Impresjonisme - Impressionism

Claude Monet , Impression, soleil levant ( Impression, Sunrise ), 1872, olje på lerret, Musée Marmottan Monet , Paris . Dette maleriet ble kilden til bevegelsens navn, etter at Louis Leroys artikkel The Exhibition of the Impressionists satirisk antydet at maleriet på det meste var en skisse.

Impresjonisme er en kunstbevegelse fra 1800-tallet preget av relativt små, tynne, men likevel synlige penselstrøk, åpen komposisjon , vekt på nøyaktig skildring av lys i dets skiftende kvaliteter (som ofte fremhever effekten av tidens gang), vanlig motiv, uvanlig. visuelle vinkler, og inkludering av bevegelse som et avgjørende element i menneskelig oppfatning og opplevelse. Impresjonismen oppsto med en gruppe Paris - baserte kunstnere hvis uavhengige utstillinger brakte dem frem i 1870- og 1880-årene.

Impresjonistene møtte hard motstand fra det konvensjonelle kunstmiljøet i Frankrike. Navnet på stilen stammer fra tittelen på et Claude Monet - verk, Impression, soleil levant ( Impression, Sunrise ), som provoserte kritikeren Louis Leroy til å lage begrepet i en satirisk anmeldelse publisert i den parisiske avisen Le Charivari . Utviklingen av impresjonismen i billedkunsten ble snart fulgt av analoge stiler i andre medier som ble kjent som impresjonistisk musikk og impresjonistisk litteratur .

Oversikt

JMW Turners atmosfæriske arbeid var innflytelsesrik på fødselen av impresjonismen, her The Fighting Temeraire (1839)

Radikale i sin tid brøt tidlige impresjonister reglene for akademisk maleri. De konstruerte bildene sine fra fritt børstede farger som hadde forrang over linjer og konturer, etter eksemplet til malere som Eugène Delacroix og JMW Turner . De malte også realistiske scener av moderne liv, og malte ofte utendørs. Tidligere ble stilleben og portretter samt landskap vanligvis malt i et atelier. Impresjonistene fant ut at de kunne fange de øyeblikkelige og forbigående effektene av sollys ved å male utendørs eller utendørs . De fremstilte generelle visuelle effekter i stedet for detaljer, og brukte korte "ødelagte" penselstrøk med blandede og rene ublandede farger – ikke blandet jevnt eller skyggelagt, slik det var vanlig – for å oppnå en effekt av intens fargevibrasjon.

Pierre-Auguste Renoir , Dans ved Le Moulin de la Galette ( Bal du moulin de la Galette ) , 1876, Musée d'Orsay , et av impresjonismens mest berømte mesterverk.

Impresjonismen dukket opp i Frankrike på samme tid som en rekke andre malere, inkludert de italienske kunstnerne kjent som Macchiaioli , og Winslow Homer i USA, også utforsket friluftsmaleri . Impresjonistene utviklet imidlertid nye teknikker spesifikke for stilen. Omfattende det tilhengerne hevdet var en annen måte å se på, er det en kunst av umiddelbarhet og bevegelse, av ærlige positurer og komposisjoner, av lysspillet uttrykt i en lys og variert fargebruk.

Publikum, først fiendtlig, kom gradvis til å tro at impresjonistene hadde fanget en frisk og original visjon, selv om kunstkritikerne og kunstetablissementet ikke bifalt den nye stilen. Ved å gjenskape følelsen i øyet som ser på motivet, i stedet for å avgrense detaljene i motivet, og ved å skape en mengde teknikker og former, er impresjonisme en forløper for ulike malestiler, inkludert neo-impresjonisme , post-impresjonisme , fauvisme , og kubisme .

Begynnelser

På midten av 1800-tallet – en tid med forandring, da keiser Napoleon III gjenoppbygde Paris og førte krig – dominerte Académie des Beaux-Arts fransk kunst. Académie var bevart av tradisjonelle franske malestandarder for innhold og stil. Historiske emner, religiøse temaer og portretter ble verdsatt; landskap og stilleben var det ikke. Académie foretrakk nøye ferdige bilder som så realistiske ut når de ble undersøkt nøye. Malerier i denne stilen var bygd opp av presise penselstrøk nøye blandet for å skjule kunstnerens hånd i verket. Fargen ble behersket og ofte tonet ytterligere ned ved påføring av en gylden lakk.

