Shakespeare i forestilling - Shakespeare in performance

Sir John Gilberts maleri fra 1849: The Plays of William Shakespeare på 420 scener og karakterer fra flere av William Shakespeares skuespill.

Tusenvis av forestillinger av William Shakespeares skuespill har blitt iscenesatt siden slutten av 1500 -tallet. Mens Shakespeare levde, ble mange av hans største skuespill fremført av skuespillerselskapene Lord Chamberlain's Men and King's MenGlobe og Blackfriars Theatres . Blant skuespillerne til disse originale forestillingene var Richard Burbage (som spilte tittelrollen i de første forestillingene til Hamlet , Othello , Richard III og King Lear ), Richard Cowley og William Kempe .

Shakespeares skuespill fortsatte å bli iscenesatt etter hans død til Interregnum (1642–1660), da de fleste offentlige sceneforestillinger ble forbudt av de puritanske herskerne. Etter den engelske restaureringen ble Shakespeares skuespill fremført i lekehus med forseggjort natur og iscenesatt med musikk, dans, torden, lyn, bølgemaskiner og fyrverkeri . I løpet av denne tiden ble tekstene "reformert" og "forbedret" for scenen, et foretak som har virket sjokkerende respektløst for ettertiden.

Viktorianske produksjoner av Shakespeare søkte ofte billedeffekter i "autentiske" historiske kostymer og sett. Iscenesettelsen av de rapporterte sjøkampene og lekteren i Antony og Cleopatra var et spektakulært eksempel. En så forseggjort natur for de ofte skiftende stedene i Shakespeares skuespill førte ofte til tap av tempo. Mot slutten av 1800 -tallet ledet William Poel en reaksjon mot denne tunge stilen. I en serie "elisabethanske" oppsetninger på en scenekamp , ga han ny oppmerksomhet til strukturen i dramaet. På begynnelsen av 1900-tallet regisserte Harley Granville-Barker quarto- og foliotekster med få kutt, mens Edward Gordon Craig og andre ba om abstrakt iscenesettelse. Begge tilnærmingene har påvirket de forskjellige Shakespeare -produksjonsstilene vi ser i dag.

Forestillinger i løpet av Shakespeares levetid

Truppen som Shakespeare skrev sine tidligste skuespill for, er ikke kjent med sikkerhet; tittelsiden til 1594 -utgaven av Titus Andronicus avslører at den hadde blitt handlet av tre forskjellige selskaper. Etter plagene 1592–93 ble Shakespeares skuespill fremført av Lord Chamberlain's Men, et nytt selskap som Shakespeare var et grunnleggende medlem av, på The Theatre and the Curtain in Shoreditch , nord for Themsen. Londonboere strømmet dit for å se første del av Henry IV , Leonard Digges husker: "La men Falstaff komme, Hal, Poins, resten ... og du knappe skal ha et rom". Da utleier av teatret kunngjorde at han ikke ville fornye selskapets leieavtale, trakk de lekehuset ned og brukte tømmeret til å bygge Globe Theatre , det første lekehuset i London bygget av skuespillere for skuespillere, på sørbredden av Themsen i Southwark . The Globe åpnet høsten 1599, med Julius Caesar et av de første skuespillene. De fleste av Shakespeares største skuespill etter 1599 ble skrevet for Globe, inkludert Hamlet , Othello og King Lear .

Rekonstruert Globe teater London

The Globe, i likhet med Londons andre åpne tak, offentlige teatre, brukte en skyve-scene, dekket av en klut kalesje. En to-etasjes fasade på baksiden av scenen gjemte det slitsomme huset og, gjennom vinduer nær toppen av fasaden, muligheter for balkonscener som den i Romeo og Julie . Dører i bunnen av fasaden kan ha blitt brukt til oppdagelsesscener som den på slutten av The Storm . En feldør i selve scenen kan brukes til scenevirksomhet, som noen av de som involverer spøkelsen i Hamlet . Dette falldørområdet ble kalt "helvete", som kalesjen ovenfor ble kalt "himmelen"

