Romersk kunst - Roman art
| Kunsthistorie |
|---|
Kunsten i det antikke Roma , dets republikk og senere imperium inkluderer arkitektur , maleri , skulptur og mosaikkarbeid . Luksusgjenstander i metallarbeid , gravering av perler , elfenbenutskjæringer og glass blir noen ganger ansett for å være mindre former for romersk kunst, selv om de ikke ble betraktet som slike på den tiden. Skulptur ble kanskje ansett som den høyeste formen for kunst av romerne, men figurmaleri ble også høyt ansett. En veldig stor skulptur har overlevd fra omtrent det første århundre f.Kr. og fremover, men veldig lite fra før, men veldig lite maleri gjenstår, og sannsynligvis ingenting som en samtid ville ha ansett å være av høyeste kvalitet.
Antikk romersk keramikk var ikke et luksusprodukt, men en enorm produksjon av "fine varer" i terra sigillata var dekorert med relieffer som gjenspeilte den siste smaken, og ga en stor gruppe i samfunnet stilige gjenstander til en åpenbart rimelig pris. Romerske mynter var et viktig propagandamiddel, og har overlevd i enorme mengder.
Introduksjon
Høyre bilde: En freskomaleri av en ung mann fra Villa di Arianna, Stabiae , 1. århundre e.Kr.
Selv om det tradisjonelle synet på de gamle romerske kunstnerne er at de ofte lånte fra og kopierte greske presedenser (mye av de greske skulpturene som er kjent i dag, er i form av romerske marmorkopier), har nyere analyse indikert at romersk kunst er en svært kreativ pastiche som stoler sterkt på greske modeller, men som også omfatter etruskisk , innfødt kursiv og til og med egyptisk visuell kultur. Stilistisk eklektisisme og praktisk anvendelse er kjennetegnene på mye romersk kunst.
Plinius , det antikke Romas viktigste historiker om kunst, registrerte at nesten alle kunstformer - skulptur, landskap, portrettmaleri, til og med sjangermaleri - var avansert i gresk tid, og i noen tilfeller mer avansert enn i Roma. Selv om det er svært få rester av gresk veggkunst og portretter, viser gresk skulptur og vasemaleri dette. Disse formene ble sannsynligvis ikke overgått av romerske kunstnere når det gjelder design eller utførelse. Som et annet eksempel på den tapte " gullalderen " pekte han ut Peiraikos , "hvis kunstnerskap bare er noen få ... Han malte frisørsalonger og skomakere, esler, grønnsaker og sånn, og kom av den grunn til bli kalt 'maleren av vulgære emner'; men disse verkene er helt herlige, og de ble solgt til høyere priser enn de største maleriene til mange andre kunstnere. " Adjektivet "vulgært" brukes her i den opprinnelige definisjonen, som betyr "vanlig".
De greske forfedrene til romersk kunst var legendariske. På midten av 500-tallet f.Kr. var de mest kjente greske kunstnerne Polygnotos , kjent for sine veggmalerier, og Apollodoros , opphavsmannen til chiaroscuro . Utviklingen av realistisk teknikk tilskrives Zeuxis og Parrhasius , som ifølge gammel gresk legende sies å ha konkurrert i en bravura-visning av sine talenter, historiens tidligste beskrivelser av trompe-l'œil- maleri. I skulpturen var Skopas , Praxiteles , Phidias og Lysippos de fremste skulptørene. Det ser ut til at romerske kunstnere hadde mye gammel gresk kunst å kopiere fra, ettersom handelen med kunst var rask i hele imperiet, og mye av den greske kunstneriske arven fant veien til romersk kunst gjennom bøker og undervisning. Gamle greske avhandlinger om kunsten er kjent for å ha eksistert i romertiden, men er nå tapt. Mange romerske kunstnere kom fra greske kolonier og provinser.
Det høye antallet romerske kopier av gresk kunst snakker også om den aktelsen romerske kunstnere hadde for gresk kunst, og kanskje om dens sjeldnere og høyere kvalitet. Mange av kunstformene og metodene som brukes av romerne-for eksempel høy og lav relieff, frittstående skulptur, bronsestøping, vasekunst, mosaikk , cameo , myntkunst, fine smykker og metallarbeid, begravelseskulptur, perspektivtegning, karikatur , sjanger og portrettmaleri , landskapsmaleri , arkitektonisk skulptur og trompe-l'œil- maleri-alle ble utviklet eller foredlet av gamle greske kunstnere. Ett unntak er den romerske bysten, som ikke inkluderte skuldrene. Den tradisjonelle byste av hode og skuldre kan ha vært etruskisk eller tidlig romersk. Nesten hver kunstnerisk teknikk og metode som ble brukt av renessansekunstnere 1900 år senere, hadde blitt demonstrert av gamle greske kunstnere, med de bemerkelsesverdige unntakene av oljefarger og matematisk nøyaktig perspektiv. Der greske kunstnere ble høyt æret i samfunnet sitt, var de fleste romerske kunstnere anonyme og betraktet som håndverkere. Det er ingen registrering, som i antikkens Hellas, av de store mesterne i romersk kunst, og praktisk talt ingen signerte verk. Der grekere dyrket de estetiske egenskapene til stor kunst og skrev mye om kunstnerisk teori, var romersk kunst mer dekorativ og indikativ for status og rikdom, og tilsynelatende ikke tema for forskere eller filosofer.