Académie hadde en årlig, juryert kunstutstilling, Salon de Paris , og kunstnere hvis arbeid ble vist i showet vant priser, fikk provisjoner og forbedret prestisje. Juryenes standarder representerte verdiene til Académie, representert av verkene til slike kunstnere som Jean-Léon Gérôme og Alexandre Cabanel .

På begynnelsen av 1860-tallet møttes fire unge malere - Claude Monet , Pierre-Auguste Renoir , Alfred Sisley og Frédéric Bazille - mens de studerte under den akademiske kunstneren Charles Gleyre . De oppdaget at de delte interessen for å male landskap og samtidsliv i stedet for historiske eller mytologiske scener. Etter en praksis som hadde blitt stadig mer populær ved midten av århundret, våget de seg ofte ut på landsbygda sammen for å male i friluft, men ikke med det formål å lage skisser som skulle utvikles til nøye ferdige arbeider i atelieret, slik det var vanlig. tilpasset. Ved å male i sollys direkte fra naturen, og bruke dristig bruk av de levende syntetiske pigmentene som hadde blitt tilgjengelig siden begynnelsen av århundret, begynte de å utvikle en lettere og lysere måte å male på som utvidet realismen til Gustave Courbet og Barbizon . skole . Et yndet møtested for kunstnerne var Café Guerbois på Avenue de Clichy i Paris, hvor diskusjonene ofte ble ledet av Édouard Manet , som de yngre kunstnerne beundret stort. De fikk snart selskap av Camille Pissarro , Paul Cézanne og Armand Guillaumin .

Édouard Manet , Lunchen på gresset ( Le déjeuner sur l'herbe ), 1863

I løpet av 1860-årene avviste Salon-juryen rutinemessig omtrent halvparten av verkene som ble sendt inn av Monet og vennene hans til fordel for verk av kunstnere som var trofaste mot den godkjente stilen. I 1863 avviste Salong-juryen Manets The Luncheon on the Grass ( Le déjeuner sur l'herbe ) først og fremst fordi den avbildet en naken kvinne med to kledde menn på en piknik. Mens Salon-juryen rutinemessig godtok nakenbilder i historiske og allegoriske malerier, fordømte de Manet for å ha plassert en realistisk nakenbilde i en moderne setting. Juryens strengt formulerte avvisning av Manets maleri forferdet beundrerne hans, og det uvanlig store antallet avviste verk det året forstyrret mange franske kunstnere.

Etter at keiser Napoleon III så de avviste verkene fra 1863, bestemte han at publikum skulle få lov til å dømme verket selv, og Salon des Refusés (Salon of the Refusés) ble organisert. Mens mange seere bare kom for å le, trakk Salon des Refusés oppmerksomheten på eksistensen av en ny kunsttendens og tiltrakk seg flere besøkende enn den vanlige salongen.

Kunstnerbegjæringer som ba om en ny Salon des Refusés i 1867, og igjen i 1872, ble avslått. I desember 1873 grunnla Monet , Renoir , Pissarro , Sisley , Cézanne , Berthe Morisot , Edgar Degas og flere andre kunstnere Société Anonyme Coopérative des Artistes Peintres, Sculpteurs, Graveurs ("Cooperative and Anonymous Association of Painters, Sculptors, Sculptors) å stille ut sine kunstverk uavhengig. Medlemmer av foreningen ble forventet å avstå fra å delta i salongen. Arrangørene inviterte en rekke andre progressive kunstnere til å bli med dem i deres første utstilling, inkludert den eldre Eugène Boudin , hvis eksempel først hadde overtalt Monet til å ta i bruk friluftsmaleri år før. En annen maler som i stor grad påvirket Monet og vennene hans, Johan Jongkind , nektet å delta, det samme gjorde Édouard Manet . Totalt deltok tretti kunstnere i deres første utstilling, holdt i april 1874 i studioet til fotografen Nadar .

Den kritiske responsen var blandet. Monet og Cézanne fikk de hardeste angrepene. Kritiker og humorist Louis Leroy skrev en skarp anmeldelse i avisen Le Charivari der han, med ordspill med tittelen Claude Monets Impression, Sunrise (Impression, soleil levant) , ga artistene navnet som de ble kjent med. Med hånlig tittel på artikkelen sin The Exhibition of the Impressionists , erklærte Leroy at Monets maleri på det meste var en skisse og neppe kunne betegnes som et ferdig verk.