Mindre er kjent om andre trekk ved iscenesettelse og produksjon. Stage rekvisitter ser ut til å ha vært minimal, selv om kostymer var så forseggjort som mulig. "To timers trafikk" nevnt i prologen til Romeo og Julie var ikke fantasifull; byregjeringens fiendtlighet betydde at forestillingene offisielt var begrenset til så lang tid. Selv om det ikke er kjent hvor alvorlig bedrifter tok slike påbud, virker det sannsynlig at enten skuespill ble fremført i en nesten rasende fart, eller at de nåværende tekstene ble klippet for fremføring, eller begge deler.

Det andre hovedteatret der Shakespeares originale skuespill ble fremført var det andre Blackfriars Theatre , et innendørs teater bygget av James Burbage , far til Richard Burbage , og impresario av Lord Chamberlain's Men. Nabolagsprotester holdt imidlertid Burbage fra å bruke teatret til Lord Chamberlain's Men -forestillinger i en årrekke. Etter at Lord Chamberlain's Men ble omdøpt til King's Men i 1603, inngikk de et spesielt forhold til det nye hoffet til King James . Ytelsesrekorder er ujevn, men det er kjent at King's Men fremførte syv av Shakespeares skuespill i retten mellom 1. november 1604 og 31. oktober 1605, inkludert to forestillinger av The Merchant of Venice . I 1608 tok King's Men (som selskapet da ble kjent) besittelse av Blackfriars Theatre . Etter 1608 opptrådte troppen på det innendørs Blackfriars Theatre om vinteren og Globe om sommeren. Innendørsinnstillingen, kombinert med den jakobiske moten for overdådige iscenesatte masker , skapte nye betingelser for forestilling som gjorde at Shakespeare kunne introdusere mer forseggjorte sceneapparater. I Cymbeline , for eksempel, faller Jupiter ned "i torden og lyn, sittende på en ørn: han kaster torden. Spøkelsene faller på kne." Skuespill produsert på innendørsteateret gjorde antagelig også større bruk av lydeffekter og musikk.

Et fragment av marinekaptein William Keelings dagbok overlever, der han beskriver mannskapets forestillinger ombord på Hamlet (utenfor kysten av Sierra Leone , 5. september 1607, og i Socotra , 31. mars 1608) og Richard II (Sierra Leone 30. september 1607). En tid etter at det ble oppdaget, ble fragmentet mistenkt for å være forfalskning, men er nå generelt akseptert som ekte. Dette er de første innspilte amatørforestillingene til noen skuespill fra Shakespeare.

Juni 1613 gikk Globe Theatre i flammer under en forestilling av Henry VIII . En teatralsk kanon, satt i gang under forestillingen, gikk feil, antente trebjelkene og stråtaket. I følge et av de få dokumentene fra hendelsen som ble overlevd, ble ingen skadet bortsett fra en mann som stakk ut brennende bukser med en flaske øl. Hendelsen angir datoen for et Shakespeare -skuespill med sjelden presisjon. Sir Henry Wotton spilte inn at stykket "ble fremført med mange ekstraordinære omstendigheter med pomp og seremoni". Teatret ble gjenoppbygd, men som alle de andre teatrene i London ble Globe nedlagt av puritanerne i 1642.

Skuespillerne i Shakespeares selskap inkluderte Richard Burbage , Will Kempe , Henry Condell og John Heminges . Burbage spilte hovedrollen i de første forestillingene til mange av Shakespeares skuespill, inkludert Richard III , Hamlet , Othello og King Lear . Den populære tegneserieskuespilleren Will Kempe spilte blant annet Peter i Romeo og Julie og Dogberry i Much Ado About Nothing . Han ble erstattet rundt begynnelsen av 1500 -tallet av Robert Armin , som spilte roller som Touchstone i As You Like It og idioten i King Lear . Lite er sikkert kjent om skuespillestiler. Kritikere berømmet de beste skuespillerne for deres naturlighet. Hån ble fylt på løpere og på dem som "rev en lidenskap for å tette", slik Hamlet har det. Også hos Hamlet klager dramatikere over klovner som improviserer på scenen (moderne kritikere skylder ofte på Kemp spesielt i denne forbindelse). I den eldre komedietradisjonen som nådde toppen med Richard Tarlton , var klovner, ofte hovedtrekningen til en gruppe, ansvarlig for å lage komisk byspill. Ved jakobeaneren var denne typen humor blitt erstattet av verbal vidd.

