Opera - Opera

fra Wikipedia, den frie encyklopedi

La Scala i Milano

Opera er en form for teater der musikk er en grunnleggende komponent og dramatiske roller tas av sangere , men skiller seg fra musikkteater . Et slikt "arbeid" (den bokstavelige oversettelsen av det italienske ordet "opera") er typisk et samarbeid mellom en komponist og en librettist og inneholder en rekke scenekunster , som skuespill , kulisser , kostyme , og noen ganger dans eller ballett . Forestillingen blir vanligvis gitt i et operahus , akkompagnert av et orkester eller mindre musikalsk ensemble , som siden tidlig på 1800-tallet har blitt ledet av en dirigent .

Opera er en sentral del av den vestlige klassiske musikktradisjonen . Opprinnelig forstått som et helt sunget stykke, i motsetning til et spill med sanger, har opera kommet til å omfatte mange sjangre , inkludert noen som inkluderer muntlig dialog som musikkteater , Singspiel og Opéra comique . I tradisjonell nummeropera bruker sangere to sangstiler: resitativ , en tale-bøyd stil og selvforsynte arier . På 1800-tallet økte det kontinuerlige musikkdramaet .

Opera stammer fra Italia på slutten av 1500-tallet (med Jacopo Peris mest tapte Dafne , produsert i Firenze i 1598), spesielt fra verk av Claudio Monteverdi , særlig L'Orfeo , og spredte seg snart gjennom resten av Europa: Heinrich Schütz i Tyskland, Jean-Baptiste Lully i Frankrike, og Henry Purcell i England var alle med på å etablere sine nasjonale tradisjoner på 1600-tallet. På 1700-tallet fortsatte italiensk opera å dominere det meste av Europa (unntatt Frankrike), og tiltrukket utenlandske komponister som George Frideric Handel . Opera seria var den mest prestisjefylte formen for italiensk opera, helt til Christoph Willibald Gluck reagerte mot sin kunstighet med sine "reform" operaer på 1760-tallet. Den mest berømte skikkelsen fra operaen fra det 18. århundre er Wolfgang Amadeus Mozart , som begynte med opera seria, men er mest kjent for sine italienske tegneserieoperaer , spesielt Figaros ekteskap ( Le nozze di Figaro ), Don Giovanni og Così fan tutte , i tillegg til Die Entführung aus dem Serail ( bortføringen fra Seraglio ) og Tryllefløyten ( Die Zauberflöte ), landemerker i tysk tradisjon.

Den første tredjedelen av 1800-tallet så høydepunktet i bel canto- stilen, med Gioachino Rossini , Gaetano Donizetti og Vincenzo Bellini som alle skapte signaturverk av den stilen. Det så også tilkomsten av storopera som ble typisert av verkene til Daniel Auber og Giacomo Meyerbeer , samt Carl Maria von Webers introduksjon av German Romantische Oper (German Romantic Opera). Midt til slutten av 1800-tallet var en gylden tidsalder for opera, ledet og dominert av Giuseppe Verdi i Italia og Richard Wagner i Tyskland. Populariteten til opera fortsatte gjennom verismo- tiden i Italia og moderne fransk opera til Giacomo Puccini og Richard Strauss tidlig på 1900-tallet. I løpet av 1800-tallet dukket det opp parallelle operatradisjoner i Sentral- og Øst-Europa, spesielt i Russland og Böhmen . Det 20. århundre så mange eksperimenter med moderne stiler, som atonalitet og serialisme ( Arnold Schoenberg og Alban Berg ), nyklassisisme ( Igor Stravinsky ) og minimalisme ( Philip Glass og John Adams ). Med fremveksten av opptaksteknologi ble sangere som Enrico Caruso og Maria Callas kjent for mye bredere publikum som gikk utenfor sirkelen av operafans. Siden oppfinnelsen av radio og TV ble operaer også utført på (og skrevet for) disse mediene. Begynnelsen i 2006 begynte en rekke store operahus å presentere live HD-videooverføringer av forestillingene sine på kino over hele verden. Siden 2009 kan komplette forestillinger lastes ned og streames live .

Operatisk terminologi

Ordene til en opera er kjent som libretto (bokstavelig talt "liten bok"). Noen komponister, særlig Wagner, har skrevet sin egen libretti; andre har jobbet i tett samarbeid med sine librettister, f.eks. Mozart med Lorenzo Da Ponte . Tradisjonell opera, ofte referert til som " nummeropera ", består av to måter å synge på: resitativ , plottdrivende passasjer sunget i en stil designet for å etterligne og understreke bøyninger av tale, og aria (en "luft" eller formell sang ) der karakterene uttrykker sine følelser i en mer strukturert melodisk stil. Vokalduetter, trioer og andre ensembler forekommer ofte, og refrenger brukes til å kommentere handlingen. I noen former for opera, som singspiel , opéra comique , operette og semi-opera , blir resitativet for det meste erstattet av muntlig dialog. Melodiske eller semi-melodiske passasjer som forekommer midt i eller i stedet for, recitativ, blir også referert til som arioso . Terminologien til de forskjellige typer operastemmer er beskrevet i detalj nedenfor . I løpet av både barokken og den klassiske perioden kunne resitativ vises i to grunnleggende former, som hver ble ledsaget av et annet instrumentalt ensemble: secco (tørr) resitativ, sunget med en fri rytme diktert av ordets aksent, kun akkompagnert av basso continuo , som vanligvis var et cembalo og en cello; eller akkompagnato (også kjent som strumentato ) der orkesteret ga akkompagnement. I løpet av 1700-tallet ble ariene i økende grad akkompagnert av orkesteret. På 1800-tallet hadde akkompagnato fått overtaket, orkesteret spilte en mye større rolle, og Wagner revolusjonerte operaen ved å avskaffe nesten alt skillet mellom arie og resitativ i sin søken etter det Wagner kalte "endeløs melodi". Etterfølgende komponister har hatt en tendens til å følge Wagners eksempel, selv om noen, som Stravinsky i The Rake's Progress, har slått trenden. Orkesterets skiftende rolle i operaen er beskrevet mer detaljert nedenfor .

Historie

Opprinnelse

Det italienske ordet opera betyr "arbeid", både i betydningen arbeid gjort og resultatet produsert. Det italienske ordet stammer fra den latinske operaen , et entall substantiv som betyr "arbeid" og også flertall av substantivet opus . I følge Oxford English Dictionary ble det italienske ordet først brukt i betydningen "komposisjon der poesi, dans og musikk kombineres" i 1639; den første registrerte engelske bruken i denne forstand dateres til 1648.

Dafne av Jacopo Peri var den tidligste komposisjonen som ble ansett som opera, slik man forstår den i dag. Den ble skrevet rundt 1597, stort sett under inspirasjon av en elitesirkel av literate florentinske humanister som samlet seg som " Camerata de 'Bardi ". Betydelig var at Dafne var et forsøk på å gjenopplive det klassiske greske dramaet , en del av den bredere gjenopplivingen av antikken som er karakteristisk for renessansen . Medlemmene av Camerata mente at "kor" -delene av greske dramaer opprinnelig ble sunget, og muligens til og med hele teksten i alle roller; opera ble altså oppfattet som en måte å "gjenopprette" denne situasjonen på. Dafne er imidlertid tapt. Et senere verk av Peri, Euridice , dateres fra 1600, er den første operapartituret som har overlevd til i dag. Æren av å være den første operaen fortsatt å bli jevnlig utført, men går til Claudio Monteverdi 's L'Orfeo , komponert for retten av Mantua i 1607. Mantua domstol i Gonzagas arbeidsgivere fra Monte, spilte en betydelig rolle i opphavet til opera som ikke bare syssler med konserten til concerto delle donne (til 1598), men også en av de første faktiske "operasangerne", Madama Europa .

