Japansk kunst - Japanese art
| Kunsthistorie |
|---|
Japansk kunst dekker et bredt spekter av kunststiler og medier, inkludert gammel keramikk , skulptur , blekkmaleri og kalligrafi på silke og papir, ukiyo-e- malerier og treklosser , keramikk, origami og nylig manga og anime , som er tegneserier og animasjoner som har en særegen tegneseriestil . Den har en lang historie, alt fra begynnelsen på menneskelig beboelse i Japan, en gang i det 10. årtusen f.Kr., til dagens land.
Japan har vært utsatt for plutselige invasjoner av nye ideer etterfulgt av lange perioder med minimal kontakt med omverdenen. Over tid utviklet japanerne evnen til å absorbere, etterligne og til slutt assimilere de elementene i fremmed kultur som komplementerte deres estetiske preferanser. Den tidligste komplekse kunsten i Japan ble produsert på 800- og 800 -tallet i forbindelse med buddhismen . På 900 -tallet, da japanerne begynte å vende seg bort fra Kina og utvikle urfolks uttrykksformer, ble den sekulære kunsten stadig viktigere; fram til slutten av 1400 -tallet blomstret både religiøs og sekulær kunst. Etter Ōnin -krigen (1467–1477) gikk Japan inn i en periode med politisk, sosial og økonomisk forstyrrelse som varte i over et århundre. I staten som dukket opp under ledelse av Tokugawa -shogunatet , spilte organisert religion en mye mindre viktig rolle i folks liv, og kunsten som overlevde var først og fremst sekulær. Meiji-perioden (1868-1912) så en brå tilstrømning av vestlige stiler, som fortsatt har vært viktige.
Maleri er det foretrukne kunstneriske uttrykket i Japan, praktisert av amatører og profesjonelle. Frem til moderne tid skrev japanerne med en pensel i stedet for en penn , og deres kjennskap til penselteknikker har gjort dem spesielt følsomme for maleriets verdier og estetikk . Med fremveksten av populærkulturen i Edo-perioden ble en stil med treklossutskrifter en viktig form, og teknikkene ble finjustert for å produsere fargerike trykk. Japanerne, i denne perioden, fant skulptur et mye mindre sympatisk medium for kunstnerisk uttrykk; den største japanske skulpturen er knyttet til religion , og bruk av mediet gikk ned med den mindre betydningen av tradisjonell buddhisme.
Japansk keramikk er blant de fineste i verden og inkluderer de tidligste kjente japanske artefakter; Japansk eksportporselen har vært en stor industri på forskjellige punkter. Japansk lakkutstyr er også en av verdens ledende kunsthåndverk, og verker som er prydet med maki-e ble eksportert til Europa og Kina, og de var viktige eksportvarer frem til 1800-tallet. Innen arkitektur er japanske preferanser for naturlige materialer og et samspill mellom interiør og utvendig plass tydelig uttrykt.
Japansk kunsthistorie
Jōmon art
De første bosetterne i Japan var Jōmon- folket (ca. 10 500-ca. 300 fvt), oppkalt etter ledningsmerkene som dekorerte overflatene på leirefartøyene deres, var nomadiske jeger-samlere som senere praktiserte organisert jordbruk og bygde byer med bestander av hundrevis om ikke tusenvis. De bygde enkle hus av tre og stråtak i grunne jordgrop for å gi varme fra jorda. De lagde overdådig dekorerte keramikklagre , leirefigurer kalt dogū og krystalljuveler.
Tidlig Jōmon -periode
I løpet av den tidlige Jōmon-perioden (5000-2500 fvt) begynte landsbyer å bli oppdaget og vanlige dagligdags gjenstander ble funnet, for eksempel keramiske potter som var beregnet på kokende vann. Grytene som ble funnet i løpet av denne tiden hadde flat bunn og hadde forseggjorte design laget av materialer som bambus. I tillegg var et annet viktig funn de tidlige Jōmon -figurene som kan ha blitt brukt som fruktbarhetsobjekter på grunn av brystene og hevelses hoftene de viste.
Midt -Jōmon -perioden
Middle Jōmon-perioden (2500-1500 fvt), i motsetning til den tidlige Jōmon-perioden på mange måter. Disse menneskene ble mindre nomadiske og begynte å bosette seg i landsbyer. De laget nyttige verktøy som var i stand til å behandle maten de samlet og jaktet, noe som gjorde livet lettere for dem. Gjennom de mange estetisk tiltalende keramikkene som ble funnet i løpet av denne tidsperioden, er det tydelig at disse menneskene hadde en stabil økonomi og mer fritid for å etablere vakre stykker. I tillegg skilte menneskene i Middle Jōmon -perioden seg fra sine tidligere forfedre fordi de utviklet fartøyer i henhold til deres funksjon, for eksempel produserte de gryter for å lagre gjenstander. Dekorasjonene på disse fartøyene begynte å bli mer realistiske utseende i motsetning til den tidlige Jōmon -keramikken. Totalt sett økte produksjonen av verk ikke bare i løpet av denne perioden, men disse personene gjorde dem mer dekorative og naturalistiske.
Sent og siste Jōmon -periode
I løpet av den siste og siste Jōmon-perioden (1500-300 fvt) begynte været å bli kaldere, og tvang dem derfor til å bevege seg bort fra fjellene. Den viktigste matkilden i løpet av denne tiden var fisk, noe som fikk dem til å forbedre fiskeutstyret og verktøyene. Dette fremskrittet var en veldig viktig prestasjon i løpet av denne tiden. I tillegg økte antallet fartøyer i stor grad, noe som muligens kunne konkludere med at hvert hus hadde sin egen figur vist i dem. Selv om forskjellige fartøyer ble funnet i slutten og siste Jōmon -perioden, ble disse brikkene funnet skadet, noe som kan tyde på at de brukte dem til ritualer. I tillegg ble det også funnet figurer og var preget av deres kjøttfulle kropper og briller som øyne.
Dogū -figurer
Dogu ( "jord figur") er små menneskelignende og dyrefigurer foretatt i den senere delen av den jōmonkulturen . De ble laget over hele Japan, bortsett fra Okinawa . Noen lærde teoretiserer at dogū fungerte som illustrasjoner av mennesker, som manifesterte en slags sympatisk magi . Dogū er laget av leire og er små, vanligvis 10 til 30 cm høye. De fleste figurene ser ut til å være modellert som hunn, og har store øyne, små midjer og brede hofter. De anses av mange for å være representative for gudinner. Mange har store underliv knyttet til graviditet, noe som tyder på at Jomon betraktet dem som modergudinner .
Yayoi kunst
Den neste bølgen av innvandrere var Yayoi -folket , oppkalt etter distriktet i Tokyo hvor rester av bosetningene deres først ble funnet. Disse menneskene, som ankom Japan rundt 300 fvt, brakte sin kunnskap om dyrking av våtmarksris, produksjon av kobbervåpen og bronseklokker ( dōtaku ) og hjulkastet , ovnsfyrt keramikk .
En Yayoi -periode dōtaku -klokke , 3. århundre e.Kr.
Bronse speil utgravd i Tsubai-otsukayama Kofun, Yamashiro, Kyoto
Karmakrukke fra Yayoi -perioden
Ulike ritualer av Yayoi -keramikk fra Yoshinogari Site
Yayoi lagerkrukke fra 500 fvt - 200 e.Kr.
Kofun kunst
Den tredje fasen i japansk forhistorie, Kofun -perioden (ca. 300 - 710 e.Kr.), representerer en modifikasjon av Yayoi -kulturen, som kan tilskrives enten intern utvikling eller ekstern kraft. Denne perioden er mest kjent for sin gravkultur og andre gjenstander som bronsespeil og leireskulpturer kalt haniwa som ble reist utenfor disse gravene. Gjennom Kofun -perioden utviklet egenskapene til disse gravene seg fra mindre graver som ble reist på bakketopper og rygger til mye større graver bygget på flatt land. Den største graven i Japan, graven til keiser Nintoku , huser 46 gravhauger og er formet som et nøkkelhull, en tydelig egenskap som finnes i senere Kofun -graver.
Asuka og Nara art
I perioden Asuka og Nara , så kalt fordi setet for den japanske regjeringen lå i Asuka -dalen fra 542 til 645 og i byen Nara til 784, fant den første betydelige tilstrømningen av kontinental asiatisk kultur sted i Japan.
Overføringen av buddhismen ga den første drivkraften for kontakter mellom Kina og Japan. Japanerne anerkjente fasettene i kinesisk kultur som med fordel kunne innlemmes i deres eget: et system for å konvertere ideer og lyder til å skrive; historiografi ; komplekse regjeringsteorier, for eksempel et effektivt byråkrati ; og, viktigst for kunsten, nye teknologier, nye byggeteknikker, mer avanserte metoder for støping i bronse , og nye teknikker og medier for maling.
Gjennom det 7. og 8. århundre var imidlertid hovedfokuset i kontaktene mellom Japan og det asiatiske kontinentet utviklingen av buddhismen. Ikke alle lærde er enige om viktige datoer og passende navn for forskjellige tidsperioder mellom 552, den offisielle datoen for innføringen av buddhismen i Japan og 784, da den japanske hovedstaden ble overført fra Nara. De vanligste betegnelsene er Suiko -perioden, 552–645; den Hakuho perioden , 645-710, og Tenpyo perioden 710-784.
De tidligste japanske skulpturene av Buddha er datert til det 6. og 7. århundre. De stammer til syvende og sist fra den gresk-buddhistiske kunsten i Gandhara fra 1. til 3. århundre e.Kr. , preget av flytende kjolemønstre og realistisk gjengivelse, som kinesiske kunstneriske trekk ble lagt på. Etter at den kinesiske buddhistiske kunsten i den nordlige Wei hadde infiltrert en koreansk halvøy, ble buddhistiske ikoner brakt til Japan av forskjellige innvandrergrupper. Spesielt ble den halvsittende Maitreya-formen tilpasset til en høyt utviklet gammel gresk kunststil som ble overført til Japan som det fremgår av Kōryū-ji Miroku Bosatsu og Chūgū-ji Siddhartha- statuene. Mange historikere fremstiller Korea som bare en sender av buddhismen. De tre kongedømmene, og spesielt Baekje, var medvirkende som aktive agenter i introduksjonen og dannelsen av en buddhistisk tradisjon i Japan i 538 eller 552. De illustrerer endepunktet for overføring av kunst i Silkeveien i løpet av de første århundrene i vår tid. Andre eksempler kan bli funnet i utviklingen av ikonografien til den japanske Fūjin Wind God, Niō- foresatte og de nesten klassiske blomstermønstrene i tempeldekorasjoner.
