Italiensk opera - Italian opera

Interiøret i La Fenice operahus i Venezia i 1837. Venezia var, sammen med Firenze og Roma, en av vuggene til den italienske operaen.

Italiensk opera er både operaen i Italia og opera på det italienske språket . Opera ble født i Italia rundt år 1600, og italiensk opera har fortsatt å spille en dominerende rolle i formens historie til i dag. Mange kjente operaer på italiensk ble skrevet av utenlandske komponister, inkludert Handel , Gluck og Mozart . Verker av innfødte italienske komponister fra 1800- og begynnelsen av 1900 -tallet, som Rossini , Bellini , Donizetti , Verdi og Puccini , er blant de mest berømte operaene som noensinne er skrevet og i dag fremføres ioperahus over hele verden.

Opprinnelse

Jacopo Peri som Arion i La pellegrina

Dafne av Jacopo Peri var den tidligste komposisjonen som ble ansett som opera, slik den ble forstått i dag. Peris verk oppstod imidlertid ikke ut av et kreativt vakuum innen sunget drama. En underliggende forutsetning for opprettelsen av riktig opera var utøvelsen av monodi . Monody er solosang/setting av en dramatisk unnfanget melodi, designet for å uttrykke det emosjonelle innholdet i teksten den bærer, som akkompagneres av en relativt enkel sekvens av akkorder i stedet for andre polyfoniske deler. Italienske komponister begynte å komponere i denne stilen sent på 1500-tallet, og det vokste delvis fra den mangeårige praksisen med å utføre polyfoniske madrigaler med en sanger akkompagnert av en instrumental gjengivelse av de andre delene, samt den økende populariteten til mer populære , flere homofoniske vokalsjangre som frottola og villanella . I disse to sistnevnte sjangrene var den økende tendensen mot en mer homofonisk tekstur, med den øvre delen med en forseggjort, aktiv melodi og de nedre (vanligvis var dette tredelte komposisjoner, i motsetning til fire-eller-mer- del madrigal) en mindre aktiv støttestruktur. Fra dette var det bare et lite skritt til fullverdig monodi. Alle slike verk hadde en tendens til å sette humanistisk poesi av en type som forsøkte å etterligne Petrarch og hans Trecento- tilhengere, et annet element i periodens tendens til et ønske om å gjenopprette prinsipper som det var forbundet med en blandet forestilling om antikken.

Soloen madrigal, frottola, villanella og deres pårørende spilte fremtredende i intermedio eller intermezzo, teaterforestillinger med musikk som ble finansiert i de siste sytti årene av 1500-tallet av de overdådige og stadig sekulære domstolene i Italias bystater. Slike briller ble vanligvis iscenesatt for å minnes viktige statlige hendelser: bryllup, militære seire og lignende, og vekslet i opptreden med skuespillene. I likhet med den senere operaen inneholdt et intermedio den nevnte solosangen, men også madrigaler fremført i sin typiske flerstemmede tekstur og dans akkompagnert av nåværende instrumentalister. De var overdådig iscenesatt og ledet scenografien i andre halvdel av 1500 -tallet. Mellomtiden hadde en tendens til ikke å fortelle en historie som sådan, selv om de noen ganger gjorde det, men nesten alltid fokuserte på et bestemt element av menneskelig følelse eller erfaring, uttrykt gjennom mytologisk allegori.

Oppsetningen i 1600 av Peris opera Euridice som en del av feiringen for et Medici -bryllup, anledningene til den mest spektakulære og internasjonalt berømte mellomtiden i forrige århundre, var sannsynligvis en avgjørende utvikling for den nye formen, og satte den i mainstream av overdådige høflig underholdning.

