Modernisme - Modernism

Pablo Picasso , Les Demoiselles d'Avignon (1907). Dette proto-kubistiske verket regnes som en avgjørende innflytelse på påfølgende trender i modernistisk maleri.

Modernismen er både en filosofisk bevegelse og en kunstbevegelse som oppsto fra brede transformasjoner i det vestlige samfunnet på slutten av 1800- og begynnelsen av 1900-tallet. Bevegelsen reflekterte et ønske om å skape nye former for kunst, filosofi og sosial organisering som reflekterte den nye industrielle verdenen , inkludert funksjoner som urbanisering , nye teknologier og krig. Kunstnere forsøkte å avvike fra tradisjonelle former for kunst, som de anså som utdaterte eller foreldet. Poeten Ezra Pounds påbud fra 1934 til "Make it New" var prøvesteinen i bevegelsens tilnærming.

Modernistiske innovasjoner inkluderte abstrakt kunst , stream-of-consciousness- romanen, montasjekino , atonal og tolvtonemusikk og divisjonistisk maleri. Modernismen avviste eksplisitt realismens ideologi og benyttet seg av fortidens verk ved bruk av reprise , inkorporering , omskriving, rekapitulering , revisjon og parodi . Modernismen avviste også vissheten om opplysningstenkning , og mange modernister avviste også religiøs tro. Et bemerkelsesverdig kjennetegn ved modernismen er selvbevissthet om kunstneriske og sosiale tradisjoner, som ofte førte til eksperimentering med form, sammen med bruk av teknikker som trakk oppmerksomheten til prosessene og materialene som ble brukt til å lage kunstverk.

Mens noen forskere ser at modernismen fortsetter inn i det 21. århundre, ser andre at den utvikler seg til senmodernisme eller høymodernisme . Postmodernismen er et avvik fra modernismen og avviser dens grunnleggende antakelser.

Definisjon

Noen kommentatorer definerer modernisme som en måte å tenke på - en eller flere filosofisk definerte egenskaper, som selvbevissthet eller selvreferanse, som går på tvers av alle nyhetene innen kunst og disipliner. Mer vanlig, spesielt i Vesten, er de som ser det som en sosialt progressiv tanketrend som bekrefter menneskets kraft til å skape, forbedre og omforme miljøet sitt ved hjelp av praktisk eksperimentering, vitenskapelig kunnskap eller teknologi. Fra dette perspektivet oppmuntret modernismen til å revurdere alle aspekter av tilværelsen, fra handel til filosofi, med målet om å finne det som "holde tilbake" fremgang , og erstatte det med nye måter å nå samme mål.

I følge Roger Griffin kan modernisme defineres som et bredt kulturelt, sosialt eller politisk initiativ, opprettholdt av etosen om "det nyes temporalitet". Modernismen søkte å gjenopprette, skriver Griffin, en "følelse av sublim orden og formål for den moderne verden, og dermed motvirke den (oppfattede) erosjonen av en overordnet ' nomos ', eller 'hellig baldakin', under modernitetens fragmenterende og sekulariserende virkning. " Derfor er fenomener som tilsynelatende ikke er relatert til hverandre som " ekspresjonisme , futurisme , vitalisme , teosofi , psykoanalyse , nudisme, eugenikk , utopisk byplanlegging og arkitektur, moderne dans , bolsjevisme , organisk nasjonalisme - og til og med kulten av selvoppofrelse som opprettholdt selvoppofrelsen. Hecatomb fra første verdenskrig - avslør en vanlig årsak og psykologisk matrise i kampen mot (oppfattet) dekadanse." Alle av dem legemliggjør bud om å få tilgang til en "overpersonlig opplevelse av virkeligheten", der individer trodde de kunne overskride sin egen dødelighet, og til slutt at de hadde sluttet å være ofre for historien for i stedet å bli dens skapere.

Tidlig historie

Opprinnelse

I følge en kritiker utviklet modernismen seg ut av romantikkens opprør mot virkningene av den industrielle revolusjonen og borgerlige verdier: "Modernismens grunnmotiv, hevder Graff , var kritikk av det nittende århundres borgerlige samfunnsorden og dens verdenssyn [. ..] modernistene, som bærer romantikkens fakkel." Mens JMW Turner (1775–1851), en av de største landskapsmalerne på 1800-tallet, var medlem av den romantiske bevegelsen , som "en pioner innen studiet av lys, farger og atmosfære", "forutså han de franske impresjonistene "og derfor modernisme "ved å bryte ned konvensjonelle formler for representasjon; [selv om] i motsetning til dem, mente han at verkene hans alltid skulle uttrykke betydelige historiske, mytologiske, litterære eller andre narrative temaer."

Et realistisk portrett av Otto von Bismarck . Modernistene avviste realismen.

De dominerende trendene i det industrielle viktorianske England ble motarbeidet, fra omkring 1850, av de engelske poetene og malerne som utgjorde det prerafaelittiske brorskapet , på grunn av deres "motstand mot tekniske ferdigheter uten inspirasjon." De ble påvirket av skriftene til kunstkritikeren John Ruskin (1819–1900), som hadde sterke følelser for kunstens rolle i å bidra til å forbedre livene til de urbane arbeiderklassene, i de raskt voksende industribyene i Storbritannia. Kunstkritiker Clement Greenberg beskriver det prerafaelittiske brorskapet som proto-modernister: "Der var protomodernistene, av alle mennesker, prerafaelittene (og til og med før dem, som proto-proto-modernister, de tyske nasareerne ). Pre-rafaelittene varslet faktisk Manet (1832–1883), som det modernistiske maleriet definitivt begynner med. De handlet på en misnøye med maleriet slik det ble praktisert i sin tid, og mente at dets realisme ikke var sannferdig nok." Rasjonalismen har også hatt motstandere hos filosofene Søren Kierkegaard (1813–55) og senere Friedrich Nietzsche (1844–1900), som begge hadde betydelig innflytelse på eksistensialisme og nihilisme .

Imidlertid fortsatte den industrielle revolusjonen. Innflytelsesrike innovasjoner inkluderte dampdrevet industrialisering, og spesielt utviklingen av jernbaner, som startet i Storbritannia på 1830-tallet, og de påfølgende fremskrittene innen fysikk, ingeniørvitenskap og arkitektur knyttet til dette. En stor ingeniørbragd fra 1800-tallet var The Crystal Palace , den enorme utstillingshallen i støpejern og plateglass bygget for den store utstillingen i 1851 i London. Glass og jern ble brukt i en lignende monumental stil i byggingen av store jernbaneterminaler i London , som Paddington Station (1854) og King's Cross stasjon (1852). Disse teknologiske fremskrittene førte til byggingen av senere strukturer som Brooklyn Bridge (1883) og Eiffeltårnet (1889). Sistnevnte brøt alle tidligere begrensninger på hvor høye menneskeskapte gjenstander kunne være. Disse tekniske vidunderne endret radikalt bymiljøet fra 1800-tallet og folks daglige liv. Den menneskelige opplevelsen av selve tiden ble endret, med utviklingen av den elektriske telegrafen fra 1837, og vedtakelsen av standardtid av britiske jernbaneselskaper fra 1845, og i resten av verden i løpet av de neste femti årene.

Til tross for vedvarende teknologiske fremskritt, ble ideen om at historie og sivilisasjon iboende var progressiv, og at fremskritt alltid var god, under økende angrep på det nittende århundre. Det oppsto argumenter om at verdiene til kunstneren og samfunnets verdier ikke bare var forskjellige, men at samfunnet var i motsetning til fremskritt og ikke kunne gå videre i sin nåværende form. Tidlig på århundret hadde filosofen Schopenhauer (1788–1860) ( The World as Will and Representation , 1819) stilt spørsmål ved den tidligere optimismen, og ideene hans hadde en viktig innflytelse på senere tenkere, inkludert Nietzsche. To av de mest betydningsfulle tenkerne på midten av det nittende århundre var biolog Charles Darwin (1809–1882), forfatter av On the Origin of Species by Means of Natural Selection (1859), og statsviter Karl Marx (1818–1883), forfatter av Das Kapital (1867). Darwins teori om evolusjon ved naturlig utvalg undergravet religiøs sikkerhet og ideen om menneskelig unikhet. Spesielt forestillingen om at mennesker ble drevet av de samme impulsene som «lavere dyr» viste seg å være vanskelig å forene med ideen om en foredlende spiritualitet. Karl Marx hevdet at det var grunnleggende motsetninger innenfor det kapitalistiske systemet, og at arbeiderne var alt annet enn frie.

Odilon Redon , Guardian Spirit of the Waters , 1878, kull på papir, Art Institute of Chicago

Begynnelsen på slutten av det nittende århundre

Historikere, og forfattere innen forskjellige disipliner, har foreslått ulike datoer som utgangspunkt for modernismen. Historiker William Everdell har for eksempel hevdet at modernismen begynte på 1870-tallet, da metaforisk (eller ontologisk ) kontinuitet begynte å gi etter for det diskrete med matematikeren Richard Dedekinds (1831–1916) Dedekind-kutt og Ludwig Boltzmanns (1844 ) –1906) statistisk termodynamikk . Everdell tror også at modernismen i maleriet begynte i 1885–1886 med Seurats divisjonisme , " prikkene" som ble brukt til å male A Sunday Afternoon på øya La Grande Jatte . På den annen side kalte billedkunstkritiker Clement Greenberg Immanuel Kant (1724–1804) "den første virkelige modernisten", selv om han også skrev: "Det som trygt kan kalles modernisme dukket opp i midten av forrige århundre - og ganske lokalt, i Frankrike, med Baudelaire i litteratur og Manet i maleri, og kanskje med Flaubert også i prosafiksjon. (Det var en stund senere, og ikke så lokalt, at modernismen dukket opp i musikk og arkitektur )." Poeten Baudelaires Les Fleurs du mal ( Ondskapens blomster ), og Flauberts roman Madame Bovary ble begge utgitt i 1857.

I kunst og bokstaver utviklet to viktige tilnærminger seg separat i Frankrike, fra 1860-tallet. Den første var impresjonisme , en malerskole som i utgangspunktet fokuserte på arbeid utført, ikke i studioer, men utendørs ( en plein air ). Impresjonistiske malerier demonstrerte at mennesker ikke ser objekter, men i stedet ser lyset selv. Skolen samlet tilhengere til tross for interne splittelser blant sine ledende utøvere, og ble stadig mer innflytelsesrik. Opprinnelig avvist fra datidens viktigste kommersielle show, den regjeringssponsede Paris Salon , organiserte impresjonistene årlige gruppeutstillinger på kommersielle arenaer i løpet av 1870- og 1880-årene, og timet dem til å falle sammen med den offisielle salongen. En betydelig begivenhet i 1863 var Salon des Refusés , opprettet av keiser Napoleon III for å vise alle maleriene som ble avvist av Paris-salongen. Mens de fleste var i standard stiler, men av mindreverdige kunstnere, vakte arbeidet til Manet enorm oppmerksomhet, og åpnet kommersielle dører til bevegelsen. Den andre franske skolen var Symbolism , som litteraturhistorikere ser begynnende med Charles Baudelaire (1821–1867), og inkludert de senere poetene, Arthur Rimbaud (1854–1891) Une Saison en Enfer ( A Season in Hell , 1873), Paul Verlaine ( 1844–1896), Stéphane Mallarmé (1842–1898) og Paul Valéry (1871–1945). Symbolistene "understreket prioriteringen av forslag og fremkalling fremfor direkte beskrivelse og eksplisitt analogi," og var spesielt interessert i "språkets musikalske egenskaper."