Delvis på grunn av at de romerske byene var langt større enn de greske bystatene med makt og befolkning, og generelt mindre provinsielle, tok kunsten i det gamle Roma et bredere, og noen ganger mer utilitaristisk formål. Romersk kultur assimilerte mange kulturer og var for det meste tolerant overfor erobrede folks måter. Romersk kunst ble bestilt, vist og eid i langt større mengder og tilpasset flere bruksområder enn i gresk tid. De velstående romerne var mer materialistiske; de dekorerte veggene med kunst, hjemmet sitt med dekorative gjenstander og seg selv med fine smykker.
I den kristne epoken i det sene imperiet, fra 350 til 500 e.Kr., blomstret veggmaleri, mosaikk i tak og gulv , og begravelseskulptur, mens skulptur i full størrelse i rund- og panelmaleri døde ut, mest sannsynlig av religiøse årsaker. Da Konstantin flyttet hovedstaden i imperiet til Bysantium (omdøpt til Konstantinopel), inkorporerte romersk kunst østlig påvirkning for å produsere den bysantinske stilen til det sene imperiet. Da Roma ble sparket på 500 -tallet, flyttet håndverkere til og fant arbeid i den østlige hovedstaden. Hagia Sophia -kirken i Konstantinopel sysselsatte nesten 10.000 arbeidere og håndverkere, i en siste utbrudd av romersk kunst under keiser Justinian (527–565 e.Kr.), som også beordret opprettelsen av de berømte mosaikkene i Basilica of San Vitale i byen Ravenna .
Maleri
Av den store mengden romersk maleri har vi nå bare noen få lommer med overlevende, med mange dokumenterte typer som ikke overlever i det hele tatt, eller bare gjør det helt fra slutten av perioden. Den mest kjente og viktigste lommen er veggmaleriene fra Pompeii , Herculaneum og andre steder i nærheten, som viser hvordan innbyggerne i et velstående badeby dekorerte veggene sine i århundret eller så før det fatale utbruddet av Vesuvius i 79 e.Kr. En rekke daterte stiler har blitt definert og analysert av moderne kunsthistorikere som begynner med August Mau , og viser økende utdyping og raffinement.
Fra det tredje århundre e.Kr. og avsluttet med ca 400 har vi en stor mengde malerier fra katakombene i Roma , på ingen måte alle kristne, som viser den senere fortsettelsen av den innenlandske dekorative tradisjonen i en versjon tilpasset - sannsynligvis ikke sterkt tilpasset - for bruk i gravkamre, i det som sannsynligvis var et ganske ydmykere sosialt miljø enn de største husene i Pompeii. Mye av Neros palass i Roma, Domus Aurea , overlevde som grotter og gir oss eksempler som vi kan være sikre på representerer den aller beste kvaliteten på veggmaleri i sin stil, og som godt kan ha representert betydelig innovasjon i stil. Det er en rekke andre deler av malte rom som overlever fra Roma og andre steder, noe som noe bidrar til å fylle hullene i vår kunnskap om veggmaleri. Fra det romerske Egypt er det et stort antall av de som er kjent som Fayum mumieportretter , byste portretter på tre lagt på utsiden av mumier av en romanisert middelklasse; til tross for deres veldig distinkte lokale karakter, er de sannsynligvis stort sett representative for romersk stil i malte portretter, som ellers er helt tapt.
Ingenting gjenstår av de greske maleriene som ble importert til Roma i løpet av 4. og 5. århundre, eller av maleriet på tre utført i Italia i den perioden. I sum er utvalgene av prøver begrenset til bare omtrent 200 år av de omtrent 900 årene med romersk historie, og provinsielle og dekorative malerier. Det meste av dette veggmaleriet ble utført med a secco (tørr) metode, men noen freskomalerier eksisterte også i romertiden. Det er bevis fra mosaikk og noen få inskripsjoner på at noen romerske malerier var tilpasninger eller kopier av tidligere greske verk. Imidlertid øker forvirringen det faktum at inskripsjoner kan registrere navnene på innvandrer greske artister fra romertiden, ikke fra eldgamle greske originaler som ble kopiert. Romerne manglet helt en tradisjon for figurativ vasemaleri som kan sammenlignes med de gamle grekerne, som etruskerne hadde etterlignet.
Ulike emner
Romersk maleri gir et bredt spekter av temaer: dyr, stilleben, scener fra hverdagen, portretter og noen mytologiske emner. I løpet av den hellenistiske perioden fremkalte det gledene på landet og representerte scener med hyrder, flokker, rustikke templer, landlige fjellrike landskap og landsteder. Erotiske scener er også relativt vanlige. I det sene imperiet, etter 200AD, overlever tidlige kristne temaer blandet med hedenske bilder på katakombvegger.
Landskap og utsikt
Den viktigste nyvinningen av romersk maleri sammenlignet med gresk kunst var utviklingen av landskap, spesielt med perspektivteknikker, selv om det sanne matematiske perspektivet ble utviklet 1500 år senere. Overflatestrukturer, skyggelegging og farging brukes godt, men skala og romlig dybde ble fremdeles ikke gjengitt nøyaktig. Noen landskap var rene naturscener, spesielt hager med blomster og trær, mens andre var arkitektoniske utsikter som skildrer urbane bygninger. Andre landskap viser episoder fra mytologi, de mest kjente demonstrerende scenene fra Odyssey .
