Tod Browning - Tod Browning

Tod Browning
Født	Charles Albert Browning Jr. (1880-07-12)12. juli 1880 Louisville, Kentucky , USA
Døde	6. oktober 1962 (1962-10-06)(82 år) Malibu, California , USA
Okkupasjon	Filmskuespiller filmregissør manusforfatter vaudevillian komiker karneval/sideshow -arbeider
År aktive	1896–1939

Tod Browning (født Charles Albert Browning Jr .; 12. juli 1880 - 6. oktober 1962) var en amerikansk filmregissør, filmskuespiller, manusforfatter, vaudeville -utøver, karnevalsideshow og sirkusunderholder. Brownings karriere spenner over stumfilmens og lydfilmens epoker. Mest kjent som regissør for Dracula (1931), Freaks (1932) og samarbeid mellom stille filmer med Lon Chaney og Priscilla Dean , regisserte Browning mange filmer i et bredt spekter av sjangere, mellom 1915 og 1939.

Tidlig liv

Tod Browning ble født Charles Albert Browning, Jr., i Louisville, Kentucky , den andre sønnen til Charles Albert og Lydia Browning. Charles Albert Sr., "en murer, snekker og maskinist" ga familien en middelklasse og baptisthusholdning . Brownings onkel, baseballstjernen Pete "Louisville Slugger" Browning så sin sobriquet tildelt den ikoniske baseballballen .

Sirkus, sideshow og vaudeville

Som barn ble Browning fascinert av sirkus- og karnevalliv . I en alder av 16, og før han avsluttet videregående, løp han fra sin velstående familie for å bli med på et sirkus.

Opprinnelig ansatt som en roustabout , begynte han snart å tjene som en "spieler" (en barker på sideshows ), og i 1901, i en alder av 21, fremførte han sang- og danserutiner for underholdning i elvebåt i Ohio og Mississippi, samt fungerte som en contortionist for Manhattan Fair and Carnival Company. Browning utviklet en levende begravelseshandling der han ble regnet som "The Living Hypnotic Corpse", og opptrådte som en klovn med det anerkjente sirkelen til Ringling Brothers . Senere ville han trekke på disse tidlige erfaringene for å informere sine filmatiske oppfinnelser.

I 1906 ble den 26 år gamle Browning kort gift med Amy Louis Stevens i Louisville. Ved å vedta det profesjonelle navnet "Tod" Browning ( tod er det tyske ordet for død), forlot Browning kona og ble en vaudevillian , og turnerte mye som både en tryllekunstnerassistent og en blackface -komiker i en handling kalt The Lizard and the Coon med komiker Roy C. Jones. Han dukket opp i en Mutt og Jeff -skisse i burlesque -revyen The World of Mirth fra 1912 med komiker Charles Murray .

Filmskuespiller: 1909-1913

I 1909, etter 13 år med å ha opptrådt i karneval og vaudeville -kretser, gikk Browning, 29 år gammel over til filmskuespill.

Brownings arbeid som komisk filmskuespiller begynte i 1909 da han opptrådte sammen med regissør og manusforfatter Edward Dillon i filmshorts . I alt ble Browning støpt i over 50 av disse en- eller to-reeler slapstick- produksjonene. Filmhistoriker Boris Henry observerer at "Brownings erfaring som skuespiller [ble] innlemmet i karrieren som filmskaper." Dillon ga senere mange av manusene til de tidlige filmene som Browning ville regissere. En rekke skuespillere som Browning opptrådte med i sin tidlige skuespillerkarriere ville senere dukke opp i hans egne bilder, hvorav mange tjenestegjorde læretid hos Keystone Cops -regissør Max Sennett , blant dem Wallace Beery , Ford Sterling , Polly Moran , Wheeler Oakman , Raymond Griffith , Kalla Pasha , Mae Busch , Wallace MacDonald og Laura La Varnie .

I 1913 ble den 33 år gamle Browning ansatt av filmregissør DW Griffith i Biograph Studios i New York City, og dukket først opp som bedriftsmann i Scenting a Terrible Crime (1913). Både Griffith og Browning forlot Biograph og New York samme år og ble sammen med Reliance-Majestic Studios i Hollywood, California. Browning ble omtalt i flere Reliance-Majestic-filmer, inkludert The Wild Girl (1917).

Regi og manus for tidlig film: 1914–1916

Filmhistoriker Vivian Sobchack rapporterer at "en rekke en- eller to-ruller blir tilskrevet Browning fra 1914 til 1916" og biograf Michael Barson krediterer Brownings regidebut til ett-hjulsspillet The Lucky Transfer , som ble utgitt i mars 1915.