De tidligste buddhistiske strukturene som fremdeles eksisterer i Japan, og de eldste trebygningene i Fjernøsten finnes ved Hōryū-ji sørvest for Nara. Det ble først bygget på begynnelsen av 800 -tallet som det private tempelet til kronprins Shōtoku , og består av 41 uavhengige bygninger. De viktigste, hovedgudstjenestesalen , eller Kondō (Golden Hall) og Gojū-no-tō (fem-etasjers pagode ), står i sentrum av et åpent område omgitt av et taket kloster. Den Kondo , i stil med kinesiske tilbedelse haller, er en to-etasjers struktur av post-og-beam konstruksjon, avkortet med en irimoya eller valmtak-gavler taket av keramiske fliser.
Inne i Kondō , på en stor rektangulær plattform, er noen av de viktigste skulpturene i perioden. Det sentrale bildet er en Shaka Trinity (623), den historiske Buddha flankert av to bodhisattvaer , skulptur støpt i bronse av billedhuggeren Tori Busshi (blomstret tidlig på 700 -tallet) til hyllest til den nylig avdøde prins Shōtoku. I plattformens fire hjørner er Guardian Kings of the Four Directions , hugget i tre rundt 650. Også på Hōryū-ji ligger Tamamushi- helligdommen, en tre kopi av en Kondō , som er satt på en høy trebase som er dekorert med figurmalerier utført i et medium av mineralpigmenter blandet med lakk.
Tempelbygningen på 800-tallet var fokusert rundt Tōdai-ji i Nara. Tōdaiji er bygget som hovedkvarter for et nettverk av templer i hver av provinsene, og er det mest ambisiøse religiøse komplekset som ble reist i de tidlige århundrene av buddhistisk tilbedelse i Japan. Passende nok er 16,2 m (53 fot) Buddha (fullført 752) forankret i hoved Buddha-hallen, eller Daibutsuden , en Rushana Buddha, figuren som representerer essensen av Buddhahood, akkurat som Tōdaiji representerte sentrum for imperialt sponset Buddhismen og dens spredning i hele Japan. Bare noen få fragmenter av den originale statuen overlever, og den nåværende gangen og sentrale Buddha er rekonstruksjoner fra Edo -perioden .
Klynget rundt Daibutsuden på en svakt skrånende åsside er en rekke sekundære haller: Hokke-dō (Lotus Sutra Hall), med det viktigste bildet, Fukukenjaku Kannon (不 空 羂 索 観 音 立 像, den mest populære bodhisattva), laget av tørr lakk (klut dyppet i lakk og formet over en anker av tre); den Kaidanin (戒壇院, ordinasjon Hall) med sine fantastiske leire statuer av fire Guardian Kings ; og stabburet, kalt Shōsōin . Denne siste strukturen er av stor betydning som en kunsthistorisk cache, for i den er lagret redskapene som ble brukt i tempelets innvielsesseremoni i 752, det øyeåpende ritualet for Rushana-bildet, samt regjeringsdokumenter og mange sekulære gjenstander som eies av den keiserlige familien.
Choukin (eller Chokin ), kunsten av metall gravering eller sculpting, er antatt å ha startet i Nara perioden.
Heian kunst
I 794 ble hovedstaden i Japan offisielt overført til Heian-kyō (dagens Kyoto ), hvor den ble værende til 1868. Begrepet Heian-periode refererer til årene mellom 794 og 1185, da Kamakura-shogunatet ble etablert på slutten av Genpei -krigen . Perioden er videre delt inn i den tidlige Heian og sen Heian, eller Fujiwara -tiden , den sentrale datoen er 894, året da keiserlige ambassader til Kina offisielt ble avviklet.
Tidlig heiansk kunst: Som reaksjon på den økende rikdommen og makten til organisert buddhisme i Nara, reiste presten Kūkai (best kjent under hans postume tittel Kōbō Daishi, 774–835) til Kina for å studere Shingon , en form for Vajrayana -buddhisme, som han introdusert i Japan i 806. Kjernen i Shingon -tilbedelse er mandalas , diagrammer over det åndelige universet, som deretter begynte å påvirke tempeldesign. Japansk buddhistisk arkitektur adopterte også stupaen , opprinnelig en indisk arkitektonisk form , i sin pagode i kinesisk stil.
Templene som ble reist for denne nye sekten ble bygget på fjellet, langt borte fra hoffet og lekfolk i hovedstaden. Den uregelmessige topografien til disse nettstedene tvang japanske arkitekter til å revurdere problemene med tempelbygging, og på den måten velge mer urfolk i designelementer. Cypress-bark-tak erstattet de av keramiske fliser, treplanker ble brukt i stedet for jordgulv, og et eget tilbedelsesområde for lekfolk ble lagt foran hovedreservatet.
Tempelet som best gjenspeiler ånden til de tidlige Heian Shingon-templene er Murō-ji (begynnelsen av 900-tallet), som ligger dypt i et stativ av sypresser på et fjell sørøst for Nara. Trebildet (også begynnelsen av 900-tallet) av Shakyamuni , den "historiske" Buddha, nedfelt i en sekundærbygning ved Murō-ji , er typisk for den tidlige Heian-skulpturen, med sin frodige kropp, dekket av tykke draperifolder hugget i honpa-shiki (rullende bølge) stil, og dens stramme, tilbaketrukne ansiktsuttrykk.
Fujiwara -kunst: I Fujiwara -perioden ble buddhismen Pure Land , som tilbød lett frelse gjennom tro på Amida (Buddha i det vestlige paradis), populær. Denne perioden er oppkalt etter Fujiwara -familien , den gang den mektigste i landet, som regjerte som regenter for keiseren, og ble faktisk sivile diktatorer. Samtidig utviklet Kyoto -adelen et samfunn viet elegant elegante estetiske sysler. Så trygg og vakker var deres verden at de ikke kunne forestille seg at paradiset var mye annerledes. De skapte en ny form for Buddha -hall, Amida -hallen, som blander det sekulære med det religiøse, og huser ett eller flere Buddha -bilder i en struktur som ligner adelsboligene.
Den HO-O-Do (Phoenix Hall, ferdig 1053) av Byōdō-in , et tempel i Uji til sørøst for Kyoto, er eksemplar av Fujiwara Amida hallene. Den består av en rektangulær hovedstruktur flankert av to L-formede vingekorridorer og en halekorridor, satt i utkanten av en stor kunstig dam. Innvendig er et enkelt gyllent bilde av Amida (ca. 1053) installert på en høy plattform. Amida -skulpturen ble utført av Jōchō , som brukte en ny kanon med proporsjoner og en ny teknikk ( yosegi ), der flere trestykker er hugget ut som skall og sammenføyd fra innsiden. På hallens vegger er det brukt små relieffutskjæringer av himmelen, verten antas å ha fulgt Amida da han stammet ned fra det vestlige paradis for å samle troendes sjeler i dødens øyeblikk og transportere dem i lotusblomster til paradis. Raigō- malerier på tredørene til Hō-ō-dō, som viser nedstigningen av Amida Buddha, er et tidlig eksempel på Yamato-e , maleri i japansk stil, og inneholder representasjoner av naturen rundt Kyoto.
E-maki : I det siste århundret i Heian-perioden kom den horisontale, illustrerte, narrative håndrullen, kjent som e-maki (絵 巻, lit. "bildeskriver"), til syne. Genji Monogatari Emaki stammer fra omtrent 1130 og representerer den berømte illustrerte fortellingen om Genji som den tidligste overlevende håndboken til yamato-e og et av høydepunktene i japansk maleri. Skrevet om år 1000 av Murasaki Shikibu , en dame som venter på keiserinnen Shōshi , omhandler romanen livet og kjærligheten til Genji og verden i Heian-hoffet etter hans død. Kunstnerne fra e-maki fra 1100-tallet utviklet et system med billedkonvensjoner som visuelt formidler det følelsesmessige innholdet i hver scene. I andre halvdel av århundret ble en annen, livligere stil med kontinuerlig fortellende illustrasjon populær. Den Ban Dainagon Ekotoba (slutten av 12-tallet), en bokrull som omhandler en intrige på banen, understreker tallene i aktiv bevegelse avbildet i raskt henrettet penselstrøk og tynne, men sterke farger.
E-maki fungerer også som noen av de tidligste og største eksemplene på otoko-e (" herrebilder ") og onna-e (" kvinnebilder ") malerier. Det er mange fine forskjeller i de to stilene, som appellerer til kjønnets estetiske preferanser. Men det er kanskje lettest å merke forskjellene i emnet. Onna-e , omtalt av håndrullen til Tale of Genji, omhandler vanligvis hofflivet, spesielt hoffdamene, og med romantiske temaer. Otoko-e registrerte ofte historiske hendelser, spesielt kamper. The Siege of the Sanjō Palace (1160), avbildet i delen "Night Attack on the Sanjō Palace" i Heiji Monogatari håndrull er et kjent eksempel på denne stilen.
Kamakura kunst
.jpg)
I 1180 brøt det ut en krig mellom de to mektigste krigerklanene: Taira og Minamoto ; fem år senere gikk Minamoto seirende ut og etablerte et de facto regjeringssted i kystlandsbyen Kamakura , der den ble værende til 1333. Med maktskiftet fra adelen til krigerklassen måtte kunsten tilfredsstille et nytt publikum: menn som var dedikert til krigføringens ferdigheter, prester forpliktet til å gjøre buddhismen tilgjengelig for analfabeter, og konservative, adelen og noen medlemmer av prestedømmet som angret på at domstolen hadde avtagende makt. Dermed karakteriserer realisme, en populariserende trend og en klassisk vekkelse kunsten i Kamakura -perioden . I Kamakura -perioden forble Kyoto og Nara sentrene for kunstnerisk produksjon og høy kultur.