Interregnum- og restaureringsforestillinger

Frontispice to The Wits (1662), som viser teatralsk troll , med Falstaff i nedre venstre hjørne.

Shakespeares skuespill fortsatte å bli iscenesatt etter hans død til Interregnum (1642–1660), da de fleste offentlige sceneforestillinger ble forbudt av de puritanske herskerne. Selv om de ble nektet for bruk av scenen, kostymer og kulisser, klarte skuespillerne fremdeles å drive sin handel ved å fremføre " drolls " eller korte stykker av større skuespill som vanligvis endte med en slags jig. Shakespeare var blant de mange dramatikerne hvis verk ble plyndret for disse scenene. Blant drollene hentet fra Shakespeare var Bottom the Weaver ( Bottom -scener fra A Midsummer Night's Dream ) og The Grave-makers (graverens scene fra Hamlet ).

Ved restaureringen i 1660 ble Shakespeares skuespill delt mellom de to nylig lisensierte selskapene: King's Company of Thomas Killigrew og Duke 's Men of William Davenant . Lisenssystemet hersket i to århundrer; fra 1660 til 1843 presenterte bare to hovedselskaper regelmessig Shakespeare i London. Davenant, som hadde kjent skuespillere fra tidlig Stuart som John Lowin og Joseph Taylor , var hovedfiguren som etablerte en viss kontinuitet med tidligere tradisjoner; hans råd til skuespillerne er derfor av interesse som mulige refleksjoner av original praksis.

I det hele tatt var innovasjon imidlertid dagens orden for restaureringsselskaper. John Downes rapporterer at King's Men opprinnelig inkluderte noen Caroline -skuespillere; den tvungne bruken av Interregnum delte imidlertid begge selskapene fra fortiden. Restaureringsaktører opptrådte på prosceniumscener , ofte på kvelden, mellom seks og ni. Settdesign og rekvisitter ble mer forseggjort og variabelt. Kanskje mest merkbart ble guttespillere erstattet av skuespillerinner. Publikum på relativt dyre innendørsteatre var rikere, bedre utdannede og mer homogene enn de mangfoldige, ofte ustyrlige folkemengdene på Globe. Davenants selskap begynte på Salisbury Court Theatre , flyttet deretter til teatret på Lincoln's Inn Fields og bosatte seg til slutt i Dorset Garden Theatre . Killigrew begynte på Gibbons tennisbane før han slo seg ned i Christopher Wren sitt nye teater i Drury Lane . Beskyttere fra begge selskapene forventet at billettprisene var ganske annerledes enn det som hadde gledet Elizabethans. For tragedien gikk smaken til heroisk drama ; for komedie, til komedie for manerer . Selv om de likte Shakespeare, ser det ut til at de ønsket at skuespillene hans skulle passe til disse preferansene.