Brownings karriere tok nesten slutt da han i beruset tilstand kjørte bilen inn i en jernbaneovergang og kolliderte med et lokomotiv. Browning pådro seg alvorlige skader, det samme gjorde passasjer George Siegmann . En andre passasjer, skuespilleren Elmer Booth ble drept øyeblikkelig. Filmhistoriker Jon Towlson bemerker at "alkoholisme skulle bidra til et stort traume i Brownings personlige liv som ville forme hans tematiske tvangstanker ... Etter 1915 begynte Browning å rette sin traumatiske opplevelse inn i arbeidet sitt - og forandre det radikalt i prosessen." I følge biografer David J. Skal og Elias Savada , forvandlet den tragiske hendelsen Brownings kreative syn:

Et tydelig mønster hadde dukket opp i hans arbeid etter ulykken, som skilte det fra komedien som hadde vært hans spesialitet før 1915. Nå var fokuset hans moralistisk melodrama, med tilbakevendende temaer om kriminalitet, skyld og gjengjeldelse.

Faktisk var de trettien filmer som Browning skrev og regisserte mellom 1920 til 1939, med få unntak, melodramaer.

Brownings skader forhindret sannsynligvis en videre karriere som skuespiller. Under sin langvarige rekonvalesens, vendte Browning seg til å skrive manus for Reliance-Majestic. Da han ble frisk, begynte Browning i Griffiths filmteam på settet Intolerance (1916) som assisterende regissør og dukket opp i en liten del for produksjonens "moderne historie" -sekvens.

Plot og tema i Brownings filmer

Filmhistoriker Vivian Sobchack identifiserer fire plott eller mise-en-scène der Browning presenterer temaene sine:

1) Eksotiske melodramaer , der filmens fysiske setting genererer mye av handlingen og handlingen;
2) Crook melodramas , hvis hovedpersoner er kriminelle (først og fremst tyver og svindlere);
3) Bisarre melodramaer på fysisk deformerte eller fryktelig utformede karakterer;
4) en mindre gruppe, Mystery melodramas , håndterer å løse en forbrytelse (vanligvis et drap), som ofte debunker overnaturlige forklaringer i prosessen.

Sobchack påpeker at plottssynopsisen for disse filmene, betraktet uavhengig av deres filmatiske behandlinger, fremstår som "latterlig" eller "bisar" i unnfangelsen. Brownings håndtering av materialet gir imidlertid "kraftige og urovekkende erkjennelser på skjermen."

Melodramaene som Browning skrev og regisserte for MGM og Universal er formelle manifestasjoner av hans "tvangsmessige" opptatthet av temaer om "moralsk og seksuell frustrasjon, utskiftbare skyld [og] mønstre av menneskelig frastøtelse og tiltrekning." Biograf Stuart Rosenthal tilbyr denne analysen av regissørens stil og temaer:

Adjektivet som oftest brukes på Brownings kino er 'besatt' ... han uttrykker sitt besettelsesinnhold på en måte som kan beskrives som tvangsmessig. Enkelte bilder, komposisjoner og montasjer vises igjen og igjen i Brownings verk [etterlater] et inntrykk av ærlig gjentakelse. Faktisk har han en begrenset katalog med temaer og effekter som utarbeider hvert av bildene hans. Det samlede omfanget av hele Browning -filmografien er ikke vesentlig bredere enn noen enkelt oppføring i den.

Rosenthal tildeler fire tematiske kategorier til Brownings filmer:

Reality vs. Utseende , der et individs sosiale eksteriør (fysisk skjønnhet, pynt med myndighet eller profesjonell status) blir avslørt som fasader maske grusom eller kriminell atferd. (eks. The Unholy Three (1925), Where East Is East (1929))

Seksuell frustrasjon , ofte involvert et "hellig" far-barn eller et annet slektskapsforhold der "en manns avkom representerer forlengelser av sin egen seksualitet" og fremkaller en beskyttende reaksjon på seksuelle fornærmelser fra utenforstående. (eks. Veien til Mandalay (1926), vest for Zanzibar (1928)).

Konflikt med motstridende tendenser i et individ , noe som fører til tap av identitet når uforsonlige karaktertrekk hos en person gir alter ego. Forfatter Robert Louis Stevenson 's Dr. Jekyll og Mr. Hyde utforsker denne "vanskelige frustrasjon." (Ex. Utenfor loven (1921), The Blackbird (1926)).

Manglende evne til å tildele skyld , der en karakter tyer til vold eller kriminelle handlinger for å hevne urettferdighet, og skyld eller skyld forblir tvetydig. (eks. The Unknown (1927), Freaks (1932))

Faktoren som forener alle disse tematiske mønstrene er frustrasjon: "Frustrasjon er Brownings dominerende tema."

Regissør: tidlige stille spillefilmer, 1917–1919

I 1917 skrev og regisserte Browning sin første spillefilm i full lengde, Jim Bludso , for Fine Arts / Triangle- filmselskaper, med Wilfred Lucas i hovedrollen. Historien er basert på et dikt av John Hay , en tidligere personlig sekretær for Abraham Lincoln under den amerikanske borgerkrigen .

