Rokokko -Rococo

Rokokko
Ca' rezzonico, salone da ballo, quadrature di pietro visconti e affreschi di gb crosato (caduta di febo e 4 continenti), 1753, 02.jpg
Charles Cressent, kommode, ca.  1730 på Waddesdon Manor.jpg
Kaisersaal Würzburg.jpg
Ballsaltak på Ca Rezzonico i Venezia med illusjonistisk quadratura -maleri av Giovanni Battista Crosato (1753); Kommode av Charles Cressent (1730); Kaisersaal of Würzburg Residence av Balthasar Neumann (1749–51)
Åre aktiv 1730- til 1760-årene
Land Frankrike, Italia, Sentral-Europa

Rococo , mindre vanlig Roccoco ( / r ə ˈ k k / rə- KOH -koh , USA også / ˌ r k ə ˈ k / ROH -kə- KOH , fransk:  [ʁɔkɔko] eller [ʁokoko] ( hør ) ), også kjent som senbarokk , er en usedvanlig dekorativ og dramatisk stil innen arkitektur, kunst og dekorasjon som kombinerer asymmetri, rullekurver, forgylling, hvite og pastellfarger, skulpturert støping og trompe- l'œil fresker for å skape overraskelse og en illusjon av bevegelse og drama. Det blir ofte beskrevet som det endelige uttrykket for barokkbevegelsen .

Rokokkostilen begynte i Frankrike på 1730-tallet som en reaksjon mot den mer formelle og geometriske Louis XIV-stilen . Det var kjent som "stil Rocaille ", eller "Rocaille-stil". Den spredte seg snart til andre deler av Europa, spesielt Nord-Italia, Østerrike, Sør-Tyskland, Sentral-Europa og Russland. Det kom også til å påvirke andre kunster, spesielt skulptur, møbler, sølvtøy, glass, maleri, musikk og teater. Selv om den opprinnelig var en sekulær stil som først og fremst ble brukt til interiør i private boliger, hadde rokokkoen et åndelig aspekt ved seg som førte til dens utbredte bruk i kirkeinteriør, spesielt i Sentral-Europa, Portugal og Sør-Amerika.

Etymologi

Integrert rokokkoskjæring, stukkatur og freskomaleri ved Zwiefalten Abbey (1739–45)

Ordet rokokko ble først brukt som en humoristisk variant av ordet rocaille . Rocaille var opprinnelig en dekorasjonsmetode med småstein, skjell og sement, som ofte ble brukt til å dekorere grotter og fontener siden renessansen. På slutten av 1600- og begynnelsen av 1700-tallet ble rocaille betegnelsen på et slags dekorativt motiv eller ornament som dukket opp i den sene stilen Louis XIV , i form av et skjell sammenflettet med akantusblader . I 1736 publiserte designeren og gullsmeden Jean Mondon Premier Livre de forme rocquaille et cartel , en samling av design for ornamenter av møbler og interiørdekorasjoner. Det var den første opptredenen på trykk av begrepet rocaille for å betegne stilen. Det utskårne eller støpte skjellmotivet ble kombinert med palmeblader eller kronglete vinstokker for å dekorere døråpninger, møbler, veggpaneler og andre arkitektoniske elementer.

Begrepet rokokko ble først brukt på trykk i 1825 for å beskrive dekorasjon som var "ute av stil og gammeldags". Den ble brukt i 1828 til dekorasjon "som tilhørte stilen på 1700-tallet, overlesset med vridende ornamenter". I 1829 beskrev forfatteren Stendhal rokokko som «det 18. århundres rocaillestil».

Hovedstaden i Engelszell Abbey , fra Østerrike (1754-1764)

På 1800-tallet ble begrepet brukt for å beskrive arkitektur eller musikk som var overdrevent dekorativ. Siden midten av 1800-tallet har begrepet blitt akseptert av kunsthistorikere . Mens det fortsatt er en viss debatt om den historiske betydningen av stilen, blir rokokko nå ofte betraktet som en distinkt periode i utviklingen av europeisk kunst .

Kjennetegn

Rococo har sprudlende dekorasjoner, med en overflod av kurver, motkurver, bølger og elementer basert på naturen. Eksteriøret til rokokkobygninger er ofte enkelt, mens interiøret er helt dominert av ornamentet. Stilen var svært teatralsk, designet for å imponere og ærefrykt ved første blikk. Plantegninger av kirker var ofte komplekse, med ovaler i lås; I palasser ble store trapper midtpunkt, og ga forskjellige synspunkter på dekorasjonen. De viktigste ornamentene til rokokko er: asymmetriske skjell, akantus og andre blader, fugler, buketter med blomster, frukt, musikkinstrumenter, engler og Chinoiserie ( pagoder , drager, aper, bisarre blomster og kinesere).