Restaureringsskuespiller Thomas Betterton som Hamlet , konfrontert med farens spøkelse (med både Hamlet og Gertrude i samtidsklær) (1709)

Restaureringsforfattere forpliktet dem ved å tilpasse Shakespeares skuespill fritt. Forfattere som William Davenant og Nahum Tate skrev om noen av Shakespeares skuespill for å passe dagens smak, noe som favoriserte den høflige komedien til Beaumont og Fletcher og de nyklassiske reglene for drama . I 1681 ga Tate The History of King Lear , en modifisert versjon av Shakespeares originale tragedie med en lykkelig slutt. I følge Stanley Wells erstattet Tates versjon "Shakespeares skuespill i hver forestilling gitt fra 1681 til 1838", da William Charles Macready spilte Lear fra en forkortet og omorganisert versjon av Shakespeares tekst. "Det var min lykke", sa Tate, "for å belyse en hensiktsmessig måte å rette opp i det som var ønsket om historiens regelmessighet og sannsynlighet, som skulle gå gjennom det hele mellom en kjærlighet mellom Edgar og Cordelia som aldri endret ord med hverandre i originalen ".

Tate's Lear er fortsatt kjent som et eksempel på en dårlig gjennomtenkt tilpasning som skyldes ufølsomhet for Shakespeares tragiske visjon. Tates geni var ikke i språket - mange av hans interpolerte linjer skanner ikke engang - men i struktur; hans Lear begynner strålende med Edmund the Bastard sin første oppsiktsvekkende tale, og slutter med Lears heroiske redning av Cordelia i fengselet og en restaurering av rettferdighet til tronen. Tates verdensbilde, og det av teaterverdenen som omfavnet (og krevde) hans "happy ending" -versjoner av Bards tragiske verk (som kong Lear og Romeo og Julie ) i over et århundre, oppsto fra en dypt forskjellig følelse av moral i samfunnet og hvilken rolle teater og kunst skal spille i det samfunnet. Tates versjoner av Shakespeare ser på teaterets ansvar som en transformativ agent for positiv endring ved å holde et moralsk speil opp mot våre grunnleggende instinkter. Tates versjoner av det vi nå anser som noen av Bards største verk dominerte scenen gjennom 1700 -tallet nettopp fordi aldre av opplysning og fornuft fant Shakespeares "tragiske visjon" umoralsk, og hans tragiske verk var ustabile. Tate blir sjelden fremført i dag, men i 1985 monterte Riverside Shakespeare Company en vellykket produksjon av The History of King LearThe Shakespeare Center , som ble varslet av noen som en "Lear for Ronald Reagans alder."

Kanskje et mer typisk eksempel på formålet med restaureringsrevisjoner er Davenants The Law Against Lovers , en komedie fra 1662 som kombinerer hovedplottet Measure for Measure med underplottet Much Ado About Nothing . Resultatet er et øyeblikksbilde av restaureringens tegneserier. Beatrice og Benedick blir ført til parallell med Claudio og Hero; hovedvekten er på vittig samtale, og Shakespeares tematiske fokus på begjær blir stadig nedtonet. Stykket avsluttes med tre ekteskap: Benedick's til Beatrice, Claudio's to Hero, og Isabella's til en Angelo hvis forsøk på Isabellas dyd var et knep. Davenant skrev mange av de broende scenene og omformet mye av Shakespeares vers som heroiske koblinger .

Et siste trekk ved restaureringens scenekunst påvirket produksjoner av Shakespeare. Smaken for opera som de eksiliske hadde utviklet i Frankrike, satte sitt preg på Shakespeare også. Davenant og John Dryden bearbeidet The Tempest til en opera, The Tempest eller The Enchanted Island ; arbeidet deres inneholdt en søster for Miranda, en mann, Hippolito, som aldri har sett en kvinne, og et annet paret ekteskap på slutten. Den inneholdt også mange sanger, en spektakulær forlisscene og en maske med flygende cupids. Andre av Shakespeares verker gitt opera behandling inkludert En Midtsommernattsdrøm (som The Fairy-Queen i 1692) og Charles Gildon 's Measure for Measure (ved hjelp av en forseggjort masque.)