I det kulturelle synspunktet ville kunsten i det gamle øst bare ha kjent landskapsmaleri som bakgrunn for sivile eller militære narrative scener. Denne teorien forsvares av Franz Wickhoff , kan diskuteres. Det er mulig å se bevis på gresk kunnskap om landskapsskildring i Platons Critias (107b – 108b):
... og hvis vi ser på portretteringen av guddommelige og menneskelige kropper som utført av malere, med hensyn til letthet eller vanskeligheter som de lykkes med å etterligne sine undersåtter etter tilskuernes mening, vil vi i utgangspunktet legge merke til at Når det gjelder jorden og fjellene og elvene og skogen og hele himmelen, med de tingene som eksisterer og beveger seg der, er vi fornøyd hvis en mann er i stand til å representere dem med en liten grad av likhet ...
Stilleben
Romerske stillebenpersoner plasseres ofte i illusjonistiske nisjer eller hyller og skildrer en rekke dagligdagse gjenstander, inkludert frukt, levende og døde dyr, sjømat og skjell. Eksempler på temaet for glassburk fylt med vann ble dyktig malt og senere tjent som modeller for samme emne som ofte ble malt i renessansen og barokken .
Portretter
Plinius klaget over den tilbakegående tilstanden til romersk portrettkunst, "Maleriet av portretter som før formidlet de nøyaktige likhetene til mennesker gjennom tidene, har helt forsvunnet ... Tålmodighet har ødelagt kunsten."
I Hellas og Roma ble veggmaleri ikke ansett som høy kunst. Den mest prestisjefylte kunstformen i tillegg til skulptur var panelmaleri , dvs. tempera eller encaustisk maleri på trepaneler. Dessverre, siden tre er et lett bedervelig materiale, har bare noen få eksempler på slike malerier overlevd, nemlig Severan Tondo fra ca. 200 e.Kr. , et veldig rutinemessig offisielt portrett fra noen provinsielle regjeringskontorer, og de velkjente Fayum-mumiportrettene , alle fra det romerske Egypt, og nesten absolutt ikke av høyeste samtidskvalitet. Portrettene var festet til gravmumier i ansiktet, som nesten alle nå har blitt løsrevet fra. De skildrer vanligvis en enkelt person, som viser hodet, eller hodet og øvre bryst, sett foran. Bakgrunnen er alltid monokrom, noen ganger med dekorative elementer. Når det gjelder kunstnerisk tradisjon, stammer bildene tydelig mer fra gresk-romerske tradisjoner enn egyptiske. De er bemerkelsesverdig realistiske, men varierende i kunstnerisk kvalitet, og kan indikere at lignende kunst som var utbredt andre steder, men ikke overlevde. Noen få portretter malt på glass og medaljer fra det senere imperiet har overlevd, det samme har myntportretter, hvorav noen også regnes som veldig realistiske.
Gull glass
_und_ihre_Kinder.jpg)
Gullglass , eller gullsandwichglass, var en teknikk for å fikse et lag med bladgull med et design mellom to smeltede glasslag, utviklet i hellenistisk glass og gjenopplivet på 300 -tallet e.Kr. Det er svært få store design, inkludert en veldig fin gruppe portretter fra 300-tallet med tilsatt maling, men det store flertallet av de rundt 500 overlevende er roundels som er avskårne bunner i vinkopper eller glass som brukes til å markere og dekorere graver i katakombene i Roma ved å trykke dem inn i morteren. De stammer hovedsakelig fra det 4. og 5. århundre. De fleste er kristne, selv om det er mange hedenske og noen få jødiske eksempler. Det er sannsynlig at de opprinnelig ble gitt som gaver ved ekteskap, eller festlige anledninger som nyttår. Ikonografien deres har blitt studert mye, selv om de kunstnerisk sett er relativt usofistikerte. Emnene deres ligner katakombmaleriene, men med en forskjellsbalanse inkludert flere portretter. Etter hvert som tiden gikk, var det en økning i skildringen av hellige. Den samme teknikken begynte å bli brukt for gulltesseraer for mosaikk på midten av 1. århundre i Roma, og på 500-tallet hadde disse blitt standardbakgrunnen for religiøse mosaikker.
Den tidligere gruppen er "blant de mest levende portrettene som overlevde fra tidlig kristen tid. De stirrer ut på oss med en ekstraordinær streng og melankolsk intensitet", og representerer de beste overlevende indikasjonene på hva romersk portrett av høy kvalitet kunne oppnå i maling. Gennadios -medaljongen i Metropolitan Museum of Art i New York, er et fint eksempel på et alexandrisk portrett på blått glass, som bruker en ganske mer kompleks teknikk og naturalistisk stil enn de fleste seinromerske eksempler, inkludert maling på gullet for å skape skyggelegging, og med den greske inskripsjonen som viser lokale dialektfunksjoner . Han hadde kanskje fått eller bestilt stykket for å feire seieren i en musikalsk konkurranse. En av de mest berømte portrettmedaljongene i Alexandrian-stil, med inskripsjon på egyptisk gresk, ble senere montert i en tidlig middelalder crux gemmata i Brescia , i feil oppfatning at den viste den fromme keiserinnen og den gotiske dronningen Galla Placida og hennes barn; faktisk kan knuten i den sentrale figurens kjole markere en hengiven av Isis . Dette er en av en gruppe på 14 stykker fra det 3. århundre e.Kr., alle individualiserte sekulære portretter av høy kvalitet. Inskripsjonen på medaljongen er skrevet på den alexandriske dialekten gresk og viser derfor mest sannsynlig en familie fra det romerske Egypt . Medaljongen er også blitt sammenlignet med andre verk av samtidige romersk-egyptiske kunstverk, for eksempel Fayum-mummiportrettene . Det antas at den lille detaljen av stykker som disse bare kan ha blitt oppnådd med linser . De senere brillene fra katakombene har et portrettmønster som er rudimentært, med funksjoner, frisyrer og klær som alle følger stereotypiske stiler.