En annen populær underholdning på dette tidspunktet var " madrigal -komedien ", senere også kalt "madrigal -opera" av musikkforskere som er kjent med den senere sjangeren. Dette besto av en serie madrigaler som var knyttet sammen for å foreslå en dramatisk fortelling, men ikke iscenesatt. Det var også to iscenesatte musikalske "pastorale", Il Satiro og La Disperazione di Fileno , begge produsert i 1590 og skrevet av Emilio de 'Cavalieri . Selv om disse tapte verkene bare ser ut til å ha inkludert arier , uten resitasjon , var det tilsynelatende det Peri refererte til, i forordet til den utgitte utgaven av Euridice , da han skrev: "Signor Emilio del Cavalieri, før noen andre av dem Jeg vet, gjorde det mulig for oss å høre vår type musikk på scenen ". Andre pastorale skuespill hadde lenge inkludert noen musikalske numre; en av de tidligste, Fabula di Orfeo (1480) av Poliziano hadde minst tre solosanger og ett refreng.

17. århundre

Firenze og Mantua

Musikken til Dafne er nå tapt, bortsett fra libretto på 455 linjevers. Den første operaen som musikken har overlevd for ble fremført i 1600 i bryllupet til Henry IV av Frankrike og Marie de Medici på Pitti -palasset i Firenze . Operaen, Euridice , med en libretto av Rinuccini, satt til musikk av Peri og Giulio Caccini , fortalte historien om Orpheus og Eurydice. Sangstilen favorisert av Peri og Caccini var en forsterket form for naturlig tale, dramatisk resitasjon støttet av instrumental strykemusikk. Resitativ foregikk dermed utviklingen av arier, selv om det snart ble skikken å inkludere separate sanger og instrumentale mellomspill i perioder der stemmer var tause. Både Dafne og Euridice inkluderte også refreng som kommenterte handlingen på slutten av hver akt på samme måte som gresk tragedie. Temaet til Orpheus, musikkens halvgud, var forståelig populært og tiltrukket Claudio Monteverdi (1567–1643) som skrev sin første opera , L'Orfeo (The Fable of Orpheus), i 1607 for hoffet i Mantua .

Monteverdi insisterte på et sterkt forhold mellom ordene og musikken. Da Orfeo ble fremført i Mantua , et orkester med 38 instrumenter, ble mange refreng og resitasjoner brukt til å lage et livlig drama. Det var en langt mer ambisiøs versjon enn de som tidligere ble fremført - mer overdådig, mer variert i resitativ, mer eksotisk i naturen - med sterkere musikalske klimaks som tillot full mulighet for sangernes virtuositet. Opera hadde avslørt sin første modenhetsfase i hendene på Monteverdi. L'Orfeo har også utmerkelsen av å være den tidligste gjenlevende operaen som fremdeles fremføres regelmessig i dag.

Opera i Roma

I løpet av noen tiår hadde opera spredt seg til hele Italia. I Roma fant den en talsmann i prelaten og librettisten Giulio Rospigliosi (senere pave Clement IX). Rospigliosis lånetakere var Barberini.

Blant komponistene som jobbet i denne perioden var Luigi Rossi , Michelangelo Rossi , Marco Marazzoli , Domenico og Virgilio Mazzocchi , Stefano Landi .

Siden 1630 -årene har emnet for verkene endret seg sterkt: de pastorale tradisjonene og Arcadia, det er å foretrekke at ridderdiktene, vanligvis Ludovico Ariosto og Torquato Tasso , eller de som er hentet fra hagiografi og Christian commedia dell'arte .

Med det økte antallet karakterer ble de romerske operaene veldig dramatiske og hadde flere vendinger. Med disse kom en ny metode for å fikse linjene i resitasjonen, bedre tilpasset de forskjellige situasjonene som oppsto fra den rike historien og som var nærmere tale, full av parenteser på bekostning av den parataktiske stilen som så hadde preget den første Florentinsk arbeid.

Venezia: kommersiell opera

De viktigste egenskapene til venetiansk opera var (1) mer vekt på formelle arier; (2) begynnelsen på bel canto ("vakker sang") stil, og mer oppmerksomhet til vokal eleganse enn til dramatisk uttrykk; (3) mindre bruk av kor- og orkestermusikk; (4) komplekse og usannsynlige tomter; (5) forseggjort scenemaskineri; og (6) korte fanfarelike instrumentale introduksjoner, prototypene til den senere overturen.