Uansett hvor dårlige veiledninger slike revisjoner kan virke nå, ga de mening for periodens dramatikere og publikum. Dramatikerne nærmet seg Shakespeare ikke som bardolatorer , men som teaterprofesjonelle. I motsetning til Beaumont og Fletcher, hvis "skuespill nå er de mest behagelige og hyppige underholdningene på scenen", ifølge Dryden i 1668, "så to av dem som ble oppført gjennom året for en av Shakespeares eller Jonsons", ut til Shakespeare for dem å ha bli datert. Men nesten universelt sett så de ham som verdt å oppdatere. Selv om de fleste av disse reviderte stykkene mislyktes på scenen, forble mange aktuelle på scenen i flere tiår; Thomas Otways romerske tilpasning av Romeo og Julie ser for eksempel ut til å ha drevet Shakespeares original fra scenen mellom 1680 og 1744. Det var i stor grad den reviderte Shakespeare som tok ledende plass i repertoaret på begynnelsen av 1700 -tallet, mens Beaumont og Fletchers andel stadig falt.

18. århundre

Det 18. århundre var vitne til tre store endringer i produksjonen av Shakespeares skuespill. I England transformerte utviklingen av stjernesystemet både skuespill og produksjon; på slutten av århundret berørte den romantiske revolusjonen skuespill som den berørte alle kunstene. På samme tid begynte skuespillere og produsenter å gå tilbake til Shakespeares tekster, og lukket sakte ut restaureringsrevisjonene. Til slutt, ved slutten av århundret hadde Shakespeares skuespill blitt etablert som en del av repertoaret utenfor Storbritannia: ikke bare i USA, men i mange europeiske land.

Storbritannia

David Garrick som Richard III . Av William Hogarth , 1745. Walker Art Gallery . Telt scene før slaget ved Bosworth : Richard er hjemsøkt av spøkelsene til de han har myrdet.

På 1700 -tallet dominerte Shakespeare London -scenen, mens Shakespeare -produksjoner i økende grad ble til å lage stjernevendinger for stjerneskuespillere. Etter lisensloven av 1737 var en fjerdedel av stykkene som ble fremført av Shakespeare, og ved minst to anledninger iscenesatte rivaliserende lekenhus i London det samme Shakespeare -stykket samtidig ( Romeo og Julie i 1755 og kong Lear neste år) og fremdeles befalt publikum. Denne anledningen var et slående eksempel på den økende prominensen til Shakespeare -stjerner i teaterkulturen, den store attraksjonen var konkurransen og rivaliseringen mellom de mannlige lederne i Covent Garden og Drury Lane, Spranger Barry og David Garrick . På 1740 -tallet hjalp Charles Macklin , i roller som Malvolio og Shylock , og David Garrick , som vant berømmelse som Richard III i 1741, med å gjøre Shakespeare virkelig populær. Garrick produserte 26 av skuespillene på Drury Lane Theatre mellom 1747 og 1776, og han holdt et stort Shakespeare -jubileum på Stratford i 1769. Han tilpasset imidlertid Shakespeares verk fritt og sa om Hamlet : "Jeg hadde sverget på at jeg ikke ville forlate scenen til jeg hadde reddet det edle spillet fra alt søppel i femte akt. Jeg har hentet det frem uten gravgraverens triks, Osrick, og gjerdekampen. " Tilsynelatende ble det ikke oppfattet noen uoverensstemmelse med at Barry og Garrick i slutten av trettiårene skulle spille ungdom Romeo den ene sesongen og geriatrisk kong Lear den neste. 1700 -tallets forestillinger om verisimilitude krevde vanligvis ikke at en skuespiller var fysisk egnet for en rolle, et faktum som ble eksemplifisert av en produksjon fra Romeo og Julie fra 1744 der Theophilus Cibber , den gang førti, spilte Romeo til Juliet til sin tenåringsdatter Jennie.

