L'Orfeo -L'Orfeo

L'Orfeo
Favola in musica av Claudio Monteverdi
Orfeus , operaens helt, med en fiolin, av Cesare Gennari
Librettist	Alessandro Striggio
Språk	Italiensk
Basert på	Gresk legende om Orfeus
Premiere	1607 Carnival sesongen Mantua

L'Orfeo ( SV 318) ( italiensk uttale:  [lorˈfɛːo] ), noen ganger kalt La favola d'Orfeo [la ˈfaːvola dorˈfɛːo] , er en sen renessanse /tidlig barokk favola i musica , eller opera , av Claudio Monteverdi , med en libretto av Alessandro Striggio . Den er basert på den greske legenden om Orfeus , og forteller historien om hans nedstigning til Hades og hans fruktløse forsøk på å bringe hans døde brud Eurydice tilbake til levende verden. Det ble skrevet i 1607 for en rettsforestilling under det årlige karnevalet på Mantua . Mens Jacopo Peri 's Dafne er generelt anerkjent som den første arbeid i operaen sjangeren, og den tidligste overlevende opera er Peri sin Euridice , L'Orfeo er den tidligste som fortsatt jevnlig utført.

På begynnelsen av 1600 -tallet utviklet det tradisjonelle intermediet - en musikalsk sekvens mellom handlingene til et rett skuespill - seg til et komplett musikalsk drama eller "opera". Monteverdi's L'Orfeo flyttet denne prosessen ut av sin eksperimentelle epoke og ga det første fullt utviklede eksemplet på den nye sjangeren. Etter den første forestillingen ble verket iscenesatt igjen i Mantua, og muligens i andre italienske sentre de neste årene. Partituret ble utgitt av Monteverdi i 1609 og igjen i 1615. Etter komponistens død i 1643 gikk operaen uutført i mange år, og ble stort sett glemt til en vekkelse av interessen på slutten av 1800 -tallet førte til en strøm av moderne utgaver og forestillinger . Først hadde disse forestillingene en tendens til å være konsert (ustyrte) versjoner innen institutter og musikksamfunn, men etter den første moderne dramatiserte forestillingen i Paris, i 1911, begynte verket å bli sett på kinoer. Etter andre verdenskrig ble det gitt ut mange innspillinger, og operaen ble stadig mer iscenesatt i operahus, selv om noen ledende arenaer motsto det. I 2007 ble kvartårsdagen for premieren feiret av forestillinger over hele verden.

I sin publiserte poengsum viser Monteverdi rundt 41 instrumenter som skal distribueres, med forskjellige grupper av instrumenter som brukes til å skildre bestemte scener og karakterer. Dermed representerer stryker, cembalo og opptakere de pastorale feltene i Thrakia med sine nymfer og hyrder, mens tung messing illustrerer underverdenen og dens innbyggere. L'Orfeo, som var sammensatt ved overgangen fra renessansen til barokken , bruker alle de ressursene som da var kjent innen musikk, med særlig vågal bruk av polyfoni . Verket er ikke orkestrert som sådan; i renessansetradisjonen fulgte instrumentalister komponistens generelle instruksjoner, men fikk betydelig frihet til å improvisere.

Historisk bakgrunn

Claudio Monteverdi, født i Cremona i 1567, var et musikalsk vidunderbarn som studerte under Marc'Antonio Ingegneri , maestro di cappella (musikkleder) ved Cremona katedral . Etter opplæring i sang, strykespill og komposisjon jobbet Monteverdi som musiker i Verona og Milano til han i 1590 eller 1591 sikret seg en stilling som suonatore di vivuola (bratsjist) ved Duke Vincenzo Gonzagas domstol i Mantua . Gjennom evne og hardt arbeid steg Monteverdi til å bli Gonzagas maestro della musica (musikkmester) i 1601.

Vincenzo Gonzagas spesielle lidenskap for musikkteater og skuespill vokste fra hans familieforbindelser med domstolen i Firenze . Mot slutten av 1500-tallet utviklet innovative florentinske musikere intermedioen- en lenge etablert form for musikalsk mellomspill mellom handlingene i talte dramaer-til stadig mer utførlige former. Ledet av Jacopo Corsi , var disse etterfølgerne til den anerkjente Camerata ansvarlige for det første verket som generelt ble anerkjent som tilhørende operagenren: Dafne , komponert av Corsi og Jacopo Peri og fremført i Firenze i 1598. Dette verket kombinerte elementer av madrigalsang og monodi med dans og instrumentale passasjer for å danne en dramatisk helhet. Bare fragmenter av musikken eksisterer fremdeles, men flere andre florentinske verk fra samme periode - Rappresentatione di Anima, et di Corpo av Emilio de 'Cavalieri , Peris Euridice og Giulio Caccinis identiske tittel Euridice - overlever komplett. Disse to siste verker var den første av mange musikalske representasjoner av Orpheus myten som gjengitt i Ovid 's Metamorphoses , og som sådan var direkte forløpere til Monteverdis L'Orfeo .

Gonzaga -domstolen hadde en lang historie med å fremme dramatisk underholdning. Et århundre før hertug Vincenzos tid hadde hoffet iscenesatt Angelo Polizianos lyriske drama La favola di Orfeo , hvor minst halvparten ble sunget i stedet for å bli talt. Mer nylig, i 1598, hadde Monteverdi hjulpet hoffets musikalske etablering med å produsere Giovanni Battista Guarinis skuespill Il pastor fido , beskrevet av teaterhistoriker Mark Ringer som et "vannskille teaterverk" som inspirerte den italienske dilla etter pastordrama . Oktober 1600, mens han besøkte Firenze for bryllupet til Maria de 'Medici med kong Henry IV av Frankrike , deltok hertug Vincenzo på premieren på Peris Euridice . Det er sannsynlig at hans viktigste musikere, inkludert Monteverdi, også var til stede på denne forestillingen. Hertugen gjenkjente raskt nyheten til denne nye formen for dramatisk underholdning, og potensialet for å bringe prestisje til de som er forberedt på å sponsere den.