Sjangerscener
Romerske sjangerscener skildrer generelt romerne i fritiden og inkluderer gambling, musikk og seksuelle møter. Noen scener skildrer guder og gudinner i fritiden.
Triumfmalerier
Fra 300 -tallet f.Kr. dukket det opp en bestemt sjanger kjent som Triumphal Paintings , som angitt av Plinius (XXXV, 22). Dette var malerier som viste triumfbidrag etter militære seire, representerte episoder fra krigen og erobret regioner og byer. Oppsummeringskart ble tegnet for å markere viktige punkter i kampanjen. Josephus beskriver maleriet utført i anledning Vespasianus og Titus ' sekk av Jerusalem :
Det var også smidd gull og elfenben festet om dem alle; og mange likheter med krigen, og de på flere måter, og forskjellige former for kontrast, som gir en mest livlig portrett av seg selv. For det var å se et lykkelig land som lå øde, og hele skvadroner av fiender drept; mens noen av dem løp bort, og noen ble ført i fangenskap; med vegger av stor høyde og størrelse styrtet og ødelagt av maskiner; med de sterkeste festningsverkene tatt, og murene i de mest folkerike byene på toppen av åsene grep seg, og en hær som strømmet seg inn i murene; som også hvert sted fullt av slakting og bønn fra fiender, da de ikke lenger var i stand til å løfte opp hendene i form av motstand. Ild sendt over templer var her representert, og hus styrtet og falt på sine eiere: elver, også etter at de kom ut av en stor og melankolsk ørken, rant ned, ikke inn i et dyrket land, heller ikke som drikke for mennesker eller for storfe, men gjennom et land som fortsatt brenner på alle sider; for jødene fortalte at noe slikt de hadde gjennomgått under denne krigen. Nå var utførelsen av disse representasjonene så praktfulle og livlige i konstruksjonen av tingene, at den viste det som var gjort mot slike som ikke så det, som om de hadde vært der virkelig til stede. På toppen av hver av disse festene ble kommandanten for byen som ble tatt, og måten han ble tatt på plassert.
Disse maleriene har forsvunnet, men de påvirket sannsynligvis sammensetningen av de historiske relieffene hugget på militære sarkofager , Titusbuen og Trajans søyle . Dette beviset understreker betydningen av landskapsmaleri, som noen ganger hadde en tendens til å være perspektivplaner.
Ranuccio beskriver også det eldste maleriet som er funnet i Roma, i en grav på Esquiline -høyden :
Den beskriver en historisk scene, på en klar bakgrunn, malt i fire overlagte seksjoner. Flere personer er identifisert, for eksempel Marcus Fannius og Marcus Fabius. Disse er større enn de andre figurene ... I den andre sonen, til venstre, er en by omkranset av kreneliserte vegger, foran en stor kriger utstyrt med et ovalt bøyle og en fjærhjelm; i nærheten av ham er en mann i en kort tunika, bevæpnet med et spyd ... Rundt disse to er mindre soldater i korte tunikaer, bevæpnet med spyd ... I den nedre sonen pågår en kamp, hvor en kriger med ovalt spenner og en fjærhjelm er vist større enn de andre, hvis våpen tillater å anta at dette sannsynligvis er samnitter.
Denne episoden er vanskelig å finne. En av Ranuccios hypoteser er at den refererer til en seier til konsulen Fabius Maximus Rullianus under den andre krigen mot samnitter i 326 f.Kr. Presentasjonen av figurene med størrelser proporsjonal med deres betydning er typisk romersk, og befinner seg i plebeiske relieffer. Dette maleriet er i begynnelsen av et triumfmaleri, og ville ha blitt utført i begynnelsen av 300 -tallet f.Kr. for å dekorere graven.
Skulptur
Tidlig romersk kunst ble påvirket av kunsten i Hellas og de nærliggende etruskerne , selv sterkt påvirket av deres greske handelspartnere. En etruskisk spesialitet var gravfigurer av nesten størrelse i terrakotta , vanligvis liggende på toppen av et sarkofaglokk støttet opp på en albue i stillingen til en spisestue i den perioden. Da den ekspanderende romerske republikken begynte å erobre gresk territorium, først i Sør -Italia og deretter hele den hellenistiske verden, bortsett fra den parthiske fjernøsten , ble offisiell og patrisisk skulptur i stor grad en forlengelse av den hellenistiske stilen, hvorfra spesielt romerske elementer er vanskelige å skilles ut, spesielt ettersom så mye gresk skulptur bare overlever i kopier av den romerske perioden. I det 2. århundre f.Kr. var "de fleste av skulptørene som arbeidet i Roma" gresk, ofte slaver i erobringer som Korint (146 f.Kr.), og skulptører fortsatte å være stort sett grekere, ofte slaver, hvis navn svært sjelden er registrert. Et stort antall greske statuer ble importert til Roma, enten som bytte eller som følge av utpressing eller handel, og templer ble ofte dekorert med gjenbrukte greske verk.