.jpg)
Skulptur: Den Kei skolen av skulptører, spesielt Unkei , opprettet en ny, mer realistisk stil av skulptur. De to Niō-vergebildene (1203) i Great South Gate i Tōdai-ji i Nara illustrerer Unkeys dynamiske overrealistiske stil. Bildene, omtrent 8 m høye, ble skåret av flere blokker i en periode på omtrent tre måneder, en bragd som indikerer et utviklet studiosystem for håndverkere som jobber under ledelse av en mesterskulptør. Unkeys polykromede treskulpturer (1208, Kōfuku-ji , Nara) av to indiske vismenn, Muchaku og Seshin , de legendariske grunnleggerne av Hossō-sekten , er blant de mest gjennomførte realistiske verkene i perioden; som gjengitt av Unkei, er de bemerkelsesverdig individualiserte og troverdige bilder. Et av de mest kjente verkene i denne perioden er en Amitabha Triad (fullført i 1195), i Jōdo-ji i Ono , skapt av Kaikei , Unkeis etterfølger.
Kalligrafi og maleri: The Kegon Engi Emaki , den illustrerte historien om grunnleggelsen av Kegon sekt, er et utmerket eksempel på popularizing trenden i Kamakura maleri. Kegon -sekten, en av de viktigste i Nara -perioden, falt på harde tider under oppstigningen av Pure Land -sekter. Etter Genpei-krigen (1180–1185) søkte prest Myōe fra Kōzan-ji å gjenopplive sekten og også å gi tilflukt for kvinner som var enker etter krigen. Konene til samuraier hadde blitt frarådet å lære mer enn et pensumsystem for å transkribere lyder og ideer (se kana ), og de fleste var ute av stand til å lese tekster som brukte kinesiske ideografer ( kanji ).
Dermed kombinerer Kegon Engi Emaki tekststykker , skrevet med maksimalt lett lesbare stavelser, og illustrasjoner som har dialogen mellom tegn skrevet ved siden av høyttalerne, en teknikk som kan sammenlignes med samtidens tegneserier. Handlingen til e-maki , livet til de to koreanske prestene som grunnla Kegon-sekten, går raskt og fylles med fantastiske bragder som en reise til palasset til Ocean King og en gripende mammahistorie.
Et verk i en mer konservativ vene er den illustrerte versjonen av Murasaki Shikibus dagbok . E-maki- versjoner av hennes roman fortsatte å bli produsert, men adelen, tilpasset den nye interessen for realisme, men likevel nostalgisk for de siste dagene med rikdom og makt, gjenopplivet og illustrert dagboken for å gjenopprette praktens prakt. En av de vakreste passasjene illustrerer episoden der Murasaki Shikibu blir leken fanget på rommet sitt av to unge hoffmenn, mens måneskinn like utenfor skinner på de mossede bredden av en flod i keiserhagen.
Muromachi kunst
I Muromachi -perioden (1338–1573), også kalt Ashikaga -perioden, skjedde det en dyp endring i japansk kultur. Den Ashikaga klanen tok kontroll over shogunatet og flyttet sitt hovedkontor tilbake til Kyoto, til Muromachi distriktet av byen. Da regjeringen kom tilbake til hovedstaden, tok trendene i Kamakura -perioden slutt, og kulturuttrykk fikk en mer aristokratisk, elitistisk karakter. Zen -buddhismen, Ch'an -sekten som tradisjonelt antas å ha blitt grunnlagt i Kina på 600 -tallet, ble introdusert for andre gang i Japan og slått rot.
Maleri: På grunn av sekulære virksomheter og handelsoppdrag til Kina organisert av Zen -templer, ble mange kinesiske malerier og kunstgjenstander importert til Japan og påvirket dypt japanske kunstnere som jobbet for Zen -templer og shogunatet. Ikke bare endret denne importen maleriet, men de endret også fargebruk; de lyse fargene på Yamato-e ga etter for maleriets monokromer på kinesisk måte, hvor malerier vanligvis bare har svart-hvitt eller forskjellige toner av en enkelt farge.
Typisk for tidlig Muromachi-maleri er skildringen av prest-maleren Kao (aktiv tidlig på 1400-tallet) av den legendariske munken Kensu (Hsien-tzu på kinesisk) i det øyeblikket han oppnådde opplysning. Denne typen maleri ble utført med raske penselstrøk og et minimum av detaljer. Å fange en steinbit med en kalebass (begynnelsen av 1400-tallet, Taizō-in , Myōshin-ji , Kyoto), av prestemaleren Josetsu (aktiv ca. 1400), markerer et vendepunkt i Muromachi-maleriet. Den ble opprinnelig utført for en lavtstående skjerm, og har blitt remontert som en hengende rulle med inskripsjoner av samtidige figurer ovenfor, hvorav den ene refererer til maleriet i den "nye stilen". I forgrunnen er en mann avbildet på bredden av en bekk som holder en liten kalebass og ser på en stor steinete steinbit. Tåke fyller mellomgrunnen, og bakgrunnsfjellene ser ut til å være langt i det fjerne. Det antas generelt at maleriets "nye stil", utført rundt 1413, refererer til en mer kinesisk følelse av dyp plass i bildeplanet.
De fremste kunstnerne i Muromachi-perioden er prestmalerne Shūbun og Sesshū . Shūbun, en munk ved Kyoto-tempelet i Shōkoku-ji , skapte i maleriet Reading in a Bamboo Grove (1446) et realistisk landskap med dyp nedgang i verdensrommet. Sesshū, i motsetning til de fleste kunstnerne i perioden, var i stand til å reise til Kina og studere kinesisk maleri ved kilden. Landscape of the Four Seasons ( Sansui Chokan ; ca. 1486) er et av Sesshus mest vellykkede verk, som skildrer et fortsatt landskap gjennom de fire sesongene.
Azuchi-Momoyama kunst
I Azuchi - Momoyama -perioden (1573–1603) forsøkte en rekke militære ledere, som Oda Nobunaga , Toyotomi Hideyoshi og Tokugawa Ieyasu , å bringe fred og politisk stabilitet til Japan etter en epoke med nesten 100 års krigføring. Oda, en mindre høvding, skaffet seg makt som var tilstrekkelig til å ta de facto kontroll over regjeringen i 1568 og, fem år senere, for å kaste ut den siste Ashikaga -hagelen. Hideyoshi tok kommandoen etter Odas død, men planene hans om å etablere arvelig styre ble forpurret av Ieyasu, som etablerte Tokugawa -shogunatet i 1603.
Maleri: Den viktigste malerskole i Momoyama perioden var at av Kano skolen , og den største innovasjon av perioden var formelen, utviklet av Kano Eitoku , for etablering av monumentale landskaper på skyvedører omslutter et rom. Dekorasjonen av hovedrommet som vender mot hagen til Jukō-in , et undertempel av Daitoku-ji (et Zen-tempel i Kyoto), er kanskje det beste eksemplet på Eitokus arbeid. Et massivt ume -tre og tvillingfuruer er avbildet på par glideskjermer i diagonalt motsatte hjørner, mens stammene deres gjentar vertikalene til hjørnestolpene og grenene som strekker seg til venstre og høyre, og forener de tilstøtende panelene. Eitokus skjerm, kinesiske løver , også i Kyoto, avslører den dristige, fargerike malestilen som er foretrukket av samuraiene.
Hasegawa Tōhaku , en samtid av Eitoku, utviklet en noe annerledes og mer dekorativ stil for store skjermmalerier. I sin Maple Screen (楓 図), nå i templet til Chishaku-in ( ja: 智 積 院), Kyoto, plasserte han stammen på treet i midten og forlenget lemmer nesten til kanten av komposisjonen, og skapte en flatere, mindre arkitektonisk arbeid enn Eitoku, men et visuelt nydelig maleri. Hans seksdobbelte skjerm, Pine Wood (松林 図), er en mesterlig gjengivelse i monokrom blekk av en lund med trær innhyllet i tåke.
Edo -tidens kunst
The Tokugawa shogunatet fikk ubestridte kontroll av regjeringen i 1603 med en forpliktelse til å bringe fred og økonomisk og politisk stabilitet i landet; i stor grad var det vellykket. Shogunatet overlevde til 1867, da det ble tvunget til å kapitulere på grunn av at det ikke klarte å håndtere press fra vestlige nasjoner for å åpne landet for utenrikshandel. Et av de dominerende temaene i Edo -perioden var shogunatets undertrykkende politikk og kunstnernes forsøk på å unnslippe disse strengene. Den fremste av disse var lukkingen av landet for utlendinger og deres kulturer, og innføringen av strenge oppførselskoder som påvirker alle aspekter av livet, klærne man hadde på seg, personen man giftet seg med og aktivitetene man kunne eller burde ikke forfølge.
I de første årene av Edo -perioden var imidlertid ikke hele effekten av Tokugawa -politikken kjent, og noen av Japans fineste uttrykk innen arkitektur og maleri ble produsert: Katsura Palace i Kyoto og maleriene til Tawaraya Sōtatsu , pioner for Rinpa skole .
Treklossutskrift: Treklossutskrifter ble opprinnelig brukt til å oversette buddhistiske skrifter på 800 -tallet i Japan. Treklossutskrift består av gravering av bilder eller bilder på et treverk, som deretter presses mot et stykke papir. På 800-tallet ble trekloss betraktet som en praktisk metode for gjengivelse av trykt tekst inntil ytterligere innovasjoner tillot farger å bli oversatt på papir eller bedre kjent som Nishik-e-utskrifter. Trykking av treblokker var den vanlige utskriftsmetoden fra det ellevte til det nittende århundre. Nishiki-e-trykk produserte varer som kalendere som ofte ble solgt til velstående medlemmer av samfunnet i Edo-perioden. I Edo -perioden ble disse trykkene avbildet hendelser og scener av fremtredende skuespillere. Ukiyo ble deretter assosiert med treklossutskrift i den tidlige Edo -perioden. Disse Ukiyo -maleriene skildret dagliglivet til fremtredende medlemmer av samfunnet. Ukiyo begynte først som håndskulpturerte ruller som skildret livet som en vanlig vaner.
Arkitektur: Katsura Frittliggende palass , bygget i etterligning av Genjis palass, inneholder en klynge av skinnende bygninger som kombinerer elementer av klassisk japansk arkitektur med innovative ombygginger. Hele komplekset er omgitt av en vakker hage med turstier. Mange av mektige daimyōs (føydale herrer) bygde en kretsstil japansk hage i territoriet, og konkurrerte om skjønnheten.
