Elektronisk dansemusikk - Electronic dance music

fra Wikipedia, den frie encyklopedi

Elektronisk dansemusikk , også kjent som dansemusikk , klubbmusikk eller rett og slett dans , er et bredt spekter av perkusive elektroniske musikksjangre laget i stor grad for nattklubber , raves og festivaler . Den produseres vanligvis for avspilling av DJ-er som lager sømløse utvalg av spor, kalt en miks , ved å skille seg fra ett opptak til et annet. Produsenter utfører også musikken sin live i en konsert- eller festivalinnstilling i det som noen ganger kalles en live PA .

På slutten av 1980-tallet og begynnelsen av 1990-tallet, etter fremveksten av raving , piratradioer og en økning i interessen for klubbkultur , oppnådde EDM utbredt mainstream popularitet i Europa. I USA på den tiden var aksept av dansekultur ikke universell utenfor New York City ; selv om både electro og Chicago house- musikk hadde innflytelse både i Europa og USA, holdt vanlige medier og plateindustrien åpenlyst fiendtlig mot det. Det var også en oppfattet sammenheng mellom dansemusikk og narkotikakultur , noe som førte til at regjeringer på stats- og bynivå vedtok lover og politikker som skulle stoppe spredningen av ravekulturen.

I det nye årtusenet økte populariteten til EDM globalt, hovedsakelig i USA og Australia. På begynnelsen av 2010-tallet ble begrepet "elektronisk dansemusikk" og initialismen "EDM" presset opp av den amerikanske musikkindustrien og musikkpressen i et forsøk på å merke den amerikanske ravekulturen. Til tross for bransjens forsøk på å skape et spesifikt EDM-merke, forblir initialismen i bruk som en paraplybetegnelse for flere sjangere, inkludert dance-pop , house , techno og electro , samt deres respektive undersjangre.

Historie

Ulike EDM-sjangere har utviklet seg de siste 40 årene, for eksempel; house , techno , dance-pop etc. Stylistisk variasjon innen en etablert EDM-sjanger kan føre til fremveksten av det som kalles en undergenre . Hybridisering, der elementer fra to eller flere sjangere kombineres, kan føre til fremveksten av en helt ny sjanger av dansemusikk.

Forløpere

På slutten av 1960-tallet skapte band som Silver Apples elektronisk musikk beregnet på dans. Andre tidlige eksempler på musikk som påvirket senere elektronisk dansemusikk inkluderer jamaicansk dub-musikk på slutten av 1960-tallet til 1970-tallet, den synthesizerbaserte diskomusikken til den italienske produsenten Giorgio Moroder på slutten av 1970-tallet, og elektro-popen til Kraftwerk og Yellow Magic Orchestra i midten til slutten av 1970-tallet.

Dub

Forfatter Michael Veal anser dubmusikk , en jamaicansk musikk som stammer fra røttereggae og lydsystemkultur som blomstret mellom 1968 og 1985, som en av de viktigste forløperne til moderne elektronisk dansemusikk. Dub-produksjoner var remixede reggaespor som la vekt på rytme, fragmenterte lyriske og melodiske elementer og etterklangs teksturer. Musikken ble banebrytende av studioingeniører, som Sylvan Morris, King Tubby , Errol Thompson , Lee "Scratch" Perry og Scientist . Produksjonene deres inkluderte former for båndredigering og lydbehandling som Veal anser kan sammenlignes med teknikker som brukes i musique concrète . Dub-produsenter laget improviserte dekonstruksjoner av eksisterende multi-track reggae-mikser ved å bruke studio- miksebrettet som et performanceinstrument. De forgrunner også romlige effekter som etterklang og forsinkelse ved å bruke hjelpesendinger på en kreativ måte. Den Roland Space Echo , produsert av Roland Corporation , ble mye brukt av dub produsenter i 1970 for å produsere ekko og delay effekter.

Til tross for det begrensede elektroniske utstyret som er tilgjengelig for dub-pionerer som King Tubby og Lee "Scratch" Perry, var deres eksperimenter i remix-kultur musikalsk banebrytende. Ambient dub ble banebrytende av King Tubby og andre jamaicanske lydartister, ved hjelp av DJ-inspirert omgivende elektronikk, komplett med drop-outs, ekko, utjevning og psykedeliske elektroniske effekter. Den inneholdt lagdelingsteknikker og innarbeidet elementer fra verdensmusikk , dype basslinjer og harmoniske lyder. Teknikker som lang ekkoforsinkelse ble også brukt.

Hip Hop

Hip hop-musikk har hatt en viss innflytelse i utviklingen av elektronisk dansemusikk siden 1970-tallet. Inspirert av jamaicansk lydsystemkultur Jamaicansk-amerikansk DJ Kool Herc introduserte store bass tunge høyttalerrigger til Bronx . Festene hans er kreditert for å ha startet hiphop-bevegelsen i New York i 1973. En teknikk utviklet av DJ Kool Herc som ble populær i hiphop-kulturen, spilte to eksemplarer av samme plate på to platespillere, vekselvis, og kl. punktet der et spor inneholdt en pause . Denne teknikken ble videre brukt til å manuelt sløyfe et rent perkusivt brudd, noe som førte til det som senere ble kalt break break .

Turntablism har sin opprinnelse i oppfinnelsen av den direkte kjørbare platespilleren , av Shuichi Obata, ingeniør ved Matsushita (nå Panasonic ). I 1969 ga Matsushita den ut som SP-10 , den første platespilleren med direkte kjøring på markedet, og den første i deres innflytelsesrike Technics- serie med platespillere. Den mest innflytelsesrike platespilleren var Technics SL-1200 , som ble utviklet i 1971 av et team ledet av Shuichi Obata i Matsushita, som deretter ga den ut på markedet i 1972. På 1980- og 1990 - tallet brukte hip-hop DJ-er platespillere som musikkinstrumenter i sin egen rett og virtuose bruk utviklet seg til en kreativ praksis kalt turntablism.

Diskotek

I 1974 var George McCraes tidlige diskotek " Rock Your Baby " en av de første platene som brukte en trommemaskin , en tidlig Roland- rytmemaskin. Bruken av trommemaskiner i diskoproduksjon ble påvirket av Sly and the Family Stone 's " Family Affair " (1971), med sin rytme ekko i McCraes "Rock Your Baby", og Timmy Thomas ' " Why Can't We Live Together" "(1972). Disco produsent Biddu brukt synthesizere i flere discolåter 1976-1977, blant annet "Bionic Boogie" fra Rain Forest (1976), "Soul tale" (1977), og Øst-Man og futuristisk Journey (innspilt 1976-1977).

Handlinger som Donna Summer , Chic , Earth, Wind and Fire , Heatwave og Village People bidro til å definere diskoteklyden på slutten av 1970-tallet. I 1977 produserte Giorgio Moroder og Pete Bellotte " I Feel Love " for Donna Summer. Det ble den første kjente discotreffen som hadde et fullstendig syntetisert backing-spor. Andre diskoprodusenter, mest kjent amerikansk produsent Tom Moulton , grep ideer og teknikker fra dub-musikk (som fulgte med den økte jamaicanske migrasjonen til New York City på 1970-tallet) for å tilby alternativer til den fire-på-gulvet- stilen som dominerte. I begynnelsen av 1980-årene gikk populariteten til diskomusikk kraftig ned i USA, forlatt av store amerikanske plateselskaper og produsenter. Euro-diskoteket fortsatte å utvikle seg innenfor den brede vanlige popmusikkscenen.