En innfødt italiensk stil kan sees på gravmonumentene til velstående middelklasse-romere, som ofte inneholdt portrettbyster, og portrett er uten tvil hovedstyrken til romersk skulptur. Det er ingen overlevende fra tradisjonen med masker av forfedre som ble båret i prosesjoner ved begravelsene til de store familiene og som ellers ble vist i hjemmet, men mange av bystene som overlever må representere forfedres figurer, kanskje fra de store familiegravene som Scipios grav eller den senere mausolea utenfor byen. Det berømte bronsehodet angivelig av Lucius Junius Brutus er veldig forskjellig datert, men tatt som en veldig sjelden overlevelse av kursiv stil under republikken, i det foretrukne bronsemediet. På samme måte sees strenge og kraftige hoder i myntene til konsulene, og i keiserperioden var mynter så vel som byster sendt rundt i imperiet for å bli plassert i basilikaene i provinsbyene den viktigste visuelle formen for keiserlig propaganda; selv Londinium hadde en nesten-kolossal statue av Nero , men langt mindre enn den 30 meter høye Colossus av Nero i Roma, nå tapt. The Tomb of Eurysaces the Baker , en vellykket frimann (ca. 50-20 f.Kr.) har en frise som er et uvanlig stort eksempel på den "plebeiske" stilen. Imperial portrett ble opprinnelig hellenisert og svært idealisert, som i Blacas Cameo og andre portretter av Augustus .
Romerne forsøkte generelt ikke å konkurrere med frittstående greske verker med heroiske bedrifter fra historie eller mytologi, men produserte fra begynnelsen historiske verk i relieff , som kulminerte i de store romerske triumfkolonnene med kontinuerlige narrative relieffer som svingte rundt dem, hvorav de til minne om Trajan (113 e.Kr.) og Marcus Aurelius (innen 193) overlever i Roma, der Ara Pacis ("Fredens alter", 13 f.Kr.) representerer den offisielle gresk-romerske stilen på sitt mest klassiske og raffinerte, og Sperlonga skulpturerer den på sitt mest barokke. Noen senromerske offentlige skulpturer utviklet en massiv, forenklet stil som noen ganger forutser sovjetisk sosialistisk realisme . Blant andre viktige eksempler er de tidligere gjenbrukte relieffene på Konstantinbuen og basen til søylen til Antoninus Pius (161), Campana-relieffer var billigere keramikkversjoner av marmorrelieffer og smaken for lettelse ble fra den keiserlige perioden utvidet til sarkofagen.
Alle former for luksus liten skulptur fortsatte å være nedlatende, og kvaliteten kunne være ekstremt høy, som i sølv Warren Cup , glass Lycurgus Cup og store cameoer som Gemma Augustea , Gonzaga Cameo og " Great Cameo of France ". For en mye større del av befolkningen ble støpt relieffdekorasjon av keramikkfartøyer og små figurer produsert i store mengder og ofte betydelig kvalitet.
Etter å ha beveget seg gjennom en "barokk" fase fra slutten av 2. århundre, på 300 -tallet, forlot romersk kunst stort sett eller rett og slett ikke i stand til å produsere skulptur i den klassiske tradisjonen, en endring hvis årsaker fortsatt er mye diskutert. Selv de viktigste keiserlige monumentene viste nå stubbe, storøyde figurer i en hard frontstil, i enkle komposisjoner som understreket makt på bekostning av nåde. Kontrasten er kjent illustrert i Konstantinbuen i 315 i Roma, som kombinerer seksjoner i den nye stilen med roundeller i den tidligere fulle gresk-romerske stilen hentet fra andre steder, og Four Tetrarchs (ca. 305) fra den nye hovedstaden i Konstantinopel , nå i Venezia . Ernst Kitzinger fant i begge monumentene de samme "stumpe proporsjonene, vinkelbevegelsene, en ordning av deler gjennom symmetri og repetisjon og en gjengivelse av trekk og draperi -bretter gjennom snitt i stedet for å modellere ... Stempelets kjennetegn, uansett hvor det vises, består av en ettertrykkelig hardhet, tyngde og vinkel - kort sagt en nesten fullstendig avvisning av den klassiske tradisjonen ".
Denne stilrevolusjonen gikk kort tid før perioden da kristendommen ble adoptert av den romerske staten og det store flertallet av folket, noe som førte til slutten av stor religiøs skulptur, med store statuer som nå bare ble brukt til keisere, som i de berømte fragmentene av en kolossal akrolittisk statue av Konstantin , og kolonnen fra Barletta fra 4. eller 5. århundre . Imidlertid fortsatte rike kristne å bestille relieffer for sarkofager, som i Sarcophagus av Junius Bassus , og veldig liten skulptur, spesielt i elfenben, ble videreført av kristne, og bygde på stilen til den konsulære diptyken .