Maleri: Sōtatsu utviklet en ypperlig dekorativ stil ved å gjenskape temaer fra klassisk litteratur, ved å bruke strålende fargede figurer og motiver fra den naturlige verden mot bakgrunn av gullblad. Et av hans fineste verk er paret av skjermene The Waves at Matsushima i Freer Gallery i Washington, DC Et århundre senere omarbeidet Kōrin Sōtatsus stil og skapte visuelt flotte verk som var hans egen. Kanskje hans fineste er skjermmaleriene av røde og hvite plommeblomster .
Skulptur: Den buddhistiske munken Enkū hugget 120 000 buddhistiske bilder i en grov, individuell stil.
From_Bijin-ga_(Pictures_of_Beautiful_Women),_published_by_Tsutaya_Juzaburo_-_Google_Art_Project.jpg)
,_also_known_as_Red_Fuji,_from_the_series_Thirty-six_Views_of_Mount_Fuji_(Fugaku_sanj%C5%ABrokkei)_MET_DP141062.jpg){kind=spacer}
Ukiyo-e og nanga (bunjinga): Kunstskolen som er best kjent i Vesten er ukiyo-e- maleriene og treklossene av demimonden, kabuki- teaterets verden og fornøyelsesdistriktene . Ukiyo-e-utskrifter begynte å bli produsert på slutten av 1600-tallet; i 1765 produserte Harunobu det første polykrome trykket . Trykkdesignere av neste generasjon, inkludert Torii Kiyonaga og Utamaro , skapte elegante og til tider innsiktsfulle skildringer av kurtisaner.
På 1800 -tallet var de dominerende skikkelsene Hokusai og Hiroshige , sistnevnte skaperen av romantiske og litt sentimentale landskapstrykk. De merkelige vinklene og formene som Hiroshige ofte så på landskapet, og arbeidet til Kiyonaga og Utamaro, med vekt på flate fly og sterke lineære konturer, hadde en dyp innvirkning på vestlige kunstnere som Edgar Degas og Vincent van Gogh . Via kunstverk som ble holdt på vestlige museer, ville de samme grafikerne senere ha en sterk innflytelse på bildene og estetiske tilnærminger som ble brukt av tidlige modernistiske poeter som Ezra Pound , Richard Aldington og HD
En malerskole som var moderne med ukiyo-e var nanga , eller bunjinga, en stil basert på malerier utført av kinesiske lærde-malere. Akkurat som ukiyo-e-artister valgte å skildre figurer fra livet utenfor strengene i Tokugawa-shogunatet, vendte bunjin-kunstnere seg til kinesisk kultur. Eksemplene på denne stilen er Ike no Taiga , Yosa Buson , Tanomura Chikuden og Yamamoto Baiitsu ( ja: 山 本 梅 逸).
Keramikk
Tradisjonelle, for det meste steingods , stiler fortsatte i mange deler av Japan, men japansk keramikk ble transformert rundt begynnelsen av Edo -perioden, av en stor tilstrømning av koreanske keramikere, fanget eller overtalt til å emigrere i løpet av de japanske invasjonene av Korea i 1590 -årene . Mange av disse ble avgjort på den sørlige øya Kyushu , og de hadde med seg erfaring versjoner av kinesisk stil kamret klatring ovn , kalt noborigama i Japan, som tillot høye temperaturer med mer presis styring. Rundt 1620 hadde de oppdaget forekomster av kaolinitt , og begynte å lage porselen for første gang i Japan. De tidlige varene (kalt "Early Imari") var relativt små og etterlignet det kinesiske blå -hvite porselenet som Japan hadde importert en stund.
Porselenindustrien utvidet seg sterkt på slutten av 1650 -tallet, da kollapsen av den kinesiske industrien fra borgerkrig førte til svært store ordre fra de kinesiske handelsmennene og det nederlandske østindiske kompaniet , da hadde handelsmennene bare lov til å gjøre forretninger i Japan. Den første store perioden med japansk eksportporselen varte til rundt 1740 -årene, og størstedelen av japansk porselen ble laget for eksport, hovedsakelig til Europa, men også den islamske verden vest og sør for Japan.
Ko-Imari- rett, 1700–1740
Lakkertøy:
Med utviklingen av økonomi og kultur har den kunstneriske kvaliteten på lakkerte møbler blitt bedre. Hon'ami Kōetsu og Ogata Kōrin tok med designene til Rinpa -malerskolen inn i lakkering. Etter midten av Edo-perioden begynte inrō for bærbare medisinbeholdere å bli dekorert praktfullt med maki-e og raden , og det ble populært blant samurai-klasser og velstående kjøpmenn i chōnin- klassen, og på slutten av Edo-perioden ble det endret fra praktisk tilbehør til kunstsamlinger. Eksporten av lakkvarer fortsatte etter Azuchi-Momoyama-perioden. Marie Antoinette og Maria Theresa er kjent som samlere av japansk lakkutstyr i denne perioden.
Skriver lakkboks med Irises på Yatsuhashi , av Ogata Kōrin . Nasjonalskatt
Kunsten fra før krigen
Da keiseren av Japan gjenvunnet regjeringsmakten i 1868, ble Japan igjen invadert av nye og fremmede former for kultur. I løpet av førkrigstiden førte introduksjonen av vestlige kulturelle verdier til en dikotomi i japansk kunst, så vel som i nesten alle andre aspekter av kulturen, mellom tradisjonelle verdier og forsøk på å duplisere og assimilere en rekke nye ideer. Denne splittelsen forble tydelig på slutten av 1900 -tallet, selv om mye syntese da allerede hadde skjedd, og skapte en internasjonal kulturell atmosfære og stimulerte samtidens japanske kunst mot stadig mer innovative former.
Regjeringen interesserte seg aktivt for kunsteksportmarkedet og promoterte japansk kunst på en rekke verdensmesser , som begynte med verdensutstillingen i Wien i 1873 . I tillegg til å finansiere messene sterkt, tok regjeringen en aktiv rolle i organisering av hvordan Japans kultur ble presentert for verden. Det opprettet et semi-offentlig selskap- Kiritsu Kosho Kaisha (First Industrial Manufacturing Company) -for å fremme og kommersialisere eksport av kunst og etablerte Hakurankai Jimukyoku (Exhibition Bureau) for å opprettholde kvalitetsstandarder. For den internasjonale utstillingen i 1876 i Philadelphia opprettet den japanske regjeringen et hundreårskontor og sendte en spesiell utsending for å sikre plass til de 30 000 gjenstandene som skulle vises. Det keiserlige husstanden tok også en aktiv interesse for kunst og håndverk, og bestilte verk ("presentasjonsvarer") som gaver til utenlandske dignitærer. I 1890 ble Teishitsu Gigeiin ( Artist to the Imperial Household ) system opprettet for å gjenkjenne framstående artister; sytti ble utnevnt fra 1890 til 1944. Blant disse var maleren og lakk artist Shibata Zeshin , keramiker Makuzu Kozan , maleren Hashimoto Gaho , og cloisonné emalje artist Namikawa Yasuyuki .
Byōbu Dragon and tiger (竜 虎 図) venstre side, 1895, av Hashimoto Gahō
Byōbu Dragon og tiger høyre side, 1895, av Hashimoto Gahō
.jpg){kind=spacer}
.jpg){kind=spacer}
Etter hvert som vestlig import ble populær, falt etterspørselen etter japansk kunst i Japan selv. I Europa og Amerika førte den nye tilgjengeligheten av japansk kunst til en fascinasjon for japansk kultur; en mani kjent i Europa som Japonisme . Imperial patronage, statlig sponsing, promotering til nye publikum og vestlig teknologi kombinert for å fremme en epoke med japansk kunstnerisk innovasjon. I dekorativ kunst nådde japanske kunstnere nye nivåer av teknisk raffinement.
I dag eier Masayuki Murata mer enn 10.000 Meiji -kunstverk og er en av de mest entusiastiske samlerne. Fra den tiden ble de fleste av de utmerkede verkene til Meiji Art kjøpt av utenlandske samlere, og bare noen få av dem ble igjen i Japan, men fordi han kjøpte tilbake mange verk fra utlandet og åpnet Kiyomizu Sannenzaka Museum , studiet og revurderingen av Meiji Kunsten avanserte raskt i Japan etter det 21. århundre. Nasser Khalili er også en av verdens mest dedikerte samlere av Meiji -kunst, og samlingen hans omfatter mange kategorier av Meiji -kunst. Den japanske keiserfamilien eier også utmerkede verk av Meiji Art, hvorav noen ble donert til staten og nå er lagret i Museum of the Imperial Collections .
Arkitektur og hage
På begynnelsen av 1900 -tallet ble europeiske kunstformer godt introdusert, og ekteskapet produserte bemerkelsesverdige bygninger som Tokyo jernbanestasjon og National Diet Building som fremdeles eksisterer i dag. Tokyo Station, en bygning med Giyōfū-arkitektur , full av murstein og pseudo-europeisk stil. Denne byggestilen ble bygget i urbane områder.
Mange kunstneriske nye japanske hager ble bygget av Jihei Ogawa .
Maleri
.jpg)
Det første svaret fra japanerne på vestlige kunstformer var åpenhjertig aksept, og i 1876 ble Technological Art School ( ja: 工部 美術 学校) åpnet, og ansatte italienske instruktører til å undervise i vestlige metoder. Det andre svaret var en pendelsving i motsatt retning som ledet av Okakura Kakuzō og amerikaneren Ernest Fenollosa , som oppmuntret japanske kunstnere til å beholde tradisjonelle temaer og teknikker samtidig som de skapte verk mer i tråd med samtidens smak. Dette var en strategi som til slutt tjente til å utvide innflytelsen fra japansk kunst til Calcutta, London og Boston i årene frem til første verdenskrig . Ut av disse to polene av kunstnerisk teori-avledet fra henholdsvis Europa og fra Øst-Asia-utviklet yōga ("maleri i vestlig stil") og Nihonga ("japansk maleri"), kategorier som har beholdt valutaen.