Synth-pop

Synth-pop (forkortelse for 'synthesizer pop', også kalt 'techno-pop') er en undersjanger av nybølgemusikk som først ble fremtredende på slutten av 1970-tallet og har synthesizeren som det dominerende musikkinstrumentet. Det ble prefigured på 1960- og begynnelsen av 1970-tallet ved bruk av synthesizere i progressiv rock , elektronisk , artrock , diskotek , og spesielt " Krautrock " av band som Kraftwerk . Det oppsto som en tydelig sjanger i Japan og Storbritannia i post-punk- tiden som en del av nybølgebevegelsen på slutten av 1970-tallet til midten av 1980-tallet.

Tidlige synth-pop-pionerer inkluderte japansk gruppe Yellow Magic Orchestra , og britiske band Ultravox , Human League og Berlin Blondes . Human League brukte monofoniske synthesizere til å produsere musikk med en enkel og streng lyd. Etter gjennombruddet av Gary Numan i UK Singles Chart i 1979 begynte et stort antall artister å nyte suksess med en synthesizerbasert lyd tidlig på 1980-tallet, inkludert debutantene på slutten av 1970-tallet som Japan og Orchestral Maneuvers in the Dark , og nykommere som som Depeche Mode og Eurythmics . I Japan åpnet Yellow Magic Orchestra suksess veien for synth-pop band som P-Model , Plastics og Hikashu . Utviklingen av billige polyfoniske synthesizere, definisjonen av MIDI og bruk av dance beats, førte til en mer kommersiell og tilgjengelig lyd for synth-pop. Dette, adopsjonen av stilbevisste handlinger fra New Romantic- bevegelsen, sammen med fremveksten av MTV , førte til suksess for et stort antall britiske synth-pop-handlinger (inkludert Duran Duran og Spandau Ballet ) i USA.

Bruken av digital sampling og looping i populærmusikken ble utviklet av japansk elektronisk musikk bandet Yellow Magic Orchestra (YMO). Deres tilnærming til sampling var en forløper for den moderne tilnærmingen til å konstruere musikk ved å klippe fragmenter av lyder og løkke dem ved hjelp av datateknologi. " Computer Game / Firecracker " (1978) interpolerte en Martin Denny- melodi, og samplet Space Invaders videospilllyder . Technodelic (1981) introduserte bruken av digital sampling i populærmusikk, som det første albumet som bestod av hovedsakelig eksempler og sløyfer . Albumet ble produsert ved hjelp av Toshiba-EMIs LMD-649 digitale PCM- sampler , som ingeniør Kenji Murata spesialbygget for YMO. LMD-649 ble også brukt til sampling av andre japanske synthpop- artister tidlig på 1980-tallet, inkludert YMO-assosierte handlinger som Chiemi Manabe og Logic System .

Dansemusikk på 1980-tallet

Fremveksten av elektronisk dansemusikk på 1980-tallet ble formet av utviklingen av flere nye elektroniske musikkinstrumenter , spesielt de fra japanske Roland Corporation . Den Roland TR-808 (ofte forkortet som "808") særlig spilt en viktig rolle i utviklingen av dansemusikk, etter Afrika Bambaataa 's ' Planet Rock '(1982), gjorde det veldig populært på dansegulv. Sporet, som også inneholdt melodilinjen fra Kraftwerk's Trans-Europe Express , informerte om utviklingen av elektronisk dansemusikk, og undergenrer inkludert Miami bass og Detroit-tekno , og populariserte 808 som et "grunnleggende element i futuristisk lyd". Ifølge Slate , "Planet Rock" "ikke så mye sette 808 på kartet så mye som Snu en hel verden av post-disco dansemusikk rundt det". Den Roland TR-909 , TB-303 og Juno-60 på samme måte påvirket elektronisk dansemusikk som techno , hus og syre .

Post-disco

I løpet av postdiskotiden som fulgte tilbakeslaget mot " diskoteket " som begynte midt på slutten av 1979, som i USA førte til sivil uro og opprør i Chicago kjent som Disco Demolition Night , [13] en underjordisk bevegelse av "strippet ned" disco-inspirert musikk med "radikalt forskjellige lyder" [14] begynte å dukke opp på østkysten . [15] [Merknad 1] Denne nye scenen ble hovedsakelig sett i storbyområdet i New York og ble opprinnelig ledet av de urbane samtidskunstnerne som reagerte på overkommersialisering og påfølgende død av diskokulturen. Lyden som dukket opp stammer fra P-Funk [18] den elektroniske siden av diskotek , dubmusikk og andre sjangre. Mye av musikken som ble produsert i løpet av denne tiden var, som diskotek, catering til et singeldrevet marked. [14] På dette tidspunktet begynte kreativ kontroll å skifte til uavhengige plateselskaper, mindre etablerte produsenter og club DJs. [14] Andre dansestiler som begynte å bli populære i løpet av postdiskotiden, inkluderer dance-pop , [19] [20] boogie , [14] electro , Hi-NRG , Italo disco , house , [19] [21] [22] [23] og techno . [22] [24] [25] [26] [27]

Elektro

Instrumentet som ga electros syntetiserte programmerte trommeslag, Roland TR-808 trommemaskin .

På begynnelsen av 1980-tallet kom electro (forkortelse for "electro-funk") fram som en fusjon av elektro-pop , funk og boogie . Også kalt electro-funk eller electro-boogie, men senere forkortet til electro, siterte pionerer inkluderer Ryuichi Sakamoto , Afrika Bambaataa , Zapp , D.Train og Sinnamon . Tidlig hiphop og rap kombinert med tyske og japanske elektropoppåvirkninger som Kraftwerk og Yellow Magic Orchestra inspirerte fødselen til elektro. Etter hvert som den elektroniske lyden utviklet seg, ble instrumenter som bassgitar og trommer erstattet av synthesizere og spesielt av ikoniske trommemaskiner , spesielt Roland TR-808 og Yamaha DX7 . Tidlig bruk av TR-808 inkluderer flere spor fra Yellow Magic Orchestra i 1980–1981, 1982-sporet " Planet Rock " av Afrika Bambaataa , og 1982-sangen " Sexual Healing " av Marvin Gaye . I 1982 ga produsent Arthur Baker , med Afrika Bambaataa , ut den banebrytende " Planet Rock ", som var påvirket av Yellow Magic Orchestra, brukte Kraftwerk-prøver og hadde trommeslag levert av TR-808. Planet Rock ble fulgt senere av året av nok en banebrytende elektroplate, " Nunk " av Warp 9 . I 1983 opprettet Hashim en elektro-funk-lyd med "Al-Naafyish (The Soul)" som påvirket Herbie Hancock , og resulterte i hit-singelen " Rockit " samme år. Tidlig på 1980-tallet var elektroens mainstream-topp. Ifølge forfatteren Steve Taylor fungerer Afrika Bambaataas Planet Rock som en "mal for all interessant dansemusikk siden".

hus-musikk

På begynnelsen av 1980-tallet spilte Chicago- radioen The Hot Mix 5 og klubb-DJene Ron Hardy og Frankie Knuckles forskjellige stiler av dansemusikk, inkludert eldre diskotekplater (for det meste Philly disco og Salsoul- spor), electro funk- spor av artister som Afrika Bambaataa , nyere Italo-diskotek , B-Boy hiphop-musikk av Man Parrish , Jellybean Benitez , Arthur Baker og John Robie , og elektronisk popmusikk av Kraftwerk og Yellow Magic Orchestra . Noen laget og spilte sine egne redigeringer av favorittsangene sine på hjul-til-hjul-bånd, og noen ganger blandet de inn effekter, trommemaskiner og annen rytmisk elektronisk instrumentering. Den hypnotiske elektroniske dansesangen "On and On", produsert i 1984 av Chicago DJ Jesse Saunders og medskrevet av Vince Lawrence , hadde elementer som ble stifter av den tidlige huslyden, som Roland TB-303 bassyntes og minimal vokal. i tillegg til en Roland (spesielt TR-808 ) trommemaskin og Korg (spesielt Poly-61 ) synthesizer .

