumformat for musikkindustrien. I følge Hogan, "spredningen av kassetter og CDer på 80 -tallet brøt albumet med hjemmetaping og lettere sanghopping". I 1987 opplevde musikkindustrien sitt mest lønnsomme år ennå på grunn av CDens økte popularitet, fremhevet av markedsføringssuksesser som Jackson, U2, Bruce Springsteen, Prince, Paul Simon , Whitney Houston , Sting , Bon Jovi og Def Leppard , de to sistnevnte representerte en pop metal -boom i bransjen. Selv om netto enhetssalg faktisk hadde gått ned, rapporterte Christgau i september 1987 at CD -er prissatte LP -plater og kassetter solgte dem ut, selv om kassetten til slutt også ville bli fortrengt av CD -en. I 1988, som svar på tiårets utvikling, spådde sosiomusikolog Simon Frith en forestående slutt på " platetiden " og kanskje "popmusikk slik vi kjenner den".
I overgangen til CD-er ble velrenommerte album fra fortiden utgitt på nytt på formatet av de originale plateselskapene, eller etiketten som albumet hadde blitt overført til for eksempel i tilfelle originalen ble stengt. I 1987 var utgivelsen av Beatles komplette studiokatalog spesielt populær blant forbrukere fra babyboomer- generasjonen, som også var målgruppen for to klassiske rockefilmer- Chuck Berry- hyllesten Hail! Hagl! Rock 'n' Roll and the Ritchie Valens biopic La Bamba (med tilhørende lydspor ) - og Elvis Presley -samlinger til minne om 10 -årsjubileet for hans død. Imidlertid ble mange eldre verk oversett for digital nyutgivelse "på grunn av juridiske og kontraktsmessige problemer, så vel som enkelt tilsyn", forklarer Strauss. I stedet ble slike plater ofte gjenoppdaget og samlet gjennom kassegravingspraksis for nordamerikanske hiphop -produsenter som søker sjeldne lyder å prøve for sine egne innspillinger. I sin beretning om 1980-tallets hiphop-kassegravere skriver media- og kulturteoretikeren Elodie A. Roy: "Etter hvert som de gikk etter andrehandelsbutikker og salg av bilstøvler-forekomster av uønsket kapitalistisk overskudd-ville gravere komme til å støte på mainstream-riker. masseproduserte LP-plater falt nå av nåde og mote. " Denne utviklingen bidro også til fenomenet "populær samler", som materialkulturforsker Paul Martin beskriver som de som generelt er interessert i "tilgjengelige, rimelige og tiltalende" varer - for eksempel musikkutgivelser - og attributter til masseproduksjon .
I følge Pareles, etter at "den enkelte sangen kom tilbake som popenhet" gjennom 1980 -tallet, begynte plateselskaper på slutten av tiåret å avstå fra å gi ut hitsingler som et middel til å presse forbrukerne til å kjøpe albumet som singelen inneholdt. På slutten av 1980-tallet falt syv-tommers vinylsingler for vinyl og ble nesten helt fortrengt av kassettsingler , som ikke til slutt solgte like godt som album. Albumproduksjonen økte på 1990 -tallet, og Christgau tilnærmet 35 000 album verden over ble utgitt hvert år i løpet av tiåret. I 1991 ble Nirvanas album Nevermind gitt ut til kritikerroste og solgte mer enn 30 millioner eksemplarer over hele verden, noe som førte til en alternativ rockeboom i musikkindustrien. En samtidig countrymusikkboom ledet av Garth Brooks og Shania Twain kulminerte med mer enn 75 millioner countryalbum som ble solgt i 1994 og 1995, da rapmarkedet også økte raskt, spesielt gjennom suksessen til kontroversielle gangsta rap -handlinger som Dr. Dre og Snoop Dogg . I mellomtiden var levering av en sang av musikk til forbrukeren nesten ikke-eksisterende, i hvert fall i USA, og i 1998 avsluttet Billboard kravet om en fysisk singel for å bli inkludert på Hot 100- singellisten etter at flere av årets store hits ikke var utgitt som singler for forbrukere. I 1999 nådde musikkindustrien som helhet en kommersiell topp med 15 milliarder dollar i rekordsalgsinntekter, hovedsakelig fra CD-plater.