Italiensk opera

Barokk-tid

Privat barokk teater i Český Krumlov

Opera holdt seg ikke begrenset til domstolspublikum lenge. I 1637 dukket ideen om en "sesong" (ofte under karnevalet ) av operaer som ble deltatt offentlig støttet av billettsalg, i Venezia . Monteverdi hadde flyttet til byen fra Mantua og komponert sine siste operaer, Il ritorno d'Ulisse in patria og L'incoronazione di Poppea , for det venetianske teatret på 1640-tallet. Hans viktigste tilhenger Francesco Cavalli bidro til å spre opera i hele Italia. I disse tidlige barokkoperaene ble den brede komedien blandet med tragiske elementer i en blanding som brøt utdannet følsomhet, og utløste den første av operas mange reformbevegelser, sponset av Arcadian Academy , som ble assosiert med poeten Metastasio , hvis libretti hjalp til. krystalliserer sjangeren opera seria , som ble den ledende formen for italiensk opera til slutten av 1700-tallet. Når det metastasiske idealet hadde blitt godt etablert, var komedie i operaen fra barokkiden reservert for det som ble kalt opera buffa . Før slike elementer ble tvunget ut av opera seria, hadde mange libretti presentert et separat utfoldende tegneserieplott som en slags "opera-i-en-opera". En årsak til dette var et forsøk på å tiltrekke medlemmer av den voksende kjøpmannsklassen, nylig velstående, men fortsatt ikke så kultivert som adelen, til de offentlige operahusene . Disse separate plotene ble nesten umiddelbart gjenopplivet i en separat utviklingstradisjon som delvis stammer fra commedia dell'arte , en langt blomstrende improvisatorisk scenetradisjon i Italia. Akkurat som det mellomtiden en gang hadde blitt utført mellom handlingene til scenespill, ble operaer i den nye komiske sjangeren intermezzi , som i stor grad utviklet seg i Napoli på 1710- og 1720-tallet, iscenesatt under operaenes serier. De ble imidlertid så populære at de snart ble tilbudt som separate produksjoner.

Opera seria var forhøyet i tone og sterilisert i form, vanligvis bestående av secco recitativ ispedd lange da capo- arier. Disse ga stor mulighet for virtuos sang, og i løpet av gullserien til opera seria ble sangeren virkelig stjernen. Heltens rolle ble vanligvis skrevet for den høye mannlige castrato- stemmen, som ble produsert ved kastrering av sangeren før puberteten , noe som forhindret at guttens strupehode ble transformert i puberteten. Castrati som Farinelli og Senesino , samt kvinnelige sopraner som Faustina Bordoni , ble etterspurt i hele Europa da opera seria styrte scenen i alle land unntatt Frankrike. Farinelli var en av de mest berømte sangerne på 1700-tallet. Italiensk opera satte barokkstandarden. Italiensk libretti var normen, selv når en tysk komponist som Handel fant seg selv å komponere slike som Rinaldo og Giulio Cesare for publikum i London. Italiensk libretti var fortsatt dominerende også i den klassiske perioden , for eksempel i operaene til Mozart , som skrev i Wien nær århundrets slutt. Ledende italienskfødte komponister av opera seria inkluderer Alessandro Scarlatti , Antonio Vivaldi og Nicola Porpora .

Glucks reformer og Mozart

Illustrasjon for partituret i den originale Wien-versjonen av Orfeo ed Euridice

Opera seria hadde sine svakheter og kritikere. Smaken til utsmykning på vegne av suverent trente sangere, og bruken av brille som erstatning for dramatisk renhet og enhet trakk angrep. Francesco Algarotti 's Essay on the Opera (1755) viste seg å være en inspirasjon for Christoph Willibald Gluck ' s reformer. Han gikk inn for at opera seria måtte komme tilbake til det grunnleggende, og at alle de forskjellige elementene - musikk (både instrumental og vokal), ballett og iscenesettelse - måtte være underordnet det overordnede dramaet. I 1765 ga Melchior Grimm ut " Poème lyrique ", en innflytelsesrik artikkel for leksikonet om lyrikk og opera- librettoer . Flere komponister i perioden, inkludert Niccolò Jommelli og Tommaso Traetta , forsøkte å få disse idealene ut i livet. Den første som lyktes var imidlertid Gluck. Gluck forsøkte å oppnå en "vakker enkelhet". Dette er tydelig i hans første reformopera, Orfeo ed Euridice , hvor hans ikke-virtuose vokalmelodier støttes av enkle harmonier og et rikere orkester tilstedeværelse hele tiden.

Glucks reformer har hatt resonans gjennom operahistorien. Spesielt Weber, Mozart og Wagner ble påvirket av hans idealer. Mozart, på mange måter Glucks etterfølger, kombinerte en ypperlig følelse av drama, harmoni, melodi og kontrapunkt for å skrive en serie tegneserieoperaer med libretti av Lorenzo Da Ponte , særlig Le nozze di Figaro , Don Giovanni og Così fan tutte , som forbli blant de mest elskede, populære og kjente operaene. Men Mozarts bidrag til opera seria var mer blandet; på den tiden var det på vei bort, og til tross for slike fine verk som Idomeneo og La clemenza di Tito , ville han ikke lykkes med å bringe kunstformen til liv igjen.

Bel canto, Verdi og verismo

Giuseppe Verdi, av Giovanni Boldini , 1886

Den bel canto opera bevegelsen blomstret tidlig i det 19. århundre og er eksemplifisert ved operaer av Rossini , Bellini , Donizetti , Pacini , Mercadante og mange andre. Bokstavelig talt "vakker sang", bel canto opera stammer fra den italienske stilistiske sangskolen med samme navn. Bel canto-linjer er vanligvis floride og intrikate, og krever høyeste smidighet og pitchkontroll. Eksempler på kjente operaer i bel canto-stil inkluderer Rossinis Il barbiere di Siviglia og La Cenerentola , samt Bellinis Norma , La sonnambula og I puritani og Donizettis Lucia di Lammermoor , L'elisir d'amore og Don Pasquale .

Etter bel canto-tiden ble en mer direkte, kraftig stil raskt popularisert av Giuseppe Verdi , begynnende med sin bibelske opera Nabucco . Denne operaen, og de som fulgte i Verdis karriere, revolusjonerte italiensk opera og endret den fra bare en visning av vokalfyrverkeri, med Rossinis og Donizettis verk, til dramatisk historiefortelling. Verdis operaer ga gjenklang med den voksende ånden til italiensk nasjonalisme i post- napoleonstiden , og han ble raskt et ikon for den patriotiske bevegelsen for et samlet Italia. Tidlig på 1850-tallet produserte Verdi sine tre mest populære operaer: Rigoletto , Il trovatore og La traviata . Den første av disse, Rigoletto , viste seg å være den mest dristige og revolusjonerende. I den slører Verdi skillet mellom arien og recitativ som den aldri før var, og førte operaen til å være "en uendelig streng av duetter". La traviata var også ny. Den forteller historien om kurtisan, og blir ofte sitert som en av de første "realistiske" operaene. I stedet for å ha store konger og figurer fra litteraturen, fokuserer den på tragediene i det vanlige livet og samfunnet. Etter disse, fortsatte han å utvikle sin stil, komponere kanskje den største franske grand opera , Don Carlos , og slutter sin karriere med to Shakespeare-inspirerte verk, Otello og Falstaff , som avslører hvor langt italiensk opera hadde vokst i raffinement siden begynnelsen av det 19. århundre. Disse to siste verkene viste Verdi på sitt mest mesterlig orkestrerte, og er begge utrolig innflytelsesrike og moderne. I Falstaff setter Verdi den fremste standarden for form og stil som vil dominere opera gjennom hele det tjuende århundre. I stedet for lange, suspenderte melodier inneholder Falstaff mange små motiver og mottoer som, i stedet for å bli utvidet, blir introdusert og deretter droppet, bare for å bli tatt opp igjen senere. Disse motivene blir aldri utvidet, og akkurat som publikum forventer at en karakter skal starte i en lang melodi, snakker en ny karakter og introduserer en ny frase. Denne mote av opera regisserte opera fra Verdi og utøvde en enorm innflytelse på hans etterfølgere Giacomo Puccini , Richard Strauss og Benjamin Britten .

Etter Verdi dukket den sentimentale "realistiske" melodrama av verismo opp i Italia. Dette var en stil introdusert av Pietro Mascagni 's Cavalleria Rusticana og Ruggero Leoncavallo ' s Pagliacci som kom til å dominere verdens operascener med slike populære verk som Giacomo Puccini 's La Boheme , Tosca og Madama Butterfly . Senere italienske komponister, som Berio og Nono , har eksperimentert med modernisme .

Tyskspråklig opera

Dronningen av natten i en 1815-produksjon av Mozarts Die Zauberflöte

Den første tyske operaen var Dafne , komponert av Heinrich Schütz i 1627, men musikkpartituren har ikke overlevd. Italiensk opera hadde en stor sving over tysktalende land til slutten av 1700-tallet. Likevel vil innfødte former utvikle seg til tross for denne innflytelsen. I 1644 produserte Sigmund Staden det første Singspiel , Seelewig , en populær form for tyskspråklig opera der sang veksler med muntlig dialog. På slutten av 1600-tallet og tidlig på 1700-tallet presenterte Theater am Gänsemarkt i Hamburg tyske operaer av Keizer , Telemann og Handel . Likevel valgte de fleste av de største tyske komponistene på den tiden, inkludert Händel selv, samt Graun , Hasse og senere Gluck , å skrive de fleste av operaene sine på fremmede språk, spesielt italiensk. I motsetning til italiensk opera, som generelt ble komponert for den aristokratiske klassen, ble tysk opera generelt komponert for massene og hadde en tendens til å ha enkle folklignende melodier, og det var ikke før Mozarts ankomst at tysk opera var i stand til å matche dens Italiensk motstykke i musikalsk raffinement. Teaterselskapet til Abel Seyler var banebrytende for seriøs tyskspråklig opera på 1770-tallet og markerte et brudd med den forrige enklere musikalske underholdningen.