Cabaret , som fødte så mange av modernismens kunster, inkludert filmens umiddelbare forløpere, kan sies å ha startet i Frankrike i 1881 med åpningen av den svarte katten i Montmartre , begynnelsen på den ironiske monologen, og grunnleggelsen av Society of Incoherent Arts.

Henri Matisse , Le bonheur de vivre , 1905–06, Barnes Foundation , Merion, PA . Et tidlig fauvistisk mesterverk.

Innflytelsesrike i modernismens tidlige dager var teoriene til Sigmund Freud (1856–1939). Freuds første store verk var Studies on Hysteria (med Josef Breuer , 1895). Sentralt i Freuds tenkning er ideen «om det ubevisste sinnets forrang i mentallivet», slik at all subjektiv virkelighet var basert på leken mellom grunnleggende drifter og instinkter, som omverdenen ble oppfattet gjennom. Freuds beskrivelse av subjektive tilstander involverte et ubevisst sinn fullt av primale impulser, og motvekt selvpålagte restriksjoner avledet fra sosiale verdier.

Henri Matisse , Dansen , 1910, Eremitasjemuseet , St. Petersburg , Russland. På begynnelsen av 1900-tallet revolusjonerte Henri Matisse og flere andre unge kunstnere, inkludert pre-kubisten Georges Braque , André Derain , Raoul Dufy og Maurice de Vlaminck kunstverdenen i Paris med "ville", flerfargede, uttrykksfulle landskap og figurmalerier som kritikerne kalte Fauvisme . Henri Matisses andre versjon av Dansen betegner et nøkkelpunkt i hans karriere og i utviklingen av moderne maleri.

Friedrich Nietzsche (1844–1900) var en annen viktig forløper for modernismen, med en filosofi der psykologiske drifter, spesielt " viljen til makt " ( Wille zur Macht ), var av sentral betydning: "Nietzsche identifiserte ofte selve livet med "vilje til å kraft', det vil si med et instinkt for vekst og holdbarhet." Henri Bergson (1859–1941) på sin side la vekt på forskjellen mellom vitenskapelig klokketid og den direkte, subjektive, menneskelige opplevelsen av tid. Hans arbeid med tid og bevissthet "hadde en stor innflytelse på det tjuende århundres romanforfattere," spesielt de modernistene som brukte strømmen av bevissthetsteknikk , som Dorothy Richardson , James Joyce og Virginia Woolf (1882–1941). Også viktig i Bergsons filosofi var ideen om élan vital , livskraften, som "bringer til den kreative utviklingen av alt." Hans filosofi satte også en høy verdi på intuisjon , men uten å avvise viktigheten av intellektet.

Viktige litterære forløpere for modernismen var Fjodor Dostojevskij (1821–1881), som skrev romanene Forbrytelse og straff (1866) og Brødrene Karamazov (1880); Walt Whitman (1819–1892), som ga ut diktsamlingen Leaves of Grass (1855–1891); og August Strindberg (1849–1912), spesielt hans senere skuespill, inkludert trilogien To Damaskus 1898–1901, A Dream Play (1902) og The Ghost Sonata (1907). Henry James har også blitt foreslått som en betydelig forløper, i et verk så tidlig som The Portrait of a Lady (1881).

Ut av kollisjonen av idealer hentet fra romantikken, og et forsøk på å finne en måte for kunnskap å forklare det som ennå var ukjent, kom den første bølgen av verk i det første tiåret av det 20. århundre, som, mens forfatterne deres vurderte dem utvidelser av eksisterende trender innen kunst, brøt den implisitte kontrakten med allmennheten om at kunstnere var fortolkere og representanter for borgerlig kultur og ideer. Disse "moderne " landemerkene inkluderer den atonale avslutningen av Arnold Schoenbergs andre strykekvartett i 1908, de ekspresjonistiske maleriene til Wassily Kandinsky som startet i 1903, og kulminerte med hans første abstrakte maleri og grunnleggelsen av Blue Rider -gruppen i München i 1911, og fremveksten av fauvisme og oppfinnelsene av kubismen fra studioene til Henri Matisse , Pablo Picasso , Georges Braque og andre, i årene mellom 1900 og 1910.

Hovedperiode

Frank Lloyd Wright , Fallingwater , Mill Run , Pennsylvania (1937). Fallingwater var en av Wrights mest kjente private boliger (ferdigstilt 1937).

Tidlig på 1900-tallet til 1930

Palais Stoclet (1905-1911) av den modernistiske arkitekten Josef Hoffmann
Pablo Picasso, Portrett av Daniel-Henry Kahnweiler , 1910, Art Institute of Chicago

Et viktig aspekt ved modernismen er hvordan den forholder seg til tradisjon gjennom å ta i bruk teknikker som reprise, inkorporering, omskriving, rekapitulering, revisjon og parodi i nye former.

Piet Mondrian , Utsikt fra sanddynene med strand og brygger, Domburg, 1909, olje og blyant på papp, Museum of Modern Art, New York City
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía ( MNCARS) er Spanias nasjonale museum for kunst fra det 20. århundre, som ligger i Madrid . Bildet viser den gamle bygningen med tillegg av et av de moderne glasstårnene til eksteriøret av Ian Ritchie Architects med nærbildet av det moderne kunsttårnet.

TS Eliot kom med betydelige kommentarer om kunstnerens forhold til tradisjon, inkludert: "[Vi skal ofte finne at ikke bare de beste, men de mest individuelle delene av [en dikters] verk, kan være de der de døde dikterne , hans forfedre, hevder deres udødelighet på det sterkeste." Imidlertid var forholdet mellom modernisme og tradisjon komplekst, som litteraturviter Peter Childs indikerer: "Det var paradoksale om ikke motstridende trender mot revolusjonære og reaksjonære posisjoner, frykt for det nye og glede over forsvinningen av det gamle, nihilisme og fanatisk entusiasme, kreativitet og fortvilelse."

Et eksempel på hvordan modernistisk kunst kan være både revolusjonerende og likevel relateres til tidligere tradisjoner, er musikken til komponisten Arnold Schoenberg . På den ene siden avviste Schoenberg tradisjonell tonal harmoni , det hierarkiske systemet for organisering av musikk som hadde ledet musikkskaping i minst halvannet århundre. Han mente han hadde oppdaget en helt ny måte å organisere lyd på, basert på bruken av tolvnoterader . Selv om dette faktisk var helt nytt, kan dets opprinnelse spores tilbake i arbeidet til tidligere komponister, som Franz Liszt , Richard Wagner , Gustav Mahler , Richard Strauss og Max Reger . Schoenberg skrev også tonal musikk gjennom hele karrieren.

I kunstens verden, i det første tiåret av 1900-tallet, forårsaket unge malere som Pablo Picasso og Henri Matisse et sjokk med sin avvisning av tradisjonelt perspektiv som middel til å strukturere malerier, selv om impresjonisten Monet allerede hadde vært nyskapende i hans bruk av perspektiv. I 1907, mens Picasso malte Les Demoiselles d'Avignon , skrev Oskar Kokoschka Mörder, Hoffnung der Frauen ( Murderer, Hope of Women ), det første ekspresjonistiske skuespillet (produsert med skandale i 1909), og Arnold Schoenberg komponerte sin strykekvartett Nr.2 i fiss-moll (1908), hans første komposisjon uten tonesentrum.

En primær innflytelse som førte til kubisme var representasjonen av tredimensjonal form i de sene verkene til Paul Cézanne , som ble vist i et retrospektiv på Salon d'Automne i 1907 . I kubistisk kunstverk blir objekter analysert, brutt opp og satt sammen igjen i en abstrahert form; i stedet for å skildre objekter fra ett synspunkt, skildrer kunstneren motivet fra en mengde synspunkter for å representere motivet i en større sammenheng. Kubismen ble gjort oppmerksom på allmennheten for første gang i 1911 på Salon des Indépendants i Paris (avholdt 21. april – 13. juni). Jean Metzinger , Albert Gleizes , Henri Le Fauconnier , Robert Delaunay , Fernand Léger og Roger de La Fresnaye ble vist sammen i rom 41, noe som provoserte en "skandale" som kubismen dukket opp og spredte seg over hele Paris og utover. Også i 1911 malte Kandinsky Bild mit Kreis ( Picture with a Circle ), som han senere kalte det første abstrakte maleriet. I 1912 skrev Metzinger og Gleizes det første (og eneste) store kubistiske manifestet, Du "Cubisme" , publisert i tide for Salon de la Section d'Or , den største kubistiske utstillingen til dags dato. I 1912 malte og stilte Metzinger ut sine fortryllende La Femme au Cheval (Kvinne med en hest) og Danseuse au Café ( Danser på en kafé ) . Albert Gleizes malte og stilte ut sine Les Baigneuses (Baderne) og hans monumentale Le Dépiquage des Moissons ( Høstetresking ) . Dette verket, sammen med La Ville de Paris ( City of Paris ) av Robert Delaunay , var det største og mest ambisiøse kubistiske maleriet som ble utført under den kubistiske perioden før krigen.

I 1905 dannet en gruppe på fire tyske kunstnere, ledet av Ernst Ludwig Kirchner , Die Brücke (broen) i byen Dresden . Dette var uten tvil den grunnleggende organisasjonen for den tyske ekspresjonistiske bevegelsen, selv om de ikke brukte selve ordet. Noen år senere, i 1911, dannet en likesinnet gruppe unge kunstnere Der Blaue Reiter (Den blå rytteren) i München. Navnet kom fra Wassily Kandinskys Der Blaue Reiter - maleri fra 1903. Blant medlemmene deres var Kandinsky, Franz Marc , Paul Klee og August Macke . Begrepet "ekspresjonisme" etablerte seg imidlertid ikke før i 1913. Selv om det i utgangspunktet hovedsakelig var en tysk kunstnerisk bevegelse, mest dominerende innen maleri, poesi og teater mellom 1910 og 1930, var de fleste forløperne til bevegelsen ikke tyske. Videre har det vært ekspresjonistiske forfattere av prosafiksjon, så vel som ikke-tysktalende ekspresjonistiske forfattere, og mens bevegelsen hadde falt i Tyskland med fremveksten av Adolf Hitler på 1930-tallet, var det påfølgende ekspresjonistiske verk.