Opera tok en viktig ny retning da den nådde republikken Venezia . Det var her det første offentlige operahuset, Teatro di San Cassiano , ble åpnet i 1637 av Benedetto Ferrari og Francesco Manelli. Suksessen flyttet opera bort fra aristokratisk formynderi og inn i den kommersielle verden. I Venezia var musikalsk drama ikke lenger rettet mot en elite av aristokrater og intellektuelle og fikk karakter av underholdning. Snart hadde mange andre operahus dukket opp i byen, og fremførte verk for en betalende offentlighet i løpet av karnevalsesongen . Operahusene brukte et veldig lite orkester for å spare penger. En stor del av budsjettet ble brukt på å tiltrekke seg datidens stjernesangere; dette var begynnelsen på regjeringen til castrato og prima donna (ledende dame).

Hovedkomponisten for den tidlige venetianske operaen var Monteverdi, som hadde flyttet til republikken fra Mantua i 1613, med senere viktige komponister inkludert Francesco Cavalli , Antonio Cesti , Antonio Sartorio og Giovanni Legrenzi . Monteverdi skrev tre verk for de offentlige teatrene: Il ritorno d'Ulisse in patria (1640), Le nozze d'Enea con Lavinia (1641, nå tapt) og, mest kjent, L'incoronazione di Poppea (1642). Emnene til de nye operaene av Monteverdi og andre var generelt hentet fra romersk historie eller legender om Troja, for å feire de heroiske idealene og den edle slekten i den venetianske staten. Imidlertid manglet de ikke kjærlighetsinteresse eller komedie. De fleste operaene besto av tre akter, i motsetning til de tidligere operaene som normalt hadde fem. Hoveddelen av versjonen var fremdeles resitativ, men i øyeblikk med stor dramatisk spenning var det ofte arioso -passasjer kjent som arie cavate . Under Monteverdis tilhengere ble skillet mellom resitativ og aria mer markert og konvensjonalisert. Dette er tydelig i stilen til de fire mest suksessrike komponistene i neste generasjon: Francesco Cavalli , Giovanni Legrenzi , Antonio Cesti og Alessandro Stradella .

Spredning av opera i utlandet

Władysławs operahusbygning (til høyre) på Det kongelige slott i Warszawa

I det polsk -litauiske samveldet begynte en tradisjon for operaproduksjon i Warszawa i 1628, med en fremføring av Galatea (komponist usikker), den første italienske operaen som ble produsert utenfor Italia. Kort tid etter denne forestillingen produserte hoffet Francesca Caccinis opera La liberazione di Ruggiero dall'isola d'Alcina , som hun hadde skrevet for prins Władysław Vasa tre år tidligere da han var i Italia. En annen første, dette er den tidligste operaen som er overlevd skrevet av en kvinne. Gli amori di Aci e Galatea av Santi Orlandi ble også fremført i 1628. Da Władysław var konge (som Władysław IV) hadde han tilsyn med produksjonen av minst ti operaer i slutten av 1630- og 1640 -årene, noe som gjorde Warszawa til et kunstsenter. Komponistene til disse operaene er ikke kjent: de kan ha vært polakker som jobbet under Marco Scacchi i det kongelige kapellet, eller de kan ha vært blant italienerne importert av Władysław. Et drama per musica (som seriøs italiensk opera var kjent på den tiden) med tittelen Giuditta , basert på den bibelske historien om Judith , ble fremført i 1635. Komponisten var sannsynligvis Virgilio Puccitelli.

Cavallis operaer ble fremført i hele Italia av turnéselskaper med enorm suksess. Faktisk var hans Giasone den mest populære operaen på 1600 -tallet, selv om noen kritikere var forferdet over blandingen av tragedie og farse. Cavallis berømmelse spredte seg over hele Europa. En av hans spesialiteter var å gi heltinnene sine " malte bass ". Dette var sørgmodige arier sunget over en synkende basslinje, og de hadde stor innflytelse på Henry Purcell , hvis "When I is laid in earth" fra Dido og Aeneas sannsynligvis er det mest berømte eksemplet på formen. Cavallis rykte fikk kardinal Mazarin til å invitere ham til Frankrike i 1660 for å komponere en opera for kong Louis XIVs bryllup med Maria Teresa i Spania. Italiensk opera hadde allerede blitt fremført i Frankrike på 1640 -tallet til en blandet mottakelse og Cavallis utenlandske ekspedisjon endte i katastrofe. Fransk publikum reagerte ikke godt på gjenopplivelsen av Xerse (1660) og den spesialkomponerte Ercole amante (1662), og foretrakk ballettene som hadde blitt satt inn mellom handlingene av en florentinsk komponist, Jean-Baptiste Lully , og Cavalli sverget på aldri å komponere en annen opera.