" Capitoline Brutus ", datert til det 4. til 3. århundre f.Kr.
En romersk marinebireme avbildet i et relieff fra Temple of Fortuna Primigenia i Praeneste ( Palastrina ), som ble bygget ca. 120 f.Kr. utstilt i Pius-Clementine-museet ( Museo Pio-Clementino ) i Vatikanmuseene .
Oratoren , ca. 100 f.Kr., en etruskisk-romersk bronsestatue som skildrer Aule Metele (latin: Aulus Metellus), en etruskisk mann iført en romersk toga mens han var engasjert i retorikk ; statuen har en inskripsjon i det etruskiske alfabetet
Den Grave lindring av Publius Aiedius og Aiedia , 30 f.Kr., Pergamon Museum (Berlin)
Augustus av Prima Porta , statue av keiseren Augustus , 1. århundre e.Kr., Vatikanmuseene
Gravrelieff fra Decii, 98–117 e.Kr.
Byste av keiser Claudius , ca. 50 e.Kr., (omarbeidet fra en byste av keiser Caligula ), Vatikanmuseene
Commodus kledd som Hercules , ca. 191 CE, i sen keiserlig "barokk" stil; Capitoline Museum , Roma.
The Four Tetrarchs , ca. 305, som viser den nye antiklassiske stilen, i porfyr , nå San Marco, Venezia
Den cameo perle kjent som " store Cameo of France ", c. 23 e.Kr., med en allegori om Augustus og hans familie
Portrettbyste av en mann, det gamle Roma, 60 f.Kr.
Romersk portrett er preget av sin " vorter og all " realisme.
Veristisk portrettbyste av en gammel mann, hodet dekket ( capite velato ) , enten en prest eller paterfamilias (marmor, midten av 1. århundre f.Kr.)
,_Pompeii,_c._79_AD,_National_Archaeological_Museum,_Naples_-_Spurlock_Museum,_UIUC_-_DSC05672_(cropped).jpg)
Tradisjonell romersk skulptur er delt inn i fem kategorier: portretter, historisk relieff, begravelsesrelieffer, sarkofager og kopier av antikke greske verk. I motsetning til tidligere arkeologers tro, var mange av disse skulpturene store polykrome terrakottabilder , for eksempel Apollo of Veii (Villa Givlia, Roma), men den malte overflaten på mange av dem har slitt seg med tiden.
Fortellende lettelser
Mens greske billedhuggere tradisjonelt illustrerte militære bedrifter gjennom bruk av mytologisk allegori, brukte romerne en mer dokumentarisk stil. Romerske relieffer av kampscener, som på Trajansøylen , ble opprettet for å glorifisere romersk makt, men gir også førstehånds representasjon av militærdrakter og militært utstyr. Trajans spalte registrerer de forskjellige datakrigene som ble ført av Trajan i det moderne Romania . Det er det fremste eksemplet på romersk historisk relieff og en av de store kunstneriske skattene i den antikke verden. Denne enestående prestasjonen, over 650 fot i spirallengde, presenterer ikke bare realistisk gjengitte individer (over 2500 av dem), men landskap, dyr, skip og andre elementer i en kontinuerlig visuell historie - i realiteten en gammel forløper for en dokumentarfilm. Den overlevde ødeleggelsen da den ble tilpasset som en base for kristen skulptur. Under kristentiden etter 300 e.Kr. fortsatte utsmykningen av dørpaneler og sarkofager, men skulpturen i full størrelse døde ut og så ikke ut til å være et viktig element i de tidlige kirkene.
Mindre kunst
Keramikk og terrakottas
Romerne arvet en tradisjon for kunst i et bredt spekter av de såkalte "mindre kunstene" eller dekorasjonskunsten . De fleste av disse blomstret mest imponerende på luksusnivå, men et stort antall terrakottafigurer , både religiøse og sekulære, ble fortsatt produsert billig, samt noen større Campana -relieffer i terrakotta. Romersk kunst brukte ikke vasemaleri på de gamle grekernes måte, men kar i antikk romersk keramikk var ofte stilfullt innredet i støpt relieff. Produsenter av millioner av små oljelamper som selges ser ut til å ha stolt på en attraktiv dekorasjon for å slå konkurrenter, og hvert emne i romersk kunst bortsett fra landskap og portretter er funnet på dem i miniatyr.
Glass
Luksuskunsten inkluderte fancy romersk glass i et stort spekter av teknikker, hvorav mange mindre typer sannsynligvis var rimelige for en god andel av den romerske offentligheten. Dette var absolutt ikke tilfelle for de fleste ekstravagante typer glass, slik som bur kopper eller diatreta , hvorav Lykurgos Cup i British Museum er en nesten unik figurative eksempel i glass som skifter farge når den ses med lys passerer gjennom det . The Augustan Portland Vase er mesterverket av romersk cameoglass , og etterlignet stilen til de store graverte perlene ( Blacas Cameo , Gemma Augustea , Great Cameo of France ) og andre utskjæringer i hardstein som også var mest populære rundt denne tiden.