Opprettelse

Libretto

Blant de tilstedeværende på Euridice- forestillingen i oktober 1600 var en ung advokat og karrierediplomat fra Gonzagas hoff, Alessandro Striggio , sønn av en kjent komponist med samme navn . Den yngre Striggio var selv en talentfull musiker; som 16-åring hadde han spilt fiol på bryllupsfestene til hertug Ferdinando av Toscana i 1589. Sammen med hertug Vincents to unge sønner, Francesco og Fernandino , var han medlem av Mantua eksklusive intellektuelle samfunn, Accademia degli Invaghiti  [ it ] , som ga hovedutløpet for byens teaterverk. Det er ikke klart på hvilket tidspunkt Striggio begynte sin libretto for L'Orfeo , men arbeidet var tydeligvis i gang i januar 1607. I et brev skrevet 5. januar ber Francesco Gonzago sin bror, deretter knyttet til det florentinske hoffet, om å få tak i tjenester av en høy kvalitet castrato fra storhertugens etablering, for et "spill i musikk" som forberedes til Mantuan Carnival.

Striggio viktigste kilder for sin libretto var Books 10 og 11 i Ovid er Metamorphoses og Book Fire av Virgil 's Georgics . Disse ga ham grunnmaterialet, men ikke strukturen for et iscenesatt drama; hendelsene i handlingene 1 og 2 i librettoen dekkes av bare 13 linjer i Metamorfosene . For hjelp med å skape en dramatisk form, benyttet Striggio andre kilder - Polizianos skuespill fra 1480, Guarinis Il pastor fido og Ottavio Rinuccinis libretto for Peris Euridice . Musikolog Gary Tomlinson bemerker de mange likhetene mellom Striggios og Rinuccinis tekster, og bemerker at noen av talene i L'Orfeo "samsvarer tett i innhold og til og med i lokalisering til sine kolleger i L'Euridice ". Kritikeren Barbara Russano Hanning skriver at Striggios vers er mindre subtile enn de av Rinuccini, selv om strukturen i Striggios libretto er mer interessant. Rinuccini, hvis arbeid var skrevet for festlighetene som fulgte med et Medici -bryllup, var forpliktet til å endre myten for å gi en "lykkelig slutt" som passer for anledningen. Derimot, fordi Striggio ikke skrev for en formell rettsfeiring, kunne han være mer tro mot ånden i mytens konklusjon, der Orfeo blir drept og kuttet av forstyrrede maenader eller "Bacchantes". Han valgte faktisk å skrive en litt dempet versjon av denne blodige finalen, der Bacchantes truer Orfeos ødeleggelse, men hans faktiske skjebne er i tvil.

Librettoen ble utgitt i Mantua i 1607 for å falle sammen med premieren og innlemmet Striggios tvetydige avslutning. Imidlertid viser Monteverdis poengsum publisert i Venezia i 1609 av Ricciardo Amadino en helt annen oppløsning, med Orpheus fraktet til himmelen gjennom intervensjon fra Apollo. I følge Ringer ble Striggios opprinnelige slutt nesten helt sikkert brukt på operaens premiere, men det er ingen tvil om at Monteverdi mente at den reviderte avslutningen var estetisk korrekt. Den musikkviter Nino Pirrotta hevder at Apollo avslutningen var en del av den opprinnelige planen for arbeidet, men ble ikke satt opp på premieren fordi det lille rommet som vert for arrangementet ikke kunne inneholde teatralsk maskiner som dette slutter nødvendig. Bacchantes -scenen var en erstatning; Monteverdis intensjoner ble gjenopprettet da denne begrensningen ble fjernet.

Sammensetning

Da Monteverdi komponerte L'Orfeo , hadde han en grundig forankring i teatermusikk. Han hadde vært ansatt ved Gonzaga -domstolen i 16 år, mye av det som utøver eller arrangør av scenemusikk, og i 1604 hadde han skrevet balloen Gli amori di Diane ed Endimone for Mantua Carnival 1604–05. Elementene som Monteverdi konstruerte sin første operasang fra - arien , den strofiske sangen , resitativet , refreng, danser, dramatiske musikalske mellomspill - var, som dirigent Nikolaus Harnoncourt har påpekt, ikke skapt av ham, men "han blandet hele aksjen av de nyeste og eldre mulighetene til en enhet som faktisk var ny ". Musikolog Robert Donington skriver på samme måte: "[Partituren] inneholder ikke noe element som ikke var basert på presedens, men den når fullstendig modenhet i den nylig utviklede formen ... Her er ord like direkte uttrykt i musikk som [pionerene i operaen] ønsket dem uttrykt; her er musikk som uttrykker dem ... med genial inspirasjon. "

Monteverdi oppgir orkesterkravene i begynnelsen av sin publiserte partitur, men i henhold til dagens praksis spesifiserer han ikke deres eksakte bruk. På den tiden var det vanlig å tillate hver tolk av arbeidet frihet til å ta lokale beslutninger, basert på orkesterkreftene de disponerte. Disse kan variere sterkt fra sted til sted. Videre, som Harnoncourt påpeker, ville instrumentalistene alle ha vært komponister og ville ha forventet å samarbeide kreativt ved hver forestilling, i stedet for å spille en sett tekst. En annen praksis på den tiden var å la sangere pynte sine arier. Monteverdi skrev enkle og pyntede versjoner av noen arier, for eksempel Orfeos " Possente spirto ", men ifølge Harnoncourt "er det åpenbart at der han ikke skrev noen pynt, ville han ikke ha noen sang".