Stilen integrerte ofte maleri, støpt stukk og treskjæring, og quadratura eller illusjonistiske takmalerier, som ble designet for å gi inntrykk av at de som kom inn i rommet så opp mot himmelen, der kjeruber og andre skikkelser stirret ned på dem . Materialer som ble brukt inkludert stukk, enten malt eller venstre hvit; kombinasjoner av forskjellige fargede treslag (vanligvis eik, bøk eller valnøtt); lakkert tre i japansk stil, ornament av forgylt bronse, og marmorplater av commodes eller bord. Hensikten var å skape et inntrykk av overraskelse, ærefrykt og undring ved første øyekast.

Forskjeller mellom barokk og rokokko

Rokokko har følgende egenskaper, som barokk ikke har:

  • Den delvise forlatelse av symmetri, alt er sammensatt av grasiøse linjer og kurver, lik jugendstil
  • Den enorme mengden asymmetriske kurver og C-formede volutter
  • Den brede bruken av blomster i ornamentikk, et eksempel er festonger laget av blomster
  • Østasiatiske motiver (" Chinoiserie ")
  • Varme pastellfarger (hvitaktig-gul, kremfarget, perlegrå, veldig lyseblå)

Frankrike

Rocaille - stilen, eller fransk rokokko, dukket opp i Paris under Ludvig XVs regjeringstid , og blomstret mellom ca. 1723 og 1759. Stilen ble spesielt brukt i salonger, en ny romstil designet for å imponere og underholde gjester. Det mest fremtredende eksemplet var salongen til prinsessen i Hôtel de Soubise i Paris, designet av Germain Boffrand og Charles-Joseph Natoire (1735–40). Kjennetegnene til fransk rokokko inkluderte eksepsjonell kunstnerskap, spesielt i de komplekse rammene laget for speil og malerier, som ble skulpturert i gips og ofte forgylt; og bruken av vegetabilske former (vinstokker, blader, blomster) sammenflettet i komplekse design. Møblene hadde også svingete kurver og vegetabilsk design. De ledende møbeldesignerne og håndverkerne i stilen inkluderte Juste-Aurele Meissonier , Charles Cressent og Nicolas Pineau .

Rocaille-stilen varte i Frankrike til midten av 1700-tallet, og mens den ble mer buet og vegetallig, oppnådde den aldri den ekstravagante overfloden av rokokkoen i Bayern, Østerrike og Italia. Oppdagelsene av romerske antikviteter som startet i 1738 ved Herculaneum og spesielt ved Pompeii i 1748, snudde fransk arkitektur i retning av den mer symmetriske og mindre flamboyante nyklassisismen .

Italia

Kunstnere i Italia, spesielt Venezia , produserte også en sprudlende rokokkostil. Venetianske commodes imiterte de buede linjene og utskårne ornamentene til den franske rocaille, men med en spesiell venetiansk variasjon; stykkene ble malt, ofte med landskap eller blomster eller scener fra Guardi eller andre malere, eller Chinoiserie , mot en blå eller grønn bakgrunn, og matchet fargene til den venetianske malerskolen hvis arbeid dekorerte salongene. Bemerkelsesverdige dekorative malere inkluderte Giovanni Battista Tiepolo , som malte tak og veggmalerier av både kirker og palasser, og Giovanni Battista Crosato som malte ballsaltaket til Ca Rezzonicoquadraturo- måten, noe som ga en illusjon av tre dimensjoner. Tiepelo reiste til Tyskland med sønnen i løpet av 1752–1754, og dekorerte takene på Würzburg Residence , et av de viktigste landemerkene i den bayerske rokokkoen. En tidligere berømt venetiansk maler var Giovanni Battista Piazzetta , som malte flere bemerkelsesverdige kirketak.

Den venetianske rokokkoen inneholdt også eksepsjonelle glassvarer, spesielt Murano-glass , ofte gravert og farget, som ble eksportert over hele Europa. Verkene inkluderte flerfargede lysekroner og speil med ekstremt utsmykkede rammer.