Mosaikk
Romersk mosaikk var en mindre kunst, men ofte i veldig stor skala, helt til slutten av perioden, da kristne på slutten av 400-tallet begynte å bruke den til store religiøse bilder på vegger i sine nye store kirker; i tidligere romersk kunstmosaikk ble hovedsakelig brukt til gulv, buede tak og innvendig og utvendig vegger som skulle bli våte. Den berømte kopien av et hellenistisk maleri i Alexander Mosaic i Napoli ble opprinnelig plassert i et gulv i Pompeii ; dette er arbeid av mye høyere kvalitet enn de fleste romerske mosaikker, selv om veldig fine paneler, ofte av stillebenemner i små eller mikromosaiske tesserae også har overlevd. Romerne skilte mellom normalt opus tessellatum med tesserae stort sett over 4 mm på tvers, som ble lagt ned på stedet, og finere opus vermiculatum for små paneler, som antas å ha blitt produsert utenfor et verksted, og brakt til stedet som ferdig panel. Sistnevnte var en hellenistisk sjanger som finnes i Italia mellom ca 100 f.Kr. og 100 e.Kr. De fleste signerte mosaikker har greske navn, noe som tyder på at kunstnerne for det meste forble greske, men sannsynligvis ofte slaver som trente opp i verksteder. Sent på 2. århundre f.Kr. Nilen -mosaikken til Palestrina er et veldig stort eksempel på den populære sjangeren Nilotic -landskap , mens gladiatormosaikken på 4. århundre i Roma viser flere store figurer i kamp. Orfeus mosaikker , ofte veldig store, var et annet favorittemne for villaer, med flere grusomme dyr som ble temmet av Orpheus 'musikk. I overgangen til bysantinsk kunst hadde jaktscener en tendens til å ta over store dyrescener.
Metallarbeid
Metallarbeid var høyt utviklet og tydelig en vesentlig del av hjemmene til de rike, som spiste sølv, mens de ofte drakk av glass, og hadde forseggjorte beslag på møbler, smykker og små figurer. En rekke viktige skatter funnet de siste 200 årene, hovedsakelig fra de mer voldelige kantene av det sene imperiet, har gitt oss en mye klarere ide om romersk sølvplate. Den Mildenhall Treasure og Hoxne Hoard er begge fra East Anglia i England. Det er få overlevende fra eksklusive romerske møbler , men disse viser raffinert og elegant design og utførelse.
Mynter og medaljer
Få romerske mynter når de kunstneriske toppene til de beste greske myntene, men de overlever i stort antall, og deres ikonografi og inskripsjoner danner en avgjørende kilde for studiet av romersk historie, og utviklingen av keiserlig ikonografi, samt inneholder mange fine eksempler på portrett. De trengte inn til bygdebefolkningen i hele imperiet og utover, med barbarer i utkanten av imperiet som laget sine egne kopier. I imperiet begynte medaljoner i edle metaller å bli produsert i små utgaver som keiserlige gaver, som ligner mynter, men større og vanligvis finere i utførelse. Bilder i mynter fulgte opprinnelig greske stiler, med guder og symboler, men i republikkens dødsfall viste først Pompeius og deretter Julius Caesar seg på mynter, og portretter av keiseren eller familiemedlemmene ble standard på keiserlig mynt. Inskripsjonene ble brukt til propaganda, og i det senere imperiet ble hæren med keiseren som mottaker.
Arkitektur
Det var innen arkitektur at romersk kunst produserte sine største innovasjoner. Fordi Romerriket strakte seg over et så stort område og inkluderte så mange urbaniserte områder, utviklet romerske ingeniører metoder for bybygging i stor skala, inkludert bruk av betong . Massive bygninger som Pantheon og Colosseum kunne aldri ha blitt konstruert med tidligere materialer og metoder. Selv om betong ble oppfunnet tusen år tidligere i Midtøsten, utvidet romerne bruken fra befestninger til sine mest imponerende bygninger og monumenter, og utnyttet materialets styrke og lave kostnader. Betongkjernen var dekket med gips, murstein, stein eller marmorfiner, og dekorativ polykrom og gullgylden skulptur ble ofte lagt til for å gi en blendende effekt av kraft og rikdom.
På grunn av disse metodene er romersk arkitektur legendarisk for konstruksjonens holdbarhet; med mange bygninger som fremdeles står, og noen fremdeles i bruk, for det meste bygninger som ble omgjort til kirker i kristendommen. Mange ruiner har imidlertid blitt fratatt marmorfiner og står igjen med betongkjernen avslørt, og ser dermed noe redusert i størrelse og storhet ut fra det opprinnelige utseendet, for eksempel med Basilikaen i Konstantin.
I løpet av den republikanske tiden kombinerte romersk arkitektur greske og etruskiske elementer, og produserte innovasjoner som det runde tempelet og den buede buen. Etter hvert som romersk makt vokste i det tidlige imperiet, innviet de første keiserne engrosutjevning av slumområder for å bygge store palasser på Palatine Hill og nærliggende områder, noe som krevde fremskritt innen ingeniørmetoder og storskala design. Romerske bygninger ble deretter bygget i den kommersielle, politiske og sosiale grupperingen kjent som et forum, det som Julius Caesar var den første og flere ble lagt til senere, med Forum Romanum som den mest berømte. Den største arenaen i den romerske verden, Colosseum , ble fullført rundt 80 e.Kr. ytterst på forumet. Den inneholdt over 50 000 tilskuere, hadde uttrekkbare stoffbelegg for skygge, og kunne arrangere massive opptog inkludert store gladiatorkonkurranser og håne sjøkamper. Dette mesterverket av romersk arkitektur er et symbol på romersk ingeniøreffektivitet og inkorporerer alle tre arkitektoniske ordenene - dorisk, ionisk og korintisk. Mindre feiret, men like viktig om ikke mer for de fleste romerske borgere, var den fem etasjer store insulaen eller byblokken, den romerske ekvivalenten til en bygård, som huset titusenvis av romere.