Browning giftet seg med sin andre kone Alice Watson i 1917; de ville forbli sammen til hennes død i 1944.

Da han kom tilbake til New York i 1917, regisserte Browning bilder for Metro Pictures . Der laget han Peggy, Will O 'the Wisp og The Jury of Fate . Begge spilte hovedrollen i Mabel Taliaferro , sistnevnte i en dobbeltrolle oppnådd med doble eksponeringsteknikker som var banebrytende for tiden. Filmhistoriker Vivian Sobchack bemerker at mange av disse filmene "involverte forkledningen og etterligningene som ble funnet i senere Browning -filmer." (Se Filmografi nedenfor.) Browning kom tilbake til Hollywood i 1918 og produserte ytterligere tre filmer for Metro, som hver hadde hovedrollen i Edith Storey : The Eyes of Mystery , The Legion of Death and Revenge , som alle ble filmet og utgitt i 1918. Disse tidlige og lønnsomme fem-, seks- og syvhjulsfunksjoner Browning laget mellom 1917-1919 etablerte ham som "en vellykket regissør og manusforfatter."

I løpet av våren 1918 Browning avdød Metro og signert med Bluebird Photoplays studioer (et datterselskap av Carl Laemmle 's Universal Pictures ), deretter i 1919 med Universal hvor han skulle lede en rekke 'svært vellykket' film stjernegalleri Priscilla Dean .

Universal Studios: 1919–1923

I løpet av sin periode i Universal regisserte Browning en rekke av studioets beste kvinnelige skuespillere, blant dem Edith Roberts i The Deciding Kiss and Set Free (begge 1918) og Mary MacLaren i The Unpainted Woman , A Petal on the Current og Bonnie, Bonnie Lassie , alle produksjonene fra 1919. Brownings mest bemerkelsesverdige filmer for Universal spilte imidlertid Priscilla Dean , "Universals ledende dame kjent for å spille" tøffe jenter "" og som han ville regissere ni innslag med.

Priscilla Dean -filmene

Brownings første vellykkede Dean -bilde - et "spektakulært melodrama" - er The Virgin of Stamboul (1920). Dean skildrer Sari, en "jomfru tiggerjente" som er ønsket av den tyrkiske høvdingen Achmet Hamid ( Wallace Beery ). Brownings håndtering av den tidligere slapstick -komikeren Beery som Achmet avslører skuespillerens komiske arv og Brownings egne røtter i burlesk . Filmhistoriker Stuart Rosenthal skrev at Dean -kjøretøyene besitter "den tilsynelatende autentiske atmosfæren som Browning innpodet krimmelodramaene hans, og la umåtelig til senere innsats som The Black Bird (1926), The Show (1927) og The Unholy Three. (1925). "

Dean -filmene viser Brownings fascinasjon for 'eksotiske' utenlandske omgivelser og for kriminelle aktiviteter i underverdenen, som tjener til å drive handlingen til filmene hans. Dean blir kastet som en tyvende demimonde som infiltrerer det høye samfunnet for å bryte inn smykker i The Exquisite Thief (1919); i Under Two Flags (1922), satt i det koloniale franske Alger , blir Dean kastet som et fransk-arabisk medlem av et harem-hennes sobriquet er "Cigarette-service the French Foreign Legion ; og i Drifting (1923), med sin" overbevisende "Shanghai, Kina scener gjenskapt på Universal backlot, Dean spiller en opium-forhandler. I Brownings siste Dean-kjøretøy på Universal, White Tiger , overgav han sin fascinasjon for" kvasi-teatrale "produksjoner av illusjon-og avslørte for filmpublikum mekanismene for Ved å gjøre det, brøt Browning - et tidligere medlem av tryllekunstnernes brorskap - en forskrift i deres profesjonelle kodeks.

Det kanskje mest tilfeldige utfallet av Dean -filmene på Universal er at de introduserte Browning for den fremtidige samarbeidspartneren Lon Chaney , skuespilleren som skulle spille hovedrollen i Brownings mest fremragende filmer i den stille epoken. Chaney hadde allerede tjent sobriqueten "The Man of a Thousand Faces" allerede i 1919 for sitt arbeid i Universal. Universals visepresident Irving Thalberg parret Browning med Chaney for første gang i The Wicked Darling (1919), et melodrama der Chaney spilte tyven "Stoop" Conners som tvinger en fattig jente (Dean) fra slummen til et liv med kriminalitet og prostitusjon.