"On and On" blir noen ganger sitert som "første husplate", selv om andre eksempler fra rundt den tiden, som JM Silks " Music is the Key " (1985), også er sitert. Husmusikk spredte seg raskt til amerikanske byer, inkludert New York City og Newark og Detroit - som alle utviklet sine egne regionale scener. På midten av slutten av 1980-tallet ble husmusikk populær i Europa, så vel som store byer i Sør-Amerika og Australia. Chicago House opplevde en viss kommersiell suksess i Europa med utgivelser som "House Nation" av House Master Boyz and the Rude Boy of House (1987). Etter dette har en rekke husinspirerte utgivelser som " Pump Up The Volume " av M | A | R | R | S (1987), " Theme from S'Express " av S'Express (1988) og " Doctorin ' the House "av Coldcut (1988) kom inn i poplistene.

Den elektroniske instrumenteringen og det minimale arrangementet av Charanjit Singh 's Synthesizing: Ten Ragas to a Disco Beat (1982), et album med indiske ragas fremført i diskotekstil, forutså lydene av syrehusmusikk , men det er ikke kjent å ha hatt noen innflytelse på sjangeren før albumets gjenoppdagelse i det 21. århundre.

Techno, acid house, rave

På midten av 1980-tallet trivdes husmusikken på den lille Baleariske øya Ibiza, Spania . Den baleariske lyden var ånden i musikken som dukket opp fra øya på den tiden; kombinasjonen av gammel vinylrock, pop, reggae og diskotekplater parret med en "alt går" -holdning gjorde Ibiza til et knutepunkt for stoffindusert musikalsk eksperimentering. En klubb som heter Amnesia, hvis bosatte DJ, Alfredo Fiorito , var pioner i det baleariske huset , var sentrum av scenen. Amnesia ble kjent over hele Europa, og på midten til slutten av 1980-tallet trakk det folk fra hele kontinentet.

I 1988 hadde house-musikk blitt den mest populære formen for klubbmusikk i Europa, med acid house som en bemerkelsesverdig trend i Storbritannia og Tyskland samme år. I Storbritannia drev en etablert subkultur av lagerfest , sentrert på den britiske afrikansk-karibiske lydsystemscenen, underjordiske etterfester som eksklusivt inneholdt dansemusikk. Også i 1988 ble den baleariske feststemningen knyttet til Ibizas DJ Alfredo fraktet til London, da Danny Rampling og Paul Oakenfold åpnet henholdsvis klubbene Shoom og Spectrum. Begge steder ble synonymt med syrehus, og det var i løpet av denne perioden MDMA ble kjent som et partydrog. Andre viktige britiske klubber inkluderte Back to Basics i Leeds , Sheffields Leadmill and Music Factory og The Haçienda i Manchester, hvor Mike Pickering og Graeme Parks spot, Nude, var en viktig bevisfelt for amerikansk underjordisk dansemusikk. Suksessen med house og acid house banet vei for Detroit Techno , en stil som opprinnelig ble støttet av en håndfull husmusikklubber i Chicago, New York og Nord-England, med Detroit-klubber som tok igjen senere. Begrepet Techno kom først i bruk etter en utgivelse av en 10 Records / Virgin Records-samling med tittelen Techno: The Dance Sound of Detroit i 1988.

En av de første Detroit-produksjonene som fikk bredere oppmerksomhet var Derrick May's " Strings of Life " (1987), som sammen med Mays forrige utgivelse, "Nude Photo" (1987), bidro til å heve technos profil i Europa, spesielt Storbritannia og Tyskland , i løpet av 1987–1988 husmusikk- boom (se Second Summer of Love ). Det ble Mays mest kjente spor, som ifølge Frankie Knuckles "bare eksploderte. Det var som noe du ikke kan forestille deg, den typen kraft og energi folk fikk av den rekorden da den første gang ble hørt. Mike Dunn sier at han aner ikke hvordan folk kan godta en plate som ikke har basslinje. " I følge britisk DJ Mark Moore førte "Strings of Life" London-klubbgjengere til å godta house: "fordi folk flest hatet husmusikk og det hele var sjelden groove og hiphop ... Jeg ville spille" Strings of Life "på den Mudd Club og tydelig gulvet". På slutten av 1980-tallet økte interessen for house, acid house og techno i klubbscenen, og MDMA-drevne klubbgjengere, som ble utsatt for en stengetid kl. 02.00 i Storbritannia, begynte å søke fritidsaktiviteter på hele nattlageret. fester. I løpet av et år, sommeren 1989, deltok opptil 25.000 mennesker om gangen kommersielt organiserte underjordiske fester kalt raves.

Dansemusikk på 1990-tallet

Transe

Trance dukket opp fra rave-scenen i Storbritannia på slutten av 1980-tallet og utviklet seg videre i begynnelsen av 1990-tallet i Tyskland før den spredte seg i resten av Europa, som en mer melodisk utløp fra techno og house. Samtidig som trance-musikk utviklet seg i Europa, samlet sjangeren også en følge i den indiske delstaten Goa . Trance er for det meste instrumentalt , selv om vokal kan blandes inn: vanligvis blir de fremført av mezzosopran til sopran kvinnelige solister, ofte uten en tradisjonell vers / korstruktur. Strukturert vokalform i trance-musikk danner grunnlaget for vokaltrance- undergenren, som har blitt beskrevet som "grand, soaring, and operatic" og "etherical female leads floating among the synths". Trance-musikk deles inn i en rekke undergenrer, inkludert acid transe , klassisk transe, hard transe , progressiv transe og oppløftende transe . Oppløftende transe er også kjent som "anthem transe", "episk transe", "kommersiell transe", "stadion transe", eller "euforisk transe", og har blitt sterkt påvirket av klassisk musikk på 1990- og 2000-tallet av ledende artister som Ferry Corsten , Armin Van Buuren , Tiësto , Push , Rang 1 og for tiden med utviklingen av undersjangeren "orkestral oppløftende transe" eller "oppløftende transe med symfonisk orkester" av artister som Andy Blueman , Ciro Visone, Soundlift, Arctic Moon, Sergey Nevone & Simon O'Shine etc. Nært knyttet til Uplifting Trance er Euro-trance , som har blitt et samlebegrep for en rekke svært kommersialiserte europeisk dansemusikk. Flere undergenrer er delefilter med andre store sjangere innen elektronisk musikk. For eksempel er Tech trance en blanding av trance og techno, og Vocal trance "kombinerer [trance] progressive elementer med popmusikk". Den drømmen trance sjangeren oppsto på midten av 1990-tallet, med sin popularitet da ledet av Robert Miles .