Richard Wagner

Mozart 's Singspiele , Die Entführung aus dem Serail (1782) og Die Zauberflöte (1791) var et viktig gjennombrudd for å oppnå internasjonal anerkjennelse for tysk opera. Tradisjonen ble utviklet på 1800-tallet av Beethoven med sin Fidelio (1805), inspirert av klimaet i den franske revolusjonen . Carl Maria von Weber etablerte tysk romantisk opera i opposisjon til dominansen av italiensk bel canto . Hans Der Freischütz (1821) viser sitt geni for å skape en overnaturlig atmosfære. Andre datakomponister fra den tiden inkluderer Marschner , Schubert og Lortzing , men den viktigste figuren var utvilsomt Wagner .

Brünnhilde kaster seg på Siegfrieds begravelsesbål i Wagners Götterdämmerung

Wagner var en av de mest revolusjonerende og kontroversielle komponistene i musikkhistorien. Fra og med innflytelse fra Weber og Meyerbeer utviklet han gradvis et nytt konsept av opera som et Gesamtkunstwerk (et "komplett kunstverk"), en fusjon av musikk, poesi og maleri. Han økte orkesterets rolle og kraft sterkt, og skaper partiturer med et komplekst nett av leitmotiver , gjentatte temaer som ofte er knyttet til karakterene og konseptene i dramaet, hvorav prototyper kan høres i hans tidligere operaer som Der fliegende Holländer , Tannhäuser og Lohengrin ; og han var forberedt på å bryte aksepterte musikalske konvensjoner, som tonalitet , i sin søken etter større ekspressivitet. I sine modne musikkdramaer, Tristan und Isolde , Die Meistersinger von Nürnberg , Der Ring des Nibelungen og Parsifal , avskaffet han skillet mellom aria og resitativ til fordel for en sømløs strøm av "endeløs melodi". Wagner brakte også operaen en ny filosofisk dimensjon i verkene sine, som vanligvis var basert på historier fra germansk eller Arthur- legende. Til slutt bygde Wagner sitt eget operahus i Bayreuth med en del av beskyttelsen fra Ludwig II av Bayern , eksklusivt dedikert til å fremføre sine egne verk i den stilen han ønsket.

Opera ville aldri være den samme etter Wagner, og for mange komponister viste arven seg en tung byrde. På den annen side aksepterte Richard Strauss Wagneriske ideer, men tok dem i helt nye retninger, sammen med å innlemme den nye formen introdusert av Verdi. Han vant først berømmelse med den skandaløse Salome og den mørke tragedien Elektra , der tonaliteten ble presset til det ytterste. Deretter endret Strauss slår i hans største suksess, Der Rosenkavalier , hvor Mozart og wiener vals ble like viktig innflytelse som Wagner. Strauss fortsatte å produsere et svært variert utvalg av operaverk, ofte med libretti av dikteren Hugo von Hofmannsthal . Andre komponister som ga individuelle bidrag til tysk opera tidlig på 1900-tallet inkluderer Alexander von Zemlinsky , Erich Korngold , Franz Schreker , Paul Hindemith , Kurt Weill og den italienskfødte Ferruccio Busoni . De operainnovasjonene til Arnold Schoenberg og hans etterfølgere er diskutert i avsnittet om modernisme .

På slutten av det 19. århundre, den østerrikske komponisten Johann Strauss II , en beundrer av den franske -Språk operetter komponert av Jacques Offenbach , komponert flere tyskspråklige operetter, den mest kjente av disse var Die Flaggermusen . Likevel, i stedet for å kopiere Offenbach-stilen, hadde operaene til Strauss II en tydelig wiensk smak for dem.

Fransk opera

En forestilling av Lullys opera Armide i Salle du Palais-Royal i 1761

I rivalisering med importerte italienske operaproduksjoner ble en egen fransk tradisjon grunnlagt av italienske Jean-Baptiste Lully ved hoffet til kong Ludvig XIV . Til tross for sin utenlandske opprinnelse, opprettet Lully et musikkakademi og monopoliserte fransk opera fra 1672. Fra og med Cadmus et Hermione skapte Lully og hans librettist Quinault tragédie en musique , en form der dansemusikk og korforfatterskap var spesielt fremtredende. Lullys operaer viser også en bekymring for uttrykksfull recitativ som matchet konturene til det franske språket. På 1700-tallet var Lullys viktigste etterfølger Jean-Philippe Rameau , som komponerte fem tragédies en musique i tillegg til en rekke verk innen andre sjangre som opéra-ballett , alt kjent for sin rike orkestrering og harmoniske dristighet. Til tross for populariteten til italienske opera-serier i store deler av Europa i barokkperioden, fikk italiensk opera aldri mye fotfeste i Frankrike, hvor dens egen nasjonale operatradisjon var mer populær i stedet. Etter Rameaus død ble tyske Gluck overtalt til å produsere seks operaer for den parisiske scenen på 1770-tallet. De viser innflytelsen fra Rameau, men forenklet og med større fokus på dramaet. På samme tid ble en annen sjanger stadig mer populær i Frankrike ved midten av 1700-tallet: opéra comique . Dette tilsvarte det tyske sangspelet , der arier vekslet med talet dialog. Bemerkelsesverdige eksempler i denne stilen ble produsert av Monsigny , Philidor og fremfor alt Grétry . I løpet av revolusjonen og napoleonstiden brakte komponister som Étienne Méhul , Luigi Cherubini og Gaspare Spontini , som var tilhengere av Gluck, et nytt alvor i sjangeren, som uansett aldri hadde vært helt "komisk". Et annet fenomen i denne perioden var 'propagandaoperaen' som feiret revolusjonerende suksesser, for eksempel Gossecs Le triomphe de la République (1793).

På 1820-tallet hadde Gluckians innflytelse i Frankrike gitt vei til en smak for italiensk bel canto , spesielt etter ankomsten av Rossini til Paris . Rossinis Guillaume Tell hjalp til med å finne den nye sjangeren med grand opera , en form hvis mest berømte eksponent var en annen utlending, Giacomo Meyerbeer . Meyerbeers verk, som Les Huguenots , la vekt på virtuos sang og ekstraordinære sceneeffekter. Lighter opéra comique nådde også enorm suksess i hendene på Boïeldieu , Auber , Hérold og Adam . I dette klimaet slet operaene til den franskfødte komponisten Hector Berlioz for å høre. Berlioz 'episke mesterverk Les Troyens , kulminasjonen av Gluckian-tradisjonen, fikk ikke full forestilling på nesten hundre år.

I andre halvdel av 1800-tallet skapte Jacques Offenbach operette med vittige og kyniske verk som Orphée aux enfers , samt operaen Les Contes d'Hoffmann ; Charles Gounod fikk en enorm suksess med Faust ; og Georges Bizet komponerte Carmen , som en gang publikum lærte å akseptere blandingen av romantikk og realisme, ble den mest populære av alle opéra-tegneserier. Jules Massenet , Camille Saint-Saëns og Léo Delibes komponerte alle verk som fremdeles er en del av standardrepertoaret, eksempler er Massenets Manon , Saint-Saëns ' Samson et Dalila og Delibes' Lakmé . Operene deres dannet en annen sjanger, Opera Lyrique, kombinert opera comique og grand opera. Det er mindre storslått enn grand opera, men uten den talte dialogen om opera comique. Samtidig ble innflytelsen fra Richard Wagner følt som en utfordring for den franske tradisjonen. Mange franske kritikere avviste sint Wagners musikkdrama mens mange franske komponister imiterte dem tett med variabel suksess. Det kanskje mest interessante svaret kom fra Claude Debussy . Som i Wagners verk spiller orkesteret en ledende rolle i Debussys unike opera Pelléas et Mélisande (1902), og det er ingen virkelige arier, bare resitativ. Men dramaet er undervurdert, gåtefullt og helt un-wagnerisk.

Andre bemerkelsesverdige navn fra det 20. århundre inkluderer Ravel , Dukas , Roussel , Honegger og Milhaud . Francis Poulenc er en av de få komponister etter krigen som har nasjonalitet hvis operaer (som inkluderer Dialogues des Carmélites ) har fått fotfeste i det internasjonale repertoaret. Olivier Messiaens lange hellige drama Saint François d'Assise (1983) har også vakt stor oppmerksomhet.