Nirvana's Nevermind siteres av Eddy omtrent som slutten på "high album era", selv om Strauss skrev i 1995 at "album-rock-tiden" fremdeles var i kraft. Som en annen "sluttpunkt", sier Hogan kritikere har ofte kalt Radiohead 's elektronisk -influenced 1997 album OK Computer , som utviklet seg grensene for rock musikk samtidig oppnå en dobbel grad av mainstream og kritisk suksess matches av noen "gitarbasert full- lengde "arbeid i de påfølgende tiårene. Kot observerte i mellomtiden en nedgang i integritet blant industrien og kunstnerne. Han antydet at forbrukere hadde blitt utnyttet gjennom 1990-tallet ved å øke prisene på CD-album, som var billigere å produsere enn vinylplater, og hadde lengre kjøretider med betydelig lavere kvalitet på musikk. Mens han anerkjente noen innspillingshandlinger som fortsatt forsøkte å følge idealer fra tidligere i albumtiden, sa han at de fleste hadde fraskrevet seg ansvaret som artister og historiefortellere og omfavnet overbærende innspillingspraksis for å tjene på CD -bommen.
2000 -tallet: Nedgang i den digitale tidsalderen, skift til pop og urban
På begynnelsen av 2000 -tallet publiserte Kot en falsk nekrolog for 33 1 ⁄ 3 rpm LP -skjemaet i Chicago Tribune . I den argumenterte han for at LP -en hadde blitt "foreldet av MP3 -nedlastinger, filmlydspor og CD -shufflere - for ikke å snakke om videospill, kabel -TV, Internett og den verdensomspennende eksplosjonen av medier som tar til seg oppmerksomheten over det som pleide å bli kjent som albumkjøpere. " I 1999 Internett peer-to-peer fildelingstjeneste Napster lov Internett-brukere å enkelt laste ned enkeltsanger i MP3 -format, som hadde blitt dratt fra digitale filer på CDer. Midt i Napsters fremvekst i 2000 spådde David Bowie i et intervju at albumtiden ville ende med musikkindustriens uunngåelige omfavnelse av digitale musikkfiler. I begynnelsen av 2001 nådde Napster -bruken en topp med 26,4 millioner brukere over hele verden. Selv om Napster ble stengt senere samme år for brudd på opphavsretten, tok flere andre musikknedlastningstjenester sin plass.
I 2001 Apple Inc. 's iTunes ble tjenesten lansert, og iPod (en forbrukervennlig MP3-spiller) ble løslatt senere samme år, snart selskap av lignende lovlige alternativer. Dette, sammen med en fortsatt økning i ulovlig fildeling, førte til en kraftig nedgang i salget av innspilt musikk på fysiske formater de neste tre årene. Salget gjenopprettet kort tid i slutten av 2004 da bransjen registrerte omtrent 667 millioner solgte album, ledet med 8 millioner fra Confessions by Usher , hvis suksess eksemplifiserte urban musikk sin kommersielle dominans av pop i tiåret. Eminem og 50 Cent var blant de store suksessene med rapboomen som hadde fortsatt fra forrige tiår. Bekjennelser og Eminems The Eminem Show (2002) ville begge bli sertifisert Diamond av Recording Industry Association of America , og nådde 10 millioner eksemplarer solgt hver innen utgangen av tiåret.
De mest innovative og kulturelt relevante platene ble også produsert i urbane sjangere R&B , hiphop og pop, inkludert album av Kanye West og D'Angelo samt produksjonene av Timbaland og Neptunes . For kritikerne, disse arbeidene ble en annen form for full-lengde art pop records som hadde definert albumet æra med et rockegitarbasert tradisjon, som ble komplisert ytterligere ved den kanoniske anerkjennelse gis til Radioheads elektronisk post-rock album Kid A (2000 ). Sviktende å matche landemerke salg av OK Computer , de mest anerkjente rockealbum fra tidlig på 2000-tallet ofte revisited eldre lyder, som med de Strokes ' er det dette (2001), The White Stripes ' hvite blodlegemer (2001), og Interpol ' s Slå på Bright Lights (2002), eller rett og slett manglet Radioheads omfattende produksjons- og markedsføringsbudsjett, som i tilfellet av Arcade Fire 's Funeral (2004). Denne utviklingen førte til at rockens kommersielle og kulturelle prestisje ble mindre og det kritiske paradigmet skiftet fra rockisme til poptimisme i de påfølgende årene.