Portrett av Eduard Kosmack (1910) av Egon Schiele
Le Corbusier , The Villa Savoye in Poissy (1928–1931)

Ekspresjonisme er notorisk vanskelig å definere, delvis fordi den "overlappet med andre store 'ismer' i den modernistiske perioden: med futurisme , vortisisme , kubisme , surrealisme og dada ." Richard Murphy kommenterer også: "søken etter en altomfattende definisjon er problematisk i den grad at de mest utfordrende ekspresjonistene" som romanforfatteren Franz Kafka , poeten Gottfried Benn og romanforfatteren Alfred Döblin samtidig var de mest høyrøstede antiekspresjonistene. Det som imidlertid kan sies, er at det var en bevegelse som utviklet seg på begynnelsen av 1900-tallet hovedsakelig i Tyskland som reaksjon på den dehumaniserende effekten av industrialisering og veksten av byer, og at "en av de sentrale virkemidlene som ekspresjonismen identifiserer seg selv som en avantgardebevegelse , og ved hvilken den markerer sin avstand til tradisjoner og kulturinstitusjonen som helhet er gjennom sitt forhold til realisme og de dominerende representasjonskonvensjonene." Mer eksplisitt: at ekspresjonistene avviste realismens ideologi. Det var en konsentrert ekspresjonistisk bevegelse i det tyske teateret tidlig på 1900-tallet, hvorav Georg Kaiser og Ernst Toller var de mest kjente dramatikerne. Andre bemerkelsesverdige ekspresjonistiske dramatikere inkluderte Reinhard Sorge , Walter Hasenclever , Hans Henny Jahnn og Arnolt Bronnen . De så tilbake til den svenske dramatikeren August Strindberg og den tyske skuespilleren og dramatikeren Frank Wedekind som forløpere for deres dramaturgiske eksperimenter. Oskar Kokoschkas Murderer , the Hope of Women var det første fullstendig ekspresjonistiske verket for teatret, som åpnet 4. juli 1909 i Wien . Den ekstreme forenklingen av karakterer til mytiske typer , koreffekter, deklamatorisk dialog og økt intensitet ville bli karakteristisk for senere ekspresjonistiske skuespill. Det første ekspresjonistiske skuespillet i full lengde var The Son av Walter Hasenclever, som ble utgitt i 1914 og først fremført i 1916.

Futurisme er nok en modernistisk bevegelse. I 1909 publiserte den parisiske avisen Le Figaro FT Marinettis første manifest. Like etterpå undertegnet en gruppe malere ( Giacomo Balla , Umberto Boccioni , Carlo Carrà , Luigi Russolo og Gino Severini ) Futurist Manifesto . Modellert på Marx og Engels 'berømte " kommunistiske manifest " (1848), presenterte slike manifester ideer som var ment å provosere og samle tilhengere. Imidlertid var argumenter for geometrisk eller rent abstrakt maleri på dette tidspunktet stort sett begrenset til "små magasiner" som bare hadde små opplag. Modernistisk primitivisme og pessimisme var kontroversielle, og mainstream i det første tiåret av 1900-tallet var fortsatt tilbøyelig til fremskrittstro og liberal optimisme.

Jean Metzinger , 1913, En Canot (Im Boot) , olje på lerret, 146 x 114 cm (57,5 in × 44,9 in), utstilt på Moderni Umeni, SVU Mánes , Praha, 1914, anskaffet i 1916 av Georg Muche på Galerie Der Sturm , konfiskert av nazistene rundt 1936–1937, vist på utstillingen Degenerate Art i München, og savnet siden den gang.

Abstrakte kunstnere, som tok impresjonistene som eksempler , så vel som Paul Cézanne (1839–1906) og Edvard Munch (1863–1944), begynte med antagelsen om at farge og form , ikke skildringen av den naturlige verden, utgjorde de vesentlige egenskapene av kunst. Vestlig kunst hadde fra renessansen til midten av 1800-tallet vært underbygget av perspektivets logikk og et forsøk på å reprodusere en illusjon av synlig virkelighet. Kunsten fra andre kulturer enn den europeiske var blitt tilgjengelig og viste alternative måter å beskrive visuell opplevelse for kunstneren på. På slutten av 1800-tallet følte mange kunstnere et behov for å skape en ny type kunst som ville omfatte de grunnleggende endringene som finner sted innen teknologi, vitenskap og filosofi. Kildene som individuelle kunstnere hentet sine teoretiske argumenter fra var mangfoldige, og reflekterte de sosiale og intellektuelle opptatthetene i alle områder av vestlig kultur på den tiden. Wassily Kandinsky , Piet Mondrian og Kazimir Malevich trodde alle på å redefinere kunst som arrangementet av rene farger. Bruken av fotografi, som hadde gjort mye av representasjonsfunksjonen til billedkunst foreldet, påvirket sterkt dette aspektet av modernismen.

Modernistiske arkitekter og designere, som Frank Lloyd Wright og Le Corbusier , mente at ny teknologi gjorde gamle bygningsstiler foreldet. Le Corbusier mente at bygninger skulle fungere som "maskiner for å leve i", analogt med biler, som han så på som maskiner for å reise i. Akkurat som biler hadde erstattet hesten, burde modernistisk design avvise de gamle stilene og strukturene som ble arvet fra antikkens Hellas eller fra middelalderen . Etter denne maskinestetikken avviste modernistiske designere typisk dekorative motiver i design, og foretrakk å fremheve materialene som ble brukt og rene geometriske former. Skyskraperen er den arketypiske modernistiske bygningen, og Wainwright Building, en 10-etasjers kontorbygning bygget 1890–91, i St. Louis, Missouri , USA, er blant de første skyskraperne i verden. Ludwig Mies van der Rohes Seagram Building i New York (1956–1958) blir ofte sett på som toppen av denne modernistiske høyhusarkitekturen. Mange aspekter ved modernistisk design vedvarer fortsatt innenfor hovedstrømmen av samtidsarkitektur , selv om tidligere dogmatisme har gitt plass til en mer leken bruk av dekorasjon, historisk sitat og romlig drama.

André Masson , Pidestal Table in the Studio 1922, tidlig eksempel på surrealisme

I 1913 - som var året for filosofen Edmund Husserls ideer , fysikeren Niels Bohrs kvantiserte atom, Ezra Pounds grunnleggelse av imagisme , Armory Show i New York, og i Saint Petersburg den "første futuristiske operaen", Mikhail Matyushins Victory over the Sun — en annen russisk komponist, Igor Stravinsky , komponerte The Rite of Spring , en ballett som skildrer menneskeofring , og har et partitur fullt av dissonans og primitiv rytme. Dette skapte oppstyr på sin første opptreden i Paris. På dette tidspunktet, selv om modernismen fortsatt var "progressiv", så den i økende grad tradisjonelle former og tradisjonelle sosiale ordninger som hindrende fremgang, og omskapte kunstneren som en revolusjonær, engasjert i å styrte snarere enn å opplyse samfunnet. Også i 1913 skjedde en mindre voldelig hendelse i Frankrike med utgivelsen av det første bindet av Marcel Prousts viktige romansekvens À la recherche du temps perdu (1913–1927) ( In Search of Lost Time ). Dette blir ofte presentert som et tidlig eksempel på en forfatter som bruker stream-of-consciousness-teknikken , men Robert Humphrey kommenterer at Proust "bare er opptatt av det minnende aspektet ved bevissthet" og at han "bevisst gjenerobret fortiden med det formål å kommuniserer; derfor skrev han ikke en stream-of-consciousness-roman."

Stream of consciousness var en viktig modernistisk litterær nyvinning, og det har blitt antydet at Arthur Schnitzler (1862–1931) var den første som gjorde full bruk av den i sin novelle "Leutnant Gustl" ("None but the Brave") (1900) ). Dorothy Richardson var den første engelske forfatteren som brukte den, i de tidlige bindene av romansekvensen Pilgrimage (1915–1967). De andre modernistiske romanforfatterne som er assosiert med bruken av denne fortellerteknikken inkluderer James Joyce i Ulysses (1922) og Italo Svevo i La coscienza di Zeno (1923).

Men med den store krigen 1914–1918 og den russiske revolusjonen i 1917, ble verden drastisk endret, og det ble reist tvil om fortidens tro og institusjoner. Feilen i den forrige status quo virket selvinnlysende for en generasjon som hadde sett millioner dø som kjempet om jordrester: før 1914 hadde det blitt hevdet at ingen ville kjempe en slik krig, siden kostnadene var for høye. Fødselen av en maskinalder som hadde gjort store endringer i dagliglivets forhold på 1800-tallet, hadde nå radikalt endret krigføringens natur. Den traumatiske karakteren av nyere erfaringer endret grunnleggende antakelser, og realistisk skildring av livet i kunsten virket utilstrekkelig når de ble møtt med den fantastisk surrealistiske naturen til skyttergravskrigføring . Synet på at menneskeheten gjorde jevn moralsk fremgang virket nå latterlig i møte med den meningsløse slaktingen, beskrevet i verk som Erich Maria Remarques roman All Quiet on the Western Front (1929). Derfor ble modernismens virkelighetssyn, som hadde vært en minoritetssmak før krigen, mer allment akseptert på 1920-tallet.

Innen litteratur og visuell kunst forsøkte noen modernister å trosse forventningene hovedsakelig for å gjøre kunsten deres mer levende, eller for å tvinge publikum til å ta seg bryet med å stille spørsmål ved sine egne forforståelser. Dette aspektet av modernismen har ofte virket som en reaksjon på forbrukerkulturen , som utviklet seg i Europa og Nord-Amerika på slutten av 1800-tallet. Mens de fleste produsenter prøver å lage produkter som vil være salgbare ved å appellere til preferanser og fordommer, avviste høymodernister slike forbrukerholdninger for å undergrave konvensjonell tenkning. Kunstkritikeren Clement Greenberg forklarte denne teorien om modernisme i sitt essay Avant-Garde and Kitsch . Greenberg merket produktene fra forbrukerkulturen " kitsch ", fordi designet deres rett og slett hadde som mål å ha maksimal appell, med eventuelle vanskelige funksjoner fjernet. For Greenberg dannet modernismen dermed en reaksjon mot utviklingen av slike eksempler på moderne forbrukerkultur som kommersiell populærmusikk , Hollywood og reklame. Greenberg assosierte dette med den revolusjonære avvisningen av kapitalismen.

Noen modernister så på seg selv som en del av en revolusjonær kultur som inkluderte politisk revolusjon. I Russland etter 1917 - revolusjonen var det faktisk i utgangspunktet en spirende avantgarde-kulturell aktivitet, som inkluderte russisk futurisme . Andre avviste imidlertid konvensjonell politikk så vel som kunstneriske konvensjoner, og mente at en revolusjon av politisk bevissthet hadde større betydning enn en endring i politiske strukturer. Men mange modernister så på seg selv som upolitiske. Andre, som TS Eliot , avviste massepopulærkultur fra en konservativ posisjon. Noen hevder til og med at modernismen innen litteratur og kunst fungerte for å opprettholde en elitekultur som ekskluderte majoriteten av befolkningen.

Surrealisme , som oppsto på begynnelsen av 1920-tallet, kom til å bli sett på av offentligheten som den mest ekstreme formen for modernisme, eller "modernismens avantgarde". Ordet "surrealist" ble laget av Guillaume Apollinaire og dukket først opp i forordet til hans skuespill Les Mamelles de Tirésias , som ble skrevet i 1903 og først fremført i 1917. Store surrealister inkluderer Paul Éluard , Robert Desnos , Max Ernst , Hans Arp , Antonin Artaud , Raymond Queneau , Joan Miró og Marcel Duchamp .