Engelskspråklig opera

I England var operaens fortilfelle jiggen fra 1600-tallet . Dette var et etterverk som kom på slutten av et teaterstykke. Det var ofte injurierende og skandaløst og besto i hovedsak av dialog satt til musikk arrangert fra populære melodier. I denne forbindelse forventer jigs balladeoperaene fra 1700-tallet. Samtidig fikk den franske masken et fast grep ved den engelske domstolen, med enda mer overdådig prakt og høyst realistisk natur enn det som hadde blitt sett før. Inigo Jones ble den viktigste designeren av disse produksjonene, og denne stilen skulle dominere den engelske scenen i tre århundrer. Disse maskerne inneholdt sanger og danser. I Ben Jonson 's Lovers menn (1617), "hele masque ble sunget etter den italienske måten, Stilo recitativo". Tilnærmingen til det engelske samveldet lukket teatre og stoppet enhver utvikling som måtte ha ført til etableringen av engelsk opera. Men i 1656, den dramatikeren Sir William Davenant produsert The Siege of Rhodes . Siden teatret hans ikke hadde lisens til å produsere drama, ba han flere av de ledende komponistene ( Lawes , Cooke , Locke , Coleman og Hudson ) om å sette deler av det til musikk. Denne suksessen ble fulgt av spanjolenes grusomhet i Peru (1658) og Sir Francis Drakes historie (1659). Disse brikkene ble oppmuntret av Oliver Cromwell fordi de var kritiske til Spania. Med den engelske restaureringen ble utenlandske (spesielt franske) musikere ønsket velkommen tilbake. I 1673, Thomas Shadwell 's Psyche , mønstret på 1671 'Comédie-ballett' med samme navn produsert av Molière og Jean-Baptiste Lully . William Davenant produserte The Tempest samme år, som var den første musikalske tilpasningen av et Shakespeare- stykke (komponert av Locke og Johnson). Omtrent 1683 komponerte John Blow Venus og Adonis , ofte ansett som den første sanne engelskspråklige operaen.

Blows nærmeste etterfølger var den bedre kjente Henry Purcell . Til tross for suksessen med hans mesterverk Dido og Aeneas (1689), der handlingen fremmes ved bruk av recitativ i italiensk stil, var mye av Purcells beste verk ikke involvert i komponering av typisk opera, men i stedet jobbet han vanligvis innen begrensningene i semi-operaformatet , der isolerte scener og masker er inneholdt i strukturen til et muntlig teaterstykke, som Shakespeare i Purcell's The Fairy-Queen (1692) og Beaumont and Fletcher i The Prophetess (1690) og Bonduca (1696) ). Hovedpersonene i stykket pleier ikke å være involvert i musikalske scener, noe som betyr at Purcell sjelden var i stand til å utvikle karakterene sine gjennom sang. Til tross for disse hindringene var målet hans (og hans medarbeider John Dryden ) å etablere seriøs opera i England, men disse håpet endte med Purcells tidlige død i en alder av 36 år.

Etter Purcell ble operaens popularitet i England redusert i flere tiår. En gjenopplivet interesse for opera skjedde på 1730-tallet, som i stor grad tilskrives Thomas Arne , både for sine egne komposisjoner og for å gjøre Händel oppmerksom på de kommersielle mulighetene til store verk på engelsk. Arne var den første engelske komponisten som eksperimenterte med italiensk stil-allsang tegneserieopera, med sin største suksess var Thomas og Sally i 1760. Hans opera Artaxerxes (1762) var det første forsøket på å sette en fullverdig opera-serie på engelsk og var en stor suksess, og holdt scenen til 1830-tallet. Selv om Arne imiterte mange elementer fra italiensk opera, var han kanskje den eneste engelske komponisten på den tiden som var i stand til å bevege seg utover den italienske innflytelsen og skape sin egen unike og tydelige engelske stemme. Hans moderniserte balladeopera, Love in a Village (1762), begynte en mote for pasticheopera som varte langt ut på 1800-tallet. Charles Burney skrev at Arne introduserte "en lett, luftig, original og behagelig melodi, helt forskjellig fra den til Purcell eller Handel, som alle engelske komponister enten hadde plyndret eller imitert".

Mikado (litografi)

Foruten Arne, var den andre dominerende kraften i engelsk opera på denne tiden George Frideric Handel , hvis operaserier fylte operascene i London i flere tiår og påvirket de fleste hjemmelagde komponister, som John Frederick Lampe , som skrev ved hjelp av italienske modeller. Denne situasjonen fortsatte gjennom det 18. og 19. århundre, inkludert i verk av Michael William Balfe , og operaene til de store italienske komponistene, samt Mozart, Beethoven og Meyerbeer, fortsatte å dominere det musikalske scenen i England.

De eneste unntakene var balladeoperaer , som John Gay 's The Beggar's Opera (1728), musikalske burlesker , europeiske operetter og lette operaer fra sen viktoriansk tid , særlig Savoy-operaene til WS Gilbert og Arthur Sullivan , som alle typer musikaler. underholdninger ofte falske operakonvensjoner. Sullivan skrev bare en grand opera, Ivanhoe (etter innsatsen fra en rekke unge engelske komponister som begynte rundt 1876), men han hevdet at selv hans lette operaer utgjorde en del av en skole med "engelsk" opera, som hadde til hensikt å erstatte de franske operettene ( vanligvis utført i dårlige oversettelser) som hadde dominert scenen i London fra midten av 1800-tallet til 1870-tallet. Londons Daily Telegraph var enig, og beskrev The Yeomen of the Guard som "en ekte engelsk opera, forløper for mange andre, la oss håpe, og muligens betydelig et fremskritt mot et nasjonalt lyrikscene". Sullivan produserte noen få lette operaer på 1890-tallet som var av mer seriøs karakter enn de i G&S-serien, inkludert Haddon Hall og The Beauty Stone , men Ivanhoe (som løp i 155 påfølgende forestillinger, ved bruk av vekslende rollebesetninger - en plate frem til Broadways La bohème ) overlever som sin eneste store opera .

I det 20. århundre begynte engelsk opera å hevde mer uavhengighet, med verk av Ralph Vaughan Williams og spesielt Benjamin Britten , som i en serie verker som forblir i standardrepertoar i dag, avslørte en utmerket stil for den dramatiske og suveren musikaliteten. Mer nylig har Sir Harrison Birtwistle dukket opp som en av Storbritannias viktigste samtidskomponister fra sin første opera Punch og Judy til hans siste kritiske suksess i The Minotaur . I det første tiåret av det 21. århundre har librettisten til en tidlig Birtwistle-opera, Michael Nyman , fokusert på å komponere operaer, inkludert Facing Goya , Man and Boy: Dada og Love Counts . I dag fortsetter komponister som Thomas Adès å eksportere engelsk opera til utlandet.

Også på 1900-tallet begynte amerikanske komponister som George Gershwin ( Porgy og Bess ), Scott Joplin ( Treemonisha ), Leonard Bernstein ( Candide ), Gian Carlo Menotti , Douglas Moore og Carlisle Floyd å bidra med engelskspråklige operaer infundert med innslag av populære musikalske stiler. De ble fulgt av komponister som Philip Glass ( Einstein on the Beach ), Mark Adamo , John Corigliano ( The Ghosts of Versailles ), Robert Moran , John Adams ( Nixon i Kina ), André Previn og Jake Heggie . Mange moderne operakomponister fra det 21. århundre har dukket opp som Missy Mazzoli , Kevin Puts , Tom Cipullo , Huang Ruo , David T. Little , Terence Blanchard , Jennifer Higdon , Tobias Picker , Michael Ching og Ricky Ian Gordon .

Russisk opera

Opera ble brakt til Russland på 1730-tallet av de italienske operatroppene, og snart ble det en viktig del av underholdningen for det russiske keiserhofet og aristokratiet . Mange utenlandske komponister som Baldassare Galuppi , Giovanni Paisiello , Giuseppe Sarti og Domenico Cimarosa (i tillegg til forskjellige andre) ble invitert til Russland for å komponere nye operaer, for det meste på italiensk . Samtidig ble noen innenlandske musikere som Maksym Berezovsky og Dmitry Bortniansky sendt til utlandet for å lære å skrive operaer. Den første operaen som ble skrevet på russisk var Tsefal i Prokris av den italienske komponisten Francesco Araja (1755). Utviklingen av russiskspråklig opera ble støttet av de russiske komponistene Vasily Pashkevich , Yevstigney Fomin og Alexey Verstovsky .

Imidlertid kom den virkelige fødselen av russisk opera med Mikhail Glinka og hans to store operaer Et liv for tsaren (1836) og Ruslan og Lyudmila (1842). Etter ham, i det 19. århundre i Russland, ble det skrevet slike opera-mesterverk som Rusalka og The Stone Guest av Alexander Dargomyzhsky , Boris Godunov og Khovanshchina av Modest Mussorgsky , Prince Igor av Alexander Borodin , Eugene Onegin og Queen of Spades av Pyotr Tchaikovsky , og The Snow Maiden and Sadko av Nikolai Rimsky-Korsakov . Denne utviklingen speilet veksten av russisk nasjonalisme over det kunstneriske spekteret, som en del av den mer generelle slavofilisme- bevegelsen.