Sør-Tyskland

I kirkebygging, spesielt i den sørtysk-østerrikske regionen, skapes noen ganger gigantiske romlige kreasjoner av praktiske årsaker alene, som imidlertid ikke fremstår som monumentale, men er preget av en unik sammensmeltning av arkitektur, maleri, stukkatur, etc., eliminerer ofte grensene mellom kunstgenrene, og er preget av en lysfylt vektløshet, festlig munterhet og bevegelse. Den dekorative rokokkostilen nådde toppen i Sør-Tyskland og Østerrike fra 1730-tallet til 1770-tallet. Der dominerer den kirkelandskapet den dag i dag og er dypt forankret der i populærkulturen. Den ble først introdusert fra Frankrike gjennom publikasjonene og verkene til franske arkitekter og dekoratører, inkludert billedhuggeren Claude III Audran , interiørdesigneren Gilles-Marie Oppenordt , arkitekten Germain Boffrand , billedhuggeren Jean Mondon og tegneren og gravøren Pierre Lepautre . Arbeidene deres hadde en viktig innflytelse på den tyske rokokkostilen, men når ikke opp på nivå med bygninger i Sør-Tyskland.

Tyske arkitekter tilpasset rokokkostilen, men gjorde den langt mer asymmetrisk og lastet med mer utsmykkede dekorasjoner enn den franske originalen. Den tyske stilen var preget av en eksplosjon av former som fosset nedover veggene. Den inneholdt støping formet til kurver og motkurver, vridnings- og dreiemønstre, tak og vegger uten rette vinkler, og stukkaturløvverk som så ut til å krype oppover veggene og over taket. Dekorasjonen ble ofte forgylt eller forsølvet for å gi den kontrast til de hvite eller bleke pastellveggene.

Den belgiskfødte arkitekten og designeren François de Cuvilliés var en av de første som skapte en rokokkobygning i Tyskland, med paviljongen Amalienburg i München, (1734-1739), inspirert av paviljongene til Trianon og Marly i Frankrike. Den ble bygget som en jakthytte, med en plattform på taket for å skyte fasaner. Speilsalen i interiøret, av maleren og stukkaturskulptøren Johann Baptist Zimmermann , var langt mer sprudlende enn noen fransk rokokko.

Et annet bemerkelsesverdig eksempel på den tidlige tyske rokokkoen er Würzburg Residence (1737–1744) konstruert for prins-biskopen av Würzburg av Balthasar Neumann . Neumann hadde reist til Paris og rådført seg med de franske dekorative rocaillekunstnerne Germain Boffrand og Robert de Cotte . Mens eksteriøret var i mer sober barokkstil, var interiøret, spesielt trapper og tak, mye lettere og dekorativt. Prins-biskopen importerte den italienske rokokko-maleren Giovanni Battista Tiepolo i 1750–1753 for å lage et veggmaleri over toppen av den tre-etasjes seremonielle trappen. Neumann beskrev interiøret i boligen som "et teater av lys". Trappen var også det sentrale elementet i en bolig Neumann bygget ved Augustusburg-palasset i Brühl (1743–1748). I den bygningen førte trappen de besøkende opp gjennom en stukkaturfantasi av malerier, skulpturer, jernverk og dekorasjoner, med overraskende utsikter på hver sving.

På 1740- og 1750-tallet ble en rekke bemerkelsesverdige pilegrimskirker bygget i Bayern , med interiør dekorert i en særegen variant av rokokkostilen. Et av de mest bemerkelsesverdige eksemplene er Wieskirche (1745–1754) designet av Dominikus Zimmermann . Som de fleste av de bayerske pilegrimskirkene er eksteriøret veldig enkelt, med pastellvegger og lite ornament. Inn i kirken møter besøkende et forbløffende teater av bevegelse og lys. Den har en oval-formet helligdom, og et deambulatorium i samme form, som fyller kirken med lys fra alle kanter. De hvite veggene kontrasterte med søyler av blå og rosa stukk i koret, og det kuppelformede taket omgitt av gipsengler under en kuppel som representerte himmelen overfylt med fargerike bibelske figurer. Andre bemerkelsesverdige pilegrimskirker inkluderer Basilica of the Fourteen Holy Helpers av Balthasar Neumann (1743–1772).

Johann Michael Fischer var arkitekten til Ottobeuren Abbey (1748–1766), et annet bayersk rokokko-landemerke. Kirken har, som mye av rokokkoarkitekturen i Tyskland, en bemerkelsesverdig kontrast mellom fasadens regelmessighet og overfloden av dekorasjoner i interiøret.

Storbritannia

I Storbritannia ble rokokko kalt den "franske smaken" og hadde mindre innflytelse på design og dekorativ kunst enn i det kontinentale Europa, selv om dens innflytelse ble følt i områder som sølvverk, porselen og silke. William Hogarth var med på å utvikle et teoretisk grunnlag for rokokkoskjønnhet. Selv om han ikke nevnte rokokko ved navn, hevdet han i sin Analysis of Beauty (1753) at de bølgende linjene og S-kurvene som var fremtredende i rokokkoen var grunnlaget for nåde og skjønnhet i kunst eller natur (i motsetning til den rette linjen eller sirkelen i klassisismen ) .