AllMusic sier om progressiv trance: "den progressive fløyen til trance-publikummet førte direkte til en mer kommersiell, kart-orientert lyd siden trance aldri hadde hatt mye chart-handling i utgangspunktet. Understreker den jevnere lyden fra Eurodance eller house (og noen ganger mer som minnet om Jean-Michel Jarre enn Basement Jaxx ), ble Progressive Trance lyden av verdens dansegulv ved slutten av årtusenet. Kritikere latterliggjorde sitt fokus på forutsigbare sammenbrudd og relativ mangel på dyktighet til beat-mix, men progressiv trans ble stakk av den hotteste DJ. "

Breakbeat hardcore, jungel, tromme og bass

På begynnelsen av 1990-tallet utviklet det seg en musikkstil innen rave-scenen som hadde en identitet som var forskjellig fra amerikansk house og techno. Denne musikken, som hip-hop før den, kombinerte samplede synkopierte beats eller breakbeats, andre eksempler fra et bredt spekter av forskjellige musikalske sjangre, og noen ganger eksempler på musikk, dialog og effekter fra filmer og TV-programmer. I forhold til tidligere stiler av dansemusikk som house og techno, hadde såkalt 'rave music' en tendens til å understreke basslyder og bruke raskere tempoer eller slag per minutt (BPM). Denne undergenren var kjent som "hardcore" rave, men fra så tidlig som 1991 ble noen musikalske spor bestående av disse tempo breakbeats, med tunge basslinjer og eksempler på eldre jamaicansk musikk, referert til som "jungle techno ", en sjanger påvirket av Jack Smooth og Basement Records, og senere bare "jungel", som ble anerkjent som en egen musikksjanger populær på raves og på piratradio i Storbritannia . Det er viktig å merke seg når vi diskuterer historien til tromme og bass at før jungelen ble rave musikk raskere og mer eksperimentell.

I 1994 hadde jungelen begynt å bli vanlig popularitet, og fans av musikken (ofte referert til som junglister ) ble en mer gjenkjennelig del av ungdomssubkulturen. Sjangeren utviklet seg videre, og inkorporerer og smelter sammen elementer fra et bredt spekter av eksisterende musikalske sjangre, inkludert raggamuffin- lyden, dancehall , MC- sang, dub basslinjer og stadig mer kompliserte, sterkt redigert slagverk. Til tross for tilknytningen til den ecstasy-drevne rave-scenen, arvet Jungle også noen assosiasjoner med vold og kriminell aktivitet, både fra gjengkulturen som hadde påvirket Storbritannias hip-hop-scene og som en konsekvens av jungelens ofte aggressive eller truende lyd og temaer for vold (gjenspeiles vanligvis i valg av prøver). Imidlertid utviklet dette seg i takt med musikkens ofte positive rykte som en del av den bredere rave-scenen og den dansesalbaserte jamaicanske musikkulturen som var utbredt i London. Innen 1995, enten som en reaksjon på eller uavhengig av denne kulturelle splittelsen, begynte noen jungelprodusenter å bevege seg vekk fra den ragga-påvirkede stilen og skape det som for enkelhets skyld ble samlet merket som tromme og bass.

Dansemusikk i det 21. århundre

Dubstep

Dubstep er en sjanger av elektronisk dansemusikk som oppsto i Sør-London på slutten av 1990-tallet. Det er generelt preget av sparsomme, synkopierte rytmiske mønstre med basslinjer som inneholder fremtredende sub-bassfrekvenser . Stilen dukket opp som et utløp for den britiske garasjen , og tegnet på en slekt av relaterte stiler som 2-trinns , dub reggae , jungel , ødelagt slag og smuss . I Storbritannia kan opprinnelsen til sjangeren spores tilbake til veksten av den jamaicanske lydsystemfestscenen på begynnelsen av 1980-tallet.

De tidligste kjente dubstep-utgivelsene dateres tilbake til 1998, og ble vanligvis omtalt som B-sider av 2-trinns garasje- singleutgivelser. Disse sporene var mørkere, mer eksperimentelle remikser med mindre vekt på vokal, og forsøkte å innlemme elementer av breakbeat og tromme og bass i 2-trinns. I 2001 begynte denne og andre stammer av mørk garasjemusikk å bli presentert og promotert på Londons nattklubb Plastic People, på "Forward" -kvelden (noen ganger stilisert som FWD >>), som ble ansett som innflytelsesrik for utviklingen av dubstep . Begrepet "dubstep" med referanse til en musikksjanger begynte å bli brukt rundt 2002 av etiketter som Big Apple, Ammunition og Tempa, da stilistiske trender som ble brukt til å lage disse remixene begynte å bli mer merkbare og skiller seg ut fra 2- trinn og smuss .

Elektrohus

Electro house er en form for husmusikk preget av en fremtredende bassline eller sparktromme og et tempo mellom 125 og 135 slag per minutt, vanligvis 128. Opprinnelsen ble påvirket av elektro , electroclash , electropop , synth-pop og tech house . Begrepet har blitt brukt for å beskrive musikken til mange DJ Mag Top 100 DJ-er , inkludert Dimitri Vegas & Like Mike , Hardwell , Skrillex og Steve Aoki . Italienske DJ Benny Benassi , med sporet " Satisfaction " utgitt i 2002, blir sett på som forløperen til electro-house som brakte det til mainstream. På midten av 2000-tallet så electro-house en økning i popularitet, med hits som Tom Neville-remixen av Studio B's I See Girls i 2005 (UK # 11). I november 2006 holdt elektrohus-sporene " Put Your Hands Up For Detroit " av Fedde Le Grand og D. Ramirez- remixen av " Yeah Yeah " av Bodyrox og Luciana henholdsvis nummer én og nummer to i Storbritannias topp 40 singellister. Siden den gang har elektrohusprodusenter som Feed Me , Knife Party , The M Machine , Porter Robinson , Yasutaka Nakata og Dada Life dukket opp.

Trap music (EDM)

Trap musikk (EDM) stammer fra techno , dub og Dutch House , men også fra sørlig hiphop på slutten av 2000-tallet og begynnelsen av 2010-tallet. Denne formen for trap-musikk kan forenkles med disse tre funksjonene: "1/3 hiphop (tempo og sangstruktur er like, de fleste spor er vanligvis mellom 70-110 bpm) - med vokal som noen ganger blir slått ned, 1/3 dansemusikk - høyt nederlandsk synth-arbeid, Hardstyle sampling, samt en mengde felle remikser av populære EDM-sanger, og 1/3 dub (lavfrekvent fokus og sterk vekt på repetitivitet gjennom en sang) ". Noen av artisten som populariserte denne sjangeren, sammen med flere andre, ville være produsenter som RL Grime med sporene "Core" og "Scylla" utgitt i 2014, Flosstradamus med deres " Hdynation Radio" album utgitt i 2015 og Carnage ( DJ) med sporet "Turn Up" utgitt i 2012. Fellemusikk i denne konnotasjonen var preget av "soulful synths, 808s, pan flute, skarpe snarer og lange, sirupslørede vokaler" som skapte skitne og aggressive beats resulterte i " mørke melodier "Trap brukes nå hovedsakelig som remikser.