I det 20. århundre ble tradisjonene til russisk opera utviklet av mange komponister, inkludert Sergei Rachmaninoff i hans verk The Miserly Knight og Francesca da Rimini , Igor Stravinsky i Le Rossignol , Mavra , Oedipus rex , og The Rake's Progress , Sergei Prokofiev i The Gambler. , Kjærligheten til tre appelsiner , Den brennende engelen , Betrothal i et kloster , og krig og fred ; samt Dmitri Shostakovich i The Nose and Lady Macbeth i Mtsensk District , Edison Denisov i L'écume des jours , og Alfred Schnittke i Life with an Idiot og Historia von D. Johann Fausten .

Tsjekkisk opera

Tsjekkiske komponister utviklet også en blomstrende nasjonal operabevegelse på 1800-tallet, og begynte med Bedřich Smetana , som skrev åtte operaer, inkludert den internasjonalt populære Bartered Bride . Smetanas åtte operaer skapte grunnlaget for det tsjekkiske operarepertoaret, men av disse blir bare The Bartered Bride fremført regelmessig utenfor komponistens hjemland. Etter å ha nådd Wien i 1892 og London i 1895, ble det raskt en del av repertoaret til alle større operakompanier over hele verden.

Antonín Dvořáks ni operaer, bortsett fra hans første, har librettoer på tsjekkisk og var ment å formidle den tsjekkiske nasjonalånden, det samme var noen av hans korverk. Den desidert mest suksessrike av operaene er Rusalka som inneholder den velkjente ariaen "Měsíčku na nebi hlubokém" ("Sang til månen"); den spilles på moderne operascener ofte utenfor Tsjekkia . Dette kan tilskrives deres ujevne oppfinnelse og libretti, og kanskje også deres iscenesettelse - Jacobin , Armida , Vanda og Dimitrij trenger scener som er store nok til å skildre invaderende hærer.

Resultat av Smetana's The Bartered Bride

Leoš Janáček fikk internasjonal anerkjennelse i det 20. århundre for sine innovative verk. Hans senere, modne verk inkorporerer hans tidligere studier av nasjonal folkemusikk i en moderne, meget original syntese, først tydelig i operaen Jenůfa , som hadde premiere i 1904 i Brno . Suksessen til Jenůfa (ofte kalt " Moravian national opera") i Praha i 1916 ga Janáček tilgang til verdens store operascener. Janáčeks senere verk er hans mest berømte. De inkluderer operaer som Káťa Kabanová og The Cunning Little Vixen , Sinfonietta og Glagolitic Mass .

Andre nasjonale operaer

Spania produserte også sin egen særegne form for opera, kjent som zarzuela , som hadde to separate blomster: en fra midten av 1600-tallet til midten av 1700-tallet, og en annen som begynte rundt 1850. I slutten av 1700-tallet og frem til midten av 1700-tallet. 1800-tallet var italiensk opera utrolig populær i Spania, og erstattet den opprinnelige formen.

I russisk Øst-Europa begynte flere nasjonale operaer å dukke opp. Ukrainsk opera ble utviklet av Semen Hulak-Artemovsky (1813–1873) hvis mest kjente verk Zaporozhets za Dunayem (En kosakk utover Donau) blir regelmessig fremført over hele verden. Andre ukrainske operakomponister inkluderer Mykola Lysenko ( Taras Bulba og Natalka Poltavka ), Heorhiy Maiboroda og Yuliy Meitus . Ved århundreskiftet begynte det også å dukke opp en distinkt nasjonal operabevegelse i Georgia under ledelsen Zacharia Paliashvili , som smeltet sammen lokale folkesanger og historier med romantiske klassiske temaer fra 1800-tallet .

Ferenc Erkel , far til ungarsk opera

Hovedfiguren i den ungarske nasjonale operaen på 1800-tallet var Ferenc Erkel , hvis verk for det meste handlet om historiske temaer. Blant hans hyppigst oppførte operaer er Hunyadi László og Bánk bán . Den mest kjente moderne ungarske opera er Béla Bartók 's Duke Blåskjeggs Castle .

Stanisław Moniuszkos opera Straszny Dwór (på engelsk The Haunted Manor ) (1861–64) representerer en topp på 1800-tallet av polsk nasjonalopera . I det 20. århundre inkluderte andre operaer skapt av polske komponister King Roger av Karol Szymanowski og Ubu Rex av Krzysztof Penderecki .

Den første kjente operaen fra Tyrkia (det osmanske riket ) var Arshak II , som var en armensk opera komponert av en etnisk armensk komponist Tigran Chukhajian i 1868 og delvis fremført i 1873. Den ble fullført i 1945 i Armenia.

De første årene av Sovjetunionen så nye nye nasjonale operaer frem, som Koroğlu (1937) av den aserbajdsjanske komponisten Uzeyir Hajibeyov . Den første kirgisiske operaen, Ai-Churek , hadde premiere i Moskva på Bolshoi Theatre 26. mai 1939 under det kirgisiske kunstdekaden. Den ble komponert av Vladimir Vlasov , Abdylas Maldybaev og Vladimir Fere . Librettoen ble skrevet av Joomart Bokonbaev, Jusup Turusbekov og Kybanychbek Malikov. Operaen er basert på det kirgisiske heroiske eposet Manas .

I Iran fikk opera mer oppmerksomhet etter innføringen av vestlig klassisk musikk på slutten av 1800-tallet. Imidlertid tok det til midten av 1900-tallet for iranske komponister å begynne å oppleve med feltet, spesielt da byggingen av Roudaki-salen i 1967 muliggjorde iscenesettelse av et stort utvalg av verk for scenen. Kanskje den mest berømte iranske operaen er Rostam og Sohrab av Loris Tjeknavorian hadde premiere først på begynnelsen av 2000-tallet.

Kinesisk moderne klassisk opera , en kinesisk språkform av opera i vestlig stil som skiller seg fra tradisjonell kinesisk opera, har hatt operaer fra The White Haired Girl i 1945.

I Latin-Amerika startet opera som et resultat av europeisk kolonisering. Den første operaen som noensinne er skrevet i Amerika var La púrpura de la rosa , av Tomás de Torrejón y Velasco , selv om Partenope , av meksikaneren Manuel de Zumaya , var den første operaen skrevet av en komponist født i Latin-Amerika (nå mistet musikk). Den første brasilianske operaen for en libretto på portugisisk var A Noite de São João , av Elias Álvares Lobo . Imidlertid blir Antônio Carlos Gomes generelt sett på som den mest fremragende brasilianske komponisten, og har en relativt suksess i Italia med sine brasilianske temaer med italienske librettoer, som Il Guarany . Opera i Argentina utviklet seg på 1900-tallet etter innvielsen av Teatro Colón i Buenos Aires - med operaen Aurora , av Ettore Panizza , som var sterkt påvirket av den italienske tradisjonen på grunn av innvandring. Andre viktige komponister fra Argentina inkluderer Felipe Boero og Alberto Ginastera .

Moderne, nylige og modernistiske trender

Modernisme

Kanskje den mest åpenbare stilistiske manifestasjonen av modernismen i operaen er utviklingen av atonalitet . Flyttet fra tradisjonell tonalitet i opera hadde begynt med Richard Wagner , og spesielt Tristan-akkorden . Komponister som Richard Strauss , Claude Debussy , Giacomo Puccini , Paul Hindemith , Benjamin Britten og Hans Pfitzner presset Wagner-harmonien videre med en mer ekstrem bruk av kromatisme og større bruk av dissonans. Et annet aspekt av modernistisk opera er skiftet fra lange, suspenderte melodier til korte raske mottoer, som først illustrert av Giuseppe Verdi i sin Falstaff . Komponister som Strauss, Britten, Shostakovich og Stravinsky adopterte og utvidet denne stilen.

Arnold Schoenberg i 1917; portrett av Egon Schiele

Operatisk modernisme begynte virkelig i operaene til to wienske komponister, Arnold Schoenberg og hans student Alban Berg , begge komponister og talsmenn for atonalitet og dens senere utvikling (som utarbeidet av Schoenberg), dodekafoni . Schoenbergs tidlige musikkdramatiske verk, Erwartung (1909, hadde premiere i 1924) og Die glückliche Hand viser tung bruk av kromatisk harmoni og dissonans generelt. Schoenberg brukte også innimellom Sprechstimme .