Rokokkoen var treg med å ankomme England. Før de gikk inn i rokokkoen, fulgte britiske møbler en tid den nyklassisistiske palladianske modellen under designeren William Kent , som designet for Lord Burlington og andre viktige beskyttere av kunsten. Kent reiste til Italia med Lord Burlington mellom 1712 og 1720, og brakte tilbake mange modeller og ideer fra Palladio. Han tegnet møblene for Hampton Court Palace (1732), Lord Burlingtons Chiswick House (1729), London, Thomas Cokes Holkham Hall , Norfolk, Robert Walpoles haug på Houghton , for Devonshire House i London og ved Rousham.

Mahogni dukket opp i England rundt 1720, og ble umiddelbart populært for møbler, sammen med valnøtttre . Rokokkoen begynte å dukke opp i England mellom 1740 og 1750. Møblene til Thomas Chippendale var nærmest rokokkostilen, I 1754 publiserte han "Gentleman's and Cabinet-makers' directory", en katalog med design for rokokko, kinoserie og selv gotiske møbler, som oppnådde stor popularitet, gikk gjennom tre utgaver. I motsetning til franske designere, brukte ikke Chippendale intarsia eller innlegg i møblene sine. Den dominerende designeren av innlagte møbler var Vile og Cob, møbelsnekkerne for kong George III. En annen viktig skikkelse innen britiske møbler var Thomas Johnson , som i 1761, veldig sent i perioden, publiserte en katalog over rokokkomøbeldesign. Disse inkluderer møbler basert på ganske fantastiske kinesiske og indiske motiver, inkludert en himmelseng kronet av en kinesisk pagode (nå i Victoria and Albert Museum).

Andre bemerkelsesverdige skikkelser i den britiske rokokkoen inkluderer sølvsmeden Charles Friedrich Kandler.

Russland

Den russiske keiserinne Katarina den store var en annen beundrer av rokokkoen; Det gyldne kabinettet til det kinesiske palasset i palasskomplekset Oranienbaum nær St. Petersburg, designet av italieneren Antonio Rinaldi , er et eksempel på den russiske rokokkoen.

frederisk rokokko

Frederick the Great , fra Johann HC Franke, ca 1781

Fredericiansk rokokko er en form for rokokko som utviklet seg i Preussen under Fredrik den stores regjeringstid og kombinerte påvirkninger fra Frankrike , Tyskland (spesielt Sachsen) og Nederland . Dens mest kjente tilhenger var arkitekten Georg Wenzeslaus von Knobelsdorff . Videre påvirket maleren Antoine Pesne og til og med kong Frederick selv Knobelsdorffs design. Kjente bygninger i frederisk stil inkluderer Sanssouci-palasset , Potsdam City-palasset og deler av Charlottenburg-palasset .

Avslå og slutt

Sammenligning mellom en etsning fra 1700-tallet , av Jacques de Lajoue , av en rokokkobegerkrater ; og en romersk begerkrater fra 1. århundre som har nøyaktig samme form som en neoklassisk steinhagevase

Kunsten til Boucher og andre malere fra perioden, med sin vekt på dekorativ mytologi og galanteri, inspirerte snart en reaksjon, og et krav om mer "edle" temaer. Mens rokokkoen fortsatte i Tyskland og Østerrike, begynte det franske akademiet i Roma å undervise i den klassiske stilen. Dette ble bekreftet av nominasjonen av De Troy som direktør for akademiet i 1738, og deretter i 1751 av Charles-Joseph Natoire .

Madame de Pompadour , elskerinnen til Louis XV bidro til tilbakegangen av rokokkostilen. I 1750 sendte hun broren, Abel-François Poisson de Vandières , på et toårig oppdrag for å studere kunstnerisk og arkeologisk utvikling i Italia. Han ble ledsaget av flere kunstnere, inkludert gravøren Charles-Nicolas Cochin og arkitekten Soufflot . De returnerte til Paris med en lidenskap for klassisk kunst. Vandiéres ble markis av Marigny, og ble utnevnt til generaldirektør for Kongens bygninger. Han vendte offisiell fransk arkitektur mot det nyklassisistiske. Cochin ble en viktig kunstkritiker; han fordømte petit-stilen til Boucher, og etterlyste en storslått stil med ny vekt på antikken og adelen i akademiene for maleri og arkitektur.