I 1930 hadde modernismen vunnet en plass i etablissementet, inkludert det politiske og kunstneriske etablissementet, selv om modernismen selv på dette tidspunktet hadde endret seg.

Modernismen fortsetter: 1930–1945

Modernismen fortsatte å utvikle seg i løpet av 1930-årene. Mellom 1930 og 1932 arbeidet komponisten Arnold Schoenberg på Moses und Aron , en av de første operaene som tok i bruk tolvtoneteknikken , Pablo Picasso malte i 1937 Guernica , sin kubistiske fordømmelse av fascismen , mens James Joyce i 1939 presset grensene. den moderne romanen videre med Finnegans Wake . Også innen 1930 begynte modernismen å påvirke mainstream-kulturen, slik at for eksempel The New Yorker magazine begynte å publisere arbeid, påvirket av modernismen, av unge forfattere og humorister som Dorothy Parker , Robert Benchley , EB White , SJ Perelman og James Thurber , blant andre. Perelman er høyt ansett for sine humoristiske noveller som han publiserte i magasiner på 1930- og 1940-tallet, oftest i The New Yorker , som regnes for å være de første eksemplene på surrealistisk humor i Amerika. Moderne ideer innen kunst begynte også å dukke opp oftere i reklamer og logoer, et tidlig eksempel på dette, fra 1916, er den berømte London Underground - logoen designet av Edward Johnston .

En av de mest synlige endringene i denne perioden var innføringen av ny teknologi i dagliglivet til vanlige mennesker i Vest-Europa og Nord-Amerika. Elektrisitet, telefonen, radioen, bilen – og behovet for å jobbe med dem, reparere dem og leve med dem – skapte sosial endring. Den typen forstyrrende øyeblikk som bare noen få kjente til på 1880-tallet ble en vanlig hendelse. For eksempel ble kommunikasjonshastigheten forbeholdt aksjemeglerne i 1890 en del av familielivet, i det minste i middelklassen i Nord-Amerika. Tilknyttet urbanisering og endrede sosiale skikker kom også mindre familier og endrede forhold mellom foreldre og deres barn.

London Underground- logo designet av Edward Johnston . Dette er den moderne versjonen (med mindre modifikasjoner) av en som først ble brukt i 1916.

En annen sterk innflytelse på denne tiden var marxismen . Etter det generelt primitivistiske/irrasjonalistiske aspektet av modernismen før første verdenskrig (som for mange modernister utelukket enhver tilknytning til bare politiske løsninger) og nyklassisismen på 1920-tallet (som representert mest kjent av TS Eliot og Igor Stravinsky – som avviste populære løsninger på moderne problemer), fremveksten av fascismen , den store depresjonen og marsjen til krig bidro til å radikalisere en generasjon. Bertolt Brecht , WH Auden , André Breton , Louis Aragon og filosofene Antonio Gramsci og Walter Benjamin er kanskje de mest kjente eksemplene på denne modernistiske formen for marxisme. Det var imidlertid også modernister eksplisitt av 'høyre', inkludert Salvador Dalí , Wyndham Lewis , TS Eliot, Ezra Pound , den nederlandske forfatteren Menno ter Braak og andre.

Betydelige modernistiske litterære verk fortsatte å bli skapt på 1920- og 1930-tallet, inkludert ytterligere romaner av Marcel Proust , Virginia Woolf , Robert Musil og Dorothy Richardson . Den amerikanske modernistiske dramatikeren Eugene O'Neills karriere begynte i 1914, men hans hovedverk dukket opp på 1920-, 1930- og begynnelsen av 1940-tallet. To andre betydelige modernistiske dramatikere som skrev på 1920- og 1930-tallet var Bertolt Brecht og Federico García Lorca . DH Lawrence ' s Lady Chatterley's Lover ble privat publisert i 1928, mens et annet viktig landemerke for historien til den moderne romanen kom med utgivelsen av William Faulkners The Sound and the Fury i 1929. På 1930-tallet, i tillegg til ytterligere store verk av Faulkner, publiserte Samuel Beckett sitt første store verk, romanen Murphy (1938). Så i 1939 dukket James Joyces Finnegans Wake opp. Dette er skrevet i et stort sett idiosynkratisk språk , bestående av en blanding av standard engelske leksikale elementer og neologistiske flerspråklige ordspill og portmanteau- ord, som forsøker å gjenskape opplevelsen av søvn og drømmer. I poesi skrev TS Eliot, EE Cummings og Wallace Stevens fra 1920-tallet til 1950-tallet. Mens modernistisk poesi på engelsk ofte blir sett på som et amerikansk fenomen, med ledende eksponenter inkludert Ezra Pound, TS Eliot, Marianne Moore , William Carlos Williams , HD og Louis Zukofsky , var det viktige britiske modernistiske poeter, inkludert David Jones , Hugh MacDiarmid , Basilikumspurv og WH Auden . Europeiske modernistiske poeter inkluderer Federico García Lorca , Anna Akhmatova , Konstantin Cavafy og Paul Valéry .

James Joyce-statue på North Earl Street , Dublin , av Marjorie FitzGibbon

Den modernistiske bevegelsen fortsatte i denne perioden i Sovjet-Russland . I 1930 ble komponisten Dimitri Shostakovichs (1906–1975) opera The Nose premiere, der han bruker en montasje av forskjellige stiler, inkludert folkemusikk , populær sang og atonalitet . Blant hans påvirkninger var Alban Bergs (1985–1935) opera Wozzeck (1925), som "hadde gjort et enormt inntrykk på Sjostakovitsj da den ble satt opp i Leningrad." Fra 1932 begynte imidlertid sosialistisk realisme å fjerne modernismen i Sovjetunionen, og i 1936 ble Shostakovich angrepet og tvunget til å trekke tilbake sin fjerde symfoni. Alban Berg skrev en annen betydelig, men ufullstendig, modernistisk opera, Lulu , som hadde premiere i 1937. Bergs fiolinkonsert ble første gang fremført i 1935. I likhet med Sjostakovitsj møtte andre komponister vanskeligheter i denne perioden.

I Tyskland ble Arnold Schoenberg (1874–1951) tvunget til å flykte til USA da Hitler kom til makten i 1933, på grunn av sin modernistiske atonale stil så vel som hans jødiske aner. Hans hovedverk fra denne perioden er en fiolinkonsert , op. 36 (1934/36), og en klaverkonsert , op. 42 (1942). Schoenberg skrev også tonemusikk i denne perioden med Suite for strykere i G-dur (1935) og kammersymfoni nr. 2 i E -moll, Op. 38 (begynt i 1906, fullført i 1939). I løpet av denne tiden produserte den ungarske modernisten Béla Bartók (1881–1945) en rekke store verk, inkludert Musikk for strykere, perkusjon og Celesta (1936) og Divertimento for strykeorkester (1939), strykekvartett nr. 5 (1934), og nr. 6 (hans siste, 1939). Men også han dro til USA i 1940, på grunn av fremveksten av fascismen i Ungarn. Igor Stravinsky (1882–1971) fortsatte å skrive i sin nyklassisistiske stil i løpet av 1930- og 1940-årene, og skrev verk som Symphony of Psalms (1930), Symphony in C (1940) og Symphony in Three Movements (1945). Han emigrerte også til USA på grunn av andre verdenskrig. Olivier Messiaen (1908–1992) tjenestegjorde imidlertid i den franske hæren under krigen og ble fengslet ved Stalag VIII-A av tyskerne, hvor han komponerte sin berømte Quatuor pour la fin du temps ("Kvartett for tidens ende" ). Kvartetten ble første gang fremført i januar 1941 for et publikum av fanger og fangevoktere.

I maleriet, i løpet av 1920- og 1930-årene og den store depresjonen , ble modernismen definert av surrealisme , senkubisme , Bauhaus , De Stijl , Dada , tysk ekspresjonisme og modernistiske og mesterlige fargemalere som Henri Matisse og Pierre Bonnard , så vel som abstraksjonene av kunstnere som Piet Mondrian og Wassily Kandinsky som preget den europeiske kunstscenen. I Tyskland politiserte Max Beckmann , Otto Dix , George Grosz og andre maleriene sine, og varslet at andre verdenskrig kom, mens i Amerika sees modernismen i form av amerikansk scenemaleri og sosialrealisme- og regionalismebevegelsene som inneholdt både politiske og sosiale kommentarer dominerte kunstverdenen. Artister som Ben Shahn , Thomas Hart Benton , Grant Wood , George Tooker , John Steuart Curry , Reginald Marsh og andre ble fremtredende. Modernismen er definert i Latin-Amerika av malerne Joaquín Torres-García fra Uruguay og Rufino Tamayo fra Mexico, mens muralistbevegelsen med Diego Rivera , David Siqueiros , José Clemente Orozco , Pedro Nel Gómez og Santiago Martínez Delgado , og symbolistiske malerier av Frida Kahlo , startet en kunstrenessanse for regionen, preget av friere fargebruk og vektlegging av politiske budskap.

Diego Rivera er kanskje mest kjent av den offentlige verden for sitt veggmaleri fra 1933, Man at the Crossroads , i lobbyen til RCA-bygningen ved Rockefeller Center . Da hans skytshelgen Nelson Rockefeller oppdaget at veggmaleriet inkluderte et portrett av Vladimir Lenin og andre kommunistiske bilder, sparket han Rivera, og det uferdige verket ble til slutt ødelagt av Rockefellers stab. Frida Kahlos verk er ofte preget av deres sterke fremstillinger av smerte. Kahlo var dypt påvirket av urfolks meksikansk kultur, noe som er tydelig i hennes maleriers lyse farger og dramatiske symbolikk. Kristne og jødiske temaer er ofte også skildret i hennes arbeid; hun kombinerte elementer fra den klassiske religiøse meksikanske tradisjonen, som ofte var blodig og voldelig. Frida Kahlos symbolistiske verk forholder seg sterkt til surrealisme og til den magiske realismebevegelsen i litteraturen.

Politisk aktivisme var en viktig del av David Siqueiros 'liv, og inspirerte ham ofte til å sette til side sin kunstneriske karriere. Kunsten hans var dypt forankret i den meksikanske revolusjonen . Perioden fra 1920-tallet til 1950-tallet er kjent som den meksikanske renessansen, og Siqueiros var aktiv i forsøket på å skape en kunst som på en gang var meksikansk og universell. Den unge Jackson Pollock deltok på workshopen og hjalp til med å bygge flottører for paraden.

I løpet av 1930-årene preget radikal venstreorientert politikk mange av kunstnerne knyttet til surrealisme, inkludert Pablo Picasso . Den 26. april 1937, under den spanske borgerkrigen , ble den baskiske byen Gernika bombet av Nazi-Tysklands Luftwaffe. Tyskerne angrep for å støtte forsøkene til Francisco Franco for å styrte den baskiske regjeringen og den spanske republikanske regjeringen. Pablo Picasso malte Guernica i veggmaleri for å minnes grusomhetene ved bombingen.