De to operaene til Schoenbergs elev Alban Berg, Wozzeck (1925) og Lulu (ufullstendig ved hans død i 1935) deler mange av de samme egenskapene som beskrevet ovenfor, selv om Berg kombinerte sin høyst personlige tolkning av Schoenbergs tolvtoneteknikk med melodiske passasjer av en mer tradisjonelt tonal natur (ganske mahlerisk i karakter) som kanskje delvis forklarer hvorfor operaene hans har holdt seg i standardrepertoar, til tross for deres kontroversielle musikk og plott. Schoenbergs teorier har påvirket (enten direkte eller indirekte) et betydelig antall operakomponister siden den gang, selv om de ikke selv komponerte ved hjelp av hans teknikker.

Stravinsky i 1921

Komponister som således ble påvirket inkluderer engelskmannen Benjamin Britten , tyskeren Hans Werner Henze og russeren Dmitri Sjostakovitsj . ( Philip Glass benytter seg også av atonalitet, selv om stilen generelt blir beskrevet som minimalistisk , vanligvis sett på som en annen utvikling fra det 20. århundre.)

Imidlertid utløste operamodernismens bruk av atonalitet også et tilbakeslag i form av nyklassisisme . En tidlig leder for denne bevegelsen var Ferruccio Busoni , som i 1913 skrev librettoen for sin nyklassisistiske nummeropera Arlecchino (først fremført i 1917). Også blant fortroppen var den russiske Igor Stravinsky . Etter å ha komponert musikk for de Diaghilev- produserte ballettene Petrushka (1911) og The Rite of Spring (1913), vendte Stravinsky seg til nyklassisisme, en utvikling som kulminerte i hans operaoratorium Oedipus Rex (1927). Stravinsky hadde allerede vendt seg bort fra de modernistiske trendene i sine tidlige balletter for å produsere småverk som ikke fullt ut kvalifiserer som opera, men som absolutt inneholder mange operaelementer, inkludert Renard (1916: "en burlesk i sang og dans") og The Soldier's Tale (1918: "å bli lest, spilt og danset"; i begge tilfeller er beskrivelsene og instruksjonene komponistenes). I sistnevnte avkrever skuespillerne taledeler til en spesifisert rytme over instrumental akkompagnement, spesielt likt den eldre tyske sjangeren Melodrama . Vel etter hans Rimsky-Korsakov-inspirerte verk The Nightingale (1914) og Mavra (1922), fortsatte Stravinsky å ignorere seriell teknikk og skrev til slutt en fullverdig diatonisk nummeropera The Rake's Progress (1951) fra 1700-tallet . Hans motstand mot serialisme (en holdning han vendte om etter Schoenbergs død) viste seg å være en inspirasjon for mange andre komponister.

Andre trender

En vanlig trend gjennom hele 1900-tallet, både i opera og orkesterrepertoar, er bruken av mindre orkestre som et kostnadsbesparende tiltak; de storslåtte orkestrene i romantikken med enorme strykeseksjoner, flere harper, ekstra horn og eksotiske slaginstrumenter var ikke lenger gjennomførbare. Da regjeringen og den private beskyttelsen av kunsten ble redusert gjennom det 20. århundre, ble nye verk ofte bestilt og utført med mindre budsjetter, noe som ofte resulterte i kammerstørrelser og korte operaer. Mange av Benjamin Brittens operaer er scoret for så lite som 13 instrumentalister; Mark Adamos to-akts-realisering av Little Women er scoret for 18 instrumentalister.

Et annet trekk ved opera på slutten av det 20. århundre er fremveksten av moderne historiske operaer, i motsetning til tradisjonen med å basere operaer på en fjernere historie, gjenfortelling av moderne fiktive historier eller skuespill, eller på myte eller legende. Klinghoffers død , Nixon i Kina og Doctor Atomic av John Adams , Dead Man Walking av Jake Heggie , og Anna Nicole av Mark-Anthony Turnage eksemplifiserer dramatiseringen på scenen av hendelser i det siste levende minnet, der karakterene som ble portrettert i operaen var i live på tidspunktet for premiereforestillingen.

The Metropolitan Opera i USA (ofte kjent som Met) rapporterte i 2011 at gjennomsnittsalderen på publikum var 60. Mange opera selskaper forsøkt å tiltrekke seg et yngre publikum til å stoppe større trend med grånende publikum for klassisk musikk siden de siste tiårene av det 20. århundre. Innsatsen resulterte i å senke gjennomsnittsalderen for Met's publikum til 58 i 2018, gjennomsnittsalderen ved Berlin statsopera ble rapportert som 54, og Paris Opera rapporterte en gjennomsnittsalder på 48 år.

Mindre selskaper i USA har en mer skjøre tilværelse, og de er vanligvis avhengige av et "lappeteppe" med støtte fra statlige og lokale myndigheter, lokale virksomheter og innsamlinger. Likevel har noen mindre selskaper funnet måter å trekke nytt publikum på. I tillegg til radio- og fjernsynssendinger av operaopptredener, som har hatt en viss suksess med å skaffe seg et nytt publikum, har sendinger av liveopptredener til kinoer vist potensialet til å nå et nytt publikum.

Fra musikaler tilbake til opera

På slutten av 1930-tallet begynte noen musikaler å bli skrevet med en mer operastruktur. Disse verkene inkluderer komplekse polyfoniske ensembler og gjenspeiler musikalsk utvikling i sin tid. Porgy and Bess (1935), påvirket av jazzstiler, og Candide (1956), med sine feiende, lyriske passasjer og farsiske parodier om opera, åpnet begge på Broadway, men ble akseptert som en del av operarepertoaret. Populære musikaler som Show Boat , West Side Story , Brigadoon , Sweeney Todd , Passion , Evita , The Light in the Piazza , The Phantom of the Opera og andre forteller dramatiske historier gjennom kompleks musikk, og i 2010-årene blir de noen ganger sett i operahus. . The Most Happy Fella (1952) er kvasi-operatisk og har blitt gjenopplivet av New York City Opera . Andre rock-påvirkede musikaler , som Tommy (1969) og Jesus Christ Superstar (1971), Les Misérables (1980), Rent (1996), Spring Awakening (2006), og Natasha, Pierre & The Great Comet of 1812 (2012) benytte forskjellige operakonvensjoner, for eksempel gjennom komposisjon , resitativ i stedet for dialog, og leitmotiver .

Akustisk forbedring i opera

En subtil type lydelektronisk forsterkning som kalles akustisk forbedring , brukes i noen moderne konserthaller og teatre hvor operaer fremføres. Selv om ingen av de store operahusene "... bruker tradisjonell lydforsterkning i Broadway-stil, der de fleste om ikke alle sangere er utstyrt med radiomikrofoner blandet til en serie stygge høyttalere spredt over teatret", bruker mange en lydforsterkning. system for akustisk forbedring og for subtil boosting av utenfor scenen stemmer, barnesanger, dialog på scenen og lydeffekter (f.eks. kirkeklokker i Tosca eller tordeneffekter i wagneriske operaer).

Operatiske stemmer

Operatisk vokalteknikk utviklet seg, i en tid før elektronisk forsterkning, for å tillate sangere å produsere nok volum til å bli hørt over et orkester, uten at instrumentalistene måtte kompromittere volumet deres.

Vokal klassifisering

Sangerne og rollene de spiller er klassifisert etter stemmetype , basert på tessitura , smidighet, kraft og klang i deres stemmer. Mannlige sangere kan klassifiseres etter vokalområdet som bass , bass-baryton , baryton , baritenor , tenor og countertenor , og kvinnelige sangere som contralto , mezzo-sopran og sopran . (Men noen ganger synger i "kvinnelige" stemmeregister, i hvilket tilfelle de betegnes sopranist eller kontratenor . Den kontratenor er vanlig forekommende i opera, noen ganger synger deler skrevet for castrati -Men kastrert i ung alder spesielt for å gi dem en høyere sang rekkevidde.) Sanger klassifiseres deretter ytterligere etter størrelse — for eksempel kan en sopran beskrives som en tekstsopran, koloratur , soubrette , spinto eller dramatisk sopran. Disse begrepene, selv om de ikke fullt ut beskriver en sangstemme, forbinder sangerens stemme med de rollene som passer best til sangerens vokale egenskaper.

Nok en underklassifisering kan lages i henhold til skuespillerkompetanse eller krav, for eksempel basso buffo som ofte må være spesialist på mønster så vel som en tegneserie. Dette blir utført i detalj i Fach- systemet til tysktalende land, hvor historisk opera og muntlig drama ofte ble satt på av det samme repertorieselskapet .

En bestemt sangers stemme kan endre seg drastisk i løpet av hans eller hennes levetid, og sjelden når vokal modenhet til det tredje tiåret, og noen ganger ikke før i middelalderen. To franske stemmetyper, premiere dugazon og deuxieme dugazon , ble oppkalt etter påfølgende stadier i karrieren til Louise-Rosalie Lefebvre (Mme. Dugazon). Andre vilkår opprinnelse i stjernen støping system av parisiske teatrene er baryton-martin og sopran falk .