Terminologi

Den tidligste bruken av begrepet "elektronisk dansemusikk" (EDM) var av engelsk musiker, produsent, manager og innovatør Richard James Burgess i 1980, hvis singel "European Man" med bandet hans Landscape brukte betegnelsen på baksiden av singelen. platehylse: "Electronic Dance Music ... EDM; datamaskin programmert til perfeksjon for din lytteglede." Burgess er derfor kjent for å ha laget begrepet, så vel som " New Romantic ". Som svar på et spørsmål om å bli kreditert med å lage betegnelsen New Romantic i et intervju med The Electricity Club , sa Burgess: "Opprinnelig brukte jeg tre begreper - futurist, elektronisk dansemusikk (Landscape-singlene har EDM trykt på seg) og New Romantisk." I USA ble begrepet brukt så tidlig som i 1985, selv om begrepet "dansemusikk" ikke fanget opp som et teppeterm. [95] Journalist Simon Reynolds skrev i The Guardian og bemerket at den amerikanske musikkindustriens adopsjon av begrepet EDM på slutten av 2000-tallet var et forsøk på å merke USAs "ravekultur" og skille det fra 1990-tallet. I Storbritannia er "dansemusikk" eller "dans" vanligere begreper for EDM. [4] Det som er allment oppfattet som "klubbmusikk" har endret seg over tid; den inkluderer nå forskjellige sjangre og kan ikke alltid omfatte EDM. Tilsvarende kan "elektronisk dansemusikk" bety forskjellige ting for forskjellige mennesker. Både "klubbmusikk" og "EDM" virker vage, men begrepene brukes noen ganger for å referere til forskjellige og urelaterte sjangere (klubbmusikk er definert av det som er populært, mens EDM er preget av musikalske attributter). [96] Selv om Billboard debuterte som et "dansekart" i 1974, skapte den større amerikanske musikkbransjen ikke musikkart før på slutten av 1990-tallet. [93] I juli 1995 var Nervous Records og Project X Magazine vert for den første prisutdelingen, og kalte den "Electronic Dance Music Awards". [Merknad 4]

Produksjon

Et typisk hjemmestudiooppsett for EDM-produksjon med datamaskin, lydgrensesnitt og forskjellige MIDI-instrumenter.

Elektronisk dansemusikk er vanligvis komponert og produsert i et innspillingsstudio med spesialutstyr som samplere , synthesizere , effektenheter og MIDI-kontrollere som alle er konfigurert for å samhandle med hverandre ved hjelp av MIDI- protokollen. Tidlig i sjangeren ble elektroniske maskinvareinstrumenter brukt, og fokuset i produksjonen var hovedsakelig på å manipulere MIDI-data i motsetning til å manipulere lydsignaler. Siden slutten av 1990-tallet har bruken av programvare økt. Et moderne studio for produksjon av elektronisk musikk består vanligvis av en datamaskin som kjører en digital lydstasjon (DAW), med forskjellige plugin-moduler installert, for eksempel programvaresyntetiserere og effekter, som styres med en MIDI-kontroller, for eksempel et MIDI-tastatur . Dette oppsettet er generelt tilstrekkelig for å fullføre hele produksjoner, som deretter er klare for mestring .

Spøkelsesproduksjon

En spøkelsesprodusent er en innleid musikkprodusent i et forretningsarrangement som produserer en sang for en annen DJ / artist som gir ut den som sin egen, vanligvis under en kontrakt som forhindrer dem i å identifisere seg som personell på sangen. Spøkelsesprodusenter mottar en enkel avgift eller royalty for deres arbeid og er ofte i stand til å jobbe etter deres preferanse for ikke å ha det intense berømmelsestrykket og livsstilen til en internasjonalt anerkjent DJ. En spøkelsesprodusent kan øke deres oppmerksomhet i musikkbransjen ved å bli kjent med etablerte "big name" DJ-er og produsenter. Produsenter som Martin Garrix og Porter Robinson er ofte kjent for sitt spøkelsesproduksjonsarbeid for andre produsenter, mens David Guetta og Steve Aoki er kjent for sin bruk av spøkelsesprodusenter i sangene sine, mens DJ-er som Tiësto har åpent kreditert produsentene i et forsøk på å unngå sensur og for åpenhet.

Mange spøkelsesprodusenter signerer avtaler som hindrer dem i å jobbe for noen andre eller etablere seg som soloartist. Slike taushetsavtaler blir ofte bemerket som rovdyr fordi spøkelsesprodusenter, spesielt tenåringsprodusenter, ikke har forståelse for musikkbransjen. London-produsenten Mat Zo har påstått at DJ-er som ansetter spøkelsesprodusenter "har later til å lage sin egen musikk og [forlot] oss faktiske produsenter å slite".

Soveromsproduksjon

En soveromsprodusent er en uavhengig musiker som lager elektronisk musikk på den bærbare datamaskinen eller i et hjemmestudio. I motsetning til tradisjonelle innspillingsstudioer bruker soveromsprodusenter vanligvis billig, tilgjengelig programvare og utstyr som kan føre til at musikk blir opprettet helt "i esken", uten ekstern maskinvare.

Popularisering

forente stater

Opprinnelig var populariseringen av elektronisk dansemusikk assosiert med europeisk rave- og klubbkultur, og den oppnådde begrenset populær eksponering i Amerika. Mot midten av slutten av 1990-tallet begynte dette å endres ettersom den amerikanske musikkindustrien anstrengte seg for å markedsføre en rekke dansesjangere som " electronica ". På den tiden hadde en bølge av elektroniske musikkband fra Storbritannia, inkludert The Prodigy , The Chemical Brothers , Fatboy Slim og Underworld , blitt assosiert for tidlig med en "amerikansk electronica-revolusjon". Men i stedet for å finne vanlig suksess, ble mange etablerte EDM-handlinger forvist til marginene til den amerikanske industrien . I 1998 Madonna 's Ray of Light , et album sterkt påvirket av trender i klubben og produsert med den britiske produsenten William Orbit , førte dansemusikk til lytten til populærmusikk. På slutten av 1990-tallet, til tross for amerikansk medias interesse for dansemusikk som ble betegnet som electronica, fortsatte amerikanske house- og technoprodusenter å reise utenlands for å etablere sin karriere som DJ og produsent.

På midten av 2000-tallet tok den nederlandske produsenten Tiësto verdensomspennende oppmerksomhet til EDM etter å ha gitt et lydspor til utøverne under åpningsseremonien til sommer-OL 2004 - et arrangement som The Guardian anså for å være en av de 50 viktigste begivenhetene i dansemusikk. I 2003 resulterte innflytelsen av dansemusikk på amerikansk radio i at Billboard opprettet det aller første Dance / Mix Show Airplay- diagrammet. I 2005 hadde dansemusikkens fremtredende grad i den nordamerikanske populærkulturen økt markant. I følge Spin var Daft Punk 's opptreden i Coachella i 2006 "tipping point" for EDM - det introduserte duoen for en ny generasjon av "rock kids". Som bemerket av Entertainment Weekly , hjalp Justin Timberlakes " SexyBack " med å introdusere EDM-lyder til topp 40 radio , da det samlet variasjoner av elektronisk dansemusikk med sangers R & B-lyder. I 2009, fransk huset musiker David Guetta begynte å få innflytelse i mainstream pop musikk takket være flere crossover treff Topp 40 listene som " When Love Takes Over " med Kelly Rowland , så vel som hans samarbeid med amerikanske pop og hip hop fungerer slik som Akon (" Sexy Bitch ") og The Black Eyed Peas (" I Gotta Feeling "). Nettstedet for musikkdeling SoundCloud , samt videodelingsnettstedet YouTube , bidro også til å øke interessen for elektronisk musikk. Dubstep-produsent Skrillex populariserte en hardere lyd kalt " Brostep ", som hadde trukket sammenligninger med aggresjonen og tonen til heavy metal .