Pablo Picassos Guernica , 1937, protesterte mot fascismen

Under den store depresjonen på 1930-tallet og gjennom årene av andre verdenskrig ble amerikansk kunst preget av sosial realisme og amerikansk scenemaleri , i arbeidet til Grant Wood , Edward Hopper , Ben Shahn , Thomas Hart Benton og flere andre. Nighthawks (1942) er et maleri av Edward Hopper som skildrer mennesker som sitter i en middag i sentrum sent på kvelden. Det er ikke bare Hoppers mest kjente maleri, men et av de mest gjenkjennelige i amerikansk kunst. Scenen var inspirert av en diner i Greenwich Village . Hopper begynte å male den umiddelbart etter angrepet på Pearl Harbor . Etter denne begivenheten var det en stor følelse av dysterhet over landet, en følelse som skildres i maleriet. Den urbane gaten er tom utenfor spisestuen, og inne er det tilsynelatende ingen av de tre lånetakerne som ser eller snakker med de andre, men er i stedet fortapt i sine egne tanker. Denne fremstillingen av det moderne urbane livet som tomt eller ensomt er et vanlig tema gjennom hele Hoppers arbeid.

American Gothic er et maleri av Grant Wood fra 1930. Portrerende en høygaffelholdende bonde og en yngre kvinne foran et hus i Carpenter-gotisk stil, er det et av de mest kjente bildene i amerikansk kunst fra 1900-tallet. Kunstkritikere hadde positive meninger om maleriet; i likhet med Gertrude Stein og Christopher Morley , antok de at maleriet var ment å være en satire over det landlige småbylivet. Det ble dermed sett på som en del av trenden mot stadig mer kritiske skildringer av det landlige Amerika, på linje med Sherwood Andersons Winesburg, Ohio fra 1919, Sinclair Lewis Main Street fra 1920og Carl Van Vechtens The Tattooed Countess in literature. Men med begynnelsen av den store depresjonen ble maleriet sett på som en skildring av standhaftig amerikansk pionerånd.

Situasjonen for kunstnere i Europa i løpet av 1930-årene forverret seg raskt ettersom nazistenes makt i Tyskland og over hele Øst-Europa økte. Degenerert kunst var et begrep som ble tatt i bruk av naziregimet i Tyskland for praktisk talt all moderne kunst . Slik kunst ble forbudt med den begrunnelse at den var utysk eller jødisk bolsjevistisk av natur, og de som ble identifisert som degenererte kunstnere ble utsatt for sanksjoner. Disse inkluderte å bli oppsagt fra lærerstillinger, å bli forbudt å stille ut eller selge kunsten sin, og i noen tilfeller å bli forbudt å produsere kunst helt. Degenerert kunst var også tittelen på en utstilling, montert av nazistene i München i 1937. Klimaet ble så fiendtlig for kunstnere og kunst knyttet til modernisme og abstraksjon at mange dro til Amerika. Den tyske kunstneren Max Beckmann og mange andre flyktet fra Europa til New York. I New York City begynte en ny generasjon av unge og spennende modernistiske malere ledet av Arshile Gorky , Willem de Kooning og andre så vidt å bli myndige.

Arshile Gorkys portrett av en som kan være Willem de Kooning er et eksempel på utviklingen av abstrakt ekspresjonisme fra konteksten av figurmaleri, kubisme og surrealisme. Sammen med vennene de Kooning og John D. Graham skapte Gorky biomorfisk formede og abstraherte figurative komposisjoner som på 1940-tallet utviklet seg til totalt abstrakte malerier. Gorkys arbeid ser ut til å være en nøye analyse av minne, følelser og form, ved å bruke linje og farger for å uttrykke følelse og natur.

Etter andre verdenskrig (hovedsakelig billed- og scenekunst)

Introduksjon

Mens The Oxford Encyclopedia of British Literature uttaler at modernismen endte med ca. 1939 med hensyn til britisk og amerikansk litteratur, "Da (hvis) modernismen forsvant og postmodernismen begynte, har blitt bestridt nesten like heftig som da overgangen fra viktorianisme til modernisme skjedde." Clement Greenberg ser at modernismen slutter på 1930-tallet, med unntak av billed- og scenekunst, men når det gjelder musikk, bemerker Paul Griffiths at mens modernismen "så ut til å være en brukt kraft" på slutten av 1920-tallet, etter andre verdenskrig , "en ny generasjon komponister - Boulez , Barraqué , Babbitt , Nono , Stockhausen , Xenakis " gjenopplivet modernismen. Faktisk levde mange litterære modernister inn på 1950- og 1960-tallet, selv om de vanligvis ikke lenger produserte store verk. Begrepet " senmodernisme " brukes også noen ganger på modernistiske verk utgitt etter 1930. Blant modernister (eller senmodernister) som fortsatt publiserer etter 1945, var Wallace Stevens , Gottfried Benn , TS Eliot , Anna Akhmatova , William Faulkner , Dorothy Richardson , John Cowper Powys og Ezra Pound . Basil Bunting , født i 1901, publiserte sitt viktigste modernistiske dikt Briggflatts i 1965. I tillegg ble Hermann Brochs The Death of Virgil utgitt i 1945 og Thomas Manns Doctor Faustus i 1947. Samuel Beckett , som døde i 1989, er blitt beskrevet som en "senere modernist". Beckett er en forfatter med røtter i modernismens ekspresjonistiske tradisjon, som produserte verk fra 1930- til 1980-tallet, inkludert Molloy (1951), Waiting for Godot (1953), Happy Days (1961) og Rockaby (1981). Begrepene " minimalistisk " og " postmodernist " har også blitt brukt på hans senere verk. Poetene Charles Olson (1910–1970) og JH Prynne (født 1936) er blant forfatterne i andre halvdel av 1900-tallet som er blitt beskrevet som senmodernister.

Nylig har begrepet "senmodernisme" blitt omdefinert av minst én kritiker og brukt til å referere til verk skrevet etter 1945, snarere enn 1930. Med denne bruken følger ideen om at modernismens ideologi ble betydelig omformet av hendelsene i andre verdenskrig, spesielt Holocaust og slipp av atombomben.

Etterkrigstiden førte til at hovedstedene i Europa var i opprør med et presserende behov for økonomisk og fysisk gjenoppbygging og politisk omgruppering. I Paris (det tidligere sentrum for europeisk kultur og den tidligere hovedstaden i kunstverdenen) var klimaet for kunst en katastrofe. Viktige samlere, forhandlere og modernistiske kunstnere, forfattere og poeter hadde flyktet fra Europa til New York og Amerika. Surrealistene og moderne kunstnere fra alle kulturelle sentre i Europa hadde flyktet fra nazistenes angrep for trygg havn i USA. Mange av dem som ikke flyktet, omkom. Noen få kunstnere, særlig Pablo Picasso , Henri Matisse og Pierre Bonnard , ble igjen i Frankrike og overlevde.

1940-tallet i New York City innvarslet triumfen til amerikansk abstrakt ekspresjonisme , en modernistisk bevegelse som kombinerte erfaringer fra Henri Matisse, Pablo Picasso, surrealisme, Joan Miró , kubisme, fauvisme og tidlig modernisme via store lærere i Amerika som Hans Hofmann og John D. Graham . Amerikanske kunstnere hadde fordel av tilstedeværelsen av Piet Mondrian , Fernand Léger , Max Ernst og André Breton -gruppen, Pierre Matisses galleri og Peggy Guggenheims galleri The Art of This Century , samt andre faktorer.

Paris gjenerobret dessuten mye av sin glans på 1950- og 60-tallet som sentrum for en maskinkunstblomstring, med begge de ledende maskinkunstskulptørene Jean Tinguely og Nicolas Schöffer som flyttet dit for å lansere sine karrierer – og som blomstrer, i lys av moderne livs teknosentriske karakter, kan godt ha en spesielt langvarig innflytelse.

Det absurde teater

Samuel Becketts En attendant Godot , ( Waiting for Godot ) Festival d'Avignon, 1978

Begrepet " Theatre of the Absurd " brukes på skuespill, hovedsakelig skrevet av europeere, som uttrykker troen på at menneskelig eksistens ikke har noen mening eller hensikt, og derfor bryter all kommunikasjon sammen. Logisk konstruksjon og argumentasjon viker for irrasjonell og ulogisk tale og til dens endelige konklusjon, stillhet. Mens det er betydelige forløpere, inkludert Alfred Jarry (1873–1907), blir Theatre of the Absurd generelt sett på som begynnelsen på 1950-tallet med skuespillene til Samuel Beckett .

Kritikeren Martin Esslin laget begrepet i sitt essay fra 1960 "Theatre of the Absurd". Han fortalte disse skuespillene basert på et bredt tema om det absurde, lik måten Albert Camus bruker begrepet på i sitt essay fra 1942, The Myth of Sisyphus . Det absurde i disse stykkene tar form av menneskets reaksjon på en verden tilsynelatende uten mening, og/eller mennesket som en dukke kontrollert eller truet av usynlige ytre krefter. Selv om begrepet brukes på et bredt spekter av skuespill, er noen kjennetegn sammenfallende i mange av stykkene: bred komedie, ofte lik vaudeville , blandet med grufulle eller tragiske bilder; karakterer fanget i håpløse situasjoner tvunget til å utføre repeterende eller meningsløse handlinger; dialog full av klisjeer, ordlek og tull; tomter som er sykliske eller absurd ekspansive; enten en parodi eller avvisning av realisme og konseptet " vellaget skuespill ".

Dramatikere som ofte er assosiert med Theatre of the Absurd inkluderer Samuel Beckett (1906–1989), Eugène Ionesco (1909–1994), Jean Genet (1910–1986), Harold Pinter (1930–2008), Tom Stoppard (født 1937), Alexander Vvedensky (1904–1941), Daniil Kharms (1905–1942), Friedrich Dürrenmatt (1921–1990), Alejandro Jodorowsky (født 1929), Fernando Arrabal (født 1932), Václav Havel (1936–2011) og Edward Albee (1928 ). 2016).

Pollock og abstrakte påvirkninger

På slutten av 1940-tallet revolusjonerte Jackson Pollocks radikale tilnærming til maleri potensialet for all samtidskunst som fulgte ham. Til en viss grad innså Pollock at reisen mot å lage et kunstverk var like viktig som selve kunstverket. I likhet med Pablo Picassos nyskapende gjenoppfinnelser av maleri og skulptur på begynnelsen av 1900-tallet via kubisme og konstruert skulptur , redefinerte Pollock måten kunst lages på. Hans flytting bort fra staffelimaleri og konvensjonalitet var et befriende signal til kunstnerne i hans tid og til alle som kom etter. Kunstnere innså at Jackson Pollocks prosess – å plassere ustrukket rå lerret på gulvet der det kunne angripes fra alle fire sider ved hjelp av kunstneriske og industrielle materialer; dryppe og kaste lineære nøster av maling; tegning, farging og børsting; ved å bruke bilder og ikke-bilder – i hovedsak sprengt kunstverk utover noen tidligere grenser. Abstrakt ekspresjonisme utvidet og utviklet generelt definisjonene og mulighetene som var tilgjengelige for kunstnere for å skape nye kunstverk. De andre abstrakte ekspresjonistene fulgte Pollocks gjennombrudd med nye egne gjennombrudd. På en måte åpnet nyvinningene til Jackson Pollock, Willem de Kooning , Franz Kline , Mark Rothko , Philip Guston , Hans Hofmann , Clyfford Still , Barnett Newman , Ad Reinhardt , Robert Motherwell , Peter Voulkos og andre slusene for mangfoldet og omfanget av all kunsten som fulgte dem. Omlesninger i abstrakt kunst av kunsthistorikere som Linda Nochlin , Griselda Pollock og Catherine de Zegher viser imidlertid kritisk at banebrytende kvinnelige kunstnere som produserte store innovasjoner innen moderne kunst hadde blitt ignorert av offisielle beretninger om dens historie.