Historisk bruk av stemmepartier

Det følgende er kun ment som en kort oversikt. For hovedartiklene, se sopran , mezzo-sopran , contralto , tenor , baryton , bass , countertenor og castrato .

Sopranstemmen har vanligvis blitt brukt som valgstemme for den kvinnelige hovedpersonen i operaen siden siste halvdel av 1700-tallet. Tidligere var det vanlig at den delen ble sunget av en hvilken som helst kvinnelig stemme, eller til og med en castrato . Den nåværende vektleggingen av et bredt vokalområde var først og fremst en oppfinnelse av den klassiske perioden . Før det var vokalvirtuositeten, ikke rekkevidden, prioritert, med soprandeler som sjelden strekker seg over høy A ( Händel skrev for eksempel bare en rolle som strekker seg til høy C ), selv om castrato Farinelli ble påstått å ha en topp D (hans nedre rekkevidde var også ekstraordinær og utvidet til tenor C). Mezzosopranen, et begrep med relativt ny opprinnelse, har også et stort repertoar, alt fra den kvinnelige hovedrollen i Purcells Dido og Aeneas til slike tungvektsroller som Brangäne i Wagners Tristan und Isolde (disse er begge roller som noen ganger blir sunget av sopraner; er ganske mye bevegelse mellom disse to stemmetypene). For den sanne kontraalt, er utvalget av deler mer begrenset, noe som har gitt opphav til insider spøk som contraltos bare synge "hekser, tisper, og britches " roller. I de siste årene har mange av "bukserollene" fra barokktiden, opprinnelig skrevet for kvinner, og de som opprinnelig ble sunget av castrati, blitt overført til kontoretorer.

Tenorstemmen, fra og med den klassiske tiden, har tradisjonelt blitt tildelt rollen som mannlig hovedperson. Mange av de mest utfordrende tenorrollene i repertoaret ble skrevet under bel canto- tiden, for eksempel Donizettis sekvens på 9 Cs over midten C under La fille du régiment . Med Wagner kom vekt på vokalheft for sine hovedrolle, med denne vokalkategorien beskrevet som Heldentenor ; denne heroiske stemmen hadde sin mer italienske motstykke i slike roller som Calaf i Puccinis Turandot . Bass har en lang historie innen opera, etter å ha blitt brukt i opera serier i biroller, og noen ganger for komisk lettelse (i tillegg til å gi en kontrast til overvekt av høye stemmer i denne sjangeren). Bass-repertoaret er bredt og variert, og strekker seg fra komedien til Leporello i Don Giovanni til adelen til Wotan i Wagners Ring Cycle, til den konfliktfulle kong Phillip av Verdis Don Carlos . Mellom bassen og tenoren er barytonen, som også varierer i vekt fra si Guglielmo i Mozarts Così fan tutte til Posa i Verdis Don Carlos ; selve betegnelsen "baryton" var ikke standard før på midten av 1800-tallet.

Kjente sangere

Castrato Senesino , c. 1720

Tidlige forestillinger av opera var for sjeldne til at sangere kunne tjene til livets opphold eksklusivt fra stilen, men med fødselen av kommersiell opera i midten av 1600-tallet begynte profesjonelle artister å dukke opp. Rollen til den mannlige helten ble vanligvis betrodd en castrato , og i det 18. århundre, da italiensk opera ble fremført i hele Europa, ble ledende castrati som hadde ekstraordinær vokalvirtuositet, som Senesino og Farinelli , internasjonale stjerner. Karrieren til den første kvinnelige stjernen (eller prima donna ), Anna Renzi , dateres til midten av 1600-tallet. På 1700-tallet fikk en rekke italienske sopraner internasjonal anerkjennelse og ofte engasjert seg i hard rivalisering, som det var tilfelle med Faustina Bordoni og Francesca Cuzzoni , som startet en knyttnekamp med hverandre under en forestilling av en Handel-opera. Franskmennene likte ikke castrati, og foretrakk at deres mannlige helter ble sunget av en haute-contre (en høy tenor), som Joseph Legros (1739–1793) var et ledende eksempel på.

Selv om opera-patronage har redusert i forrige århundre til fordel for annen kunst og media (som musikaler, kino, radio, TV og innspillinger), har massemedier og innspillingen støttet populariteten til mange kjente sangere, inkludert Maria Callas , Enrico Caruso , Amelita Galli-Curci , Kirsten Flagstad , Juan Arvizu , Nestor Mesta Chayres , Mario Del Monaco , Renata Tebaldi , Risë Stevens , Alfredo Kraus , Franco Corelli , Montserrat Caballé , Joan Sutherland , Birgit Nilsson , Nellie Melba , Rosa Ponselle , Beniamino Gigli , Jussi Björling , Feodor Chaliapin , Cecilia Bartoli , Renée Fleming , Marilyn Horne , Bryn Terfel og " The Three Tenors " ( Luciano Pavarotti , Plácido Domingo og José Carreras ).

Orkesterets skiftende rolle

Før 1700-tallet brukte italienske operaer et lite strykeorkester , men det spilte sjelden å følge sangerne. Operasoloer i denne perioden ble akkompagnert av basso continuo- gruppen, som besto av cembalo , "plukkede instrumenter" som lute og et bassinstrument. Strykeorkesteret spilte vanligvis bare når sangeren ikke sang, for eksempel under en sangers "... innganger og utganger, mellom vokalnummer, [eller] for [medfølgende] dans". En annen rolle for orkesteret i denne perioden var å spille et orkestralt ritornello for å markere slutten på en sangers solo. Tidlig på 1700-tallet begynte noen komponister å bruke strykeorkesteret til å markere visse arier eller resitativer "... som spesielle"; innen 1720 ble de fleste arier akkompagnert av et orkester. Operakomponister som Domenico Sarro , Leonardo Vinci , Giambattista Pergolesi , Leonardo Leo og Johann Adolf Hasse la til nye instrumenter i operaorkesteret og ga instrumentene nye roller. De la til blåseinstrumenter i strengene og brukte orkesterinstrumenter for å spille instrumentalsolo, som en måte å markere visse arier som spesielle.

Tysk operaorkester fra begynnelsen av 1950-tallet

Orkesteret har også sørget for en instrumental overture før sangerne kommer på scenen siden 1600-tallet. Peri 's Euridice åpner med en kort instrumental ritornell og Monte ' s L'Orfeo (1607) åpner med en toccata , i dette tilfellet en fanfare for dempet trompeter . Den franske overturen som den finnes i Jean-Baptiste Lullys operaer består av en langsom introduksjon i en markert "prikket rytme", etterfulgt av en livlig bevegelse i fugato- stil. Ouverturen ble ofte etterfulgt av en serie dansemelodier før gardinen steg. Dette ture stilen ble også brukt i engelsk opera, spesielt i Henry Purcell 's Dido og Aeneas . Handel bruker også den franske ouverturformen i noen av hans italienske operaer som Giulio Cesare .

I Italia oppstod en distinkt form kalt "overture" på 1680-tallet, og ble etablert spesielt gjennom operaene til Alessandro Scarlatti , og spredte seg over hele Europa, og erstattet den franske formen som standardoperaturen ved midten av 1700-tallet. Den bruker tre generelt homofoniske bevegelser : rask – langsom – rask. Åpningsbevegelsen var normalt i to meter og i en stor nøkkel; den langsomme bevegelsen i tidligere eksempler var kort, og kunne være i en kontrastnøkkel; den avsluttende bevegelsen var danseaktig, ofte med rytmer av tretthet eller minuet , og vendte tilbake til nøkkelen til åpningsseksjonen. Etter hvert som formen utviklet seg, kan den første satsen innlemme fanfarelignende elementer og fikk mønsteret av såkalt "sonatina form" ( sonateform uten en utviklingsdel), og den langsomme delen ble mer utvidet og lyrisk.

I italiensk opera etter omkring 1800 ble "overturen" kjent som sinfonia . Fisher bemerker også begrepet Sinfonia avanti l'opera (bokstavelig talt "symfonien før operaen") var "et tidlig begrep for en sinfonia som ble brukt til å starte en opera, det vil si som en overture i motsetning til en som serverer for å begynne en senere del av verket ". I 1800-tallets opera, i noen operaer, var overturen, Vorspiel , Einleitung , Introduksjon, eller hva det enn måtte kalles, den delen av musikken som foregår før gardinen reiser seg; en spesifikk, stiv form var ikke lenger nødvendig for overturen.