I mellomtiden møtte musikkindustriens evne til å selge album fortsatt trusler fra piratkopiering og konkurrerende medier, for eksempel DVDer, videospill og nedlasting av enkeltsanger. I følge Nielsen SoundScans data for 2004 hadde digitale spor solgt mer enn 140 millioner eksemplarer til omtrent 99 cent hver fra nettleverandører som iTunes, noe som indikerer at forbrukere foretrakk å laste ned individuelle sanger fremfor det rimeligste albumet i sin helhet. I 2006 var CD -salget for første gang i undertall av enkeltnedlastinger, med digitale musikkforbrukere som kjøpte singler over album med en margin på 19 til 1. I 2009 hadde albumsalget mer enn halvert siden 1999, fra 14,6 til 6,3 milliarder dollar industri. Også på dette tidspunktet hadde dance-pop etterfulgt urban musikk som den dominerende sjangeren på topp 40 radio , med popartister som Rihanna som dukket opp i løpet av denne perioden og baserte karrieren sin på digitale singler i stedet for albumsalg. Veteranrockhandlinger som U2 blomstret bedre gjennom høsten av albumsalg bedre enn yngre handlinger på grunn av en lojal tilhengerskare som fremdeles holdt et vedlegg til formatet. "Barn av albumtiden som de var, U2 ville aldri slutte å betrakte albumet som kjerneerklæringen for deres kreativitet" til tross for gradvis lavere salg, sier Mat Snow og bemerker at liveshow derfor ble deres største inntektskilde.
_002.JPG)
Med fremveksten av digitale medier på 2000 -tallet hadde den "populære samleren" av fysiske album gått over til den "digitale" og "elektroniske" samleren. Av slike samlere sier Roy at det kan argumenteres for at de "ikke er utstyrt med tilstrekkelig arkivkunnskap eller verktøy for å bevare samlingen hans i det lange løp", med henvisning til den sårbare holdbarheten til digitale filer. Samtidig tillot bortfallet av fysiske musikkbutikker at nettsteder kunne dukke opp som domener for albuminnsamling, inkludert musikkanmeldelsesdatabasen AllMusic , strømmetjenesten Spotify og Discogs , som begynte som en musikkdatabase før de utviklet seg til en online markedsplass for utgivelser av fysisk musikk .
Uttrykket "albumets død" ble brukt i media under nedgangen, og tilskrives det vanligvis internettdeling og nedlasting, og de skiftende forventningene til musikklyttere. Capitol-EMIs administrerende direktør Jeff Kempler sa i 2007 at færre artister vil forfølge albumorienterte kampanjer, mens medieforsker Aram Sinnreich spådde plutselig albumets død med forbrukere som lyttet til spillelister på sine MP3-spillere i stedet. I et intervju flere år senere trodde Lee Phillips fra det californiske underholdningsadvokatfirmaet Manatt, Phelps & Phillips at albumtiden var slutt og beskyldte plateselskaper for å ikke ha anerkjent at streaming var uunngåelig som det favoriserte middelet for musikkdistribusjon og for ikke å jobbe med Napster på en løsning.
2010- til nåtid: Post-albumtiden og strømningsalderen
Musikkbransjens innsidere og forfattere på 2010-tallet, som Jon Caramanica og Kevin Whitehead , har beskrevet denne perioden i albumets historie som "tiden etter albumet". I løpet av tiåret har plateselskaper generelt investert i streamingplattformer som Spotify og Pandora Radio , med strategier fokusert på kuraterte spillelister og individuelle spor i stedet for album. Spesielt Spotify ble en dominerende og omdefinert plattform for musikkforbruk i løpet av 2010 -årene. Court Mann rapporterte senere på tiåret for Deseret News at "tjenester som Spotify og Apple Music har flyttet [musikk] -bibliotekene våre fra personlige harddisker, iPod-er og CD-er og inn i skyen . Musikken vår blir stadig mindre selvstendig og privat . " I 2011 økte netto albumsalget i USA for første gang siden 2004 - med noen forfattere som tilskrev det Adele 's sleeper på 21 i 2011 (på 5,8 millioner enheter og mer enn tre millioner CD -er solgt innen januar 2012) - men fortsatte å faller igjen neste år. Ettersom forbrukere forlot album, fokuserte flere utøvere på å gi ut singler, en trend som kritikere følte underminerte deres kunstneriske potensial og produserte mange en-hit-underverk . Kritikere, som først og fremst hadde skrevet anmeldelser av album i formatets dominans -æra, hadde imidlertid også begynt å gjennomgå enkeltsanger.