Med den økende populariteten til elektronisk dansemusikk innså arrangører og arenaer at DJ-er kunne generere større fortjeneste enn tradisjonelle musikere; Diplo forklarte at "et band spiller [i] 45 minutter; DJ-er kan spille i fire timer. Rockband - det er noen headliner-dudes som kan spille 3000–4000 kapasitetssteder, men DJ-er spiller de samme stedene, de vender publikum to ganger kjøper folk drikke hele natten til høyere priser - det er vinn-vinn. " Elektroniske musikkfestivaler, som Electric Daisy Carnival (EDC) i Las Vegas og Ultra Music Festival i Miami , vokste også i størrelse, og la økt vekt på visuelle opplevelser og DJ-er som hadde begynt å oppnå en kjendisstatus. Andre viktige handlinger som ble kjent, inkludert Avicii og Swedish House Mafia , turnerte store arenaer som arenaer og stadioner i stedet for å spille klubber; i desember 2011, ble Swedish House Mafia den første elektronisk musikk handle for å selge ut New York 's Madison Square Garden .

I 2011 erklærte Spin en "ny ravegenerasjon" ledet av handlinger som David Guetta, Deadmau5 og Skrillex . I januar 2013 introduserte Billboard et nytt EDM-fokusert Dance / Electronic Songs- diagram, som sporer de 50 beste elektroniske sangene basert på salg, radiospilling, klubbspill og online streaming . Ifølge Eventbrite er det mer sannsynlig at EDM-fans bruker sosiale medier for å oppdage og dele hendelser eller spillejobber. De oppdaget også at 78% av fansen sier at de er mer sannsynlig å delta på et arrangement hvis jevnaldrende gjør det, sammenlignet med 43% av fans generelt. EDM har mange unge og sosiale fans. Mot slutten av 2011 beskrev Music Trades elektronisk dansemusikk som den raskest voksende sjangeren i verden. Elementer av elektronisk musikk ble også stadig mer fremtredende innen popmusikk . Radio og TV bidro også til dansemusikkens mainstream-aksept.

Amerikansk selskapsinteresse

Konsern konsolidering i EDM industrien begynte i 2012-spesielt i form av direktesendinger. I juni 2012 lanserte mediesjef Robert F. X. Sillerman - grunnlegger av det som nå er Live Nation - SFX Entertainment som et EDM-konglomerat, og kunngjorde sin plan om å investere 1 milliard dollar for å erverve EDM-virksomheter. Hans oppkjøp inkluderte regionale arrangører og festivaler (inkludert ID&T , som organiserer Tomorrowland ), to nattklubboperatører i Miami , og Beatport , en online musikkbutikk som fokuserer på elektronisk musikk. Live Nation kjøpte også Cream Holdings and Hard Events , og kunngjorde et "kreativt partnerskap" med EDC-arrangørene Insomniac Events i 2013 som ville tillate det å få tilgang til sine ressurser mens de fortsatt var et uavhengig selskap; Live Nation-sjef Michael Rapino beskrev EDM som "[new] rock 'n' roll ".

USA radio konglomerat Clear Channel Communications, Inc. (tidligere Clear Channel Media og Entertainment) også gjort forsøk på å justere seg med EDM. I januar 2014 hyret den anerkjente britiske DJ og BBC Radio 1- personligheten Pete Tong til å produsere programmering for sitt "Evolution" -dansradiomerke , og kunngjorde et partnerskap med SFX for å co-produsere live konserter og EDM-orientert originalprogrammering for sin topp 40 radio stasjoner. iHeartMedia-president John Sykes forklarte at han ønsket at selskapets eiendommer skulle være den "beste destinasjonen [for EDM]".

Store merkevarer har også brukt EDM-fenomenene som et middel til å målrette tusenårsriket, og EDM-sanger og artister har i økende grad blitt omtalt i TV-reklame og programmer. Aviciis manager Ash Pournouri sammenlignet denne praksisen med kommersialiseringen av hiphop tidlig på 2000-tallet. Heineken har et markedsføringsforhold med Ultra Music Festival, og har innlemmet nederlandske produsenter Armin van Buuren og Tiësto i annonsekampanjene. Anheuser-Busch har et lignende forhold som ølsponsor for SFX Entertainment- arrangementer. I 2014 lanserte 7 Up "7x7Up" - en multi-plattform EDM-basert kampanje som inkluderer digitalt innhold, reklame med produsenter og merkevarebaserte scener på både Ultra og Electric Daisy Carnival. Trådløs operatør T-Mobile US inngikk en avtale med SFX om å bli den offisielle trådløse sponsoren for sine arrangementer, og inngikk samarbeid med Above & Beyond for å sponsere sin 2015-tur.

I august 2015 begynte SFX å oppleve fall i verdien, og et mislykket bud fra administrerende direktør Sillerman om å ta selskapet privat. Selskapet begynte å se på strategiske alternativer som kunne ha resultert i salg av selskapet. I oktober 2015 erklærte Forbes muligheten for en EDM-" boble " i kjølvannet av tilbakegangene i SFX Entertainment, noe som reduserte inntektsveksten, de økende kostnadene ved å organisere festivaler og booke talent, samt en overmetting av festivaler i det østlige og vestlige USA. Insomniac-sjef Pasquale Rotella mente at bransjen ville klare den økonomiske usikkerheten i det samlede markedet ved å fokusere på "innovasjon" og gå inn i nye markeder. Til tross for prognoser om at interessen for populær EDM ville avta, ble det i 2015 anslått å være en industri på £ 5,5 milliarder i USA, opp med 60% sammenlignet med estimater fra 2012.

SFX kom ut av konkurs i desember 2016 som LiveStyle , under ledelse av Randy Phillips, en tidligere leder for AEG Live .

I 2020 gikk LiveStyle inn i den siste fasen med å gjenopprette de opprinnelige eierne av selskapene som ble kjøpt under SFX-regjering eller salg av dem. Northeast EDM promotor React Presents ble solgt til LiveXLive og Donnie kjøpte selskapet hans, Disco Donnie Presents, tilbake fra LiveStyle.

Kritikk av overkommersialisering

Etter populariseringen av EDM i Amerika reiste en rekke produsenter og DJ-er, inkludert Carl Cox , Steve Lawler og Markus Schulz , bekymring for at den opplevde over-kommersialiseringen av dansemusikk hadde påvirket DJ-kunsten. Cox så på "press-play" -tilnærmingen som ble tatt av nyere EDM DJ-er som ikke-representativ for det han kalte et "DJ-etos". DJ Tim Sheridan skrev i Mixmag og argumenterte for at "trykknapp-DJ-er" som bruker autosynkronisering og spiller forhåndsinnspilte sett med "åpenbare hits" resulterte i en situasjon overkjørt av "the spectacle, money and the showbiz".

Noen husprodusenter innrømmet åpent at "kommersiell" EDM trengte ytterligere differensiering og kreativitet. Avicii, som 2013 album Sanne Utvalgte sanger som omfatter elementer av bluegrass , som bly singelen " Wake Me Up ", uttalte at de fleste EDM manglet "levetid". Deadmau5 kritiserte homogeniseringen av populær EDM, og foreslo at det "alt høres likt ut". Under Ultra Music Festival i 2014 kom Deadmau5 med kritiske kommentarer om den kommende EDM-artisten Martin Garrix og spilte senere en redigert versjon av Garrixs " Animals " som ble remixet til melodien til " Old McDonald Had a Farm ". Etterpå kritiserte Tiësto Deadmau5 på Twitter for "sarkastisk" å blande Aviciis " Levels " med sin egen " Ghosts 'n' Stuff ".

I mai 2014 parodierte NBC- komedieserien Saturday Night Live stereotypene til EDM-kultur og trykknapp-DJ-er i en Digital Short med tittelen "When Will the Bass Drop?" . Den inneholdt en DJ som gikk rundt med å utføre hverdagslige aktiviteter - å spille et dataspill , steke egg, samle inn penger - som deretter trykker på en gigantisk "BASS" -knapp, som eksploderer hodene til konsertgjengere.