Orkesterets rolle i å følge sangerne endret seg i løpet av 1800-tallet, da den klassiske stilen overgikk til den romantiske tiden. Generelt ble orkestre større, nye instrumenter ble lagt til, for eksempel ekstra perkusjonsinstrumenter (for eksempel basstromme, cymbaler, skarptromme osv.). Den orkestrering av orkester deler også utviklet seg over 19-tallet. I wagneriske operaer gikk orkesterets forkant utover overturen. I wagneriske operaer som Ring Cycle , spilte orkesteret ofte de tilbakevendende musikalske temaene eller leitmotivene , en rolle som ga en fremtredende rolle for orkesteret som "... løftet sin status til en primadonna ". Wagners operaer ble scoret med enestående omfang og kompleksitet, og tilførte flere messinginstrumenter og store ensemblestørrelser: hans score til Das Rheingold krever faktisk seks harper . I Wagner og arbeidet til påfølgende komponister, som Benjamin Britten, kommuniserer orkesteret ofte fakta om historien som overstiger nivået av bevissthet hos karakterene der. Som et resultat begynte kritikere å betrakte orkesteret som å utføre en rolle som var analog med en litterær forteller. "

Etter hvert som orkesterets rolle og andre instrumentale ensembler endret seg over operahistorien, gjorde også rollen som ledende musikere det. I barokktiden ble musikerne vanligvis regissert av cembalo-spilleren, selv om den franske komponisten Lully er kjent for å ha dirigert med en lang stab. På 1800-tallet, i den klassiske perioden, ville den første fiolinisten, også kjent som konsertmesteren , lede orkesteret mens han satt. Over tid begynte noen regissører å reise seg og bruke hånd- og armbevegelser for å lede utøverne. Til slutt ble denne rollen som musikksjef kalt dirigent , og et podium ble brukt for å gjøre det lettere for alle musikerne å se ham eller henne. Da Wagner-operaene ble introdusert, ga kompleksiteten til verkene og de store orkestrene som ble spilt dem dirigenten en stadig viktigere rolle. Moderne operadirigenter har en utfordrende rolle: de må lede både orkesteret i orkestergropen og sangerne på scenen.

Språk- og oversettelsesproblemer

Siden Handel og Mozarts dager har mange komponister favorisert italiensk som språket for operaenes libretto. Fra Bel Canto-tiden til Verdi hadde komponister noen ganger tilsyn med versjoner av operaene sine på både italiensk og fransk. På grunn av dette blir operaer som Lucia di Lammermoor eller Don Carlos i dag ansett som kanoniske i både deres franske og italienske versjoner.

Frem til midten av 1950-tallet var det akseptabelt å produsere operaer i oversettelser selv om disse ikke hadde blitt godkjent av komponisten eller de originale librettistene. For eksempel arrangerte operahus i Italia Wagner rutinemessig på italiensk. Etter andre verdenskrig ble operastipendiet forbedret, kunstnere fokuserte på nytt på originalversjonene, og oversettelser falt i unåde. Kunnskap om europeiske språk, spesielt italiensk, fransk og tysk, er i dag en viktig del av opplæringen for profesjonelle sangere. "Den største delen av operaopplæring er i lingvistikk og musikalskap", forklarer mezzosopran Dolora Zajick . "[Jeg må forstå] ikke bare hva jeg synger, men hva alle andre synger. Jeg synger italiensk, tsjekkisk, russisk, fransk, tysk, engelsk."

På 1980-tallet begynte supertitler (noen ganger kalt surtitles ) å dukke opp. Selv om supertitler først ble nesten universelt fordømt som en distraksjon, gir i dag mange operahus enten supertitler, vanligvis projisert over teatrets prosceniumbue , eller individuelle seteskjermer der tilskuere kan velge mellom mer enn ett språk. TV-sendinger inkluderer vanligvis undertekster, selv om de er ment for et publikum som kjenner språket (for eksempel en RAI- sending av en italiensk opera). Disse undertekstene retter seg ikke bare mot hørselshemmede, men også publikum generelt, ettersom en sunget diskurs er mye vanskeligere å forstå enn en muntlig - selv i morsmålets ører. Teksting på ett eller flere språk har blitt standard i operasendinger, simulcasts og DVD-utgaver.

I dag fremføres operaer bare sjelden i oversettelse. Unntak inkluderer English National Opera , Opera Theatre of Saint Louis , Opera Theatre of Pittsburgh og Opera South East, som favoriserer engelske oversettelser. Et annet unntak er operaproduksjoner beregnet på et ungt publikum, som Humperdincks Hansel og Gretel og noen produksjoner av Mozarts Tryllefløyte .

Finansiering

Svenske operasangere i en hyllest til Kjerstin Dellert og Ulriksdal Palace Theatre ved 40-årsjubileet i 2016 med finansiering, renovering og påfølgende gjenåpning

Utenfor USA, og spesielt i Europa, får de fleste operahus offentlige tilskudd fra skattebetalere. I Milano, Italia, kommer 60% av La Scalas årlige budsjett på 115 millioner euro fra billettsalg og private donasjoner, mens de resterende 40% kommer fra offentlige midler. I 2005 mottok La Scala 25% av Italias totale statlige tilskudd på € 464 millioner for scenekunst. I Storbritannia gir Arts Council England midler til Opera North , Royal Opera House , Welsh National Opera og English National Opera . Mellom 2012 og 2015 utgjorde disse fire operakompaniene sammen med den engelske nasjonale balletten , Birmingham Royal Ballet og Northern Ballet 22% av midlene i Arts Councils nasjonale portefølje. I løpet av denne perioden foretok rådet en analyse av finansieringen til store opera- og ballettbedrifter, og satte anbefalinger og mål for selskapene å møte før finansieringsbeslutningene 2015–2018. I februar 2015 førte bekymringene over English National Operas forretningsplan til at Arts Council la den "under spesielle finansieringsordninger" i det The Independent kalte "det enestående trinnet" med å true med å trekke offentlig finansiering hvis rådets bekymringer ikke ble oppfylt innen 2017. Europeisk offentlig finansiering til opera har ført til en forskjell mellom antall helårsoperahus i Europa og USA. For eksempel "Tyskland har rundt 80 helårsoperaer [fra 2004], mens USA, med mer enn tre ganger befolkningen, ikke har noen. Selv Met har bare en sju måneders sesong."

TV, kino og Internett

En milepæl for operasending i USA ble nådd 24. desember 1951 med direktesendingen av Amahl and the Night Visitors , en opera i en akt av Gian Carlo Menotti . Det var den første operaen spesielt komponert for TV i Amerika. En annen milepæl skjedde i Italia i 1992 da Tosca ble sendt direkte fra de opprinnelige romerske omgivelsene og tidene på dagen: den første handlingen kom fra kirken Sant'Andrea della Valle fra 1500-tallet klokka 12 på lørdag; 1500-tallet Palazzo Farnese var rammen for det andre klokka 20:15; og søndag klokka 6 ble tredje akt sendt fra Castel Sant'Angelo. Produksjonen ble overført via satellitt til 105 land.

Store operaselskaper har begynt å presentere sine forestillinger på lokale kinoer i hele USA og mange andre land. Metropolitan Opera startet en serie med live HD-videooverføringer til kinoer over hele verden i 2006. I 2007 ble Met-forestillinger vist i over 424 teatre i 350 amerikanske byer. La bohème gikk ut til 671 skjermer over hele verden. San Francisco Opera startet på forhånd innspilte videooverføringer i mars 2008. Fra juni 2008 har cirka 125 teatre i 117 amerikanske byer forestillinger. Overføringene av HD-videooperaen presenteres via de samme HD digitale kino projektorene som brukes til store Hollywood-filmer . Europeiske operahus og festivaler, inkludert Royal Opera i London, La Scala i Milano, Salzburg Festival , La Fenice i Venezia og Maggio Musicale i Firenze har også overført sine produksjoner til teatre i byer rundt om i verden siden 2006, inkludert 90 byer i USA

Fremveksten av Internett har også påvirket måten publikum bruker opera på. I 2009 tilbød den britiske Glyndebourne Festival Opera for første gang en online nedlastning av digital video av hele 2007-produksjonen av Tristan und Isolde . I 2013-sesongen streamet festivalen alle seks produksjonene på nettet. I juli 2012 hadde den første nettbaserte samfunnsopera premiere på Savonlinna Opera Festival . Med tittelen Free Will , ble den opprettet av medlemmer av Internett-gruppen Opera By You. De 400 medlemmene fra 43 land skrev librettoen, komponerte musikken og designet sett og kostymer ved hjelp av Wreckamovie -nettplattformen. Savonlinna Opera Festival ga profesjonelle solister, et kor på 80 medlemmer, et symfoniorkester og scenemaskineriet. Den ble spilt live på festivalen og streamet live på internett.

Se også

Referanser

Merknader

Kilder

Videre lesning

Eksterne linker