Begynnelsen på slutten for rokokko kom på begynnelsen av 1760-tallet da skikkelser som Voltaire og Jacques-François Blondel begynte å gi uttrykk for sin kritikk av kunstens overfladiskhet og degenerasjon. Blondel fordømte det "latterlige virvar av skjell, drager, siv, palmetrær og planter" i moderne interiør.

I 1785 hadde rokokko gått ut av moten i Frankrike, erstattet av ordenen og seriøsiteten til nyklassisistiske kunstnere som Jacques-Louis David . I Tyskland ble rokokko fra slutten av 1700-tallet latterliggjort som Zopf und Perücke ("pigtail og periwig"), og denne fasen blir noen ganger referert til som Zopfstil . Rokokko forble populær i visse tyske provinsstater og i Italia, inntil den andre fasen av nyklassisismen, " empirestil ", ankom med napoleonske regjeringer og feide rokokkoen bort.

Møbler og dekorasjon

Den dekorative stilen kalt rocaille dukket opp i Frankrike mellom 1710 og 1750, mest under Ludvig XVs regentskap og regjeringstid ; stilen ble også kalt Louis Quinze . Dens viktigste kjennetegn var pittoreske detaljer, kurver og motkurver, asymmetri og en teatralsk overflod. På veggene til nye Paris-salonger viklet de vridende og svingete designene, vanligvis laget av forgylt eller malt stukk, rundt døråpninger og speil som vinranker. Et av de tidligste eksemplene var Hôtel Soubise i Paris (1704–05), med sin berømte ovale salong dekorert med malerier av Boucher og Charles-Joseph Natoire .

Den mest kjente franske møbeldesigneren i perioden var Juste-Aurèle Meissonnier (1695–1750), som også var skulptør, maler. og gullsmed for kongehuset. Han hadde tittelen offisiell designer for kammeret og kabinettet til Louis XV. Arbeidet hans er godt kjent i dag på grunn av det enorme antallet graveringer laget av arbeidet hans som populariserte stilen i hele Europa. Han tegnet verk for kongefamiliene i Polen og Portugal.

Italia var et annet sted hvor rokokkoen blomstret, både i dens tidlige og senere fase. Håndverkere i Roma, Milano og Venezia produserte alle overdådig dekorerte møbler og dekorative gjenstander.

Den skulpturerte dekorasjonen inkluderte fleuretter, palmetter, skjell og løvverk, skåret i tre. De mest ekstravagante rocaille-formene ble funnet i konsollene, bord designet for å stå mot vegger. Commodes, eller kistene, som først hadde dukket opp under Ludvig XIV, var rikt dekorert med rocaille ornament laget av forgylt bronse. De ble laget av mesterhåndverkere inkludert Jean-Pierre Latz og inneholdt også intarsia av tre i forskjellige farger, noen ganger plassert i kubiske tegnebrett, laget med lyse og mørke tresorter. I perioden kom også Chinoiserie , ofte i form av lakkerte og forgylte commodes, kalt falcon de Chine av Vernis Martin , etter ebenisten som introduserte teknikken til Frankrike. Ormolu , eller forgylt bronse, ble brukt av mesterhåndverkere inkludert Jean-Pierre Latz . Latz laget en spesielt utsmykket klokke montert på toppen av en kartonger for Fredrik den store til palasset hans i Potsdam . Biter av importert kinesisk porselen ble ofte montert i ormolu (forgylt bronse) rokokkoinnstillinger for visning på bord eller konsoller i salonger. Andre håndverkere imiterte den japanske kunsten med lakkerte møbler , og produserte kommoder med japanske motiver.

Britisk rokokko hadde en tendens til å være mer tilbakeholden. Thomas Chippendales møbeldesign beholdt kurvene og følelsen, men stoppet opp fra de franske høydene av innfall. Den mest suksessrike eksponenten for britisk rokokko var sannsynligvis Thomas Johnson , en begavet skjærer og møbeldesigner som jobbet i London på midten av 1700-tallet.

Maleri

Elementer av Rocaille- stilen dukket opp i arbeidet til noen franske malere, inkludert en smak for det pittoreske i detaljer; kurver og motkurver; og dissymmetri som erstattet barokkens bevegelse med overflod, selv om den franske rocaille aldri nådde ekstravagansen til den germanske rokokkoen. Den ledende talsmannen var Antoine Watteau , spesielt i Pilgrimage on the Isle of Cythera (1717), Louvre , i en sjanger kalt Fête Galante som skildrer scener av unge adelsmenn samlet for å feire i pastorale omgivelser. Watteau døde i 1721 i en alder av trettisju, men arbeidet hans fortsatte å ha innflytelse gjennom resten av århundret. Pilegrimsreisen til Cythera- maleriet ble kjøpt av Fredrik den store av Preussen i 1752 eller 1765 for å dekorere palasset hans i Charlottenburg i Berlin.