Etter år med rask vekst begynte det amerikanske populære EDM-markedet å avta i 2016 da en rekke artister som var kjent for å produsere såkalt 'big room' elektrohus, begynte å diversifisere stilistisk. Denne utviklingen var direkte referert av to slike DJs - David Guetta og Showtek - i en techno -influenced enkelt utgitt i april 2016 med tittelen 'The Death of EDM'.

Internasjonal

I mai 2015 estimerte International Music Summit 's Business Report at den globale elektroniske musikkindustrien hadde nådd nesten 6,9 milliarder dollar i verdi; tellingen inkluderte salg av musikk, inntekter fra arrangementer (inkludert nattklubber og festivaler), salg av DJ-utstyr og programvare og andre inntektskilder. Rapporten identifiserte også flere fremvoksende markeder for elektronisk dansemusikk, inkludert Øst-Asia , India og Sør-Afrika , som hovedsakelig er kreditert av investeringer fra innenlandske, så vel som amerikanske og europeiske interesser. En rekke store festivaler begynte også å utvide seg til Latin-Amerika .

I Ghana , Vest-Afrika, introduserte en kunstner ved navn Djsky EDM i 2015-nåtid og organiserte vellykkede festivaler og arrangementer som Hey Ibiza, Sunset music Festival, Sky show og mer. I et intervju med Watsup TV avslørte Djsky at han var den første som introduserte Electronic Music Dance i Ghana-musikk.

I Etiopia har EDM blitt en del av mainstream-musikken etter gjennombruddet av en ung artist ved navn Rophnan i 2018, som inkluderte EDM-lyd med tradisjonelle rytmer og melodier. I showene hans pakket titusenvis av ungdommer stadioner over hele landet, og radioer begynte å spille den fremvoksende sjangeren.

Kina er et marked der EDM i utgangspunktet hadde gjort relativt få innhugg; selv om arrangørene mente at den mest instrumentale musikken ville fjerne en metaforisk språkbarriere , ble veksten av EDM i Kina hemmet av mangelen på en fremtredende ravekultur i landet som i andre regioner, samt populariteten til innenlandsk kinesisk pop fremfor utenlandske kunstnere. Tidligere Universal Music-leder Eric Zho, inspirert av den amerikanske veksten, gjorde de første betydelige investeringene i elektronisk musikk i Kina, inkludert organisasjonen av Shanghais innledende Storm-festival i 2013, og nås en tittelsponsoravtale for festivalen med Anheuser- Buschs Budweiser-merkevare, et lokalt talent-søk, og organisere samarbeid mellom EDM-produsenter og kinesiske sangere, som Avicii og Wang Leehoms "Lose Myself". I årene etter begynte et større antall EDM-hendelser å dukke opp i Kina, og Storm selv ble også innledet av et større antall pre-parties i 2014 enn det første året. En ny rapport utgitt under det innledende International Music Summit China i oktober 2015 avslørte at den kinesiske EDM-industrien opplevde beskjedne gevinster, med henvisning til det større antall arrangementer (inkludert nye store festivalmerker som Modern Sky og YinYang), en økning på 6% salg av elektronisk musikk i landet, og den betydelige størrelsen på det samlede markedet. Zho mente også at landets "praktiske" politiske klima, samt Kinas investeringer i kulturelle arrangementer, bidro til å "oppmuntre" til vekst av EDM i landet.

Sosial innvirkning

Festivaler

En EDM-festival i 2013 i Plainfeld , Østerrike, med over 100 000 deltakere, som utstillte de store menneskemengdene og den dramatiske belysningen som var vanlig på slike arrangementer siden begynnelsen av 2000-tallet.

På 1980-tallet ble elektronisk dansemusikk ofte spilt på ulovlige underjordiske ravefester holdt på hemmelige steder, for eksempel lagre, forlatte flyhangarer, felt og andre store, åpne områder. På 1990- og 2000-tallet begynte aspekter av den underjordiske ravekulturen på 1980- og begynnelsen av 1990-tallet å utvikle seg til legitime, organiserte EDM-konserter og festivaler . Store festivaler har ofte et stort antall handlinger som representerer forskjellige EDM-sjangre spredt over flere stadier. Festivaler har lagt større vekt på visuelle briller som en del av deres generelle opplevelser, inkludert forseggjorte scenedesign med underliggende tema, komplekse belysningssystemer, lasershow og pyroteknikk . Rave mote utviklet seg også blant deltakerne, som The Guardian beskrev som utviklet seg fra 1990-tallet "kandi raver" til "[et] glatt og sexifisert, men også kitschy-surrealistisk bilde midt mellom Venice Beach og Cirque du Soleil , Willy Wonka og en gay pride parade ". Disse begivenhetene skilte seg fra underjordiske raves på grunn av deres organiserte natur, ofte på store arenaer, og tiltak for å sikre deltakernes helse og sikkerhet. MTVs Rawley Bornstein beskrev elektronisk musikk som "den nye rock and roll", det samme har Lollapalooza-arrangøren Perry Ferrell gjort.

Spectrum Dance Music Festival, 2016

Ray Waddell fra Billboard bemerket at festivalpromotorer har gjort en utmerket jobb med merkevarebygging . Større festivaler har vist seg å ha positive økonomiske konsekvenser for vertsbyene. Ultra Music Festival 2014 brakte 165 000 deltakere - og over 223 millioner dollar - til Miami / South Florida- regionens økonomi. Den innledende utgaven av TomorrowWorld - en USA-basert versjon av Belgias Tomorrowland-festival , brakte 85,1 millioner dollar til Atlanta- området - like store inntekter som vertskapet for NCAA Final Four (det nasjonale mesterskapet for amerikansk collegebasket ) tidligere på året. EDC Las Vegas økte Clark County-økonomien med 350,3 millioner dollar bare i 2015, med over 405 000 deltakere over tre dager (19. - 21. juni). Populariteten til EDM og festivaler førte også til at flere sjangerfestivaler som ikke var sterkt forbundet med elektronisk musikk, for eksempel Coachella og Lollapalooza , la flere elektroniske handlinger til oppstillingen. De spiller ofte EDM-spesifikke scener, men store handlinger som Deadmau5 og Calvin Harris har gjort overordnede opptredener på hovedstadiene i henholdsvis Lollapalooza og Coachella - plasseringer som vanligvis er assosiert med rock og alternativ . Russell Smith fra The Globe and Mail mente at den kommersielle festivalindustrien var en motsetting mot de opprinnelige prinsippene i den rave subkulturen, med henvisning til "de dyre billettene, de gigantiske bedriftssponsorene, crass bro-kulturen - skjorteløse muskelgutter som cruise på stadionene, små populære jenter i bikinier som sykler på skuldrene - for ikke å snakke om den sappete musikken. " Narkotikarelaterte hendelser, så vel som andre klager rundt deltakernes oppførsel, har bidratt til negative oppfatninger og motstand mot elektroniske musikkarrangementer fra lokale myndigheter;

Etter Ultra Music Festival 2014, hvor en mengde gatecrashers trampet en sikkerhetsvakt den første dagen, vurderte Miamis bykommisjonærer å forby festivalen å bli holdt i byen, med henvisning til tråkkingshendelsen, grov oppførsel og klager fra innbyggerne i sentrum for å bli trakassert. av deltakere. Kommisjonærene stemte for å tillate Ultra å fortsette å bli holdt i Miami på grunn av dets positive økonomiske effekter, under forutsetning av at arrangørene adresserer sikkerhet, narkotikabruk og utuktig oppførsel fra deltakerne. I 2018, etter fortsatt bekymring, stemte kommisjonærene for å forhindre festivalen i Bayfront Park og Miami sentrum, men godkjente deretter et forslag om å flytte arrangementet til en av Miamis barriereøyer , Virginia Key . Etter festivalen, som ble påvirket av transportproblemer (ettersom det bare er en bilforbindelse mellom Virginia Key og fastlands-Miami) og andre problemer, trakk Ultra seg ut av avtalen og forhandlet frem en avtale om å gå tilbake til Bayfront Park.