Mens albumet formatet var "død" kommersielt, høyprofilerte artister som U2, 1975 , Taylor Swift og Katy Perry fortsatt presenterte sitt arbeid innen en egendefinert "album era", sier Peter Robinson av The Guardian . Slike artister presenterte prosjektets estetiske levetid i stil med albumkampanjer med tema av tidligere handlinger som Bowie, Madonna og Pet Shop Boys . Album ble markedsført i ekstravagant, performance -lignende produktlanseringer som nådde "nadir" i 2013, ifølge Vulture forfatter Lindsay Zoladz, som siterer de mislykkede forsøk på handlinger som Kanye West, Arcade Fire, og Lady Gaga til å bruke visuell kunst og offentlige innstillinger i strategien: "Gagas komisk overdrevne ARTPOP -kampanje inneholdt en Jeff Koons -skulptur og en pressekonferanse der hun avduket 'VOLANTIS, verdens første flygende kjole'; Daft Punk spilte inn endeløse VH1 Classic Albums - like reklamesteder som minnet tilfeldig Få tilgang til minner før noen hadde hørt det ... og hvem kan glemme [Perry] som kjørte gjennom LAs gater i en forgylt 18-hjuling som skrek KATY PERRY PRISM 10-22-13 og så uhyggelig ut som en ti- tonn murstein med Cracker Barrel ost? " Til tross for dette forble Swift musikkindustriens ledende tilhengere og omhyggelige planlegger for kampanjer fra albumtiden gjennom tiåret, og skapte en særegen kunst av strategien, etter Curtos mening.
På midten av 2010 -tallet hadde populære innspillingsartister omfavnet overraskelsesalbumet som en utgivelsesstrategi, og ga ut albumene sine med liten eller ingen forhåndsannonsering og promotering, delvis som en måte å bekjempe lekkasjer på Internett . Denne strategien ble datert på forhånd av Radiohead og Bowie, men popularisert av Beyoncé med hennes selvtitulerte album i 2013, noe som førte til det Zoladz i 2015 kalte den "nåværende overraskelsesalbumet". Året etter gjentok sangeren strategien med sitt Lemonade -album og beviste igjen " Zeitgeist kunne fanges og holdes på bare en natt", som Curto forklarer. Imidlertid rapporterte Zoladz en "kollektiv tretthet" blant profesjonelle kritikere og tilfeldige lyttere fra å holde kontakten med overraskelsesutgivelser og nyhetssyklusen i sosiale medier rundt dem. Hun bemerket også Drakes evne til å opprettholde sin populære appell over tid mer med enkeltsporutgivelser og dermed mestre den digitale tidsalderens "ønske om både umiddelbar tilfredsstillelse og langsiktig forventning". Siste halvdel av 2010 -årene gikk mot en lignende minimal markedsføring for hiphop -albumutgivelser, med kunngjøringer i form av innlegg på sosiale medier som bare avslørte omslagsbildet, låtlisten eller utgivelsesdatoen høyst noen uker før.
Andre kritikere trodde fortsatt på albumet som et levedyktig konsept på 2000 -tallet. I 2003 hadde magasinet Wired tildelt Christgau å skrive en artikkel som diskuterte om albumet var "en døende kunstform", som han konkluderte med: "Så lenge artister turnerer, vil de leie sangsamlinger med resten av varene, og samlingene vil bli oppfattet så kunstnerisk som kunstnerne muligens kan. " I 2019, da salget av CD og digital nedlasting falt og teorier fremdeles vedvarte om "døden" til det fysiske albumformatet, fant Christgau at hans opprinnelige premiss var enda mer gyldig. "Fordi datamaskinen gir når datamaskinen tar bort", skrev han i et essay som fulgte med Pazz & Jop -musikkundersøkelsen det året, og forklarte at den nåværende rimelige prisen for tilstrekkelig innspillingsutstyr gjør albumproduksjon tilgjengelig for musikere på forskjellige kompetansenivåer. Når det gjelder profesjonelle handlinger, sa han: "Å skrive sanger er i deres DNA, og hvis sangene i det hele tatt er gode, blir det snart uimotståelig å spille dem inn for ettertiden."