Etterfølgeren til Watteau og Féte Galante i dekorativt maleri var François Boucher (1703–1770), favorittmaleren til Madame de Pompadour . Hans arbeid inkluderte den sensuelle Toilette de Venus (1746), som ble et av de mest kjente eksemplene på stilen. Boucher deltok i alle datidens sjangre, og designet billedvev, modeller for porselensskulptur, dekorerte dekorasjoner for Paris opera og opera-comique , og dekor for Saint-Laurent-messen. Andre viktige malere av Fête Galante- stilen inkluderte Nicolas Lancret og Jean-Baptiste Pater . Stilen påvirket spesielt François Lemoyne , som malte den overdådige utsmykningen av taket på Salongen av Hercules ved Palace of Versailles , ferdigstilt i 1735. Malerier med galante fétes og mytologiske temaer av Boucher, Pierre-Charles Trémolières og Charles-Joseph Natoire dekorert den berømte salongen til Hôtel Soubise i Paris (1735–40). Andre rokokkomalere inkluderer: Jean François de Troy (1679–1752), Jean-Baptiste van Loo (1685–1745), hans to sønner Louis-Michel van Loo (1707–1771) og Charles-Amédée-Philippe van Loo (1719– 1795), hans yngre bror Charles-André van Loo (1705–1765), Nicolas Lancret (1690–1743) og Jean Honoré Fragonard (1732–1806).

I Østerrike og Sør-Tyskland hadde italiensk maleri størst effekt på rokokkostilen. Den venetianske maleren Giovanni Battista Tiepolo , assistert av sønnen, Giovanni Domenico Tiepolo , ble invitert til å male fresker for Würzburg Residence (1720–1744). Den mest fremtredende maleren av bayerske rokokkokirker var Johann Baptist Zimmermann , som malte taket på Wieskirche (1745–1754).

Skulptur

Rokokkoskulpturen var teatralsk, sensuell og dynamisk, og ga en følelse av bevegelse i alle retninger. Det ble oftest funnet i interiøret i kirker, vanligvis tett integrert med maleri og arkitektur. Religiøs skulptur fulgte den italienske barokkstilen, som eksemplifisert i den teatralske altertavlen til Karlskirche i Wien.

Tidlig rokokko- eller rocaille- skulptur i Frankrike var lettere og ga mer bevegelse enn den klassiske stilen til Louis XIV. Det ble oppmuntret spesielt av Madame de Pompadour , elskerinnen til Louis XV, som bestilte mange verk for slottene og hagene hennes. Skulptøren Edmé Bouchardon representerte Amor som var engasjert i å utskjære kjærlighetspilene hans fra Hercules -klubben . Rokokkofigurer overfylte også de senere fontenene i Versailles, som Neptunfontenen av Lambert-Sigisbert Adam og Nicolas-Sebastien Adam (1740). Basert på suksessen deres i Versailles, ble de invitert til Preussen av Fredrik den store for å lage fonteneskulptur for Sanssouci -palasset, Preussen (1740-tallet).

Étienne-Maurice Falconet (1716–1791) var en annen ledende fransk billedhugger i perioden. Falconet var mest kjent for sin statue av Peter den store til hest i St. Petersburg, men han skapte også en serie mindre verk for rike samlere, som kunne gjengis i en serie i terrakotta eller støpt i bronse. De franske skulptørene, Jean-Louis Lemoyne , Jean-Baptiste Lemoyne , Louis-Simon Boizot , Michel Clodion , Lambert-Sigisbert Adam og Jean-Baptiste Pigalle produserte alle skulpturer i serier for samlere.

I Italia var Antonio Corradini blant de ledende skulptørene av rokokkostilen. Han var venetianer og reiste rundt i Europa og jobbet for Peter den store i St. Petersburg, for de keiserlige domstolene i Østerrike og Napoli. Han foretrakk sentimentale temaer og laget flere dyktige verk av kvinner med ansikter dekket av slør, hvorav ett nå er i Louvre .

De mest forseggjorte eksemplene på rokokkoskulptur ble funnet i Spania, Østerrike og Sør-Tyskland, i utsmykningen av palasser og kirker. Skulpturen var tett integrert med arkitekturen; det var umulig å vite hvor den ene stoppet og den andre begynte. I Belvedere-palasset i Wien, (1721-1722), er det hvelvede taket i Hall of the Atlantes holdt oppe på skuldrene til muskuløse figurer designet av Johann Lukas von Hildebrandt . Portalen til Palace of the Marquis of Dos Aguas i Valencia (1715-1776) var fullstendig gjennomvåt av skulpturer skåret i marmor, fra design av Hipolito Rovira Brocandel.