.jpg)
Det var under regjeringen til Trajan (98–117 e.Kr.) og Hadrian (117–138 e.Kr.) at Romerriket nådde sin største utstrekning og at Roma selv var på toppen av sin kunstneriske herlighet - oppnådd gjennom massive byggeprogrammer for monumenter, møtehus, hager, akvedukter, bad, palasser, paviljonger, sarkofager og templer. Romersk bruk av buen , bruk av betongbyggemetoder , bruk av kuppelen tillot all konstruksjon av hvelvede tak og muliggjorde bygging av disse offentlige områdene og kompleksene, inkludert palasser, offentlige bad og basilikaer i "gullalderen" av imperiet. Fremragende eksempler på kuppelkonstruksjon inkluderer Pantheon , Baths of Diocletian og Baths of Caracalla . Pantheon (dedikert til alle planetgudene) er det best bevarte tempelet i antikken med et intakt tak med et åpent "øye" i midten. Takhøyden er nøyaktig lik bygningens indre radius, og skaper en halvkuleformet innkapsling. Disse storslåtte bygningene tjente senere som inspirerende modeller for arkitekter fra den italienske renessansen, for eksempel Brunelleschi . Ved Konstantins alder (306-337 e.Kr.) fant de siste store byggeprogrammene i Roma sted, inkludert oppføringen av Konstantinbuen bygget nær Colosseum , som resirkulerte noe steinarbeid fra forumet i nærheten, for å produsere en eklektisk blanding av stiler.
Romerske akvedukter , også basert på buen, var vanlig i imperiet og viktige transportører av vann til store byområder. Deres stående murrester er spesielt imponerende, for eksempel Pont du Gard (med tre buer) og akvedukten i Segovia , som tjener som stumt vitnesbyrd om kvaliteten på deres design og konstruksjon.
Se også
Referanser
Sitater
Kilder
- Beckwith, John. Tidlig kristen og bysantinsk kunst . Harmondsworth: Penguin, 1970.
- Boardman, John , The Oxford History of Classical Art . Oxford: Oxford University Press, 1993.
- Grig, Lucy. "Portretter, paven og kristningen av Roma fra det fjerde århundre." Papers of the British School i Roma 72 (2004): 203-379.
- -. Romersk kunst, religion og samfunn: Nye studier fra seminaret for romersk kunst, Oxford 2005 . Oxford: Archaeopress, 2006.
- Janson, HW og Anthony F Janson. Kunsthistorie . 6. utg. New York: Harry N. Abrams, 2001.
- Kitzinger, Ernst. Bysantinsk kunst på gang: Hovedlinjer for stilistisk utvikling i middelhavskunst, 3.-7. Århundre . Cambridge: Harvard University Press, 1995.
- Henig, Martin. A Handbook of Roman Art: A Comprehensive Survey of All the Arts of the Roman World . Ithaca: Cornell University Press, 1983.
- Piper, David . The Illustrated Library of Art , Portland House, New York, 1986, ISBN 0-517-62336-6
- Strong, Donald Emrys, JM C Toynbee og Roger Ling. Romersk kunst . 2. utg. Harmondsworth, Middlesex: Penguin, 1988.
Videre lesning
- Andreae, Bernard. Romas kunst . New York: HN Abrams, 1977.
- Beard, Mary og John Henderson. Klassisk kunst: Fra Hellas til Roma . Oxford: Oxford University Press, 2001.
- Bianchi Bandinelli, Ranuccio. Roma, Center of Power: 500 f.Kr. til AD 200 . New York: G. Braziller, 1970.
- Borg, Barbara. En følgesvenn til romersk kunst . Chichester, West Sussex: John Wiley & Sons, 2015.
- Strålende, Richard. Romersk kunst fra republikken til Konstantin . Newton Abbot, Devon: Phaidon Press, 1974.
- D'Ambra, Eve. Kunst og identitet i den romerske verden . London: Weidenfeld & Nicolson, 1998.
- -. Romersk kunst . Cambridge: Cambridge University Press, 1998.
- Kleiner, Fred S. A History of Roman Art . Belmont, CA: Thomson/Wadsworth , 2007.
- Ramage, Nancy H. Roman Art: Romulus to Constantine . 6. utg. Upper Saddle River, NJ: Pearson, 2015.
- Stewart, Peter. Romersk kunst . Oxford: Oxford University Press, 2004.
- Syndicus, Eduard. Tidlig kristen kunst . 1. utg. New York: Hawthorn Books, 1962.
- Tuck, Steven L. A History of Roman Art . Malden: Wiley Blackwell, 2015.
- Zanker, Paul. Romersk kunst . Los Angeles: J. Paul Getty Museum, 2010.
Eksterne linker
|
Bibliotekressurser om romersk kunst |