Hver handling i operaen omhandler et enkelt element i historien, og hver ender med et refreng. Til tross for strukturen i fem akter, med to sett med sceneskift, er det sannsynlig at L'Orfeo samsvarte med standardpraksis for underholdning på den tiden og ble spilt som en kontinuerlig enhet, uten intervaller eller gardin nedstigninger mellom handlingene. Det var den moderne skikken at sceneskift skulle skje for publikum, disse endringene gjenspeiles musikalsk av endringer i instrumentering, nøkkel og stil.

Instrumentering

For analyse har musikkforskeren Jane Glover delt Monteverdis liste over instrumenter i tre hovedgrupper: strykere, messing og continuo , med noen få andre elementer som ikke er lett å klassifisere. Strengene gruppering er dannet av ti medlemmer av familien fiolin ( viole da Brazzo ), to kontrabasser ( contrabassi de viola ), og to sett fioliner ( violini piccoli alla francese ). Den Viole da Brazzo er i to fem deler ensembler, som hver omfatter to fioliner, to violas og en cello. Messinggruppen inneholder fire eller fem tromboner ( sekkbøtter ), tre trompeter og to kornetter . Kontinuokreftene inkluderer to cembalo ( duoi gravicembani ), en dobbel harpe ( arpa doppia ), to eller tre chitarroni , to rørorganer ( organi di legno ), tre bass viola da gamba og et kongelig eller lite sivorgel. Utenfor disse grupperingene er to opptakere ( flautini alla vigesima secunda ), og muligens en eller flere sitroner - oppført av Monteverdi, men inkludert i instruksjoner angående slutten av akt 4.

Instrumentalt sett skildres de to verdenene som er representert i operaen. Den pastorale verden på Thrakias felt er representert av stryker, cembalo, harpe, organer, blokkfløyter og chitarroni. De resterende instrumentene, hovedsakelig messing, er knyttet til underverdenen, selv om det ikke er et absolutt skille; strenger vises flere ganger i Hades -scenene. Innenfor denne generelle ordningen brukes spesifikke instrumenter eller kombinasjoner for å følge noen av hovedpersonene - Orfeus med harpe og orgel, hyrder etter cembalo og chitarrone, underverdenens guder med tromboner og kongelige. Alle disse musikalske skillene og karakteriseringene var i samsvar med de mangeårige tradisjonene i renessanseorkesteret, som det store L'Orfeo -ensemblet er typisk for.

Monteverdi instruerer spillerne sine generelt om å "[spille] verket så enkelt og riktig som mulig, og ikke med mange flotte passasjer eller løp". De som spiller dekorasjonsinstrumenter som strykere og fløyter rådes til å "spille edelt, med mye oppfinnelse og variasjon", men advares mot å overdrive det, der "ingenting blir hørt annet enn kaos og forvirring, støtende for lytteren". Siden alle instrumentene aldri spilles sammen, er antall spillere som trengs mindre enn antall instrumenter. Harnoncourt indikerer at på Monteverdi sin tid var antallet spillere og sangere sammen, og de små rommene der forestillinger ble holdt, ofte at publikummet knapt var flere enn utøverne.

Tre av de instrumenter som brukes i den opprinnelige utførelse av L'Orfeo har hatt nylige revivals: den cornetto (vanligvis forbundet med sackbuts), idet dobbel harpe  [ det ] (a multi-kurs harpe med kryss og b) og den regal (et organ med sivrør med brøklengde ). Instrumentalfarge ble mye brukt i spesifikke dramatiske situasjoner i løpet av 17c: spesielt var kongelig forbundet med Hades .

Roller

I sin personaggi oppført i partituret fra 1609 utelater Monteverdi La Messaggera (Budbringeren) på en uberegnelig måte, og indikerer at det siste koret av hyrder som fremfører moresca (maurisk dans) ved operaens slutt er en egen gruppe ( che fecero la moresca nel fine ). Lite informasjon er tilgjengelig om hvem som sang de forskjellige rollene i den første forestillingen. Et brev publisert på Mantua i 1612 opptegnelser om at den fremtredende tenoren og komponisten Francesco Rasi deltok, og det antas generelt at han sang tittelrollen. Rasi kunne synge i både tenor- og bassområdene "med utsøkt stil ... og ekstraordinær følelse". Engasjementet i premieren på en florentinsk castrato, Giovanni Gualberto Magli , bekreftes av korrespondanse mellom Gonzaga -prinsene. Magli sang prologen, Proserpina og muligens en annen rolle, enten La messaggera eller Speranza. Musikologen og historikeren Hans Redlich tildeler Magli feilaktig rollen som Orfeo.

En pekepinn om hvem som spilte Euridice, finnes i et brev fra 1608 til hertug Vincenzo. Det refererer til "den lille presten som utførte rollen som Euridice i den mest fredelige prinsens Orfeo ". Denne presten var muligens Padre Girolamo Bacchini , en kastrato kjent for å ha hatt forbindelser til Mantuan -domstolen på begynnelsen av 1600 -tallet. Monteverdi -lærde Tim Carter spekulerer i at to fremtredende Mantuan -tenorer, Pandolfo Grande og Francesco Campagnola kan ha sunget mindre roller i premieren.

Det er solodeler for fire hyrder og tre ånder. Carter beregner at gjennom doblingen av roller som teksten tillater, kreves totalt ti sangere - tre sopraner, to alter, tre tenorer og to basser - for en forestilling, mens solistene (unntatt Orfeo) også danner refrenget. Carters foreslåtte rolledobling inkluderer La musica med Euridice, Ninfa med Proserpina og La messaggera med Speranza.