El Transparente- alteret, i det store kapellet i Toledo-katedralen , er en ruvende skulptur av polykrom marmor og forgylt stukk, kombinert med malerier, statuer og symboler. Den ble laget av Narciso Tomé (1721–32), dens design lar lys passere gjennom, og i skiftende lys ser den ut til å bevege seg.

Porselen

En ny form for småskala skulptur dukket opp, porselensfiguren , eller en liten gruppe figurer, som opprinnelig erstattet sukkerskulpturer på store spisebord, men ble snart populær for å plassere på peishyller og møbler. Antall europeiske fabrikker vokste jevnt og trutt gjennom århundret, og noen laget porselen som den voksende middelklassen hadde råd til. Mengden fargerike overglasurdekor som ble brukt på dem økte også. De ble vanligvis modellert av kunstnere som hadde utdannet seg i skulptur. Vanlige emner inkluderte figurer fra commedia dell'arte , bygateselgere, elskere og figurer i moteriktige klær og fuglepar.

Johann Joachim Kändler var den viktigste modelleren av Meissen porselen , den tidligste europeiske fabrikken, som forble den viktigste frem til ca 1760. Den sveitsiskfødte tyske billedhuggeren Franz Anton Bustelli produserte et bredt utvalg av fargerike figurer for Nymphenburg Porselensfabrikk i Bayern, som ble solgt over hele Europa. Den franske billedhuggeren Étienne-Maurice Falconet (1716–1791) fulgte dette eksemplet. Mens han også laget verk i stor skala, ble han direktør for Sevres Porselensfabrikk og produserte verk i liten skala, vanligvis om kjærlighet og munterhet, for produksjon i serier.

Musikk

En rokokko-periode eksisterte i musikkhistorien , selv om den ikke er like kjent som de tidligere barokk- og senere klassiske former. Selve rokokkomusikkstilen utviklet seg fra barokkmusikk både i Frankrike, hvor den nye stilen ble referert til som stilgalant ("galant" eller "elegant" stil), og i Tyskland, hvor den ble referert til som empfindsamer Stil ("sensitive") stil"). Den kan karakteriseres som lett, intim musikk med ekstremt forseggjorte og raffinerte former for ornamentikk . Eksempler inkluderer Jean Philippe Rameau , Louis-Claude Daquin og François Couperin i Frankrike; i Tyskland var stilens viktigste talsmenn CPE Bach og Johann Christian Bach , to sønner av JS Bach .

I andre halvdel av 1700-tallet skjedde det en reaksjon mot rokokkostilen, først og fremst mot dens opplevde overbruk av ornamentikk og dekorasjon. Ledet av Christoph Willibald Gluck innledet denne reaksjonen den klassiske æraen . På begynnelsen av 1800-tallet hadde den katolske mening vendt seg mot stilens egnethet for kirkelige sammenhenger fordi den "på ingen måte bidro til følelser av hengivenhet".

Den russiske komponisten fra den romantiske epoken Pyotr Iljitsj Tsjaikovskij skrev The Variations on a Rococo Theme , Op. 33, for cello og orkester i 1877. Selv om temaet ikke er rokokko i opprinnelse, er det skrevet i rokokkostil.

Mote

Sack-back kjole og underkjole, 1775-1780 V&A Museum no. T.180&A-1965

Rokokkomeen var basert på ekstravaganse, eleganse, raffinement og dekorasjon. Kvinnemoten fra det syttende århundre ble kontrastert av moten fra det attende århundre, som var utsmykket og sofistikert, den sanne rokokkostilen. Disse motene spredte seg utover det kongelige hoff inn i salongene og kafeene til det oppstigende borgerskapet. Den sprudlende, lekne, elegante dekorasjons- og designstilen som vi nå vet er 'rokokko', ble den gang kjent som le style rocaille, le style moderne, le gout.

En stil som dukket opp på begynnelsen av det attende århundre var kappen volante , en flytende kjole, som ble populær mot slutten av kong Ludvig XIVs regjeringstid. Denne kjolen hadde egenskapene til en bodice med store folder som strømmet ned baksiden til bakken over en avrundet underkjole. Fargepaletten var rike, mørke stoffer akkompagnert av forseggjorte, tunge designtrekk. Etter Louis XIVs død begynte klesstilene å endre seg. Moten tok en vending til en lettere, mer useriøs stil, og gikk over fra barokkperioden til den velkjente rokokkostilen. Den senere perioden var kjent for sine pastellfarger, mer avslørende kjoler og overfloden av frills, volanger, sløyfer og blonder som pynt. Kort tid etter at den typiske rokokkokjolen for kvinner ble introdusert, ble kappen à la Française, en kjole med en stram bodice som hadde en lav utringning, vanligvis med store båndsløyfer midt foran, brede vesker, og ble overdådig trimmet i store mengder blonder, bånd og blomster.