Selv i den såkalte postalbumtiden på 2010-tallet, da lytterne ikke trengte å kjøpe et album for å høre det, hadde bransjen fortsatt ikke gått videre fra album, hovedsakelig fordi de fremmede elementene i utrullingen- merch, turen, oppmerksomheten - tjener fortsatt plateselskaper og andre mellommenn penger.
- Justin Curto ( Vulture , 2020)
I et årsluttende essay om albumet i 2019 skrev Ann Powers for Slate at året fant formatet i en tilstand av "metamorfose" i stedet for død. I hennes observasjon hadde mange innspillingsartister revitalisert konseptalbumet rundt selvbiografiske fortellinger og personlige temaer, som intimitet, interseksjonalitet , afroamerikansk liv, grenser blant kvinner og sorg knyttet til døden. Hun siterte slike album som Brittany Howard 's Jaime , Raphael Saadiq er Jimmy Lee , Rapsody 's Eve , Jenny Lewis ' On the Line og Nick Cave er Ghosteen . Kunst- og kulturjournalist Michelle Zipkin skrev samtidig at album fortsatt er "en integrert, relevant og berømt komponent i musikalsk skapelse og kunst". Hun siterte anmeldelsesaggregatoren Metacritics tabell over de mest anerkjente albumene fra 2010 -tallet, som viste musikalitet fra et mangfoldig utvalg av artister og ofte seriøse temaer, som sorg, raseforhold og identitetspolitikk , mens hun la til at "Albums today tilby en ny måte å nærme seg en industri i endring ".
I 2019 forble Swift den eneste artisten "som fremdeles selger CDer" og hadde ennå ikke tatt imot streamingtjenester fordi de ikke hadde kompensert innspillingsartister rettferdig, ifølge Quartz . Los Angeles Times -kritiker Mikael Wood utdypet på dette punktet: "Men da hun holdt musikken hennes utenfor Spotify - kondisjonerte sitt lojale publikum til å tenke på å kjøpe sangene og albumene hennes som en hengivenhet - kom yngre artister som [Ariana] Grande fram til etablere seg som streaming -favoritter. " Swift brukte imidlertid alle de store strømmetjenestene for å gi ut albumet Lover fra 2019 , som Quartz sa "kan være den siste CD -en vi kjøper" og var "kanskje en siste dødsnote for CD -en".
Internasjonale trender
På midten av 2010 -tallet utgjorde fysisk CD- og vinylsalg 39% av det globale musiksalget. Av det totale musikksalget i USA ( verdens største musikkmarked når det gjelder inntekter), var mindre enn 25% fysiske kopier, mens Frankrike og Storbritannia begge registrerte rundt 30–40% i den samme statistikken. Men dette tallet var ca. 60% for Tyskland og 75% for Japan, som hadde verdens nest største marked med mer enn ¥ 254 000 000 000 (eller $ 2440000000) solgt per år i musikkopptak, de fleste av dem i form av CDer. Begge land ledet verden i salg av fysisk musikk delvis på grunn av kulturenes gjensidige tilhørighet til "fysiske objekter", ifølge Quartz -journalist Mun Keat Looi.
Den japanske industrien hadde spesielt favorisert CD -formatet, blant annet på grunn av enkel kontroll, produksjon og distribusjon. I 2016 hadde Japan 6000 fysiske musikkbutikker, ledende USA (omtrent 1900) og Tyskland (700) for de fleste i verden. Til tross for at bredbåndsinternett var tilgjengelig i Japan siden 2000, hadde forbrukerne motstått endringen til nedlastet og streamet forbruk, som utgjorde 8% av landets totale musikkinntekter, mot 68% i det amerikanske markedet. Mens singler i vestlige land hadde vært forældet i mer enn et tiår, var Japans marked for dem stort sett på grunn av den enorme populariteten til idolunderholdere , gutteband og jentegrupper . Ved å utnytte fandomen rundt disse utøverne, utnyttet plateselskaper og markedsføringsbyråer merchandising-aspektet til CD-er med reklamegimmicker, for eksempel å gi ut forskjellige utgaver av et enkelt album, inkludert dem med billetter til artistarrangementer, og telle CD-enkeltkjøp som fanstemmer mot popularitetskonkurranser for artister. Fokuset gikk bort fra musikken og mot fanopplevelsen av forbindelse med et favorittidol, ifølge The Japan Times -korrespondent Ronald Taylor.