Emaljer
.jpg)
I løpet av Meiji -tiden nådde japansk cloisonné -emalje en teknisk topp, og produserte varer som var mer avanserte enn noen som hadde eksistert før. Perioden fra 1890 til 1910 ble kjent som "gullalderen" for japanske emaljer. Kunstnere eksperimenterte med pastaer og med avfyringsprosessen for å produsere stadig større emaljeblokker , med mindre behov for cloisons (omsluttende metallstrimler). Dermed ble emaljer et mer billedlig medium, med design som ligner på eller kopieres fra tradisjonelle malerier. Emaljer med et design som er unikt for Japan, der blomster, fugler og insekter ble brukt som temaer, ble populære. Spesielt ble verkene til Namikawa Yasuyuki og Namikawa Sōsuke stilt ut på verdens messer og vunnet mange priser. Sammen med de to Namikawa har Ando Cloisonné Company produsert mange cloisonne av høy kvalitet. Japanske emaljer ble sett på som uten sidestykke takket være de nye prestasjonene innen design og farging.
Lakkert
Meiji -tiden så en ny interesse for lakk da kunstnere utviklet nye design og eksperimenterte med nye teksturer og overflater. Maki-e (dekorering av lakken i gull- eller sølvstøv) var den vanligste teknikken for kvalitetslakker i denne perioden. Shibata Zeshin var en lakkerer som fikk et høyt rykte for sine arbeider fra Bakumatsu til Meiji -perioden. Lakkvarer kalt Shibayama og Somada , opprettet i Edo -perioden, ble populære for sin prangende stil, innlagt med gull, sølv, skalldyr, elfenben og fargerikt metall og glass, og nådde sitt høydepunkt i denne perioden. Lakk fra japanske verksteder ble anerkjent som teknisk bedre enn det som kunne produseres andre steder i verden.
Metallarbeid
I begynnelsen av Meiji -tiden var japansk metallarbeid nesten helt ukjent utenfor landet, i motsetning til lakk og porselen som tidligere hadde blitt eksportert. Metallarbeid var knyttet til buddhistisk praksis, for eksempel ved bruk av bronse til tempelklokker og røkelsesgryter, så det var færre muligheter for metallarbeidere når buddhismen ble fordrevet som statsreligion. Internasjonale utstillinger brakte japansk støpt bronse til et nytt utenlandsk publikum, og vakte sterk ros. Den tidligere historien til samurai -våpen utstyrte japanske metallarbeidere til å lage metalliske overflater i et bredt spekter av farger. Ved å kombinere og fullføre kobber, sølv og gull i forskjellige proporsjoner, skapte de spesialiserte legeringer, inkludert shakudō og shibuichi . Med denne variasjonen av legeringer og overflater kan en kunstner gi inntrykk av dekorasjon i farger.
Elfenbenskjæring
I Meiji -perioden begynte japanske klær å bli vestliggjort og antallet mennesker som hadde på seg kimono gikk ned, så håndverkerne som lagde netsuke og kiseru med elfenben og tre mistet etterspørselen. Derfor prøvde de å lage et nytt felt, elfenbenskulpturer for interiørdekorasjon, og mange forseggjorte arbeider ble eksportert til utlandet eller kjøpt av keiserfamilien . Spesielt vant verkene til Ishikawa Komei og Asahi Gyokuzan ros i Japan.
Porselen og fajanse
Tekniske og kunstneriske innovasjoner fra Meiji -tiden gjorde porselen til en av de mest internasjonalt vellykkede japanske dekorative kunstformene. Satsuma ware var et navn som opprinnelig ble gitt til keramikk fra Satsuma -provinsen , forseggjort dekorert med forgylt og emalje. Disse varene ble høyt rost i Vesten. Sett i Vesten som særpreget japansk, skyldte denne stilen faktisk mye på importerte pigmenter og vestlig påvirkning, og hadde blitt til med tanke på eksport. Verksteder i mange byer kjørte for å produsere denne stilen for å tilfredsstille etterspørselen fra Europa og Amerika, og produserte ofte raskt og billig. Så begrepet "Satsuma ware" ble ikke assosiert med et opprinnelsessted, men med varer av lavere kvalitet som ble laget rent for eksport. Til tross for dette opprettholdt artister som Yabu Meizan og Makuzu Kōzan de høyeste kunstneriske standardene mens de også eksporterte. Fra 1876 til 1913 vant Kōzan premier på 51 utstillinger, inkludert verdensmessen og den nasjonale industrielle utstillingen.
Tekstiler
Utgaven av Encyclopædia Britannica fra 1902 skrev: "I ingen gren av brukskunst viser Japans dekorative genialitet mer attraktive resultater enn tekstilstoff, og i ingen har det vært mer iøynefallende fremgang de siste årene." Veldig store, fargerike billedverk ble produsert i Kyoto. Broderi hadde blitt en kunstform i seg selv, og tok i bruk en rekke billedteknikker som chiaroscuro og luftperspektiv .
Etterkrigstidens kunst
Umiddelbart etter Japans nederlag i andre verdenskrig i 1945 falt et stort antall japanske kunstnere under påvirkning av, eller til og med sluttet seg til, det japanske kommunistpartiet , som nettopp hadde blitt legalisert av den amerikansk-ledede militære okkupasjonen av Japan etter mange års undertrykkelse. av japansk politi før krigen og krigen. Dette hadde å gjøre med suksessen til kommunistpartiet med å oppfatte forestillingen i de tidlige etterkrigsårene om at partiet hadde vært den eneste gruppen i Japan som hadde motstått krigstidens militarisme. I tillegg er det japanske ordet for "fortropp" (前衛, zen'ei ), som i "forkant av den kommunistiske revolusjonen" tilfeldigvis det samme ordet som ble brukt for "avantgarde" som i den kunstneriske avantgarden. Det japanske kommunistpartiet kom snart til å dominere de store kunstsamfunnene og utstillingene i Japan, og dermed var den dominerende kunstformen i umiddelbar kjølvannet av krigen sosialistisk realisme som skildret de fattiges lidelse og arbeiderklassens adel, i i tråd med kommunistpartiets lære om at all kunst skal tjene formålet med å fremme revolusjonens sak. I 1952 beordret kommunistpartiet til og med kunstnere som Hiroshi Katsuragawa og andre medlemmer av den nyopprettede Avant-Garde Art Association (前衛 美術 会, Zen'ei Bijutsukai ) ut i fjellet for å produsere sosialistisk realistisk kunst til støtte for " fjellgerilja " tropper "som forsøkte å skape en voldelig revolusjon i Japan.
1950 -årene: Sliter med å komme fri av sosialistisk realisme
I løpet av 1950 -årene ble mange japanske kunstnere stadig desillusjonerte over den stive og begrensede definisjonen av "kunst" som håndheves av kommunistpartiet. På grunn av den pågående fremtredelsen av medlemmer og støttespillere fra kommunistpartiet i de øverste rekkene av kunstneriske samfunn og utstillingsjuryer, syntes kunstnere det imidlertid ekstremt vanskelig å vise sin kunst med mindre de var i samsvar med partiets retningslinjer. Noen kunstnere viker unna formelle offentlige utstillinger. Andre søkte anerkjennelse, økonomisk støtte og muligheter til å vise sin kunst utenlands, for eksempel Gutai -gruppen med konseptuelle kunstnere, grunnlagt i 1954. Enda andre kunstnere benyttet seg av de få uskadede, "uavhengige" utstillingene i Japan, for eksempel Yomiuri Indépendant. Utstilling sponset av Yomiuri Shinbun , som hvem som helst kunne delta på.
Et siste sugerør kom med de massive Anpo-protestene fra 1960 mot USA-Japan-sikkerhetstraktaten (kjent som " Anpo " på japansk "), på grunn av den ekstremt passive rollen som det antatt" fortroppende "kommunistpartiet spilte. Da protestene ikke klarte å stoppe traktaten, førte en runde med anklager til ytterligere desillusjonering med kommunistpartiet og sosialistisk realistisk kunst, noe som førte til at mange flere kunstnere brøt løs fra partiets innflytelse.
1960 -tallet: En eksplosjon av nye sjangere
Da dominansen av sosialistisk realisme bleknet, var 1960 -årene vitne til en eksplosjon av nye kunstformer i Japan, ettersom kunsten ekspanderte i nye retninger som best kan kalles "postmoderne". Artistkollektiver som Neo-Dada Organizers , Zero Dimension og Hi-Red Center utforsket konsepter som "ikke-kunst" og "antikunst", og gjennomførte en rekke dristige "hendelser", "hendelser" og andre former av performancekunst designet for å tære på grensene mellom kunst og dagligliv. Den Mono-ha -gruppen på tilsvarende måte skyves grensene dele art, plass, landskapet, og miljøet. Andre kunstnere, som grafisk designer Tadanori Yokoo , hentet inspirasjon fra motkulturen på 1960-tallet og eksplosjonen av nye former for voksenorienterte manga- tegneserier. I scenekunsten var Tatsumi Hijikata banebrytende for en ny form for postmoderne dans kalt Butoh , og dramatikere som Jūrō Kara og Satō Makoto skapte Angura -stilen til radikalt "underjordisk" teater. Og innen fotografering var fotografer som Daidō Moriyama banebrytende for en ekstremt innflytelsesrik ny skole for etterkrigstidens fotografering som understreket spontanitet over nøye iscenesatt komposisjon og feiret egenskapene " are, bure, bokeh " (bokstavelig talt "grov, uskarp, ute av fokus") .
Spredningen av nye kunstarter ble støttet av den enorme veksten i Japans økonomi på 1960 -tallet, husket som det " japanske økonomiske miraklet ". I løpet av 1960 -årene vokste den japanske økonomien med over 10% per år. Stigende velstand skapte en ny klasse forbrukere som hadde råd til å bruke penger på kunst og støtte ulike typer kunst og kunstnere. For første gang i Japans moderne historie ble det levedyktig for et stort antall kunstnere å leve av rent ved å selge kunsten sin. Byggeboomen på 1960-tallet i Japan, som utjevnet den gamle tradisjonelle japanske arkitekturen i tre og papir og erstattet den med glitrende megabyer av glass og stål, bidro til å inspirere til helt nye skoler i japansk arkitektur, for eksempel Metabolism (arkitektur) -bevegelsen ledet av Kenzō Tange , som frimodig brøt seg løs fra konvensjonelle modeller og viste seg å være innflytelsesrik rundt om i verden.