Han skrev, i form av en dialog mellom seere,

"Inntrykk - jeg var sikker på det. Jeg sa bare til meg selv at siden jeg var imponert, måtte det være noe inntrykk i det ... og hvilken frihet, hvilken enkel utførelse! Tapet i sin embryonale tilstand er mer ferdig enn det sjølandskapet."

Begrepet impresjonist ble raskt populær blant publikum. Det ble også akseptert av kunstnerne selv, selv om de var en mangfoldig gruppe i stil og temperament, forent først og fremst av deres uavhengighet og opprørsånd. De stilte ut sammen – om enn med skiftende medlemskap – åtte ganger mellom 1874 og 1886. Impresjonistenes stil, med sine løse, spontane penselstrøk, skulle snart bli synonymt med moderne liv.

Monet, Sisley, Morisot og Pissarro kan betraktes som de "reneste" impresjonistene, i deres konsekvente jakt på en kunst av spontanitet, sollys og farger. Degas avviste mye av dette, da han trodde på forrangen til å tegne fremfor farger og forringet praksisen med å male utendørs. Renoir vendte seg bort fra impresjonismen en tid i løpet av 1880-årene, og fikk aldri helt tilbake sitt engasjement for ideene. Édouard Manet, selv om den ble sett på av impresjonistene som deres leder, forlot aldri sin liberale bruk av svart som farge (mens impresjonister unngikk bruken og foretrakk å oppnå mørkere farger ved å blande), og deltok aldri i de impresjonistiske utstillingene. Han fortsatte å sende inn verkene sine til salongen, hvor maleriet hans spanske sanger hadde vunnet en medalje i 2. klasse i 1861, og han oppfordret de andre til å gjøre det samme, og hevdet at "Salongen er det virkelige kampfeltet" hvor et rykte kunne være laget.

Camille Pissarro , Boulevard Montmartre , 1897, Eremitasjen , St. Petersburg

Blant kunstnerne i kjernegruppen (minus Bazille, som hadde dødd i den fransk-prøyssiske krigen i 1870), skjedde det avhopp da Cézanne, senere fulgt av Renoir, Sisley og Monet, avsto fra gruppeutstillingene slik at de kunne sende inn verkene sine. til salongen. Uenigheter oppsto fra spørsmål som Guillaumins medlemskap i gruppen, forkjempet av Pissarro og Cézanne mot motstand fra Monet og Degas, som mente ham uverdig. Degas inviterte Mary Cassatt til å vise arbeidet sitt i utstillingen fra 1879, men insisterte også på inkludering av Jean-François Raffaëlli , Ludovic Lepic og andre realister som ikke representerte impresjonistisk praksis, noe som fikk Monet i 1880 til å anklage impresjonistene for å "åpne dører". til førstemann til mølla". Gruppen delte seg over invitasjoner til Paul Signac og Georges Seurat om å stille ut med dem i 1886. Pissarro var den eneste kunstneren som viste på alle de åtte impresjonistiske utstillingene.

De enkelte kunstnerne oppnådde få økonomiske belønninger fra de impresjonistiske utstillingene, men kunsten deres vant gradvis en grad av offentlig aksept og støtte. Forhandleren deres, Durand-Ruel , spilte en stor rolle i dette da han holdt arbeidet deres foran publikum og arrangerte show for dem i London og New York. Selv om Sisley døde i fattigdom i 1899, hadde Renoir en stor Salonsuksess i 1879. Monet ble trygg økonomisk på begynnelsen av 1880-tallet, og det samme gjorde Pissarro på begynnelsen av 1890-tallet. På dette tidspunktet var metodene for impresjonistisk maleri, i en utvannet form, blitt vanlig i salongkunsten.

Impresjonistiske teknikker

Mary Cassatt , Lydia Leaning on Her Arms (i en teaterboks), 1879

Franske malere som forberedte veien for impresjonismen inkluderer den romantiske fargeisten Eugène Delacroix , lederen av realistene Gustave Courbet , og malere fra Barbizon-skolen som Théodore Rousseau . Impresjonistene lærte mye av arbeidet til Johan Barthold Jongkind , Jean-Baptiste-Camille Corot og Eugène Boudin , som malte fra naturen i en direkte og spontan stil som prefigurerte impresjonismen, og som ble venn med og ga råd til de yngre kunstnerne.