Cesti var mer heldig da han ble bedt om å skrive en opera for Habsburg -domstolen i Wien i 1668. Il pomo d'oro var så storslått at forestillingen måtte spres over to dager. Det var en enorm suksess og markerte begynnelsen på italiensk operadominans nord for Alpene. På slutten av 1600 -tallet prøvde tyske og engelske komponister å etablere sine egne innfødte tradisjoner, men på begynnelsen av 1700 -tallet hadde de gitt grunnlag for importert italiensk opera, som ble den internasjonale stilen i hendene på komponister som Handel . Bare Frankrike gjorde motstand (og hennes operatradisjon hadde blitt grunnlagt av italieneren Lully). Dette satte mønsteret til langt ut på 1800 -tallet: Den italienske tradisjonen var den internasjonale og dens ledende eksponenter (f.eks. Handel, Hasse, Gluck og Mozart) var ofte ikke innfødte i Italia. Komponister som ønsket å utvikle sine egne nasjonale operaformer måtte generelt kjempe mot italiensk opera. På begynnelsen av 1800 -tallet følte både Carl Maria von Weber i Tyskland og Hector Berlioz i Frankrike at de måtte utfordre italienske Rossinis enorme innflytelse.

18. århundre

Opera seria

På slutten av 1600 -tallet mente noen kritikere at en ny, mer forhøyet form for opera var nødvendig. Ideene deres ville føde en sjanger, opera seria (bokstavelig talt "seriøs opera"), som ville bli dominerende i Italia og store deler av resten av Europa til slutten av 1700 -tallet. Innflytelsen fra denne nye holdningen kan sees på komponistene Carlo Francesco Pollarolo og den enormt produktive Alessandro Scarlatti .

I løpet av 1700 -tallet ble kunstnerisk og kulturelt liv i Italia sterkt påvirket av de estetiske og poetiske idealene til medlemmene av Accademia dell'Arcadia . De arkadiske dikterne introduserte mange endringer i seriøst musikaldrama på italiensk, inkludert:

  • forenkling av tomten;
  • fjerning av komiske elementer;
  • reduksjon av antall arier;
  • en forkjærlighet for tomter hentet fra gammel klassisk eller moderne fransk tragedie, der verdiene om lojalitet, vennskap og dyd ble hyllet og suverenes absolutte makt ble feiret.
Pietro Metastasio i et portrett tilskrevet Pompeo Batoni

Den desidert mest vellykkede librettisten i tiden var Pietro Metastasio, og han beholdt sin prestisje langt ut på 1800 -tallet. Han tilhørte Arcadian Academy og var godt i tråd med teoriene. En libretto av Metastasio ble ofte satt av tjue eller tretti forskjellige komponister, og publikum ble kjent med ordene til dramaene hans utenat.

Opera buffa

På 1600 -tallet ble komiske operaer produsert bare av og til, og det ble ikke etablert noen stabil tradisjon. Bare i de første årene av 1700 -tallet ble den komiske sjangeren opera buffa født i Napoli, og den begynte å spre seg over hele Italia etter 1730.