Internasjonale figurer fra britisk kunst

Henry Moore (1898–1986) dukket opp etter andre verdenskrig som Storbritannias ledende skulptør . Han var mest kjent for sine semi - abstrakte monumentale bronseskulpturer som er plassert rundt om i verden som offentlige kunstverk. Formene hans er vanligvis abstraksjoner av den menneskelige figuren, typisk skildrer mor-og-barn eller liggende figurer, vanligvis antydende til kvinnekroppen, bortsett fra en fase på 1950-tallet da han skulpturerte familiegrupper. Formene hans er vanligvis gjennomhullet eller inneholder hulrom.

Henry Moore , liggende figur (1957). Foran Kunsthaus Zürich , Sveits.

På 1950-tallet begynte Moore å motta stadig større oppdrag, inkludert en liggende figur for UNESCO - bygningen i Paris i 1958. Med mange flere offentlige kunstverk vokste omfanget av Moores skulpturer betydelig. De siste tre tiårene av Moores liv fortsatte på samme måte, med flere store retrospektiver som fant sted rundt om i verden, spesielt en fremtredende utstilling sommeren 1972 på eiendommen til Forte di Belvedere med utsikt over Firenze . På slutten av 1970-tallet var det rundt 40 utstillinger i året med arbeidet hans. På campus ved University of Chicago i desember 1967, 25 år til minuttet etter at teamet av fysikere ledet av Enrico Fermi oppnådde den første kontrollerte, selvopprettholdende kjernefysiske kjedereaksjonen, ble Moore's Nuclear Energy avduket. Også i Chicago minnet Moore vitenskapen med et stort bronsesolur, lokalt kalt Man Enters the Cosmos (1980), som fikk i oppdrag å anerkjenne romutforskningsprogrammet .

"London School" av figurative malere, inkludert Francis Bacon (1909–1992), Lucian Freud (1922–2011), Frank Auerbach (født 1931), Leon Kossoff (født 1926) og Michael Andrews (1928–1995), har fikk bred internasjonal anerkjennelse.

Francis Bacon var en irskfødt britisk figurativ maler kjent for sine dristige, grafiske og følelsesmessig rå bilder. Hans maleriske, men abstraherte figurer fremstår vanligvis isolert i geometriske bur av glass eller stål satt mot flate, ubeskrivelige bakgrunner. Bacon begynte å male i begynnelsen av 20-årene, men jobbet bare sporadisk frem til midten av 30-årene. Hans gjennombrudd kom med triptyken Three Studies for Figures at the Base of a Crucifixion fra 1944 , som beseglet hans rykte som en unik dyster kroniker av den menneskelige tilstanden. Hans produksjon kan grovt beskrives som bestående av sekvenser eller variasjoner på et enkelt motiv; Begynner med 1940-tallets mannlige hoder isolert i rom, tidlig på 1950-tallet skrikende paver, og midten til slutten av 1950-tallet dyr og ensomme figurer hengt opp i geometriske strukturer. Disse ble fulgt av hans tidlige 1960-talls moderne varianter av korsfestelsen i triptykformatet. Fra midten av 1960-tallet til begynnelsen av 1970-tallet produserte Bacon hovedsakelig påfallende medfølende portretter av venner. Etter selvmordet til sin elsker George Dyer i 1971, ble kunsten hans mer personlig, innadvendt og opptatt av dødstemaer og -motiver. I løpet av hans levetid ble Bacon like utskjelt og hyllet.

Lucian Freud var en tyskfødt britisk maler, kjent hovedsakelig for sine tykt impasto portrett- og figurmalerier, som ble ansett som den fremtredende britiske kunstneren i sin tid. Arbeidene hans er kjent for deres psykologiske penetrasjon, og for deres ofte ubehagelige undersøkelse av forholdet mellom kunstner og modell. I følge William Grimes fra The New York Times forvandlet Lucien Freud og hans samtidige figurmaleriet på 1900-tallet. I malerier som Girl with a White Dog (1951–1952) satte Freud billedspråket til tradisjonell europeisk maleri i tjenesten. av en antiromantisk, konfronterende portrettstil som strippet sitterens sosiale fasade. Vanlige mennesker – mange av dem hans venner – stirret storøyde fra lerretet, sårbare for kunstnerens hensynsløse inspeksjon."

På 1960-tallet etter abstrakt ekspresjonisme

I abstrakt maleri i løpet av 1950- og 1960-årene begynte flere nye retninger som hard-edge-maleri og andre former for geometrisk abstraksjon å dukke opp i kunstnerstudioer og i radikale avantgardesirkler som en reaksjon mot subjektivismen til abstrakt ekspresjonisme. Clement Greenberg ble stemmen til post-malerisk abstraksjon da han kuraterte en innflytelsesrik utstilling av nytt maleri som turnerte i viktige kunstmuseer over hele USA i 1964. fargefeltmaleri , hard-edge-maleri og lyrisk abstraksjon dukket opp som radikale nye retninger.

På slutten av 1960-tallet dukket imidlertid postminimalisme , prosesskunst og Arte Povera også opp som revolusjonerende konsepter og bevegelser som omfattet både maleri og skulptur, via lyrisk abstraksjon og den postminimalistiske bevegelsen, og i tidlig konseptuell kunst . Prosesskunst inspirert av Pollock gjorde det mulig for kunstnere å eksperimentere med og bruke et mangfoldig oppslagsverk av stil, innhold, materiale, plassering, følelse av tid og plast og virkelig rom. Nancy Graves , Ronald Davis , Howard Hodgkin , Larry Poons , Jannis Kounellis , Brice Marden , Colin McCahon , Bruce Nauman , Richard Tuttle , Alan Saret , Walter Darby Bannard , Lynda Benglis , Dan Christensen , Larry Zox , H. Ronnie Landfield , Keith Sonnier , Richard Serra , Pat Lipsky , Sam Gilliam , Mario Merz og Peter Reginato var noen av de yngre kunstnerne som dukket opp under epoken med senmodernisme som skapte kunstens storhetstid på slutten av 1960-tallet.

Popkunst

Eduardo Paolozzi . I was a Rich Man's Plaything (1947) regnes som den første fanebæreren av "pop art" og den første som viste ordet "pop".

I 1962 monterte Sidney Janis Gallery The New Realists , den første store gruppeutstillingen for popkunst i et uptown kunstgalleri i New York City. Janis monterte utstillingen i en 57th Street-butikk i nærheten av galleriet hans. Showet sendte sjokkbølger gjennom New York-skolen og ga gjenklang over hele verden. Tidligere i England i 1958 ble begrepet "Pop Art" brukt av Lawrence Alloway for å beskrive malerier som feiret forbrukerismen i tiden etter andre verdenskrig. Denne bevegelsen avviste abstrakt ekspresjonisme og dens fokus på det hermeneutiske og psykologiske interiøret til fordel for kunst som skildret og ofte feiret materiell forbrukskultur, reklame og ikonografien til masseproduksjonsalderen. De tidlige verkene til David Hockney og verkene til Richard Hamilton og Eduardo Paolozzi (som skapte det banebrytende I was a Rich Man's Plaything , 1947) regnes som banebrytende eksempler i bevegelsen. I mellomtiden, i sentrumsscenen i New Yorks East Village 10th Street-gallerier, formulerte kunstnere en amerikansk versjon av popkunst. Claes Oldenburg hadde butikkfronten sin, og Green Gallery på 57th Street begynte å vise verkene til Tom Wesselmann og James Rosenquist . Senere stilte Leo Castelli ut verkene til andre amerikanske kunstnere, inkludert de av Andy Warhol og Roy Lichtenstein i det meste av karrieren. Det er en sammenheng mellom de radikale verkene til Marcel Duchamp og Man Ray , de opprørske dadaistene med sans for humor, og popartister som Claes Oldenburg, Andy Warhol og Roy Lichtenstein, hvis malerier gjengir utseendet til Ben-Day dots , en teknikk som brukes i kommersiell reproduksjon.

Minimalisme

Minimalisme beskriver bevegelser i ulike former for kunst og design, spesielt visuell kunst og musikk , der kunstnere har til hensikt å avsløre essensen eller identiteten til et emne gjennom å eliminere alle ikke-essensielle former, funksjoner eller konsepter. Minimalisme er enhver design eller stil der de enkleste og færreste elementene brukes for å skape maksimal effekt.

Som en spesifikk bevegelse innen kunsten identifiseres den med utviklingen innen vestlig kunst etter andre verdenskrig, sterkest med amerikansk billedkunst på 1960- og begynnelsen av 1970-tallet. Fremtredende artister knyttet til denne bevegelsen inkluderer Donald Judd , John McCracken , Agnes Martin , Dan Flavin , Robert Morris , Ronald Bladen , Anne Truitt og Frank Stella . Det stammer fra de reduktive aspektene ved modernismen og tolkes ofte som en reaksjon mot abstrakt ekspresjonisme og en bro til Postminimal kunstpraksis. På begynnelsen av 1960-tallet dukket minimalisme opp som en abstrakt bevegelse i kunsten (med røtter i den geometriske abstraksjonen til Kazimir Malevich , Bauhaus og Piet Mondrian ) som avviste ideen om relasjonelt og subjektivt maleri, kompleksiteten til abstrakte ekspresjonistiske overflater og den emosjonelle tidsånden og polemikk tilstede på arenaen for actionmaling . Minimalismen hevdet at ekstrem enkelhet kunne fange opp all den sublime representasjonen som trengs i kunst. Minimalisme tolkes på forskjellige måter enten som en forløper for postmodernisme , eller som en postmoderne bevegelse i seg selv. I det siste perspektivet ga tidlig minimalisme avanserte modernistiske verk, men bevegelsen forlot delvis denne retningen da noen kunstnere som Robert Morris endret retning til fordel for antiformbevegelsen .

Hal Foster undersøker i sitt essay The Crux of Minimalism , i hvilken grad Donald Judd og Robert Morris både anerkjenner og overgår Greenbergian Modernism i deres publiserte definisjoner av minimalisme. Han argumenterer for at minimalisme ikke er en "blindvei" av modernismen, men et "paradigmeskifte mot postmoderne praksiser som fortsetter å bli utdypet i dag."