En rekke identifiserbare teknikker og arbeidsvaner bidro til impresjonistenes innovative stil. Selv om disse metodene hadde blitt brukt av tidligere kunstnere – og ofte er iøynefallende i arbeidet til kunstnere som Frans Hals , Diego Velázquez , Peter Paul Rubens , John Constable og J. M. W. Turner – var impresjonistene de første som brukte dem alle sammen, og med en slik konsistens. Disse teknikkene inkluderer:

  • Korte, tykke strøk med maling fanger raskt essensen av motivet, i stedet for detaljene. Malingen påføres ofte impasto .
  • Farger påføres side om side med så lite blanding som mulig, en teknikk som utnytter prinsippet om samtidig kontrast for å få fargen til å fremstå mer levende for betrakteren.
  • Grå og mørke toner produseres ved å blande komplementære farger . Ren impresjonisme unngår bruk av svart maling.
  • Våt maling legges inn i våt maling uten å vente på at påfølgende påføringer tørker, noe som gir mykere kanter og sammenblanding av farger.
  • Impresjonistiske malerier utnytter ikke gjennomsiktigheten til tynne malingsfilmer (glasurer), som tidligere kunstnere manipulerte forsiktig for å produsere effekter. Den impresjonistiske maleoverflaten er vanligvis ugjennomsiktig.
  • Malingen påføres en hvit eller lys bakke. Tidligere brukte malere ofte mørkegrå eller sterkt farget grunn.
  • Spillet av naturlig lys er vektlagt. Det rettes stor oppmerksomhet mot refleksjon av farger fra objekt til objekt. Malere jobbet ofte om kvelden for å produsere effets de soir — skyggeeffektene av kveld eller skumring.
  • I malerier laget en plein air (utendørs), er skygger dristig malt med himmelens blå når den reflekteres på overflater, noe som gir en følelse av friskhet som tidligere ikke var representert i maleri. (Blå skygger på snø inspirerte teknikken.)

Ny teknologi spilte en rolle i utviklingen av stilen. Impresjonister benyttet seg av introduksjonen fra midten av århundret av ferdigblandet maling i tinntuber (som likner moderne tannkremtuber), som tillot kunstnere å jobbe mer spontant, både utendørs og innendørs. Tidligere har malere laget sine egne malinger individuelt, ved å male og blande tørre pigmentpulver med linolje, som deretter ble lagret i dyreblærer.

Mange levende syntetiske pigmenter ble kommersielt tilgjengelige for kunstnere for første gang i løpet av 1800-tallet. Disse inkluderte koboltblått , viridian , kadmiumgult og syntetisk ultramarinblått , som alle var i bruk på 1840-tallet, før impresjonismen. Impresjonistenes måte å male på gjorde dristig bruk av disse pigmentene, og av enda nyere farger som cerulean blue , som ble kommersielt tilgjengelig for kunstnere på 1860-tallet.

Impresjonistenes fremgang mot en lysere malerstil var gradvis. I løpet av 1860-årene malte Monet og Renoir noen ganger på lerreter tilberedt med tradisjonell rød-brun eller grå grunn. På 1870-tallet valgte Monet, Renoir og Pissarro vanligvis å male på grunnlag av en lysere grå eller beige farge, som fungerte som en mellomtone i det ferdige maleriet. På 1880-tallet hadde noen av impresjonistene kommet til å foretrekke hvite eller litt off-white grunner, og tillot ikke lenger grunnfargen en betydelig rolle i det ferdige maleriet.

Innhold og komposisjon

Camille Pissarro , Hay Harvest at Éragny, 1901, National Gallery of Canada , Ottawa, Ontario

Før impresjonistene hadde andre malere, særlig nederlandske malere fra 1600-tallet som Jan Steen , lagt vekt på vanlige emner, men komposisjonsmetodene deres var tradisjonelle. De arrangerte komposisjonene sine slik at hovedmotivet fanget betrakterens oppmerksomhet. JMW Turner , mens en kunstner fra den romantiske epoken , forutså stilen til impresjonisme med kunstverkene sine. Impresjonistene lempet på grensen mellom motiv og bakgrunn slik at effekten av et impresjonistisk maleri ofte minner om et øyeblikksbilde, en del av en større virkelighet fanget som ved en tilfeldighet. Fotografering ble stadig mer populær, og etter hvert som kameraene ble mer bærbare, ble fotografiene mer ærlige. Fotografi inspirerte impresjonister til å representere øyeblikkelig handling, ikke bare i det flyktige lyset i et landskap, men i menneskers daglige liv.