Opera buffa ble skilt fra opera seria med mange egenskaper:

  • viktigheten av sceneaksjon og det påfølgende behovet for at musikken skal følge dramaets endringer, og understreke uttrykksevnen til ordene;
  • valget av sangere som også var ypperlige skuespillere som var i stand til å fremføre dramaet overbevisende;
  • en reduksjon i bruken av kulisser og scenemaskineri og i antall orkesterspillere;
  • bruken av et lite figurer (i det minste i den korte form av komiske opera kjent som intermessoet ) og enkle plott (et godt eksempel på dette er Pergolesi 's La Serva padrona , 1733);
  • libretti inspirert av commedia dell'arte , med realistiske emner, språklig språk og slanguttrykk;
  • hva sang angår: fullstendig avvisning av vokal virtuositet; en tendens til feil uttal av ordene; den hyppige tilstedeværelsen av rytmiske og melodiske tics; bruk av onomatopoeia og interjections;
  • utelukkelse av kastrati .
Carlo Goldoni av Alessandro Longhi , ca.  1757

I andre halvdel av 1700 -tallet skyldte komisk opera suksessen til samarbeidet mellom dramatikeren Carlo Goldoni og komponisten Baldassare Galuppi . Takket være Galuppi fikk komisk opera mye mer verdighet enn den hadde på intermezzoens dager. Operaer ble nå delt inn i to eller tre akter, og skapte libretti for verk av en vesentlig større lengde, som skilte seg vesentlig fra de på begynnelsen av 1700 -tallet i kompleksiteten i deres plott og psykologien til karakterene deres. Disse inkluderte nå noen seriøse figurer i stedet for overdrevne karikaturer, og operaene hadde plott som fokuserte på konflikten mellom de sosiale klassene, i tillegg til å inkludere selvreferanse-ideer. Goldoni og Galuppis mest kjente verk sammen er Il filosofo di campagna (1754).

Samarbeidet mellom Goldoni og en annen berømt komponist Niccolò Piccinni produserte med La Cecchina (1760) en ny sjanger: opera semiseria . Dette hadde to buffokarakterer , to adelsmenn og to "imellom" karakterer.

Enakterens farsa hadde en betydelig innflytelse på utviklingen av komisk opera. Dette var en type musikaldrama som opprinnelig ble betraktet som en kondensert versjon av en lengre komisk opera, men med tiden ble det en sjanger i seg selv. Den var preget av: vokal virtuositet; en mer raffinert bruk av orkesteret; den store viktigheten som gis til produksjonen; tilstedeværelsen av misforståelser og overraskelser i løpet av dramaet.

Glucks reformer og Mozart

Christoph Willibald Gluck spiller sin clavicord (1775), portrett av Joseph Duplessis

Opera seria hadde sine svakheter og kritikere; en smak for utsmykning på vegne av de supert trente sangerne, og bruken av brille som erstatning for dramatisk renhet og enhet trakk angrep. Francesco Algarotti 's Essay on the Opera (1755) viste seg å være en inspirasjon for Christoph Willibald Gluck ' s reformer. Han tok til orde for at opera seria måtte gå tilbake til det grunnleggende og at alle de forskjellige elementene - musikk (både instrumental og vokal), ballett og iscenesettelse - må være underordnet det overordnede dramaet. Flere komponister i perioden, inkludert Niccolò Jommelli og Tommaso Traetta , forsøkte å sette disse idealene ut i livet. I 1765 publiserte Melchior Grimm "Poème lyrique" , en innflytelsesrik artikkel for leksikonet om lyrikk og opera -librettoer .

Den første som virkelig lyktes og satte et permanent preg på operaens historie, var imidlertid Gluck. Gluck prøvde å oppnå en "vakker enkelhet". Dette er illustrert i den første av hans "reform" -operaer, Orfeo ed Euridice , der vokallinjer som mangler virtuositet i (si) Händels verk, støttes av enkle harmonier og en bemerkelsesverdig rikere enn vanlig orkestral tilstedeværelse gjennomgående.

Glucks reformer har fått resonans gjennom operahistorien. Spesielt Weber, Mozart og Wagner ble påvirket av idealene hans. Mozart, på mange måter, Glucks etterfølger, kombinerte en suveren følelse av drama, harmoni, melodi og kontrapunkt for å skrive en serie komedier, særlig The Marriage of Figaro , Don Giovanni og Così fan tutte (i samarbeid med Lorenzo Da Ponte ) som forbli blant de mest elskede, populære og kjente operaene i dag. Men Mozarts bidrag til opera seria var mer blandet; på sin tid var det i ferd med å dø, og til tross for slike flotte arbeider som Idomeneo og La clemenza di Tito , ville han ikke lykkes med å bringe kunstformen tilbake til livet igjen.