Rolle	Stemmetype	Utseende	Merknader
La Musica (musikk)	mezzo-soprano castrato ( en travesti )	Prolog
Orfeo (Orpheus)	tenor eller høy baryton	Akt 1, 2, 3, 4, 5
Euridice (Eurydice)	mezzo-soprano castrato (en travesti)	Lov 1, 4
La messaggera (The Messenger)	mezzosopran castrato (en travesti)	Lov 2	Oppkalt i librettoen som "Silvia"
La Speranza (Hope)	mezzosopran castrato (en travesti)	Lov 3
Caronte (Charon)	bass	Lov 3
Proserpina (Proserpine)	mezzosopran castrato (en travesti)	Lov 4
Plutone (Pluto)	bass	Lov 4
Apollo	tenor	Lov 5
Ninfa (Nymfe)	mezzosopran castrato (en travesti)	Lov 1
Eco (ekko)	tenor	Lov 5
Ninfe e pastori (Nymfer og hyrder)	mezzosoprano castratos (en travesti), alto castratos (en travesti), tenorer, basser	Lov 1, 2, 5	Solister: alto castrato (en travesti), to tenorer
Spiriti infernali (Infernal spiritus)	tenorer, basser	Lov 3, 4	Solister: to tenorer, en bass

Sammendrag

Handlingen foregår på to kontrasterende steder: feltene Thrakia (akt 1, 2 og 5) og underverdenen (akt 3 og 4). En instrumental toccata (engelsk: "tucket", som betyr en blomstring på trompeter) går foran inngangen til La musica, som representerer "musikkens ånd", som synger en prolog med fem versestrofer. Etter en hjertelig velkomst til publikum kunngjør hun at hun gjennom søte lyder kan "roe hvert urolig hjerte". Hun synger en ytterligere karakter til musikkens kraft, før hun introduserer dramaets hovedperson, Orfeo, som "holdt villdyrene tryllebundet med sangen hans".

Lov 1

Etter La musicas siste forespørsel om stillhet, stiger gardinet opp på akt 1 for å avsløre en pastoral scene. Orfeo og Euridice går inn sammen med et kor av nymfer og hyrder, som opptrer på samme måte som et gresk kor , og kommenterer handlingen både som gruppe og som enkeltpersoner. En hyrde kunngjør at dette er parets bryllupsdag; refrenget reagerer, først i en staselig påkallelse ("Come, Hymen , O come") og deretter i en gledelig dans ("forlat fjellene, forlat fontene"). Orfeo og Euridice synger om kjærligheten til hverandre før de drar sammen med de fleste i gruppen til bryllupsseremonien i templet. De som står igjen på scenen synger et kort refreng, og kommenterer hvordan Orfeo pleide å være en "for hvem sukk var mat og gråt var drikke" før kjærligheten førte ham til en tilstand av sublim lykke.

Lov 2

Orfeo kommer tilbake med hovedkoret, og synger med dem av naturens skjønnhet. Orfeo tenker deretter på sin tidligere ulykke, men forkynner: "Etter sorg er man mer fornøyd, etter smerte er man lykkeligere". Tilfredshetstemningen avsluttes brått når La messaggera kommer inn, og bringer nyheten om at Euridice, mens han samler blomster, har fått en dødelig slangebitt. Refrenget uttrykker sin kvaler: "Ah, bitter hendelse, ah, ondskapsfull og grusom skjebne!", Mens Messaggera forkynner seg selv som bærende for dårlige nyheter ("For alltid vil jeg flykte, og i en ensom hule leve et liv i behold med min sorg "). Orfeo, etter å ha sluppet sin sorg og vantro ("Du er død, mitt liv og jeg puster?"), Erklærer han at han har til hensikt å gå ned i underverdenen og overtale dens hersker til å la Euridice komme tilbake til livet. Ellers sier han: "Jeg skal bli hos deg i dødens selskap". Han drar, og refrenget gjenopptar klagesangen.

Lov 3

Orfeo blir guidet av Speranza til portene til Hades. Etter å ha pekt på ordene som er skrevet på porten ("Forlat håpet, alle dere som kommer inn her"), forlater Speranza. Orfeo konfronteres nå med fergemannen Caronte , som henvender seg hardt til Orfeo og nekter å ta ham over elven Styx . Orfeo prøver å overtale Caronte ved å synge en smigrende sang for ham ("Mighty spirit and powerful divinity"), men fergemannen er urørt. Når Orfeo tar opp lyra og spiller, blir Caronte beroliget i søvn. Ved å gripe sjansen hans, stjeler Orfeo fergemannen sin båt og krysser elven, og kommer inn i underverdenen mens et ånderkor reflekterer at naturen ikke kan forsvare seg mot mennesket: "Han har temmet sjøen med skjørt treverk og foraktet vindens raseri."

Lov 4

I Underworld begjærer Proserpina , Queen of Hades, som har blitt dypt påvirket av Orfeos sang, kong Plutone , mannen hennes, for at Euridice skal løslates. Plutone er beveget av hennes bønn og er enig på den betingelsen at når han leder Euridice mot verden, må Orfeo ikke se tilbake. Hvis han gjør det, vil "et enkelt blikk dømme ham til evig tap". Orfeo kommer inn, leder Euridice og synger trygt at den dagen vil han hvile på konas hvite barm. Men mens han synger et notat av tvil, sniker det seg inn: "Hvem vil forsikre meg om at hun følger med?". Kanskje, tror han, Plutone, drevet av misunnelse, har pålagt tilstanden gjennom tross? Plutselig distrahert av et oppstyr utenfor scenen, ser Orfeo seg rundt; umiddelbart begynner bildet av Euridice å falme. Hun synger fortvilet: "Mister du meg gjennom for mye kjærlighet?" og forsvinner. Orfeo prøver å følge henne, men blir trukket bort av en usett kraft. Åndens kor synger at Orfeo, etter å ha overvunnet Hades, på sin side ble overvunnet av lidenskapene hans.

Lov 5

Tilbake i feltene i Thrakia, har Orfeo en lang ensomhet der han beklager tapet, roser Euridices skjønnhet og bestemmer seg for at hjertet hans aldri mer vil bli gjennomboret av Amors pil. Et ekko utenfor scenen gjentar de siste setningene. Plutselig, i en sky, stiger Apollo ned fra himmelen og tukter ham: "Hvorfor gir du deg selv som bytte for raseri og sorg?" Han inviterer Orfeo til å forlate verden og bli med ham i himmelen, hvor han vil gjenkjenne Euridices likhet i stjernene. Orfeo svarer at det ville være uverdig å ikke følge råd fra en så klok far, og sammen stiger de opp. Et gjeterkor konkluderer med at "den som sår i lidelse, skal høste frukt av enhver nåde", før operaen avsluttes med en kraftig moresca .