Utviklingen av impresjonismen kan delvis betraktes som en reaksjon fra kunstnere på utfordringen fra fotografiet, som så ut til å devaluere kunstnerens dyktighet i å gjengi virkeligheten. Både portrett- og landskapsmalerier ble ansett som noe mangelfulle og mangelfulle i sannhet da fotografering "produserte naturtro bilder mye mer effektivt og pålitelig".

Til tross for dette inspirerte fotografering faktisk kunstnere til å forfølge andre måter å uttrykke seg på, og i stedet for å konkurrere med fotografi for å etterligne virkeligheten, fokuserte kunstnere "på den ene tingen de uunngåelig kunne gjøre bedre enn fotografiet - ved å videreutvikle seg til en kunstform selve dens subjektivitet i oppfatningen av bildet, selve subjektiviteten som fotografering eliminerte". Impresjonistene søkte å uttrykke sine oppfatninger av naturen, i stedet for å lage eksakte representasjoner. Dette tillot kunstnere å skildre subjektivt hva de så med sine "stilltiende imperativer av smak og samvittighet". Fotografi oppmuntret malere til å utnytte aspekter ved malerimediet, som farge, som fotografiet da manglet: "Impresjonistene var de første som bevisst tilbød et subjektivt alternativ til fotografiet".

Claude Monet , Jardin à Sainte-Adresse , 1867, Metropolitan Museum of Art , New York., et verk som viser innflytelsen fra japanske trykk

En annen stor innflytelse var japanske ukiyo-e kunsttrykk ( japonisme ). Kunsten til disse trykkene bidro betydelig til "øyeblikksbilde"-vinklene og ukonvensjonelle komposisjoner som ble karakteristiske for impresjonismen. Et eksempel er Monets Jardin à Sainte-Adresse , 1867, med sine dristige fargeblokker og komposisjon på en sterk diagonal skråning som viser påvirkningen fra japanske trykk.

Edgar Degas var både en ivrig fotograf og en samler av japanske trykk. Hans The Dance Class (La classe de danse) fra 1874 viser begge påvirkninger i sin asymmetriske komposisjon. Danserne er tilsynelatende overrasket i forskjellige vanskelige positurer, og etterlater en vidde med tom gulvplass i nedre høyre kvadrant. Han fanget også danserne sine i skulptur, for eksempel Little Dancer of Fourteen Years .

Kvinnelige impresjonister

Impresjonister, i varierende grad, lette etter måter å skildre visuell opplevelse og samtidige emner. Kvinnelige impresjonister var interessert i de samme idealene, men hadde mange sosiale og karrieremessige begrensninger sammenlignet med mannlige impresjonister. Spesielt ble de ekskludert fra bildet av den borgerlige sosiale sfæren på boulevarden, kafeen og dansesalen. I tillegg til bilder ble kvinner ekskludert fra de formative diskusjonene som resulterte i møter på disse stedene; det var der mannlige impresjonister var i stand til å danne og dele ideer om impresjonisme. I det akademiske riket ble kvinner antatt å være ute av stand til å håndtere komplekse fag, noe som førte til at lærere begrenset det de lærte kvinnelige studenter. Det ble også ansett som unladylike å utmerke seg i kunst siden kvinners sanne talenter da ble antatt å sentrere seg om hjemmelaging og morskap.

Likevel var flere kvinner i stand til å finne suksess i løpet av livet, selv om karrieren deres ble påvirket av personlige omstendigheter - Bracquemond, for eksempel, hadde en mann som var ergerlig over arbeidet hennes som fikk henne til å gi opp å male. De fire mest kjente, nemlig Mary Cassatt , Eva Gonzalès , Marie Bracquemond og Berthe Morisot , er og ble ofte referert til som 'kvinneimpresjonistene'. Deres deltakelse i serien på åtte impresjonistiske utstillinger som fant sted i Paris fra 1874 til 1886 varierte: Morisot deltok i syv, Cassatt i fire, Bracquemond i tre, og Gonzalès deltok ikke.