Japans uvanlig forbrukeratferd i innspilt musikk markedet var et eksempel på Galápagos syndrom , et forretningskonsept innrammet etter Charles Darwin 's evolusjonsteorien . I følge Looi forklarer det hvordan landets innovative, men isolasjonistiske karakter hadde resultert i "en kjærlighet til en teknologi som resten av verden nesten har glemt". På den varige kommersielle populariteten til CD-er der, forklarte den globale musikkanalytikeren Mark Mulligan at Japans kjøpekraft og forbrukernes etterspørsel hadde vært konsentrert blant befolkningen som raskt ble eldre, og som mer sannsynlig ville følge veteranidoler som guttebandet Arashi og singer-songwriteren Masaharu Fukuyama , mens det er mindre konsentrert blant unge mennesker som er tilpasset digitale og strømmetjenester. På midten av 2010 -tallet så imidlertid også en økning i digital musikk og abonnementsalg, noe som indikerer en trend bort fra fysiske kjøp i landet.
I 2019 rapporterte International Federation of the Phonographic Industry (IFPI) blant verdens topp 10 innspilte musikkmarkeder å være Japan, Kina, Sør-Korea og Australia, mens han bemerket en fremvekst av markeder utenfor Vesten generelt, inkludert de i Latin -Amerika, Asia og Afrika. Rapporten observerte også et skifte fra den globale dominansen av populære engelskspråklige handlinger og mot regionale suksesser med tverrkulturell appell, som BTS og J Balvin , delvis på grunn av en mer åpensinnet forbrukerkultur og sosial tilkobling mellom artister og lyttere. Mens de beste innspillingskunstnerne fra Vesten fortsatte å stole på tradisjonelle roller fra store etiketter, benyttet andre digitale tjenesteleverandører som Spotify og Apple Music til enten å frigjøre innspillinger selv eller gi dem ut i samarbeid med en uavhengig distributør.
Pandemisk periode
I 2020 ble albumlanseringer hindret av COVID-19-pandemien og dens relaterte sosiale distanseringstiltak . Mellom 6. og 12. mars falt salget av fysiske album med 6%, delvis på grunn av pandemien. Senere samme måned suspenderte Amazon midlertidig innkommende forsendelser av musikk -CDer og vinylplater fra amerikanske leverandører i et forsøk på å prioritere varer som ble ansett som mer viktige. Pandemiens nedleggelse av fysiske forhandlere og distribusjonssystemer påvirket spesielt veteranopptak, ettersom fansen deres hadde en tendens til å være eldre og mer sannsynlig fortsatt å kjøpe CD -er og vinylplater. Følgelig forsinket mange slike handlinger som fremdeles holdt seg til en tradisjonell utrullingsmodell, som Willie Nelson og Alicia Keys , albumutgivelsene. Rapporterte om utviklingen i mars, Rolling Stone -journalist Elias Leight forklarte:
Det er fordi titusenvis av nye spor vises på strømmetjenester daglig. For å heve seg over syndfloden må videoer tas opp måneder i forveien, tv -opptredener må krangles, kuratører for streamingtjenester kurtiseres, pressemuligheter låses, turnédatoer og radiostasjonsbesøk og opptredener av platebutikker. Uten disse komponentene risikerer artister å gi ut musikk til et uinteressert, uvitende eller rett og slett overveldet publikum. Og akkurat nå er nesten alle disse profilhevende alternativene utenfor rekkevidde.