Minimal musikk

Begrepene har utvidet seg til å omfatte en bevegelse innen musikk som inneholder slike repetisjoner og iterasjoner som komposisjonene til La Monte Young , Terry Riley , Steve Reich , Philip Glass og John Adams . Minimalistiske komposisjoner er noen ganger kjent som systemmusikk . Begrepet 'minimal musikk' brukes vanligvis for å beskrive en musikkstil som utviklet seg i Amerika på slutten av 1960- og 1970-tallet; og det var i utgangspunktet knyttet til komponistene. Minimalismebevegelsen involverte opprinnelig noen komponister, og andre mindre kjente pionerer inkluderte Pauline Oliveros , Phill Niblock og Richard Maxfield . I Europa er musikken til Louis Andriessen , Karel Goeyvaerts , Michael Nyman , Howard Skempton , Eliane Radigue , Gavin Bryars , Steve Martland , Henryk Górecki , Arvo Pärt og John Tavener .

Postminimalisme

Smithsons Spiral Jetty fra toppen av Rozel Point, Utah, USA, i midten av april 2005. Den ble opprettet i 1970 og eksisterer fortsatt selv om den ofte har vært under vann av det svingende innsjønivået. Den består av rundt 6500 tonn basalt , jord og salt.

På slutten av 1960-tallet laget Robert Pincus-Witten begrepet " postminimalisme " for å beskrive minimalistisk avledet kunst som hadde innhold og kontekstuelle overtoner som minimalismen avviste. Begrepet ble brukt av Pincus-Witten på arbeidet til Eva Hesse , Keith Sonnier , Richard Serra og nytt arbeid av tidligere minimalister Robert Smithson , Robert Morris , Sol LeWitt , Barry Le Va og andre. Andre minimalister, inkludert Donald Judd , Dan Flavin , Carl Andre , Agnes Martin , John McCracken og andre fortsatte å produsere senmodernistiske malerier og skulpturer for resten av karrieren.

Siden den gang har mange kunstnere omfavnet minimale eller postminimale stiler, og etiketten «Postmodern» har blitt knyttet til dem.

Collage, montering, installasjoner

Relatert til abstrakt ekspresjonisme var fremveksten av å kombinere produserte gjenstander med kunstnermaterialer, og beveget seg bort fra tidligere konvensjoner innen maleri og skulptur. Arbeidet til Robert Rauschenberg eksemplifiserer denne trenden. Hans "kombinasjoner" på 1950-tallet var forløpere for popkunst og installasjonskunst , og brukte samlinger av store fysiske gjenstander, inkludert utstoppede dyr, fugler og kommersielle fotografier. Rauschenberg, Jasper Johns , Larry Rivers , John Chamberlain , Claes Oldenburg , George Segal , Jim Dine og Edward Kienholz var blant viktige pionerer innen både abstraksjon og popkunst. De skapte nye konvensjoner for å lage kunst, og aksepterte i seriøse samtidskunstkretser den radikale inkluderingen i verkene deres av usannsynlige materialer. En annen pioner innen collage var Joseph Cornell , hvis mer intimt skalerte verk ble sett på som radikale på grunn av både hans personlige ikonografi og hans bruk av funne gjenstander .

Neo-Dada

På begynnelsen av 1900-tallet sendte Marcel Duchamp inn et urinal som skulptur for utstilling . Han bekjente sin hensikt at folk ser på urinalen som om det var et kunstverk fordi han sa at det var et kunstverk. Han omtalte arbeidet sitt som " readymades ". Fountain var et pissoar signert med pseudonymet "R. Mutt", hvis utstilling sjokkerte kunstverdenen i 1917. Dette og Duchamps andre verk er generelt stemplet som Dada. Duchamp kan sees på som en forløper til konseptuell kunst, andre kjente eksempler er John Cages 4′33 , som er fire minutter og trettitre sekunders stillhet, og Rauschenbergs Erased de Kooning Drawing . Mange konseptuelle verk tar posisjonen at kunst er et resultat av at betrakteren ser på et objekt eller fungerer som kunst, ikke av de iboende kvalitetene til selve verket. Ved å velge "en vanlig livsartikkel" og skape "en ny tanke for det objektet" inviterte Duchamp tilskuere til å se Fountain som en skulptur.

Marcel Duchamp ga som kjent opp "kunst" til fordel for sjakk . Avantgarde-komponisten David Tudor skapte et stykke, Reunion (1968), skrevet sammen med Lowell Cross, som inneholder et sjakkspill der hvert trekk utløser en lyseffekt eller projeksjon. Duchamp og Cage spilte spillet på verkets premiere.

Steven Best og Douglas Kellner identifiserer Rauschenberg og Jasper Johns som en del av overgangsfasen, påvirket av Duchamp, mellom modernisme og postmodernisme. Begge brukte bilder av vanlige gjenstander, eller gjenstandene selv, i arbeidet sitt, samtidig som de beholdt abstraksjonen og de maleriske gestene til høymodernismen.

Ytelse og hendelser

Carolee Schneemann, fremførte stykket sitt Interior Scroll, 1975.
Yves Klein i Frankrike , og Carolee Schneemann (bildet), Yayoi Kusama , Charlotte Moorman og Yoko Ono i New York City var pionerer innen performancebaserte kunstverk, som ofte innebar nakenhet.

I løpet av slutten av 1950- og 1960-tallet begynte kunstnere med et bredt spekter av interesser å flytte grensene for samtidskunst. Yves Klein i Frankrike, Carolee Schneemann , Yayoi Kusama , Charlotte Moorman og Yoko Ono i New York City, og Joseph Beuys , Wolf Vostell og Nam June Paik i Tyskland var pionerer innen performancebaserte kunstverk. Grupper som The Living Theatre med Julian Beck og Judith Malina samarbeidet med skulptører og malere og skapte miljøer, og endret radikalt forholdet mellom publikum og utøver, spesielt i deres stykke Paradise Now . Judson Dance Theatre , som ligger ved Judson Memorial Church , New York; og Judson-danserne, spesielt Yvonne Rainer , Trisha Brown , Elaine Summers , Sally Gross, Simonne Forti, Deborah Hay , Lucinda Childs , Steve Paxton og andre; samarbeidet med artistene Robert Morris , Robert Whitman , John Cage , Robert Rauschenberg og ingeniører som Billy Klüver . Park Place Gallery var et senter for musikalske fremføringer av elektroniske komponister Steve Reich , Philip Glass og andre bemerkelsesverdige performanceartister inkludert Joan Jonas .

Disse forestillingene var ment som verk av en ny kunstform som kombinerer skulptur, dans og musikk eller lyd, ofte med publikums deltakelse. De var preget av minimalismens reduktive filosofier og den abstrakte ekspresjonismens spontane improvisasjon og ekspressivitet. Bilder av Schneemans fremføringer av stykker ment å sjokkere brukes av og til for å illustrere denne typen kunst, og hun blir ofte sett fotografert mens hun fremfører stykket sitt Interior Scroll . I følge modernistisk filosofi rundt performancekunst er det imidlertid tverrformål å publisere bilder av hennes fremføring av dette stykket, for performancekunstnere avviser publisering fullstendig: selve forestillingen er mediet. Dermed kan ikke andre medier illustrere performancekunst; ytelsen er øyeblikkelig, flyktig og personlig, ikke for å fange; representasjoner av performancekunst i andre medier, enten ved bilde, video, narrativ eller på annen måte, velge visse synspunkter i rom eller tid eller på annen måte involvere de iboende begrensningene til hvert medium. Kunstnerne benekter at innspillinger illustrerer mediet performance som kunst.

I samme periode skapte forskjellige avantgarde-artister Happenings , mystiske og ofte spontane og uskriptede samlinger av kunstnere og deres venner og slektninger på forskjellige spesifiserte steder, ofte med øvelser i absurditet, kroppslighet, kostymer, spontan nakenhet og forskjellige tilfeldige eller tilsynelatende frakoblede handlinger. Bemerkelsesverdige skapere av happenings inkluderte Allan Kaprow - som først brukte begrepet i 1958, Claes Oldenburg , Jim Dine , Red Grooms og Robert Whitman .

Intermedia, multimedia

En annen trend innen kunsten som har blitt assosiert med begrepet postmoderne er bruken av en rekke ulike medier sammen. Intermedia er et begrep laget av Dick Higgins og ment å formidle nye kunstformer på linje med Fluxus , konkret poesi , funne objekter , performancekunst og datakunst . Higgins var utgiver av Something Else Press , en konkret poet gift med kunstneren Alison Knowles og en beundrer av Marcel Duchamp . Ihab Hassan inkluderer "Intermedia, fusion of forms, the confusion of realms," i sin liste over egenskapene til postmoderne kunst . En av de vanligste formene for "multimediekunst" er bruken av videobånd og CRT-skjermer, kalt videokunst . Mens teorien om å kombinere flere kunstarter til én kunst er ganske gammel, og har blitt gjenopplivet med jevne mellomrom, er den postmoderne manifestasjonen ofte i kombinasjon med performancekunst, hvor den dramatiske underteksten fjernes, og det som gjenstår er de spesifikke uttalelsene til kunstneren i spørsmålet eller den konseptuelle uttalelsen om deres handling.

Fluxus

Fluxus ble navngitt og løst organisert i 1962 av George Maciunas (1931–1978), en litauiskfødt amerikansk kunstner. Fluxus sporer begynnelsen til John Cages 1957 til 1959 eksperimentelle komposisjonsklasser ved The New School for Social Research i New York City. Mange av studentene hans var artister som jobbet i andre medier med liten eller ingen bakgrunn i musikk. Cages studenter inkluderte Fluxus-grunnleggerne Jackson Mac Low , Al Hansen , George Brecht og Dick Higgins .

Fluxus oppmuntret til en gjør-det-selv-estetikk og verdsatte enkelhet fremfor kompleksitet. Som Dada før den, inkluderte Fluxus en sterk strøm av anti-kommersialisme og en anti-kunst- sensibilitet, og nedvurderte den konvensjonelle markedsdrevne kunstverdenen til fordel for en kunstnersentrert kreativ praksis. Fluxus-kunstnere foretrakk å jobbe med det materialet som var for hånden, og skapte enten sitt eget verk eller samarbeidet i skapelsesprosessen med sine kolleger.

Andreas Huyssen kritiserer forsøk på å hevde Fluxus for postmodernisme som "enten postmodernismens mesterkode eller den til syvende og sist urepresentable kunstbevegelsen - så å si postmodernismens sublime." I stedet ser han på Fluxus som et stort neo-dadaistisk fenomen innenfor avantgarde-tradisjonen. Det representerte ikke et stort fremskritt i utviklingen av kunstneriske strategier, selv om det uttrykte et opprør mot "den administrerte kulturen på 1950-tallet, der en moderat, domestisert modernisme fungerte som ideologisk støtte for den kalde krigen ."

Avantgarde populærmusikk

Modernismen hadde et urolig forhold til populære musikkformer (både i form og estetisk) mens de avviste populærkulturen . Til tross for dette brukte Stravinsky jazz-idiomer på stykkene sine som "Ragtime" fra hans teaterverk Histoire du Soldat fra 1918 og 1945's Ebony Concerto .