Mary Cassatt , Young Girl at a Window, 1885, olje på lerret, National Gallery of Art , Washington, DC

Tidens kritikere klumpet disse fire sammen uten hensyn til deres personlige stiler, teknikker eller emne. Kritikere som så på verkene deres på utstillingene forsøkte ofte å anerkjenne kvinnelige kunstneres talenter, men omskrev dem innenfor en begrenset forestilling om femininitet. Den parisiske kritikeren SC de Soissons argumenterte for egnetheten til impresjonistisk teknikk for kvinners måte å oppfatte på:

Man kan forstå at kvinner ikke har noen originalitet i tankene, og at litteratur og musikk ikke har noen feminin karakter; men kvinner vet sikkert hvordan de skal observere, og det de ser er ganske forskjellig fra det menn ser, og kunsten som de legger i gestene sine, på toalettet, i dekorasjonen av miljøet er tilstrekkelig til å gi er ideen om en instinktiv, av et særegent geni som bor i hver enkelt av dem.

Mens impresjonismen legitimerte det hjemlige sosiale livet som emne, som kvinner hadde intim kunnskap om, hadde den også en tendens til å begrense dem til det emnet. Skildringer av ofte identifiserbare sittere i hjemlige omgivelser (som kunne tilby provisjoner) var dominerende i utstillingene. Motivene for maleriene var ofte kvinner som samhandlet med miljøet sitt enten ved blikk eller bevegelse. Cassatt, spesielt, var klar over sin plassering av subjekter: hun holdt sine overveiende kvinnelige figurer fra objektivering og klisje; når de ikke leser, snakker de, syr, drikker te, og når de er inaktive virker de fortapt i tankene.

De kvinnelige impresjonistene strevet, i likhet med sine mannlige kolleger, etter «sannhet», etter nye måter å se på og nye maleteknikker; hver kunstner hadde en individuell malestil. Kvinnelige impresjonister (spesielt Morisot og Cassatt) var bevisste på maktbalansen mellom kvinner og objekter i maleriene deres - de borgerlige kvinnene som er avbildet er ikke definert av dekorative gjenstander, men i stedet samhandler de med og dominerer tingene de lever med. Det er mange likheter i deres fremstillinger av kvinner som virker både rolige og subtilt innestengte. Gonzalès' Box at the Italian Opera skildrer en kvinne som stirrer i det fjerne, rolig i en sosial sfære, men begrenset av boksen og mannen som står ved siden av henne. Cassatts maleri Young Girl at a Window er lysere i fargen, men forblir begrenset av lerretskanten når hun ser ut av vinduet.

Eva Gonzalès , Une Loge aux Italiens, eller, Box at the Italian Opera, ca. 1874, olje på lerret, Musée d'Orsay , Paris

Til tross for deres suksess i deres evne til å ha en karriere og impresjonismens bortgang tilskrevet dens angivelig feminine egenskaper (dens sensualitet, avhengighet av sensasjon, kroppslighet og flyt) ble de fire kvinnelige artistene (og andre, mindre kjente kvinnelige impresjonister) stort sett utelatt fra kunsthistoriske lærebøker som dekker impresjonistiske kunstnere frem til Tamar Garbs kvinnelige impresjonister utgitt i 1986. For eksempel inkluderte impresjonisme av Jean Leymarie, utgitt i 1955, ingen informasjon om noen kvinnelige impresjonister.

Hovedimpresjonister

De sentrale figurene i utviklingen av impresjonismen i Frankrike, oppført alfabetisk, var:

  • Frédéric Bazille (1841–1870), som bare posthumt deltok i de impresjonistiske utstillingene
  • Gustave Caillebotte (1848–1894), som, yngre enn de andre, slo seg sammen med dem på midten av 1870-tallet
  • Mary Cassatt (1844–1926), amerikanskfødt, hun bodde i Paris og deltok i fire impresjonistiske utstillinger
  • Paul Cézanne (1839–1906), selv om han senere brøt bort fra impresjonistene
  • Edgar Degas (1834–1917), som foraktet begrepet impresjonist
  • Armand Guillaumin (1841–1927)
  • Édouard Manet (1832–1883), som ikke deltok i noen av de impresjonistiske utstillingene
  • Claude Monet (1840–1926), den mest produktive av impresjonistene og den som legemliggjør deres estetikk mest åpenbart
  • Berthe Morisot (1841–1895) som deltok i alle impresjonistiske utstillinger bortsett fra i 1879
  • Camille Pissarro (1830–1903)
  • Pierre-Auguste Renoir (1841–1919), som deltok i impresjonistiske utstillinger i 1874, 1876, 1877 og 1882
  • Alfred Sisley (1839–1899)