Samtidig forble kunstverdenen fortsatt dominert av klikker som promoterte verkene til visse (vanligvis mannlige) kunstnere fremfor andre. Ettersom det ble mye lettere for japanere å reise utenlands på 1960 -tallet , fant noen kvinnelige artister som Yayoi Kusama og Yoko Ono bedre mottak i utlandet, og dekampet for kunstneriske sentre som London, Paris og New York, i likhet med mange mannlige artister som vi vil.
Seieren til de nye formene for japansk kunst ble sementert på verdensmessen i Osaka i 1970 , der dusinvis av avantgarde- og konseptuelle kunstnere ble ansatt for å designe paviljonger og kunstneriske opplevelser for messeglade. Japansk avantgarde-kunst hadde blitt global, og hadde blitt noe selv den konservative regjeringen var stolt over å vise til verden.
1970- og 1980 -tallet: Å ri den økonomiske boblen
På 1970- og 1980 -tallet fortsatte japansk kunst i mange av retningene som ble påbegynt på 1950- og 1960 -tallet, men ofte med mye større budsjetter og dyrere materialer. Da Japans økonomi fortsatte å ekspandere raskt, og til slutt vokste til en av de største økonomiske boblene i historien . Med japansk valuta som ble utrolig sterk i kjølvannet av Plaza Accord fra 1985 , ble japanske enkeltpersoner og institusjoner store aktører på det internasjonale kunstmarkedet. Ekstraordinært velstående japanske megakonsern begynte å bygge sine egne private kunstmuseer og anskaffe samlinger av moderne og samtidskunst, og japanske kunstnere hadde også stor nytte av disse utgiftene.
Spesielt fortsatte den kunstneriske produksjonen å gå bort fra tradisjonelt maleri og skulptur i retning av grafisk design , popkunst , bærbar kunst , performance , konseptuell kunst og installasjonskunst . Ulike typer "hybrid" kunst kom stadig mer på moten. Etter hvert som teknologien utviklet seg, inkorporerte kunstnere stadig mer elektronikk, video, datamaskiner, syntetisert musikk og lyder og videospill i kunsten. Estetikken til manga og anime , som så mange yngre artister hadde vokst opp med, hadde en økende, men noen ganger ganske subtil innflytelse. Fremfor alt unngikk kunstnerne alt som var av "høy kunst" eller "kunst" til fordel for det personlige, det eklektiske, det fantastiske eller fantasmagoriske og det lekne. I utgave ble kvinnelige artister som Mika Yoshizawa mer og mer akseptert og støttet av kunstverdenen i Japan.
Samtidskunst i Japan
Japansk samtidskunst antar like mange former og uttrykker like mange forskjellige ideer som samtidskunst over hele verden generelt. Det spenner fra reklame, anime, videospill og arkitektur som allerede nevnt, til skulptur, maleri og tegning i alle sine utallige former. Japanske kunstnere har gitt spesielt bemerkelsesverdige bidrag til global samtidskunst innen arkitektur, videospill, grafisk design, mote og kanskje fremfor alt animasjon. Selv om anime først og fremst ble avledet fra mangahistorier, florerer mangfoldige anime i dag, og mange artister og studioer har vokst til stor berømmelse som artister; Hayao Miyazaki og artistene og animatørene til Studio Ghibli regnes generelt for å være blant de beste animeverdenene har å tilby.
Samtidig fortsetter mange japanske kunstnere å bruke tradisjonelle japanske kunstneriske teknikker og materialer som er arvet fra førmoderne tider, for eksempel tradisjonelle former for japansk papir og keramikk og maling med svart og farget blekk på papir eller silke. Noen av disse kunstverkene skildrer tradisjonelle emner i tradisjonelle stiler, mens andre utforsker nye og forskjellige motiver og stiler, eller lager hybrider av tradisjonelle og samtidskunstformer, mens du bruker tradisjonelle medier eller materialer. Atter andre unngår innfødte medier og stiler, og omfavner vestlige oljemaling eller mange andre former.
I skulpturen gjelder det samme; noen artister holder seg til de tradisjonelle modusene, noen gjør det med en moderne stil, og noen velger vestlige eller helt nye moduser, stiler og medier. Yo Akiyama er bare en av mange moderne japanske billedhuggere. Han jobber først og fremst med leirkaramikk og keramikk, og skaper verk som er veldig enkle og greie, og ser ut som om de ble skapt ut av jorden selv. En annen skulptør, som brukte jern og andre moderne materialer, bygde en stor moderne kunstskulptur i den israelske havnebyen Haifa , kalt Hanabi (fyrverkeri). Nahoko Kojima er en moderne Kirie -kunstner som har vært banebrytende for teknikken for Paper Cut Sculpture som henger i 3D.
Takashi Murakami er uten tvil en av de mest kjente japanske moderne kunstnerne i den vestlige verden. Murakami og de andre artistene i studioet hans lager stykker i en stil, inspirert av anime, som han har kalt " superflat ". Stykkene hans har en rekke former, fra maleri til skulptur, noen virkelig massive i størrelse. Men de fleste om ikke alle viser veldig tydelig denne animeinnflytelsen, ved å bruke lyse farger og forenklede detaljer.
Yayoi Kusama , Yoshitomo Nara , Hiroshi Sugimoto , Chiharu Shiota , Daidō Moriyama , Mariko Mori , Aya Takano og Tabaimo regnes som betydningsfulle kunstnere innen samtidens japansk kunst. Gruppen 1965 , et kunstnerkollektiv, teller samtidskunstneren Makoto Aida blant medlemmene.
Scenekunst
Mange tradisjonelle former for japansk musikk, dans og teater har overlevd i samtidens verden og nyter en viss popularitet gjennom gjenidentifikasjon med japanske kulturelle verdier. Tradisjonell musikk og dans, som sporer sin opprinnelse til gammel religiøs bruk - buddhist , shintō og folk - har blitt bevart i de dramatiske forestillingene til Noh , Kabuki og bunraku teater. Eldgammel hoffmusikk og dansformer fra kontinentale kilder ble bevart gjennom keiserlige husholdningsmusikere og tempel- og helligdomstropper. Noen av de eldste musikkinstrumenter i verden har vært i kontinuerlig bruk i Japan fra jōmonkulturen , som vist ved funn av sten og leire fløyter og zithers som har mellom to og fire strenger, til hvilken Yayoi periode metall klokkene og gong ble tilsatt til lage tidlige musikalske ensembler. I den tidlige historiske perioden (6. til 7. århundre) var det en rekke store og små trommer , gonger, klokkespill , fløyter og strengeinstrumenter, for eksempel den importerte mandolinlignende biwaen og den flate seksstrengede sitren, som utviklet seg inn i tretten-strenget koto . Disse instrumentene dannet orkestrene for det kontinentalt avledede seremonielle hoffmusikken fra det 7. århundre ( gagaku ), som sammen med den medfølgende bugaku (en type hofdans ) er de eldste av slike former som fremdeles fremføres ved keiserretten, gamle templer og helligdommer. Buddhismen introduserte de rytmiske sangene, fremdeles brukt, som ligger til grunn for Shigin , og som ble slått sammen med innfødte ideer for å legge grunnlaget for utviklingen av vokalmusikk, for eksempel i Noh .
Estetiske konsepter
Japansk kunst er preget av unike polariteter. I keramikken i de forhistoriske periodene, for eksempel, ble overstrømmelse fulgt av disiplinert og raffinert kunst. En annen instans tilbys av to strukturer fra 1500-tallet som er poler fra hverandre: Katsura Frittliggende palass er en øvelse i enkelhet, med vekt på naturmaterialer, grove og uskårede, og en affinitet for skjønnhet oppnådd ved et uhell; Nikkō Tōshō-gū er en stiv symmetrisk struktur fylt med fargerike relieffutskjæringer som dekker hver synlig overflate. Japansk kunst, verdsatt ikke bare for sin enkelhet, men også for sin fargerike overflod, har betydelig påvirket vestlig maleri fra 1800-tallet og vestlig arkitektur fra 1900-tallet .
Japans estetiske forestillinger, som stammer fra forskjellige kulturelle tradisjoner, har vært formative i produksjonen av unike kunstformer. Gjennom århundrene har et bredt spekter av kunstneriske motiver utviklet seg og ble raffinert og ble gjennomsyret av symbolsk betydning. Som en perle fikk de mange lag med mening og høy glans. Japansk estetikk gir en nøkkel til å forstå kunstneriske verk som kan oppfattes annerledes enn de som kommer fra vestlige tradisjoner.
Innenfor den østasiatiske kunstneriske tradisjonen har Kina vært den anerkjente læreren og Japan den hengivne studenten. Likevel utviklet flere japanske kunst sin egen stil, som kan skilles fra forskjellige kinesiske kunstarter. Den monumentale, symmetrisk balanserte, rasjonelle tilnærmingen til kinesiske kunstformer ble miniatyrisert, uregelmessig og subtilt suggestiv i japanske hender. Miniatyr steinhager , diminutive planter ( bonsai ) og ikebana (blomsteroppsatser), der de få utvalgte representerte en hage, var raffinerte aristokrats favorittoppgaver i et årtusen, og de har forblitt en del av samtidens kulturliv.
Diagonalet, som gjenspeiler en naturlig flyt, snarere enn den faste trekanten, ble den foretrukne strukturelle enheten, enten i maleri, arkitektonisk eller hagedesign, dansetrinn eller musikalske notasjoner. Oddetall erstatter partall i regelmessigheten til et kinesisk mestermønster, og et trekk til en side lar et motiv snu hjørnet av et tredimensjonalt objekt, og gir dermed kontinuitet og bevegelse som mangler i et statisk frontdesign. Japanske malere brukte enhetene for cutoff, close-up og fade-out på 1100-tallet i yamato-e , eller japansk stil, rullemaleri, kanskje en grunn til at moderne filmskaping har vært en så naturlig og vellykket kunstform i Japan. Forslag brukes i stedet for direkte uttalelse; skrå poetiske hint og hentydende og ufattelige melodier og tanker har vist seg frustrerende for vestlendingene som prøver å trenge inn i betydningen litteratur, musikk, maleri og til og med daglig språk.