Original libretto -avslutning

I Striggios libretto fra 1607 blir Orfeos akt 5 ensomhet avbrutt, ikke av Apollos utseende, men av et kor av maenader eller Bacchantes - ville, berusede kvinner - som synger om den "guddommelige raseri" fra sin herre, guden Bacchus . Årsaken til deres vrede er Orfeo og hans forsakelse av kvinner; han vil ikke unnslippe deres himmelske sinne, og jo lenger han unngår dem, desto alvorligere blir skjebnen hans. Orfeo forlater scenen, og skjebnen hans er usikker, ettersom Bacchantes viet seg til resten av operaen til vill sang og dans til ros for Bacchus. Den tidlige musikkmyndigheten Claude Palisca mener at de to avslutningene ikke er inkompatible; Orfeo kan unndra seg Bacchantes raseri og bli reddet av Apollo. Imidlertid slutter dette alternativet i alle fall nærmere den originale klassiske myten, der Bacchantes også dukker opp, men det blir gjort eksplisitt at de torturerer ham til hans død, etterfulgt av gjenforening som en nyanse med Euridice, men ingen apoteose eller interaksjon med Apollo.

Mottak og forestillingshistorie

Premiere og tidlige forestillinger

Datoen for den første forestillingen av L'Orfeo , 24. februar 1607, fremgår av to brev, begge datert 23. februar. I den første informerer Francesco Gonzaga broren om at det "musikalske stykket" blir fremført i morgen; det er klart fra tidligere korrespondanse at dette refererer til L'Orfeo . Det andre brevet er fra en dommer i Gonzaga, Carlo Magno, og gir flere detaljer: "I morgen kveld skal den mest fredelige herren prinsen sponser et [skuespill] i et rom i leilighetene som den mest fredelige damen hadde bruk av. .. det burde være mest uvanlig, ettersom alle skuespillerne skal synge sine deler. " "Serene Lady" er hertug Vincenzos enke søster Margherita Gonzaga d'Este, som bodde i hertugpalasset . Rommet på premieren kan ikke identifiseres med sikkerhet; ifølge Ringer kan det ha vært Galleria dei Fiumi, som har dimensjonene for å romme en scene og et orkester med plass til et lite publikum.

Det er ingen detaljert redegjørelse for premieren, selv om Francesco skrev 1. mars at verket hadde "vært til stor tilfredshet for alle som hørte det", og hadde spesielt fornøyd hertugen. Mantuan domstolsteolog og poet, Cherubino Ferrari skrev at: "Både dikter og musiker har skildret hjertets tilbøyeligheter så dyktig at det ikke kunne ha blitt gjort bedre ... Musikken, med iakttagelse av behørig forsvarlighet, tjener poesien så godt at ingenting vakrere er å høre noe sted ". Etter premieren bestilte hertug Vincenzo en andre forestilling 1. mars; en tredje forestilling var planlagt å falle sammen med et foreslått statsbesøk i Mantua av hertugen av Savoy . Francesco skrev til hertugen av Toscana 8. mars og spurte om han kunne beholde tjenestene til castrato Magli litt lenger. Besøket ble imidlertid avlyst, det samme var den feirende forestillingen.

Det er forslag om at L'Orfeo i årene etter premieren kan ha blitt iscenesatt i Firenze, Cremona, Milano og Torino, selv om fastere bevis tyder på at verket vakte begrenset interesse utover domstolen i Mantuan. Francesco kan ha montert en produksjon i Casale Monferrato , hvor han var guvernør, for karnevalet 1609–1010, og det er indikasjoner på at verket ble fremført ved flere anledninger i Salzburg mellom 1614 og 1619, under ledelse av Francesco Rasi. År senere, under den første blomstringen av venetiansk opera i 1637–43, valgte Monteverdi å gjenopplive sin andre opera, L'Arianna der, men ikke L'Orfeo . Det er noen bevis på forestillinger kort tid etter Monteverdi's død: i Genève i 1643, og i Paris, ved Louvre , i 1647. Selv om arbeidet ifølge Carter fremdeles ble beundret over hele Italia på 1650 -tallet, ble det senere glemt, som stort sett var Monteverdi, frem til vekkelsen av interessen for verkene hans på slutten av 1800 -tallet.

Vekkelser fra 1900-tallet

Etter mange års forsømmelse begynte Monteverdis musikk å tiltrekke interesse for pionermusikkhistorikere på slutten av 1700- og begynnelsen av 1800 -tallet, og fra andre kvartal av 1800 -tallet og fremover diskuteres han stadig mer i vitenskapelige arbeider. I 1881 ble en avkortet versjon av L'Orfeo -poengsummen , beregnet på studier i stedet for ytelse, utgitt i Berlin av Robert Eitner . I 1904 produserte komponisten Vincent d'Indy en utgave på fransk, som bare omfattet akt 2, en forkortet akt 3 og akt 4. Denne utgaven var grunnlaget for den første offentlige fremførelsen av verket på to og et halvt århundre , en konsertforestilling på d'Indys Schola Cantorum 25. februar 1904. Den anerkjente forfatteren Romain Rolland , som var til stede, berømmet d'Indy for å ha brakt operaen tilbake og gitt den tilbake "til den skjønnheten den en gang hadde, og frigjorde den fra klønete restaureringer som har forvirret det " - antagelig en referanse til Eitners utgave. D'Indy -utgaven var også grunnlaget for den første moderne iscenesatte fremførelsen av verket, i Théâtre Réjane , Paris, 2. mai 1911.