Romantisk periode

Romantisk opera, som la vekt på fantasien og følelsene begynte å dukke opp på begynnelsen av 1800 -tallet, og på grunn av sine arier og musikk, ga mer dimensjon til de ekstreme følelsene som karakteriserte teateret i den tiden. I tillegg sies det at fin musikk ofte unnskyldte skarpe feil i karaktertegning og plottlinjer. Gioachino Rossini (1792–1868) startet den romantiske perioden. Hans første suksess var en "opera buffa" (komisk opera), La Cambiale di Matrimonio (1810). Hans rykte overlever fremdeles i dag gjennom frisøren i Sevilla (1816) og La Cenerentola (1817). Men han skrev også seriøs opera, Tancredi (1813) og Semiramide (1823).

Portrett av Giuseppe Verdi av Giovanni Boldini (1886)

Rossinis etterfølgere i den italienske bel canto var Vincenzo Bellini (1801–35), Gaetano Donizetti (1797–1848) og Giuseppe Verdi (1813–1901). Det var Verdi som forandret hele karakteren av operatikk i løpet av sin lange karriere. Hans første store vellykkede opera, Nabucco (1842), fikk publikum lyst på grunn av drivkraften til musikken og dens store refreng. " Va, pensiero ", en av refusjonene, ble tolket og ga fordel for kampen for italiensk uavhengighet og for å forene Italia.

Etter Nabucco baserte Verdi operaene sine på patriotiske temaer og mange av de vanlige romantiske kildene: Friedrich Schiller ( Giovanna d'Arco , 1845; I masnadieri , 1847; Luisa Miller , 1849); Lord Byron ( I due Foscari , 1844; Il corsaro , 1848); og Victor Hugo ( Ernani , 1844; Rigoletto , 1851). Verdi eksperimenterte med musikalske og dramatiske former, og forsøkte å oppdage ting som bare opera kunne gjøre.

I 1887 opprettet han Otello som fullstendig erstattet Rossinis opera med samme navn , og som av kritikere beskrives som den fineste av italienske romantiske operaer med de tradisjonelle komponentene: solo -ariene, duettene og refrengene fullt integrert i det melodiske og dramatiske strømme.

Verdis siste opera, Falstaff (1893), brøt helt fri fra konvensjonell form og finner musikk som følger raske enkle ord og på grunn av sin respekt for mønsteret til vanlig tale skapte den en terskel for en ny operatid der talemønstre er overordnet.

Opera hadde blitt et kunstekteskap, et musikalsk drama, fullt av strålende sang, drakt, orkestermusikk og fest; noen ganger, uten hjelp av en troverdig historie. Fra oppfatningen i barokkperioden til modenheten til den romantiske perioden, var det mediet gjennom hvilke historier og myter ble besøkt på nytt, historien ble gjenfortalt og fantasien ble stimulert. Styrken i den falt inn i en mer voldelig æra for opera: verismo , med Cavalleria rusticana av Pietro Mascagni og Pagliacci av Ruggero Leoncavallo .

Samtidsperiode

Den siste scenen i operaen Risorgimento!

Noen av de største italienske operaene på 1900 -tallet ble skrevet av Giacomo Puccini (1858–1924). Disse inkluderer Manon Lescaut , La bohème , Tosca , Madama Butterfly , La fanciulla del West , La rondine og Turandot , de to siste er uferdige. I 1926 og i 2002 forsøkte Franco Alfano og Luciano Berio henholdsvis å fullføre Turandot , og i 1994 fullførte Lorenzo Ferrero orkestrering av den tredje versjonen av La rondine . Berio skrev selv to operaer, Un re in ascolto og Opera . Ferrero har også komponert flere operaer, inkludert Salvatore Giuliano , La Conquista og hans Risorgimento 2011 !

Andre italienske operakomponister fra 1900-tallet er:

Se også

Referanser

Merknader

Kilder

Videre lesning