Japanerne begynte å definere slike estetiske ideer i en rekke stemningsfulle setninger i det 10. eller 11. århundre. De rettslige forbedringene i den aristokratiske Heian -perioden utviklet seg til den elegante enkelheten som ble sett på som essensen av god smak i den diskret kunsten som kalles shibui . To begreper som stammer fra den zen -buddhistiske meditative praksisen beskriver grader av ro: den ene, hvilen som finnes i ydmyk melankoli ( wabi ), den andre, stillheten som følger med nytelsen av dempet skjønnhet ( sabi ). Zen -tanken bidro også til en forkjærlighet for å kombinere det uventede eller oppsiktsvekkende, som brukes til å rykke bevisstheten mot målet om opplysning. I kunsten ble denne tilnærmingen uttrykt i kombinasjoner av slike usannsynlige materialer som bly innlagt i lakk og i kolliderende poetiske bilder. Uventet humoristiske og noen ganger groteske bilder og motiver stammer også fra Zen kōan (conundrum). Selv om kunsten hovedsakelig har vært sekulær siden Edo -perioden , fortsetter tradisjonell estetikk og treningsmetoder, som vanligvis stammer fra religiøse kilder, å ligge til grunn for kunstneriske produksjoner.
Moderne konsepter
I dag har Japan utviklet en mer moderne kulturell estetikk som ofte er knyttet til Shojo -manga kjent som " kawaii ", som ellers kan beskrives som "søt". Vanligvis representert gjennom tegneserier og animasjon, har kawaii hatt en sterk kulturell innvirkning og er også en kraftig agent for japansk reklame og forbruk. Konseptet med "søthet" som for tiden vises i kawaii, har tradisjonelt blitt æret i japansk kultur som spenner tilbake til Edo -perioden med kunst på 1400 -tallet.
Manga stil.
Kawaii -mote funnet i Tokyo, Japan
Osaka Kawaii à Japan Expo 2014.
Flo Kawaii -klistremerker.
.jpg)
Tradisjonell estetikk
Tradisjonell japansk estetikk er former for skjønnhet i japansk kultur som stammer fra de tidligste århundrene. For minst to hundre år siden. Noen av disse tidlige estetikkene utgjør den japanske estetikken som helhet: Synkretisk buddhistisk kunst, Wabi-Sabi, Miyabi, Shibui og Jo-ha-Kyu.
Synkretisk buddhistisk kunst
Se japansk buddhistisk arkitektur .
Wabi-Sabi
Denne estetikken i japansk kultur er kjent for mange ting som skjønnhet i alle ting, selv de som er ufullkomne. Beskjedenhet og ukonvensjonelle ting er det som blir sett på som wabi-sabi-estetikken. Wabi og sabi utgjør begge skjønnhetens estetikk i ufullstendighet sammen. Når de er atskilt, fungerer begge som forskjellige vilkår. Wabi står for friskt, enkelt arbeid, som betegner all komplikasjon og har en veldig rustikk følelse for alt det også gjelder. Å være laget av naturen og laget av mennesket selv i en tandem. Hvis det blir gjort ved et uhell, gir det en viss unikhet til arbeidet. Sabi er skjønnhet og hvordan den stammer fra alder. Livssyklusen spiller en stor rolle i sabi, og legger til den estetiske følelsen av skjønnhet i verk som mottar reparasjon av aldring over tid. Når du kombinerer wabi og sabi, skaper det det estetiske at hvert enkelt stykke som er utviklet ikke krever en komplisert design. Det krever heller ikke absolutt fullstendighet for skjønnhet å bli funnet i den, og med alderen kommer mer delikat skjønnhet.
Wabi-sabi har alltid vært relatert til teseremonier i japansk kultur. Det sies at disse seremoniene er dype wabi-sabi-hendelser. Wabi-sabi er også relatert til aktiviteter som arkitektur, mote og filosofi. Alle disse delene av wabi-sabi deler alle troen på det samme temaet: alle ufullkommenheter som ufullstendig arbeid har ubestridelig skjønnhet. Imidlertid er det ikke alle som selvfølgelig liker ideen bak wabi-sabi. Selv om dette er sant, er det mange som ønsker å holde troen levende til tross for hva andre tror. Totalt sett ser det ut til at wabi-sabi er en veldig bevisst tilnærming til hverdagen. En rolig måte å se ting på, og en måte å leve på uten å bli fordømmende. Når man forstår wabi-sabi, er det begreper som også er sterkt knyttet til det estetiske.
- Fukinsei: asymmetri, uregelmessigheter.
- Kanso: enkelhet.
- Koko: grunnleggende, forvitret.
- Shizen: uten påskudd, naturlig.
- Yugen: subtilt dyp nåde, ikke åpenbar.
- Datsuzoku: ubegrenset av konvensjon, gratis.
- Seijaku: ro, stillhet.
Hvert av disse begrepene brukes for å bryte ned den fullstendige forståelsen av wabi-sabi. Det er mer relatert til filosofisk aspekt ved hele estetikken og hvordan du skal se omgivelsene. Disse kan referere til flere ting, inkludert ideene hos mennesker, temaene bak visse aspekter av livet eller naturen selv. Hvert begrep fører tilbake til det punktet at wabi-sabi er en estetikk som handler om å sette pris på de små tingene som er ufullkomne og eller ufullstendige.
Miyabi
I Japans pågående historie kan miyabi stå for mange ting. Det ser imidlertid ut til å være sentrert rundt begrepet eleganse, skjønnhet, forfining og høflighet. For dette er det en av de eldre estetikk blant de fleste av den japanske estetikken i kulturen. Det vil forklare hvorfor det ikke er like populært som resten, som kan være nyere sammenlignet med miyabi. Det er et begrep som også brukes for å uttrykke aristokratisk kultur. Miyabi eliminerer alle former for frekkhet og grovhet fra kulturen. Dette gir det riktige bildet og formen for aristokratisk kultur. Miyabi fører til disse endringene. Miyabi sikrer at forfining av kjærlighet, litteratur, følelse og kunst feires i den japanske kulturen. Foredling mottas med takk.
Shibui
Shibui kommer til å forstå et objekt eller et kunstverk for hva det er. Å finne enkel og subtil skjønnhet i visse ting er et mål når det gjelder å designe eller gjennomgå visse design. På mange måter ligner shibui veldig på wabi-sabi, men er ikke wabi-sabi. Shibui setter pris på ting og objekter for å være det. Det er ingen komplikasjon eller irrasjonell tenkning når det gjelder shibui. I likhet med viss estetikk i den japanske kulturen, er det et par termer i forhold til Shibui: shibumi er smaken av shibui; Shibusa er staten shibui.
Begge disse begrepene vedrører subtil, diskret skjønnhet. Det er flere gjenstander og objekter som kan betraktes som en del av shibui -estetikken, ikke bare kunst eller mote. Det kan også være mennesker, dyr, sanger, filmer, flere forskjellige typer medier kan sees på som shibui. For eksempel kan et par sko, et kamera, en mopedsykkel og flere forskjellige kunstverk eller gjenstander som brukes til daglig aktivitet ses på som shibui. Direkte og enkel er måten å shibui på. Ingenting over toppen eller for prangende.
Jo-ha-kyu
Dette er en estetikk som stammer fra Noh Theatre og til og med dukket opp på 1300 -tallet. Den brukes i forskjellige kunstformer i Japan, fremdeles i dag. Det er en bevegelse som har blitt brukt i flere forskjellige kunstarter med jo, ha og kyu som står for at individuelle ting skal utgjøre definisjonen: jo, 'begynnelse'; ha, 'break', 'crack'; kyu: 'rask', 'over'
I hovedsak er det denne estetikken betyr at når det kommer til stykker som omhandler bevegelse, bør ting starte sakte med riktig oppbygging. Nesten lik hvordan en historie blir fortalt. Så når det når sitt høydepunkt, setter det fart. Når den når slutten, er det da ting begynner å øke hastigheten til den plutselig har nådd en slutt.
Artister
| Kunst historie |
| Østlig kunsthistorie |
| Japansk kunsthistorie |
| Generell |
|
Japansk kunst Hovedside |
| Historiske perioder |
|
Jōmon og Yayoi perioder |
| Japanske artister |
|
Kunstnere (kronologisk) |
| Skoler, stiler og bevegelser |
|
Skoler kategori |
| Kunstverdenen |
| Anime og manga |
| Japan WikiProject |
| Del av en serie om |
| Kulturen i Japan |
|---|
 |
| Historie |
| Mennesker |
| Språk |
| Kjøkken |
| Festivaler |
Tradisjonelt var artisten et uttrykksmiddel og var personlig tilbakeholden, i tråd med rollen som en håndverker eller underholder med lav sosial status. Den kalligraf , et medlem av den konfucianske litterater klasse, eller samurai klasse i Japan, hadde en høyere status, mens kunstnere av stort geni ble ofte gjenkjent i kamakuraperioden ved å motta et navn fra en lensherre og dermed økende sosialt. Scenekunsten ble imidlertid generelt sett mindre verdsatt, og den påståtte umoralskheten til skuespillerinner fra det tidlige Kabuki -teatret fikk Tokugawa -regjeringen til å barre kvinner fra scenen; kvinnelige roller i Kabuki og Noh ble deretter spilt av menn.
Etter andre verdenskrig samlet kunstnere seg vanligvis i kunstforeninger, hvorav noen var et godt etablerte profesjonelle samfunn mens andre gjenspeilte den siste kunstbevegelsen. The Japan Artister League , for eksempel, var ansvarlig for det største antallet store utstillinger, inkludert den prestisjetunge årlige Nitten ( Japan Art Exhibition ). Den PEN Club of Japan (PEN står for prosa, essay og fortelling), en gren av en internasjonal forfattere organisasjon, var den største av noen tretti store forfatternes assosiasjoner. Skuespillere, dansere, musikere og andre utøvende artister skryte av sine egne samfunn, inkludert Kabuki Society , organisert i 1987 for å opprettholde denne kunstens tradisjonelle høye standarder, som man antok å være truet av moderne innovasjon. På 1980-tallet hadde avantgarde-malere og billedhuggere imidlertid unngått alle grupper og var "uten tilknytning" kunstnere.