Assosiasjon med rusmiddelbruk

Dansemusikk har lang tilknytning til narkotikamisbruk , spesielt med et bredt spekter av stoffer som er kategorisert under navnet " club drugs ". Russell Smith bemerket at sammenslutningen av narkotika og musikkubkulturer på ingen måte var eksklusiv for elektronisk musikk, og siterte tidligere eksempler på musikksjangre som var assosiert med visse stoffer, som psykedelisk rock og LSD , diskomusikk og kokain , og punkmusikk og heroin .

Bildet over er hvordan stoffekstase ofte ser ut, selv om det er mange forskjellige former og former.

Methylenedioxymethamphetamine (MDMA), også kjent som ecstasy, "E", eller "Molly", blir ofte ansett som det valgte stoffet innen ravekulturen og brukes også på klubber, festivaler og husfester . I det rave miljøet er de sensoriske effektene fra musikken og belysningen ofte svært synergistiske med stoffet. Den psykedeliske amfetaminkvaliteten til MDMA har flere grunner til at den appellerer til brukere i "rave" -innstillingen. Noen brukere liker følelsen av massesamfunn fra stoffets hemningshindrende effekter, mens andre bruker det som festdrivstoff på grunn av stoffets stimulerende effekter. Et annet medikament para-Methoxyamphetamine (4-MA) også kjent som rosa ecstasy, PMA, "Death" eller "Dr. Death", det ligner på MDMA, men det kan ta opptil en time å produsere effekter, noe som kan resultere i hypertermi og deretter organsvikt. Mennesker som tar PMA, blir ofte forvekslet med at de blir identifisert som MDMA.

MDMA er tidvis kjent for å bli tatt i forbindelse med psykedeliske stoffer. De vanligste kombinasjonene inkluderer MDMA kombinert med LSD , MDMA kombinert med DMT , MDMA med psilocybinsopp og MDMA med det disassosiative medikamentet ketamin . Mange brukere bruker mentholerte produkter mens de tar MDMA for sin avkjøling, mens de opplever stoffets effekter. Eksempler inkluderer sigaretter fra mentol, Vicks VapoRub , NyQuil og pastiller .

Forekomsten av ikke-medisinsk ketamin har økt i sammenheng med raves og andre parter. Imidlertid er dens fremkomst som et klubbmedisin forskjellig fra andre klubbmedisiner (f.eks. MDMA ) på grunn av dets bedøvelsesegenskaper ( f.eks . Sløret tale, immobilisering) ved høyere doser; i tillegg er det rapporter om at ketamin selges som "ecstasy". Bruken av ketamin som en del av en "postclubbing-opplevelse" er også dokumentert. Ketamins økning i dansekulturen var rask i Hong Kong på slutten av 1990-tallet. Før det ble et føderalt kontrollert stoff i USA i 1999, var ketamin tilgjengelig som avledte farmasøytiske preparater og som et rent pulver som ble solgt i bulk fra innenlandske kjemiske forsyningsselskaper. Mye av dagens ketamin som er viderekoblet til ikke-medisinsk bruk, stammer fra Kina og India.

Narkotikarelaterte dødsfall ved elektroniske dansemusikkarrangementer

En rekke dødsfall som tilskrives tilsynelatende narkotikabruk har skjedd på store elektroniske musikkonserter og festivaler. The Los Angeles Memorial Coliseum svartelistet Insomniac Hendelser etter en underaged deltaker døde av "komplikasjoner av iskemisk encefalopati grunn methylenedioxymethamphetamine rus" under Electric Daisy Carnival 2010; som et resultat ble arrangementet re-lokalisert til Las Vegas året etter. Narkotikarelaterte dødsfall under Electric Zoo 2013 i New York City , USA og Future Music Festival Asia 2014 i Kuala Lumpur , Malaysia , fikk den siste dagen til begge arrangementene til å bli avlyst, mens Life in Color avlyste et planlagt arrangement i Malaysia av bekymring for hendelsen på Future Music Festival Asia og andre narkotikarelaterte dødsfall som skjedde på A State of Trance 650- konsertene i Jakarta , Indonesia .

I september 2016 forbød byen Buenos Aires , Argentina alle elektroniske musikkarrangementer, i påvente av fremtidig lovgivning, etter fem narkotikarelaterte dødsfall og fire skader på et Time Warp Festival- arrangement i byen i april 2016. Forbudet tvang det elektroniske bandet Kraftwerk til avbryte en planlagt konsert i byen, til tross for å argumentere for at det var ulikheter mellom en festival og konsertene deres.

Bransjepriser

Organisasjon Tildele År Merknader
BRIT Awards British Dance Act 1994–2004 BRIT-prisene i Storbritannia introduserte en kategori "British Dance Act" i 1994, først vunnet av M People . Selv om danseartikler hadde vært med i prisene tidligere år, var dette det første året dansemusikk fikk sin egen kategori. Mer nylig ble prisen fjernet som "Urban" og "Rock" og andre sjangre da prisene fjernet sjangerbaserte priser og flyttet til mer generaliserte artistfokuserte priser.
Grammy Award Beste danseregistrering 1998 – nåtid Senest vunnet (2019) av Silk City og Dua Lipa med Diplo og Mark Ronson for " Electricity ".
Grammy Award Beste dans / elektroniske album 2005 – nåtid Senest vunnet (2020) av The Chemical Brothers for No Geography .
DJ Mag Topp 100 DJ-meningsmåling 1991 – nåtid Det britiske dansemusikkmagasinet DJ Mag publiserer en årlig liste over de 100 beste DJ-ene i verden; fra 1991 til 1996 ble topp 100-avstemningen rangert av bladets journalister; i 1997 ble avstemningen en offentlig avstemning. Nåværende nummer én fra 2018-listen er Martin Garrix .
DJ-priser Beste DJ-pris 1998 – nåtid Det eneste globale DJ-tildelingsarrangementet som nominerer og tildeler internasjonale DJ-er i 11 kategorier årlig i Ibiza , Spania, vinnere valgt av en offentlig stemme og en av de viktigste.
Vintermusikkonferanse (WMC) IDMA: International Dance Music Awards 1998 – nåtid
Prosjekt X Magazine Electronic Dance Music Awards 1995 Lesere av magasinet Project X stemte på vinnerne av den første (og eneste) "Electronic Dance Music Awards". I en seremoni organisert av magasinet og Nervous Records , ble prisstatuer gitt til Winx , The Future Sound of London , Moby , Junior Vasquez , Danny Tenaglia , DJ Keoki , TRIBAL America Records og Moonshine Records .
American Music Awards Favoritt Elektronisk Dance Music Artist 2012 – nåtid Senest vunnet (2020) av Lady Gaga .
World Music Awards Favoritt Elektronisk Dance Music Artist 2006 – nå
(på pause)
Senest vunnet (2014) av Calvin Harris .

Se også

Merknader

Referanser

Bibliografi

Videre lesning