En utgave av partituret av den mindre italienske komponisten Giacomo Orefice (Milano, 1909) mottok flere konsertopptredener i Italia og andre steder før og etter første verdenskrig. Denne utgaven var grunnlaget for operaens debut i USA, nok en konsertforestilling på New York Met i april 1912. Operaen ble introdusert for London, i d'Indys utgave, da den ble sunget til pianokompagnement ved Institut Français 8. Mars 1924. Den første britiske iscenesatte forestillingen, med bare små kutt, ble gitt av Oxford University Operatic Society 7. desember 1925, ved hjelp av en utgave forberedt til arrangementet av Jack Westrup . I London Saturday Review kalte musikkritiker Dyneley Hussey anledningen "en av de viktigste hendelsene de siste årene"; produksjonen hadde "med det samme indikert Monteverdi påstand om å rangere blant de store geniene som har skrevet dramatisk musikk". Westrups utgave ble gjenopplivet i London på Scala Theatre i desember 1929, samme år som operaen mottok sin første iscenesatte forestilling i USA, på Smith College , Northampton, Massachusetts. De tre Scala -forestillingene resulterte i en økonomisk katastrofe, og operaen ble ikke sett igjen i Storbritannia på 35 år.

Blant en vekkelse av vekkelser etter 1945 var Paul Hindemiths utgave, en fullstendig rekonstruksjon av verket forberedt i 1943, som ble iscenesatt og spilt inn på Wienfestivalen i 1954. Denne forestillingen hadde stor innvirkning på den unge Nikolaus Harnoncourt , og ble hyllet som et mesterverk av stipend og integritet. Den første iscenesatte New York -forestillingen, av New York City Opera under Leopold Stokowski 29. september 1960, så den amerikanske operadebuten til Gérard Souzay , en av flere barytoner som har sunget rollen som Orfeo. Teatret ble kritisert av New York Times -kritiker Harold C. Schonberg fordi, for å imøtekomme en forestilling av Luigi Dallapiccolas samtidige opera Il prigioniero , ble omtrent en tredjedel av L'Orfeo kuttet. Schonberg skrev: "Selv den største arien i operaen, 'Possente spirito', har en skråstrek i midten ... [ L'Orfeo ] er lang nok, og viktig nok, for ikke å snakke om vakker nok, til å ha vært hele kveldens opera. "

I siste del av 1900 -tallet ble operaen vist over hele verden. I 1965 iscenesatte Sadler's Wells , forløperen for English National Opera (ENO), den første av mange ENO -presentasjoner som ville fortsette inn i det 21. århundre. Blant forskjellige feiringer som markerte operaens 400-årsjubileum i 2007, var en semi-iscenesatt forestilling på Teatro Bibiena i Mantua , en produksjon i full skala av English Bach Festival (EBF) på Whitehall Banqueting House i London 7. februar og en ukonvensjonell produksjon av Glimmerglass Opera i Cooperstown, New York , dirigert av Antony Walker og regissert av Christopher Alden . Mai 2010 sendte BBC en forestilling av operaen fra La Scala , Milano. Til tross for motvilje fra noen store operahus til å sette opp L'Orfeo , er det et populært verk med de ledende barokkensemblene. I perioden 2008–10 presenterte den franskbaserte Les Arts Florissants , under regissøren William Christie , Monteverdi-operatrilogien ( L'Orfeo , Il ritorno d'Ulisse og L'incoronazione di Poppea ) i en serie forestillinger kl. den Teatro real i Madrid .

Musikk

L'Orfeo er, i Redlichs analyse, produktet av to musikalske epoker. Den kombinerer elementer fra den tradisjonelle madrigalstilen på 1500 -tallet med de fra den nye florentinske modusen, spesielt bruk av resitativ og monodisk sang som utviklet av Camerata og deres etterfølgere. I denne nye stilen dominerer teksten musikken; mens sinfonier og instrumental ritornelli illustrerer handlingen, trekkes publikums oppmerksomhet alltid først og fremst til ordene. Sangerne må gjøre mer enn å produsere hyggelige vokallyder; de må representere karakterene sine i dybden og formidle passende følelser.

Monterverdi sin resitative stil ble påvirket av Peris, i Euridice , selv om resitativ i L'Orfeo er mindre overveiende enn det som var vanlig i dramatisk musikk på dette tidspunktet. Den står for mindre enn en fjerdedel av første akts musikk, rundt en tredjedel av andre og tredje akt, og litt under halvparten i de to siste akter.

Betydningen av L'Orfeo er ikke at det var det første verket i sitt slag, men at det var det første forsøket på å bruke de fulle ressursene til musikkkunsten, slik den utviklet seg, på den begynnende operagenren. Spesielt gjorde Monteverdi dristige innovasjoner i bruken av polyfoni , som Palestrina hadde vært den viktigste eksponenten for. I L'Orfeo utvider Monteverdi reglene, utover konvensjonene som polyfoniske komponister, trofaste mot Palestrina, tidligere hadde sett på som hellig. Monteverdi var ikke i allment forstått forstand en orkestrator; Ringer finner ut at det er elementet i instrumental improvisasjon som gjør hver fremføring av en Monteverdi -opera til en "unik opplevelse, og skiller arbeidet hans fra den senere operakanon".

	"Toccata" fra L'Orfeo Liveopptak
Problemer med å spille denne filen? Se mediehjelp .