Kunstskoler
Det er en rekke spesialiserte universiteter for kunst i Japan, ledet av de nasjonale universitetene. Det viktigste er Tokyo Arts University , et av de vanskeligste av alle nasjonale universiteter å komme inn på. Et annet sentralt senter er Tama Art University , som produserte mange av Japans innovative unge artister fra slutten av 1900-tallet. Tradisjonell trening i kunst, avledet fra kinesiske tradisjonelle metoder, gjenstår; eksperter underviser fra sine hjem eller på hovedskoler som jobber i et master-elev-forhold. En elev eksperimenterer ikke med en personlig stil før han oppnår det høyeste treningsnivået, eller tar eksamen fra en kunstskole eller blir leder for en skole. Mange unge artister har kritisert dette systemet som kvelende for kreativitet og individualitet. En ny generasjon av avantgarden har brutt med denne tradisjonen, og får ofte sin opplæring i Vesten. I tradisjonell kunst bevarer imidlertid master-elevsystemet systemet fortidens hemmeligheter og ferdigheter. Noen master-elev-avstamninger kan spores til Kamakura-perioden, hvorfra de fortsetter å bruke en flott mesters stil eller tema. Japanske artister vurdere teknisk virtuositet som sine qua non av sine yrker, et faktum anerkjent av resten av verden som en av kjennetegnene til japansk kunst.
Den nasjonale regjeringen har aktivt støttet kunsten gjennom byrået for kultursaker , som ble opprettet i 1968 som et spesielt organ for utdanningsdepartementet . Byråets budsjett for regnskapsåret 1989 steg til .8 37,8 milliarder etter fem års budsjettkutt, men representerte fortsatt mye mindre enn 1 prosent av det generelle budsjettet. Byråets kulturseksjon formidlet informasjon om kunsten i Japan og internasjonalt, og Cultural Properties Protection Division (文化 財 保護 部, nå 文化 財 部) beskyttet nasjonens kulturarv. Kulturdivisjonen er opptatt av områder som kunst og kulturfremmende arbeid, kunstopphavsrett og forbedringer i det nasjonale språket . Det støtter også både nasjonale og lokale kunst- og kulturfestivaler, og det finansierer reiser kulturelle arrangementer innen musikk, teater, dans, kunstutstillinger og filmskaping. Spesielle premier tilbys for å oppmuntre unge kunstnere og etablerte utøvere, og det gis noen tilskudd hvert år for å gjøre dem i stand til å trene i utlandet. Byrået finansierer nasjonale museer for moderne kunst i Kyoto og Tokyo og National Museum of Western Art i Tokyo, som viser både japanske og internasjonale show. Byrået støtter også Japan Art Academy , som hedrer fremtredende personer med kunst og bokstaver, utnevner dem til medlemskap og tilbyr ￥ 3,5 millioner i premiepenger. Utmerkelser gis i nærvær av keiseren , som personlig gir den høyeste utmerkelsen, kulturordenen . Tokyo University of the Arts tok også aktive roller på flere kunsthendelser de foregående årene. Deres andre campus involverer også varierte kurs.
Privat sponsing og stiftelser
Kunstbeskyttelse og markedsføring av regjeringen utvides til å omfatte en ny samarbeidsinnsats med bedriftens Japan for å gi finansiering utover det stramme budsjettet til byrået for kultursaker. Mange andre offentlige og private institusjoner deltar, spesielt i det voksende feltet for utdeling av kunstpriser. Et økende antall store selskaper slutter seg til store aviser når de sponser utstillinger og forestillinger og gir årlige premier. Den viktigste av de mange litterære utmerkelsene som er gitt er den ærverdige Naoki -prisen og Akutagawa -prisen , sistnevnte er ekvivalent med Pulitzer -prisen i USA.
I 1989 førte et forsøk på å fremme tverrkulturell utveksling til etableringen av en japansk " Nobelpris " for kunst, Premium Imperiale , av Japan Art Association . Denne prisen på 100 000 dollar ble i stor grad finansiert av massemediekonglomeratet Fujisankei Communications Group og ble delt ut på verdensbasis.
En rekke stiftelser for å fremme kunsten oppstod på 1980 -tallet, inkludert Cultural Properties Foundation som ble opprettet for å bevare historiske steder i utlandet, spesielt langs Silkeveien i Indre Asia og i Dunhuang i Kina . En annen internasjonal ordning ble gjort i 1988 med USAs Smithsonian Institution for samarbeidsutveksling av høyteknologiske studier av asiatiske artefakter. Regjeringen spiller en stor rolle ved å finansiere Japan Foundation , som gir både institusjonelle og individuelle tilskudd, påvirker faglige utvekslinger, deler ut årlige premier, støttede publikasjoner og utstillinger og sender tradisjonelle japanske kunstgrupper til å opptre i utlandet. Kunstfestivalen som holdes i to måneder hver høst for all scenekunst er sponset av Byrået for kultursaker. Store byer gir også betydelig støtte til kunsten; et økende antall byer på 1980 -tallet hadde bygget store sentre for scenekunst og, stimulert av statlig finansiering, ga de premier som Lafcadio Hearn -prisen initiert av byen Matsue . En rekke nye kommunale museer ga også omtrent en tredjedel flere fasiliteter på 1980-tallet enn det som tidligere var tilgjengelig. På slutten av 1980-tallet, Tokyo lagt mer enn tjue nye kultursaler, spesielt den store Bunkamura bygget av Tokyu konsernet og gjenoppbygging av Shakespeare 's Globe Theatre . Alle disse innsatsene gjenspeiler en økende populær entusiasme for kunsten. Japanske kunstkjøpere feide de vestlige kunstmarkedene på slutten av 1980 -tallet og betalte rekordhøyder for impresjonistiske malerier og 51,7 millioner dollar alene for en blå periode Picasso .
Se også
- Nasjonale skatter i Japan
- Liste over nasjonale skatter i Japan (håndverk-andre)
- Kulturen i Japan
- Liste over samlinger av japansk kunst
- Kunstgallerier
- Japan
- Tokyo nasjonalmuseum , est. 1872
- Kyoto nasjonalmuseum , est. 1889
- Nara nasjonalmuseum , est. 1889
- Kyushu nasjonalmuseum , est.2005
- forente stater
- Freer Gallery of Art , est. 1923
- Museum of Fine Arts, Boston
- Japan
- Kategori japanske artister
- Musha-e
Referanser
Kilder
- Denne artikkelen var opprinnelig basert på materiale fra WebMuseum Paris - Famous Artworks utstilling [1] .
-
Japan -
Denne artikkelen inneholder public domain materialet fra Library of Congress Country Studies nettstedet http://lcweb2.loc.gov/frd/cs/ . - Boardman, John , "The Diffusion of Classical Art in Antiquity", Princeton University Press, 1994, ISBN 0-691-03680-2
- Earle, Joe (1999). Splendors of Meiji: treasures of imperial Japan: mesterverk fra Khalili -samlingen . St. Petersburg, Fla .: Broughton International Inc. ISBN 1874780137. OCLC 42476594 .
- Impey, Oliver, i Battie, David , red., Sotheby's Concise Encyclopedia of Porcelain , 71-74, 1990, Conran Octopus. ISBN 1850292515
- Kaempfer, HM og WOG Sickinghe The Fascinating World of the Japanese Artist. En samling essays om japansk kunst av medlemmer av Society for Japanese Arts and Crafts , Haag, Society for Japanese Arts and Crafts , 1971. ISBN 0-87093-156-3
- Kapur, Nick (2018). Japan ved veikrysset: Konflikt og kompromiss etter Anpo . Cambridge, MA: Harvard University Press . ISBN 978-0674984424.
- "Alexander den store: Øst-vest kulturelle kontakter fra Hellas til Japan" (NHK og Tokyo National Museum, 2003)
- "De l'Indus à l'Oxus, Archéologie de l'Asie Centrale", Osmund Bopearachchi , Christine Sachs, ISBN 2-9516679-2-2
- "The Crossroads of Asia, Transformation in image and symbols", 1992, ISBN 0-9518399-1-8
Videre lesning
- Marks, Andreas (2010). Japanske treklosser: Kunstner, forlag og mesterverk 1680-1900. North Clarendon, VT: Tuttle Publishing. ISBN 9784805310557.
- Momoyama, japansk kunst i storhetstid. New York: Metropolitan Museum of Art. 1975. ISBN 9780870991257.
- Murase Miyeko (2000). Drømmenes bro: Mary Griggs Burke -samlingen av japansk kunst. New York: Metropolitan Museum of Art. ISBN 978-0870999413.
- Sato Yasuhiro (2020). Theo of Ito Jakuchu: Klassisk japansk maler av alt som er stort og lite i naturen. Tokyo: Japan Publishing Industry Foundation for Culture. ISBN 978-4-86658-135-4.
- Takashina Shuji (2018). Den japanske skjønnhetsfølelsen. Tokyo: Japan Publishing Industry Foundation for Culture. ISBN 978-4-86658-020-3.
- Tsuji Nobuo (2019). Kunsthistorie i Japan. New York, NY: Columbia University Press. ISBN 9784130870603.
- (på spansk og japansk) Kato, Kauro [ sic ] (加藤 薫Katō Kaoru ) ( Kanagawa University ), oversetter: Saeko Yanagisawa. " Acercamiento a la influencia del movimiento muralista mexicano en el arte contemporáneo de Japón ." (日本 現代 美術 に お け る メ キ シ コ 壁画 の 影響 影響 に つ い Arch, Arkiv ) Crónicas. El Muralismo, Producto de la Revolución Mexicana, en América . National Autonomous University of Mexico . Desember 2008, nr. 13, s. 237–264. Spansk: s. 237–255, japansk: s. 256–264.
Eksterne linker
- Fem tusen år med japansk kunstutstilling på Metropolitan Museum of Art, online versjon
- Japanske trykk av John Gould Fletcher
- e-Museum Høyoppløselige bilder av nasjonale skatter og viktige kulturelle eiendommer som eies av fire nasjonale museer i Japan
- Ukiyo-e i "A World History of Art"
- Japan Cultural Profile - nasjonal kulturportal for Japan opprettet av Visiting Arts/Japan Foundation
- Ruth og Sherman Lee Institute for Japanese Art Collection , online samling av bilder fra Online Archive of California/University of California Merced
- Herbert Offen forskningssamling av Phillips Library ved Peabody Essex Museum
- The Art of Bonsai Project
- The Vision and Art of Shinjo Ito : Skulpturer, kalligrafi, fotografier av en buddhistisk stormester (Grand Acharya)
- "History of Japanese Art" Forelesning ved Tokyo School of Fine Arts av Okakura Kakuzo (engelsk oversettelse)
- Japansk kunst fra Meiji -perioden (1868 - 1912) The Khalili Collections