Galleri

Tidslinje: Lives of the impressionists

Impresjonistene

Medarbeidere og påvirkede artister

Blant impresjonistenes nære medarbeidere var flere malere som til en viss grad tok i bruk metodene deres. Disse inkluderer Jean-Louis Forain (som deltok i impresjonistiske utstillinger i 1879, 1880, 1881 og 1886) og Giuseppe De Nittis , en italiensk kunstner bosatt i Paris som deltok i den første impresjonistiske utstillingen på invitasjon av Degas, selv om de andre impresjonistene nedverdiget hans jobb. Federico Zandomeneghi var en annen italiensk venn av Degas som viste sammen med impresjonistene. Eva Gonzalès var en tilhenger av Manet som ikke stilte ut sammen med gruppen. James Abbott McNeill Whistler var en amerikanskfødt maler som spilte en rolle i impresjonismen selv om han ikke ble med i gruppen og foretrakk gråtonede farger. Walter Sickert , en engelsk kunstner, var opprinnelig en tilhenger av Whistler, og senere en viktig disippel av Degas; han stilte ikke ut sammen med impresjonistene. I 1904 skrev kunstneren og forfatteren Wynford Dewhurst den første viktige studien av de franske malerne publisert på engelsk, Impressionist Painting: its genesis and development , som gjorde mye for å popularisere impresjonismen i Storbritannia.

På begynnelsen av 1880-tallet påvirket impresjonistiske metoder, i det minste overfladisk, salongens kunst. Fasjonable malere som Jean Béraud og Henri Gervex fant kritisk og økonomisk suksess ved å lysne palettene sine samtidig som de beholdt den glatte finishen som forventes av salongkunst. Verk av disse kunstnerne blir noen ganger tilfeldig referert til som impresjonisme, til tross for at de befinner seg langt fra impresjonistisk praksis.

Innflytelsen fra de franske impresjonistene varte lenge etter at de fleste av dem var døde. Kunstnere som JD Kirszenbaum lånte impresjonistiske teknikker gjennom det tjuende århundre.

Utover Frankrike

Peder Severin Krøyers verk fra 1888 Hipp, Hipp, Hurra! , holdt på Göteborgs konstmuseum , viser medlemmer av Skagenmalerne .

Ettersom innflytelsen fra impresjonismen spredte seg utover Frankrike, ble kunstnere, for mange til å liste opp, identifisert som utøvere av den nye stilen. Noen av de viktigere eksemplene er:

Skulptur, foto og film

Skulptøren Auguste Rodin kalles noen ganger en impresjonist for måten han brukte grovt modellerte overflater for å foreslå forbigående lyseffekter.

Pictorialistiske fotografer hvis arbeid er preget av mykt fokus og atmosfæriske effekter, har også blitt kalt impresjonister.

Fransk impresjonistisk kino er et begrep brukt på en løst definert gruppe filmer og filmskapere i Frankrike fra 1919 til 1929, selv om disse årene er diskutable. Franske impresjonistiske filmskapere inkluderer Abel Gance , Jean Epstein , Germaine Dulac , Marcel L'Herbier, Louis Delluc og Dmitry Kirsanoff.

Musikk og litteratur

Musikalsk impresjonisme er navnet gitt til en bevegelse innen europeisk klassisk musikk som oppsto på slutten av 1800-tallet og fortsatte inn på midten av 1900-tallet. Musikalsk impresjonisme har sin opprinnelse i Frankrike og er preget av forslag og atmosfære, og unngår de følelsesmessige utskeielsene fra den romantiske epoken . Impresjonistiske komponister favoriserte korte former som nocturne , arabesk og preludium , og utforsket ofte uvanlige skalaer som hele toneskalaen . De kanskje mest bemerkelsesverdige nyvinningene til impresjonistiske komponister var introduksjonen av store 7. akkorder og utvidelsen av akkordstrukturer i 3. til fem- og seksdelte harmonier.

Påvirkningen av visuell impresjonisme på dens musikalske motstykke kan diskuteres. Claude Debussy og Maurice Ravel regnes generelt som de største impresjonistiske komponistene, men Debussy avviste begrepet og kalte det kritikernes oppfinnelse. Erik Satie ble også ansett i denne kategorien, selv om tilnærmingen hans ble sett på som mindre seriøs, mer musikalsk nyhet. Paul Dukas er en annen fransk komponist noen ganger betraktet som en impresjonist, men stilen hans er kanskje nærmere tilpasset de sene romantikerne. Musikalsk impresjonisme utenfor Frankrike inkluderer verk av komponister som Ottorino Respighi (Italia), Ralph Vaughan Williams , Cyril Scott og John Ireland (England), Manuel De Falla og Isaac Albeniz (Spania) og Charles Griffes (Amerika).