Watteau -foldene ble også mer populære, oppkalt etter maleren Jean-Antoine Watteau, som malte detaljene til kjolene ned til sømmene av blonder og annet tilbehør med enorm nøyaktighet. Senere ble "pannier" og "mantua " mote rundt 1718. De var brede bøyler under kjolen for å forlenge hoftene sidelengs, og de ble snart en stift i formelle slitasjer. Dette ga rokokkoperioden den ikoniske kjolen med brede hofter kombinert med den store mengden dekorasjon på plaggene. Brede vesker ble brukt til spesielle anledninger, og kunne nå opptil 4,9 meter i diameter, og mindre bøyler ble brukt til hverdagslige omgivelser. Disse funksjonene kom opprinnelig fra spansk mote fra 1600-tallet, kjent som guardainfante , opprinnelig designet for å skjule den gravide magen, og deretter gjenskapt senere som vesken. 1745 ble rokokkoens gullalder med introduksjonen av en mer eksotisk, orientalsk kultur i Frankrike kalt a la turque . Dette ble gjort populært av Louis XVs elskerinne, Madame Pompadour, som ga kunstneren Charles Andre Van Loo i oppdrag å male henne som en tyrkisk sultana.

På 1760-tallet dukket det opp en stil med mindre formelle kjoler, og en av disse var polonesen , med inspirasjon hentet fra Polen. Den var kortere enn den franske kjolen, slik at underskjørtet og anklene kunne ses, noe som gjorde det lettere å bevege seg rundt i. En annen kjole som kom på moten var kappen a l'anglais , som inneholdt elementer inspirert av mannemoten; en kort jakke, brede jakkeslag og lange ermer. Den hadde også en tettsittende bodice, et helt skjørt uten vesker, men fortsatt litt langt bak for å danne et lite tog, og ofte en type blondetørkle rundt halsen. Et annet stykke var 'redingoten', halvveis mellom en kappe og en overfrakk.

Tilbehør var også viktig for alle kvinner i løpet av denne tiden, da de bidro til overdådigheten og innredningen på kroppen for å matche kjolene deres. Ved enhver offisiell seremoni ble damene pålagt å dekke hendene og armene med hansker hvis klærne var uten erme.

Galleri

Arkitektur

Graveringer

Maleri

Maleri fra rokokkotiden

Se også

Notater og sitater

Bibliografi

  • Cabanne, Perre (1988), L'Art Classique et le Baroque , Paris: Larousse, ISBN 978-2-03-583324-2
  • de Morant, Henry (1970). Histoire des arts décoratifs . Bibliotek Hacahette.
  • Droguet, Anne (2004). Les Styles Transition og Louis XVI . Les Editions de l'Amateur. ISBN 2-85917-406-0.
  • Duby, Georges; Daval, Jean-Luc (2013). La Sculpture de l'Antiquité au XXe Siècle . Taschen. ISBN 978-3-8365-4483-2.(fransk oversettelse fra tysk)
  • Ducher, Robert (1988), Caractéristique des Styles , Paris: Flammarion, ISBN 2-08-011539-1
  • Fierro, Alfred (1996). Histoire et dictionnaire de Paris . Robert Laffont. ISBN 2-221--07862-4.
  • Graur, Neaga (1970). Stiluri în arta decorativă (på rumensk). Cerces.
  • Prina, Francesca; Demartini, Elena (2006). Petite encylopédie de l'architecture . Paris: Solenergi. ISBN 2-263-04096-X.
  • Hopkins, Owen (2014). Les stiler og arkitektur . Dunod. ISBN 978-2-10-070689-1.
  • Renault, Christophe (2006), Les Styles de l'architecture et du mobilier , Paris: Gisserot, ISBN 978-2-877-4746-58
  • Texier, Simon (2012), Paris- Panorama de l'architecture de l'Antiquité à nos jours , Paris: Parigramme, ISBN 978-2-84096-667-8
  • Dictionnaire Historique de Paris . Le Livre de Poche. 2013. ISBN 978-2-253-13140-3.
  • Vila, Marie Christine (2006). Paris Musique- Huit Siècles d'histoire . Paris: Parigram. ISBN 978-2-84096-419-3.

Videre lesning

Eksterne linker