Andre steder i Europa

Noen av Shakespeares arbeider ble fremført på det kontinentale Europa selv i løpet av hans levetid; Ludwig Tieck påpekte tyske versjoner av Hamlet og andre skuespill, av usikker opprinnelse, men absolutt ganske gammel. men det var først etter midten av neste århundre at Shakespeare dukket opp jevnlig på tyske scener. I Tyskland sammenlignet Lessing Shakespeare med tysk folkelitteratur. Goethe organiserte et Shakespeare -jubileum i Frankfurt i 1771, der det stod at dramatikeren hadde vist at de aristoteliske enhetene var "like undertrykkende som et fengsel" og var "tyngende for vår fantasi". Herder uttalte på samme måte at å lese Shakespeares verk åpner "blader fra hendelsesboken, forsynet, av verden, som blåser i tidens sand ". Denne påstanden om at Shakespeares arbeid bryter gjennom alle kreative grenser for å avsløre en kaotisk, myldrende, motstridende verden ble karakteristisk for romantisk kritikk, senere uttrykt av Victor Hugo i forordet til skuespillet Cromwell , der han hyllet Shakespeare som en grotesk kunstner , en sjanger der det tragiske, absurde, trivielle og alvorlige var uløselig sammenflettet.

1800 -tallet

Theatre Royal på Drury Lane i 1813. Plattformscenen er borte og orkestergraven skiller skuespillerne fra publikum.

Teatre og teaterlandskap ble stadig mer forseggjort på 1800 -tallet, og skuespillutgavene som ble brukt ble gradvis kuttet og omstrukturert for å understreke mer og mer soliloquiene og stjernene, på bekostning av tempo og handling. Forestillingene ble ytterligere bremset av behovet for hyppige pauser for å endre naturen, noe som skapte et opplevd behov for enda flere kutt for å holde ytelsens lengde innenfor akseptable grenser; det ble en allment akseptert grense for at Shakespeares skuespill var for lange til å fremføres uten betydelige kutt. Plattformen, eller forkleet, scenen, på hvilken skuespillere fra 1600 -tallet ville stå frem for publikumskontakt, var borte, og skuespillerne ble permanent bak den fjerde veggen eller prosceniumbuen , ytterligere skilt fra publikum av orkesteret (se bildet på Ikke sant).

Viktorianske produksjoner av Shakespeare søkte ofte billedeffekter i "autentiske" historiske kostymer og sett. Iscenesettelsen av de rapporterte sjøkampene og lekteren i Antony og Cleopatra var et spektakulært eksempel. For ofte ble resultatet tap av tempo. Mot slutten av århundret ledet William Poel en reaksjon mot denne tunge stilen. I en serie "elisabethanske" oppsetninger på en scenekamp , ga han ny oppmerksomhet til strukturen i dramaet.

Gjennom 19-tallet, et navneopprop av legendariske skuespillernes navn alle, men drukne ut skuespill der de synes: Sarah Siddons (1755-1831), John Philip Kemble (1757-1823), Henry Irving (1838-1905), og Ellen Terry (1847–1928). Å være en stjerne i det legitime dramaet betød å først og fremst være en "stor Shakespeare -skuespiller", med en berømt tolkning av, for menn, Hamlet og for kvinner, Lady Macbeth, og spesielt med en slående levering av de store ensilokviene . Akmen av skuespill, stjerne og ensomhet fra Shakespeare-opptreden kom under regimet til skuespiller-manager Henry Irving og hans medstjerne Ellen Terry i deres omhyggelig iscenesatte produksjoner, ofte med orkestral tilfeldig musikk , på Lyceum Theatre, London fra 1878 til 1902. Samtidig ble en revolusjonerende tilbakevending til røttene til Shakespeares originale tekster, og til plattformscenen, fravær av natur og flytende sceneforandringer i det elisabethanske teatret, utført av William Poel 's Elizabethan Stage Society .

Det 20. århundre

På begynnelsen av 1900-tallet regisserte Harley Granville-Barker quarto- og foliotekster med få kutt, mens Edward Gordon Craig og andre ba om abstrakt iscenesettelse. Begge tilnærmingene har påvirket de forskjellige Shakespeare -produksjonsstilene vi ser i dag.

Det 20. århundre så også en rekke visuelle tolkninger av Shakespeares skuespill.