Operaen begynner med en krigslydende toccata for trompeter som gjentas to ganger. Når den spilles på periodeblåseinstrumenter kan lyden være oppsiktsvekkende for moderne publikum; Redlich kaller det "knusende". Slike oppblomstringer var standardsignalet for oppstart av forestillinger ved Mantuan -domstolen; åpningskoret til Monteverdi's 1610 Vespers , også komponert for Gonzagas hoff, bruker den samme fanfaren. Toccata fungerte som en honnør til hertugen; ifølge Donington, hvis det ikke hadde blitt skrevet, ville presedensen ha krevd at det ble improvisert. Etter hvert som messinglyden til toccata blekner, erstattes den av den mildere tonen i strengene ritornello som introduserer La musicas prolog. Ritornello gjentas i forkortet form mellom hvert av prologens fem vers, og fullt ut etter det siste verset. Dens funksjon i operaen som helhet er å representere "musikkens kraft"; som sådan høres den på slutten av akt 2, og igjen i begynnelsen av akt 5, et av de tidligste eksemplene på et operativt ledemotiv . Det er tidsmessig strukturert som et palindrom og formen for strofiske variasjoner gjør at Monteverdi nøye kan forme musikalsk tid for uttrykksfulle og strukturelle formål i sammenheng med seconda prattica .

Etter prologen følger handling 1 i form av en pastoral idyll. To refreng, ett høytidelig og et jovial gjentas i motsatt rekkefølge rundt den sentrale kjærlighetssangen "Rosa del ciel" ("Himmelenes rose"), etterfulgt av gjeternes lovsanger. Den livlige stemningen fortsetter til akt 2, med sang- og dansemusikk påvirket, ifølge Harnoncourt, av Monteverdis opplevelse av fransk musikk. Den plutselige inngangen til La messaggera med den triste nyheten om Euridices død, og forvirringen og sorgen som følger, gjenspeiles musikalsk av harde dissonanser og sammenstilling av nøkler. Musikken forblir i denne tråden til handlingen ender med La musicas ritornello, et hint om at "musikkens kraft" ennå kan føre til en triumf over døden. Monteverdis instruksjoner som handlingen konkluderer med er at fiolinene, orgelet og cembalo blir stille og at musikken blir tatt opp av trombonene, cornettene og kongelige , mens scenen endrer seg til underverdenen.

Midtpunktet i akt 3, kanskje i hele operaen, er Orfeos utvidede aria "Possente spirto e formidabil nume" ("Mektig ånd og mektig guddommelighet"), der han prøver å overtale Caronte til å la ham komme inn i Hades. Monteverdis vokalutsmykninger og virtuose akkompagnement gir det Carter beskriver som "en av de mest overbevisende visuelle og lydlige representasjonene" i tidlig opera. Instrumentell farge er levert av en chitarrone , et orgel, to fioliner, to cornetts og en dobbelharpe. Denne musikken, ifølge musikkhistoriker og analytiker John Whenham , er ment å antyde at Orfeo utnytter alle tilgjengelige krefter av musikk for å støtte hans bønn. I akt 4 blir den upersonlige kulden i underverdenen brutt av varmen fra Proserpinas sang på vegne av Orfeo, en varme som beholdes til det dramatiske øyeblikket der Orfeo "ser tilbake". De kalde lydene fra sinfonia fra begynnelsen av akt 3 minner oss deretter om at underverdenen tross alt er helt blottet for menneskelig følelse. Den korte siste akten, som ser Orfeos redning og metamorfose, er innrammet av det endelige utseendet på La musica's ritornello og den livlige morescaen som avslutter operaen. Denne dansen, sier Ringer, husker at jiggene danset på slutten av Shakespeares tragedier, og gir et middel til å bringe publikum tilbake til hverdagen, "akkurat som toccata hadde ledet dem inn i et annet rike to timer før. toccata og morescaen forener den rettferdige virkeligheten med en operativ illusjon. "

Opptakshistorikk

Den første innspillingen av L'Orfeo ble utgitt i 1939, en fritt tilpasset versjon av Monteverdis musikk av Giacomo Benvenuti , gitt av orkesteret i La Scala Milan dirigert av Ferrucio Calusio . I 1949, for innspillingen av den komplette operaen av Berlin Radio Orchestra dirigert av Helmut Koch , ble det nye mediet for langspillende plater (LPer) brukt. Fremkomsten av LP-innspillinger var, som Harold C. Schonberg senere skrev, en viktig faktor i etterkrigstidens vekkelse av interessen for renessanse og barokkmusikk, og fra midten av 1950-tallet har det blitt gitt ut innspillinger av L'Orfeo på mange etiketter. Innspillingen fra 1969 av Nikolaus Harnoncourt og Vienna Concentus Musicus, ved bruk av Harnoncourts utgave basert på periodeinstrumenter, ble rost for å "få Monteverdis musikk til å lyde noe som han forestilte seg". I 1981 spilte Siegfried Heinrich, med Early Music Studio fra Hessen Chamber Orchestra, inn en versjon som skapte den originale Striggio-librettoavslutningen, og la til musikk fra Monteverdis 1616-ballett Tirsi e Clori for Bacchante-scenene. Blant nyere innspillinger har Emmanuelle Haïm i 2004 blitt rost for sin dramatiske effekt.

Utgaver

Etter publiseringen av L'Orfeo -poengsummen i 1609, brakte samme forlegger ( Ricciardo Amadino fra Venezia) den ut igjen i 1615. Faksimiler av disse utgavene ble trykt i henholdsvis 1927 og 1972. Siden Eitners første "moderne" utgave av L'Orfeo i 1884, og d'Indys opptreden 20 år senere - som begge var forkortede og tilpassede versjoner av partituret fra 1609 - har det vært mange forsøk på å redigere og presentere verket, ikke alle utgitt. De fleste utgavene som fulgte d'Indy frem til tiden for andre verdenskrig var arrangementer, vanligvis sterkt avkortet, som ga grunnlag for forestillinger i det moderne operaformatet. Mange av disse var komponistenes arbeid, inkludert Carl Orff (1923 og 1939) og Ottorino Respighi i 1935. Orffs partitur fra 1923, ved bruk av en tysk tekst, inkluderte noen periodeinstrumenter, et eksperiment han forlot da han produserte sin senere versjon.