På 1960-tallet, da populærmusikken begynte å få kulturell betydning og stille spørsmål ved dens status som kommersiell underholdning, begynte musikere å se til etterkrigstidens avantgarde for inspirasjon. I 1959 spilte musikkprodusent Joe Meek inn I Hear a New World (1960), som Tiny Mix Tapes ' Jonathan Patrick kaller et "banebrytende øyeblikk i både elektronisk musikk og avant-pophistorie [...] en samling drømmende popvignetter, utsmykket med dubby ekko og tape-forvrengte soniske ranker" som stort sett ville bli ignorert på den tiden. Andre tidlige avant-pop-produksjoner inkluderte Beatles -sangen " Tomorrow Never Knows " fra 1966, som inkorporerte teknikker fra musique concrète , avantgarde-komposisjon, indisk musikk og elektroakustisk lydmanipulasjon i et 3-minutters popformat, og Velvet Undergrounds integrering av La Monte Youngs minimalistiske ideer og dronemusikk , beatpoesi og 1960-talls popkunst.

Sen periode

Brice Marden , Vine , 1992–93, olje på lin, 240 x 260 cm (8 x 8+12  fot), Museum of Modern Art, New York

Fortsettelsen av abstrakt ekspresjonisme , fargefeltmaleri , lyrisk abstraksjon , geometrisk abstraksjon , minimalisme , abstrakt illusjonisme , prosesskunst , popkunst , postminimalisme og andre modernistiske bevegelser fra slutten av 1900-tallet innen både maleri og skulptur fortsatte gjennom det første tiåret av det 21. århundre og utgjør radikale nye retninger i disse mediene.

Ved begynnelsen av det 21. århundre, veletablerte artister som Sir Anthony Caro , Lucian Freud , Cy Twombly , Robert Rauschenberg , Jasper Johns , Agnes Martin , Al Held , Ellsworth Kelly , Helen Frankenthaler , Frank Stella , Kenneth Noland , Jules Olitski , Claes Oldenburg , Jim Dine , James Rosenquist , Alex Katz , Philip Pearlstein og yngre artister inkludert Brice Marden , Chuck Close , Sam Gilliam , Isaac Witkin , Sean Scully , Mahirwan Mamtani , Joseph Nechvatal , Elizabeth Murray , Larry Poons , Serra , Walter Darby Bannard , Larry Zox , Ronnie Landfield , Ronald Davis , Dan Christensen , Pat Lipsky , Joel Shapiro , Tom Otterness , Joan Snyder , Ross Bleckner , Archie Rand , Susan Crile og andre fortsatte å produsere viktige og innflytelsesrike malerier og skulpturer.

Modernisme i Afrika og Asia

Peter Kalliney antyder at "modernistiske konsepter, spesielt estetisk autonomi, var grunnleggende for litteraturen om avkolonisering i engelskspråklig Afrika." Etter hans mening var Rajat Neogy , Christopher Okigbo og Wole Soyinka blant forfatterne som "ombrukte modernistiske versjoner av estetisk autonomi for å erklære deres frihet fra kolonial bondedom, fra systemer for rasediskriminering, og til og med fra den nye postkoloniale staten".

Begrepene "modernisme" og "modernist", ifølge forskeren William J. Tyler, "har først nylig blitt en del av standarddiskursen på engelsk om moderne japansk litteratur, og det gjenstår tvil om deres autentisitet vis-a-vis vesteuropeisk modernisme". Tyler synes dette er rart, gitt "den desidert moderne prosa" til slike "kjente japanske forfattere som Kawabata Yasunari , Nagai Kafu og Jun'ichirō Tanizaki ". Imidlertid omfavnet "forskere innen visuell og kunst, arkitektur og poesi lett "modanizumu" som et nøkkelbegrep for å beskrive og analysere japansk kultur på 1920- og 1930-tallet". I 1924 startet forskjellige unge japanske forfattere, inkludert Kawabata og Riichi Yokomitsu et litterært tidsskrift Bungei Jidai ("The Artistic Age"). Dette tidsskriftet var "en del av en ' kunst for kunstens skyld' -bevegelse, påvirket av europeisk kubisme, ekspresjonisme, Dada og andre modernistiske stiler".

Den japanske modernistiske arkitekten Kenzō Tange (1913–2005) var en av de mest betydningsfulle arkitektene på 1900-tallet, og kombinerte tradisjonelle japanske stiler med modernisme , og designet store bygninger på fem kontinenter. Tange var også en innflytelsesrik beskytter av Metabolist-bevegelsen . Han sa: "Det var, tror jeg, rundt 1959 eller på begynnelsen av sekstitallet jeg begynte å tenke på det jeg senere skulle kalle strukturalisme ", Han ble fra en tidlig alder påvirket av den sveitsiske modernisten, Le Corbusier , Tange fikk internasjonal anerkjennelse i 1949 da han vant konkurransen om utformingen av Hiroshima Peace Memorial Park .

I Kina var " New Sensationists " (新感觉派, Xīn Gǎnjué Pài) en gruppe forfattere basert i Shanghai som på 1930- og 1940-tallet ble påvirket, i varierende grad, av vestlig og japansk modernisme. De skrev skjønnlitteratur som var mer opptatt av det ubevisste og av estetikk enn av politikk eller sosiale problemer. Blant disse forfatterne var Mu Shiying og Shi Zhecun .

I India var Progressive Artists' Group en gruppe moderne kunstnere , hovedsakelig basert i Mumbai , India , dannet i 1947. Selv om den manglet noen spesiell stil, syntetiserte den indisk kunst med europeisk og nordamerikansk påvirkning fra første halvdel av 1900-tallet. , inkludert postimpresjonisme, kubisme og ekspresjonisme.

Forskjeller mellom modernisme og postmodernisme

På begynnelsen av 1980-tallet begynte den postmoderne bevegelsen innen kunst og arkitektur å etablere sin posisjon gjennom forskjellige konseptuelle og intermediale formater. Postmodernismen innen musikk og litteratur begynte å ta tak tidligere. Innen musikk beskrives postmodernisme i ett oppslagsverk som et «begrep introdusert på 1970-tallet», mens i britisk litteratur ser The Oxford Encyclopedia of British Literature at modernismen «avstår sin overvekt til postmodernismen» allerede i 1939. Datoer er imidlertid høyst. diskutabel, spesielt som ifølge Andreas Huyssen : "en kritikers postmodernisme er en annen kritikers modernisme." Dette inkluderer de som er kritiske til skillet mellom de to og ser dem som to sider ved samme bevegelse, og mener at senmodernismen fortsetter.

Modernisme er en omfattende merkelapp for et bredt spekter av kulturelle bevegelser. Postmodernisme er i hovedsak en sentralisert bevegelse som har navngitt seg selv, basert på sosiopolitisk teori, selv om begrepet nå brukes i en bredere forstand for å referere til aktiviteter fra 1900-tallet og utover som viser bevissthet om og omtolker det moderne.

Postmoderne teori hevder at forsøket på å kanonisere modernismen "etter faktum" er dømt til utvetydige motsetninger.

I snevrere forstand var det som var modernistisk ikke nødvendigvis også postmoderne. De elementene i modernismen som fremhevet fordelene ved rasjonalitet og sosioteknologisk fremgang var bare modernistiske.

Angrep og kritikk til modernismen

Franz Marc , Dyrenes skjebne , 1913, olje på lerret. Verket ble vist på utstillingen til "Entartete Kunst" ("degenerert kunst") i München , Nazi-Tyskland , 1937.

Modernismens vekt på ytringsfrihet , eksperimentering, radikalisme og primitivisme ser bort fra konvensjonelle forventninger. I mange kunstformer betydde dette ofte oppsiktsvekkende og fremmedgjørende publikum med bisarre og uforutsigbare effekter, som i de merkelige og urovekkende kombinasjonene av motiver i surrealismen eller bruken av ekstrem dissonans og atonalitet i modernistisk musikk. I litteraturen innebar dette ofte avvisning av forståelige plott eller karakterisering i romaner, eller skapelse av poesi som trosset klar tolkning.

Fra 1932 begynte sosialistisk realisme å fordrive modernismen i Sovjetunionen; den hadde tidligere støttet futurisme og konstruktivisme . Den nazistiske regjeringen i Tyskland anså modernismen som narsissistisk og meningsløs, så vel som "jødisk" (se antisemittisme ) og "neger". Nazistene stilte ut modernistiske malerier ved siden av verk av psykisk syke i en utstilling med tittelen " Degenerert kunst ". Anklager om "formalisme" kan føre til slutten på en karriere, eller enda verre. Av denne grunn følte mange modernister i etterkrigsgenerasjonen at de var det viktigste bolverket mot totalitarisme, " kanarifuglen i kullgruven ", hvis undertrykkelse av en regjering eller annen gruppe med antatt autoritet representerte en advarsel om at individuelle friheter ble truet. Louis A. Sass sammenlignet galskap, spesielt schizofreni , og modernisme på en mindre fascistisk måte ved å legge merke til deres delte disjunktive fortellinger, surrealistiske bilder og usammenheng.

Faktisk blomstret modernismen hovedsakelig i forbruker/kapitalistiske samfunn, til tross for at dens talsmenn ofte avviste selve forbrukerismen. Høymodernisme begynte imidlertid å smelte sammen med forbrukerkulturen etter andre verdenskrig, spesielt på 1960-tallet. Modernistiske enheter begynte også å dukke opp på populær kino, og senere i musikkvideoer. Modernistisk design begynte også å gå inn i populærkulturens hovedstrøm, ettersom forenklede og stiliserte former ble populære, ofte assosiert med drømmer om en høyteknologisk fremtid i romalderen .

I 2008 publiserte Janet Bennett Modernity and Its Critics gjennom The Oxford Handbook of Political Theory. Sammenslåing av forbruker- og høyversjoner av modernistisk kultur førte til en radikal transformasjon av betydningen av "modernisme". For det første antydet det at en bevegelse basert på avvisning av tradisjon hadde blitt en egen tradisjon. For det andre viste den at skillet mellom elitemodernistisk og massekonsumkultur hadde mistet sin presisjon. Modernismen var blitt så institusjonalisert at den nå var "post avantgarde", noe som indikerer at den hadde mistet sin makt som en revolusjonær bevegelse. Mange har tolket denne transformasjonen som begynnelsen på fasen som ble kjent som postmodernisme . For andre, som kunstkritiker Robert Hughes , representerer postmodernismen en forlengelse av modernismen.

"Anti-moderne" eller "motmoderne" bevegelser søker å understreke holisme , sammenheng og spiritualitet som midler eller motgift mot modernisme. Slike bevegelser ser på modernismen som reduksjonistisk , og er derfor underlagt en manglende evne til å se systemiske og fremvoksende effekter.

Noen tradisjonalistiske kunstnere som Alexander Stoddart avviser modernisme generelt som et produkt av "en epoke med falske penger alliert med falsk kultur".

På noen felt har effekten av modernismen holdt seg sterkere og mer vedvarende enn på andre. Visuell kunst har gjort det mest komplette bruddet med sin fortid. De fleste større hovedbyer har museer viet moderne kunst til forskjell fra kunst etter renessanse (ca. 1400 til ca. 1900). Eksempler inkluderer Museum of Modern Art i New York, Tate Modern i London og Centre Pompidou i Paris. Disse galleriene skiller ikke mellom modernistiske og postmodernistiske faser, og ser begge som utvikling innen moderne kunst.

Se også

Fotnoter

Referanser

Kilder

Videre lesning

Eksterne linker