Noen store popstjerner fant på nytt utgivelsesstrategiene sine under pandemien. Taylor Swift overgav albumene Folklore og Evermore i henholdsvis juli og desember 2020, og forlot en skikkelig lanseringskampanje for første gang i karrieren, og satte flere salgs- og streamingrekorder. Ariana Grande, mer inspirert av rap -utgivelsesstrategier, ga ut albumet sitt Positions (2020) med tilsvarende minimal kunngjøring og promotering. Suksessen til begge artistene under pandemien kom på bekostning av popstjerner som hadde planlagt tradisjonelle albumlanseringer, inkludert Katy Perry, Lady Gaga og Dua Lipa . Keys overrasket også albumet Alicia etter en ubestemt forsinkelse på grunn av pandemien. Samtidig tjente rapalbum videre på periodens mer on-demand-forbruker- og streamingkultur, med rappere som Lil Uzi Vert , Bad Bunny og DaBaby som toppet albumlister.
2020 var det mest vellykkede året for vinylalbum i MRC Data -historien (siden 1991), med 27,5 millioner solgt i USA. I juni 2021 rapporterte Billboard at netto fysisk albumsalg hadde økt for første gang på mange år på grunn av pandemien. Pop- og hiphop-/R & B -artister fikk mer salg enn noensinne i det amerikanske vinylmarkedet, mens rockeplater opplevde en nedgang til tross for at de sto for mer enn halvparten av markedets totale salg. Blant årets beste vinylselgere var Harry Styles , Billie Eilish , Kendrick Lamar og Swift, hvis Evermore ledet salget av både CDer og vinylalbum som ble utgitt i 2021.
Forfattere om musikkutgivelsestrender under pandemien, observerte forfattere at de tilbød en større tilkobling for artister med sine lyttere i løpet av en paradigmeskiftende periode, mens de styrket begge gruppene på bekostning av store etiketter. Oliver Tryon fra musikknettstedet CULTR hevder imidlertid at musikkindustrien fortsatt er et av de mest lønnsomme markedene over hele verden og har kapitalisert seg på skiftende trender i strømningsalderen, inkludert den økende kortheten av sanger, reduserte sjangerskille blant artister og innovasjoner innen elektronisk musikkteknologi, for eksempel anvendelse av kunstig intelligens i musikk . På utviklingen i 2021 spådde Tryon at regionale utgivelser fra hele verden ville stige på det globale markedet og " generativ musikk " ville "stige som et resultat av kontekstuelle spillelister", mens album generelt "ville fortsette å falle som etteralbumet æra blir mer fremtredende ".
Se også
- Albumekvivalent enhet
- Kulturell innvirkning av Beatles
- Liste over bestselgende album
- Liste over bestselgende album etter land
- Liste over bestselgende musikkartister
Merknader
Referanser
Videre lesning
- Cross, Alan (2. februar 2020). "Hører du fremdeles på album på den gammeldagse måten? Sjansen er stor for at du ikke er: Alan Cross" . Globale nyheter . Hentet 20. februar 2021 .
- Davies, Sam (september 2021). "Fra Kanye til Drake, Album Hype har formørket musikken" . Highsnobiety . Hentet 17. september 2021 .
- Ducker, Eric (19. august 2015). "En rasjonell samtale: Har noen til og med tid til et 80-minutters album?" . NPR . Hentet 20. februar 2021 .
- Ivakhiv, Adrian J. (8. mai 2017). "Greatest Albums of the LP Era" . immanens . Hentet 20. februar 2021 .
- Lefsetz, Bob (12. september 2013). "Classic Rock's Era of the Album Gives Way to Today's Track Stars" . Variasjon . Hentet 20. februar 2021 .
- Moran, Robert (6. september 2021). "Hva lager et album nummer én i disse dager - og spiller det noen rolle?" . Sydney Morning Herald . Hentet 17. september 2021 .
- Richardson, Mark (6. oktober 2020). "Rolling Stone's Canon Fodder" . The Wall Street Journal . Hentet 2. mars 2021 .
- Smith, Troy L. (21. september 2017). "15 største år i musikkhistorie" . Cleveland.com . Hentet 20. februar 2021 .
- Sullivan, Caroline (3. oktober 2005). "Albumets død" . The Guardian . Hentet 20. februar 2021 .
- Wachs, Jeffrey Philip (desember 2012). "The Long-Playing Blues: Har platenæringen skiftet fra singler til album brutt antitrustloven?" . UC Irvine Law Review . 2 (3) . Hentet 26. juni 2021 .
Eksterne linker
- Albumisme -nettmagasin dedikert til albumrelatert innhold