Gordon Craigs design for Hamlet i 1911 var banebrytende i sin kubistiske innflytelse. Craig definerte rommet med enkle leiligheter: monokrome lerreter strukket på trerammer, som var hengslet sammen for å være selvbærende. Selv om byggingen av disse leilighetene ikke var original, var søknaden til Shakespeare helt ny. Leilighetene kan justeres i mange konfigurasjoner og ga en teknikk for å simulere arkitektoniske eller abstrakte litiske strukturer ut av forsyninger og metoder som er felles for ethvert teater i Europa eller Amerika.

Det andre store skiftet av scenografien fra det 20. århundre av Shakespeare var i Barry Vincent Jacksons produksjon av Cymbeline fra Birmingham i 1923 . Denne produksjonen var banebrytende fordi den gjeninnførte ideen om moderne kjole tilbake til Shakespeare. Det var ikke den første moderne kjoleproduksjonen siden det var noen få mindre eksempler før første verdenskrig , men Cymbeline var den første som gjorde oppmerksomheten til enheten på en åpenbar måte. Iachimo ble kostymert i kveldskjole til innsatsen, retten var i militæruniformer og den forkledde Imogen i knickerbockers og cap. Det var for denne produksjonen at kritikerne oppfant fangstfrasen "Shakespeare in plus-fours". Eksperimentet var moderat vellykket, og regissøren, HK Ayliff , to år senere iscenesatte Hamlet i moderne kjole. Disse produksjonene banet vei for de moderne kjole Shakespeare-produksjonene som vi er kjent med i dag.

I 1936 ble Orson Welles ansatt av Federal Theatre Project for å regissere en banebrytende produksjon av Macbeth i Harlem med en avroamerikansk rollebesetning. Produksjonen ble kjent som Voodoo Macbeth , ettersom Welles endret setting til et Haiti fra 1800-tallet som ble drevet av en ond konge grundig kontrollert av afrikansk magi. Opprinnelig fiendtlig, tok det svarte samfunnet grundig i produksjonen, og sørget for fulle hus i ti uker på Lafayette Theatre og førte til en liten Broadway -suksess og en nasjonal turné.

Andre bemerkelsesverdige produksjoner fra det 20. århundre som følger denne trenden med å flytte Shakespeares skuespill, er HK Ayliff 's Macbeth fra 1928 på slagmarkene under første verdenskrig , Welles ' Julius Caesar fra 1937 basert på nazistreffene i Nürnberg , og Thacker's Coriolanus of 1994 kostumert på samme måte som den franske revolusjonen .

I 1978 ble en dekonstruktiv versjon av The Taming of the Shrew fremført på Royal Shakespeare Theatre . Hovedpersonen gikk gjennom publikum mot scenen, oppførte seg full og ropte sexistiske kommentarer før han begynte å rive ned (dvs. dekonstruere) naturen. Selv etter presseomtale flyktet noen publikummere fremdeles fra forestillingen og trodde de var vitne til et skikkelig overgrep.

det 21. århundre

The Royal Shakespeare Company i Storbritannia har produsert to store Shakespeare festivaler i det tjueførste århundre. Den første var Complete Works (RSC -festivalen) i 2006–2007, som satte opp produksjoner av alle Shakespeares skuespill og dikt. Den andre er World Shakespeare Festival i 2012, som er en del av London 2012 Cultural Olympiad , og inneholder nesten 70 produksjoner som involverer tusenvis av artister fra hele verden. Mer enn halvparten av disse produksjonene er en del av Globe to Globe Festival . Hver av produksjonene i denne festivalen har blitt anmeldt av Shakespeare -akademikere, teaterutøvere og bloggere i et prosjekt kalt Year of Shakespeare .