I etterkrigstiden har utgaver i stadig større grad beveget seg for å gjenspeile prestasjonskonvensjonene på Monteverdis tid. Denne tendensen ble initiert av to tidligere utgaver, den av Jack Westrup som ble brukt i Oxford -forestillingene i 1925, og Gian Francesco Malipieros komplette utgave fra 1930 som holder seg tett til Monteverdis original fra 1609. Etter krigen ble Hindemiths forsøk på gjenoppbygging av verket fulgt i 1955 av en utgave fra August Wenzinger som forble i bruk i mange år. De neste 30 årene hadde mange utgaver, for det meste utarbeidet av forskere i stedet for komponister, generelt med sikte på autentisitet, om ikke alltid fullstendig gjenoppretting av den originale instrumenteringen. Disse inkluderte versjoner av Raymond Leppard (1965), Denis Stevens (1967), Nikolaus Harnoncourt (1969), Jane Glover (1975), Roger Norrington (1976) og John Eliot Gardiner . Bare komponistene Valentino Bucchi (1967), Bruno Maderna (1967) og Luciano Berio (1984) produserte utgaver basert på konvensjonen til et stort moderne orkester. I det 21. århundre fortsetter det å produsere utgaver, ofte til bruk i forbindelse med en bestemt forestilling eller innspilling.

Notater og referanser

Merknader

Referanser

Kilder

• Beat, Janet E. (1968). " " Monteverdi og operaens orkester i sin tid " ". I Arnold, Denis; Fortune, Nigel (red.). Monteverdi -følgesvennen . London: Faber og Faber.
• Carter, Tim (2002). Monteverdi's Musical Theatre . New Haven, Connecticut: Yale University Press. ISBN 0-300-09676-3.
• Donington, Robert (1968)."Monteverdi's First Opera" i Arnold, Denis og Fortune, Nigel (red.): The Monteverdi Companion . London: Faber og Faber.
• Fenlon, Ian (1986a)."The Mantuan Orfeo" i Whenham, John (red.): Claudio Monteverdi: Orfeo . Cambridge, England: Cambridge University Press. ISBN 0-521-24148-0.
• Fenlon, Ian (1986b). "Korrespondanse knyttet til de tidlige Mantuan -forestillingene" i Whenham, John (red.): Claudio Monteverdi: Orfeo . Cambridge, England: Cambridge University Press. ISBN 0-521-24148-0.
• Fortune, Nigel (1986). " " Gjenoppdagelsen av Orfeo " ". I Whenham, John (red.). Claudio Monteverdi: Orfeo . Cambridge, England: Cambridge University Press. ISBN 0-521-24148-0.
• Formue, Nigel; Whenham, John (1986). " " Moderne utgaver og forestillinger " ". I Whenham, John (red.). Claudio Monteverdi: Orfeo . Cambridge, England: Cambridge University Press. ISBN 0-521-24148-0.
• Glover, Jane (1986)."Løse det musikalske problemet" i Whenham, John (red.): Claudio Monteverdi: Orfeo . Cambridge, England: Cambridge University Press. ISBN 0-521-24148-0.
• Grout, Donald Jay (1971). En kort operahistorie . New York: Columbia University Press. ISBN 0-231-08978-3.
• Harnoncourt, Nikolaus (1969). "Claudio Monteverdi's L'Orfeo: An Introduction" (i notater som følger med TELDEC -opptak 8.35020 ZA). Hamburg: Teldec Schallplatten GmbH.
• Palisca, Claude V. (1981). Barokkmusikk . Englewood Cliffs, New Jersey: Prentice-Hall. ISBN 0-13-055947-4.
• Pirrotta, Nino (1984). Musikk og kultur i Italia fra middelalderen til barokken . Cambridge, Massachusetts: Harvard University Press. ISBN 0-674-59108-9.
• Redlich, Hans (1952). Claudio Monteverdi: Liv og verk . London: Oxford University Press.
• Ringer, Mark (2006). Operas første mester: De musikalske dramaene til Claudio Monteverdi . Newark, New Jersey: Amadeus Press. ISBN 1-57467-110-3.
• Robinson, Michael F. (1972). Opera før Mozart . London: Hutchinson & Co. ISBN 0-09-080421-X.
• Rolland, Romain (1986)."En anmeldelse av Vincent d'Indys forestilling (Paris 1904)" i Whenham, John (red.): Claudio Monteverdi: Orfeo . Perkins, Wendy (tr.). Cambridge, England: Cambridge University Press. ISBN 0-521-24148-0.
• Sternfeld, FW (1986). "Orfeus -myten og librettoen til Orfeo". I Whenham, John (red.). Claudio Monteverdi: Orfeo . Cambridge, England: Cambridge University Press. ISBN 0-521-24148-0.
• Whenham, John (1986)."Fem akter, en handling" i Claudio Monteverdi: Orfeo . London: Cambridge University Press. ISBN 0-521-24148-0.

Videre lesning

• Fabbri, Paolo (1994). Monteverdi . Cambridge, Storbritannia: Cambridge University Press. ISBN 0-521-35133-2.
• Golomb, Uri (april 2007). "Ars Polemica: Monteverdis Orfeo som kunstnerisk trosbekjennelse" . Goldberg: Early Music Magazine (45): 44–57.
• Newby, Elizabeth (1987). Et portrett av kunstneren: The Legends of Orpheus og deres bruk i middelalder- og renessansestetikk . New York: Garland. ISBN 978-0-8240-8431-8.
• Neef, Sigrid , red. (2000). Opera: Komponister, verk, utøvere (engelsk red.). Köln: Könemann. ISBN 3-8290-3571-3.
• Sadie, Stanley , red. (2004). The Illustrated Encyclopedia of Opera . London: Flame Tree Publishing. ISBN 1-84451-026-3.

Eksterne linker

• L'Orfeo : Poeng på International Music Score Library Project
• L'Orfeo libretto på italiensk med engelsk oversettelse
• L'Orfeo libretto i tysk oversettelse