Begrepet impresjonisme har også blitt brukt for å beskrive litteraturverk der noen få utvalgte detaljer er tilstrekkelige for å formidle sanseinntrykkene av en hendelse eller scene. Impresjonistisk litteratur er nært beslektet med symbolismen , med de viktigste eksemplene Baudelaire , Mallarmé , Rimbaud og Verlaine . Forfattere som Virginia Woolf , DH Lawrence , Henry James og Joseph Conrad har skrevet verk som er impresjonistiske på den måten de beskriver, snarere enn å tolke, inntrykkene, følelsene og følelsene som utgjør en karakters mentale liv.

Camille Pissarro , Barn på en gård , 1887

Post-impresjonisme

I løpet av 1880-årene begynte flere kunstnere å utvikle forskjellige forskrifter for bruk av farge, mønster, form og linje, avledet fra det impresjonistiske eksemplet: Vincent van Gogh , Paul Gauguin , Georges Seurat og Henri de Toulouse-Lautrec . Disse kunstnerne var litt yngre enn impresjonistene, og arbeidet deres er kjent som postimpresjonisme. Noen av de originale impresjonistiske artistene våget seg også inn på dette nye territoriet; Camille Pissarro malte kort på en pointillistisk måte, og til og med Monet forlot det strenge friluftsmaleriet . Paul Cézanne , som deltok i den første og tredje impresjonistiske utstillingen, utviklet en svært individuell visjon som la vekt på billedstruktur, og han kalles oftere en post-impresjonist. Selv om disse tilfellene illustrerer vanskeligheten med å tildele etiketter, kan arbeidet til de originale impresjonistiske malerne per definisjon kategoriseres som impresjonisme.

Se også

Notater

Referanser

  • Baumann, Felix Andreas, Marianne Karabelnik-Matta, Jean Sutherland Boggs og Tobia Bezzola (1994). Degas portretter . London: Merrell Holberton. ISBN  1-85894-014-1
  • Bomford, David, Jo Kirby, John Leighton, Ashok Roy og Raymond White (1990). Impresjonisme . London: Nasjonalgalleriet. ISBN  0-300-05035-6
  • Denvir, Bernard (1990). The Thames and Hudson Encyclopaedia of Impressionism . London: Thames og Hudson. ISBN  0-500-20239-7
  • Distel, Anne , Michel Hoog og Charles S. Moffett (1974). impresjonisme; en hundreårsutstilling, Metropolitan Museum of Art, 12. desember 1974 – 10. februar 1975 . New York: Metropolitan Museum of Art. ISBN  0-87099-097-7
  • Eisenman, Stephen F (2011). "Fra Corot til Monet: Impresjonismens økologi". Milan: Skira. ISBN  88-572-0706-4 .
  • Gordon, Robert; Forge, Andrew (1988). Avgasser . New York: Harry N. Abrams. ISBN  0-8109-1142-6
  • Gowing, Lawrence, med Adriani, Götz ; Krumrine, Mary Louise; Lewis, Mary Tompkins; Patin, Sylvie ; Rewald, John (1988). Cézanne: De tidlige årene 1859–1872 . New York: Harry N. Abrams.
  • Jensen, Robert (1994). Markedsføring av modernisme i fin-de-siècle Europa . Princeton, NJ: Princeton University Press. ISBN  0-691-03333-1 .
  • Moskowitz, Ira; Sérullaz, Maurice (1962). Franske impresjonister: Et utvalg av tegninger fra det franske 1800-tallet . Boston og Toronto: Little, Brown and Company. ISBN  0-316-58560-2
  • Rewald, John (1973). The History of Impressionism (fjerde, reviderte utgave). New York: Museum of Modern Art. ISBN  0-87070-360-9
  • Richardson, John (1976). Manet (3. utgave). Oxford: Phaidon Press Ltd. ISBN  0-7148-1743-0
  • Rosenblum, Robert (1989). Malerier i Musée d'Orsay . New York: Stewart, Tabori og Chang. ISBN  1-55670-099-7
  • Moffett, Charles S. (1986). "Det nye maleriet, impresjonismen 1874–1886". Genève: Richard Burton SA.

Eksterne linker