I mai 2009 åpnet Hamlet med Jude Law i tittelrollen i Donmar Warehouse West End -sesongen på Wyndham's . Han fikk selskap av Ron Cook , Peter Eyre , Gwilym Lee , John MacMillan, Kevin R McNally , Gugu Mbatha-Raw , Matt Ryan , Alex Waldmann og Penelope Wilton . Produksjonen åpnet offisielt 3. juni og løp ut 22. august 2009. Produksjonen ble også montert på Helsingør slott i Danmark fra 25. til 30. august 2009 og på BroadwayBroadhurst Theatre i New York .

Den Propeller selskap har tatt all-mannlige skuespillerne produksjoner rundt om i verden. Phyllida Lloyd har kontinuerlig iscenesatt alle kvinnelige castversjoner av Shakespeare i London.

Shakespeare på skjermen

Mer enn 420 spillefilmversjoner av Shakespeares skuespill har blitt produsert siden begynnelsen av 1900-tallet, noe som gjorde Shakespeare til den mest filmet forfatteren noensinne. Noen av filmatiseringene, spesielt Hollywood -filmer som markedsføres for tenåringer, bruker plottene hans fremfor dialogen hans, mens andre bare er filmet versjoner av skuespillene hans.

Kjole og design

I århundrer hadde det vært en akseptert stil for hvordan Shakespeare skulle fremføres som feilaktig ble merket "elisabethansk", men faktisk gjenspeilet en trend med design fra en periode kort tid etter Shakespeares død. Shakespeares forestillinger ble opprinnelig fremført i samtidsklær. Skuespillere ble kledd i klær som de kunne ha på seg av scenen. Dette fortsatte inn på 1700 -tallet, den georgiske perioden, hvor kostymer var den nåværende fasjonable kjolen. Det var først århundrer etter hans død, først og fremst på 1800 -tallet, at produksjonene begynte å se tilbake og prøvde å være "autentiske" i en Shakespeare -stil. Den viktorianske epoken hadde en fascinasjon for historisk nøyaktighet, og denne ble tilpasset scenen for å appellere til den utdannede middelklassen. Charles Kean var spesielt interessert i historisk sammenheng og brukte mange timer på å forske på historisk kjole og setting for sine produksjoner. Denne faux-Shakespeare-stilen ble løst fram til 1900-tallet. Fra det tjueførste århundre er det svært få produksjoner av Shakespeare, både på scenen og på film, som fremdeles fremføres i "autentisk" antrekk, mens så sent som i 1990 var praktisk talt alle sanne filmversjoner av et Shakespeare-skuespill utført i riktig periodedrakt.

Se også

Merknader

Bibliografi

  • Arrowsmith, William Robson. Shakespeares redaktører og kommentatorer . London: J. Russell Smith, 1865.
  • Cappon, Edward. Victor Hugo: Et minne og en studie . Edinburgh: Blackwood, 1885.
  • Dryden, John. The Critical and Miscellaneous Prose Works av John Dryden . Edmond Malone, redaktør. London: Baldwin, 1800.
  • Düntzer, JHJ , Life of Goethe . Thomas Lyster, oversetter. New York: Macmillan, 1884.
  • Glick, Claris. "William Poel: Hans teorier og innflytelse." Shakespeare Quarterly 15 (1964).
  • Hill, Erroll. Shakespeare i Sable . Amherst: University of Massachusetts Press , 1984.
  • Husmann, John . Gjennomgang: Et minne . New York: Simon & Schuster, 1972.
  • Jackson, Russell. "Shakespeare på Stratford-upon-Avon, 1994–5." Shakespeare Quarterly 46 (1995).
  • Nettleton, George Henry. Engelsk drama for restaurering og attende århundre (1642–1780) . London: Macmillan, 1914.
  • Pfister, Manfred. "Shakespeare og den europeiske Canon." Skifte scene: Shakespeare i europeisk kultur . Balz Engler og Ledina Lambert, red. Newark, DE: University of Delaware Press, 2004.
  • Sprague, AC Beaumont og Fletcher på restaureringsfasen . New York: Benjamin Blom, 1954.
  • Tieck, Ludwig . Alt-engelsk drama . Berlin, 1811.

Eksterne linker