I 1921 vervet Browning og Thalberg Chaney i et annet Dean -kjøretøy, Outside the Law , der han spiller dobbeltrollene til den skumle "Black Mike" Sylva og den velvillige Ah Wing. Begge disse universelle produksjonene viser Brownings "naturlige affinitet for det melodramatiske og groteske." I en spesiell effekt som vakte kritisk oppmerksomhet, ser det ut til at Chaney myrder sin egen motpart med to karakterer gjennom triksfotografering og "med Thalberg som støtter deres fantasifulle frihet, viftet Chaneys evne og unike tilstedeværelse flammene i Brownings lidenskap for det ekstraordinære." Biograf Stuart Rosenthal bemerker grunnlaget for den profesjonelle synergien i Browning-Chaney:

I skjermpersonligheten til Lon Chaney fant Tod Browning den perfekte legemliggjørelsen av typen karakter som interesserte ham ... Chaneys ubetingede engasjement for skuespillet ga karakterene hans den ekstraordinære intensiteten som var helt avgjørende for troverdigheten til Brownings kreasjoner.

Da Thalberg trakk seg som visepresident i Universal for å fungere som produksjonsleder med den nylig sammenslåtte Metro-Goldwyn-Mayer i 1925, fulgte Browning og Chaney ham.

Browning-Chaney-samarbeidene ved MGM: 1925–1929

Etter å ha flyttet til MGM i 1925 i regi av produksjonssjef Irving Thalberg , laget Browning og Chaney åtte kritisk og kommersielt vellykkede spillefilmer, som representerte høyden på begge stumfilmkarrieren. Browning skrev eller var med på å skrive historiene for seks av de åtte produksjonene. Manusforfatter Waldemar Young , kreditert på ni av MGM -bildene, jobbet effektivt med Browning. På MGM ville Browning nå sin kunstneriske modenhet som filmskaper.

Den første av disse MGM -produksjonene etablerte Browning som en talentfull filmskaper i Hollywood, og utdypet Chaneys profesjonelle og personlige innflytelse på regissøren: The Unholy Three .

The Unholy Three (1925)

I en sirkusfortelling av forfatteren Tod Robbins- en setting som er kjent for Browning- danner en trio av kriminelle undersøkelser og en lommetyver en smykketyveri. Aktivitetene deres fører til et drap og et forsøk på å ramme inn en uskyldig bokholder. To av den kriminelle kvartetten avslører sin menneskelighet og blir forløst; to omkommer gjennom voldelig rettferdighet.

The Unholy Three er et fremragende eksempel på Brownings glede over de "bisarre" melodramaene (men ikke her, ikke makabre) og dens "de perverse karakteriseringer" som Browning og Chaney utarbeider forutse deres påfølgende samarbeid.

Lon Chaney dobler seg som professor Echo, en sideshow- buktaler, og som fru "Granny" O'Grady (et cross-dressing Echo), hjernen til gjengen. Granny/Echo driver en snakkende papegøye dyrebutikk som front for operasjonen. Filmkritiker Alfred Eaker bemerker at Chaney gjengir "drag -personaen med følelsesdybde. Chaney slår den aldri opp og leverer en bemerkelsesverdig, mangefasettert forestilling."

Harry Earles, medlem av The Doll Family midget -utøvere, spiller den voldelige og onde Tweedledee som poserer som bestemors spedbarn, lille Willie. (Bestemor formidler den lille Willie i en perambulator.)

Victor McLagen blir kastet inn som svaktsinnet Hercules, sirkussterkmannen som stadig prøver å hevde sitt fysiske forrang over sine årskull. Hercules avskyr Granny/Echo, men er livredd for buktlerens "kjæledyr" -gorilla. Han dobler som bestemor O'Gradys svigersønn og far til lille Willie.

Lommetyven Rosie, spilt av Mae Busch , er gjenstand for Echos kjærlighet, og de deler en gjensidig beundring som andre larcenister. Hun stiller seg som datter til Granny/Echo og som mor til lille Willie.

Dyrebutikken sysselsetter den annerledes bokføreren, Hector "The Boob" MacDonald ( Matt Moore ) som er helt uvitende om straffesaken. Rosie synes denne "svake, milde, oppreiste, hardtarbeidende" mannen er attraktiv.

Når bestemor O'Malley samler sin falske "familie" i salongen for å lure politietterforskere, vet filmpublikummet at "bestemoren er hodet til en gjeng og en buktaler, faren en dum Hercules, moren en tyv, baby en libidinøs, grådig [midget], og kjæledyret ... en enorm gorilla. " Brownings portrett er en "sarkastisk forvrengning" som undergraver en klisjeaktig amerikansk sunnhet og tjener til å levere "en hard tiltale ... mot den borgerlige familien."

Filmhistoriker Stuart Rosenthal identifiserer "evnen til å kontrollere et annet vesen" som et sentralt tema i The Unholy Three . Den villedende ordningen som tyvene manipulerer velstående kunder med, demonstrerer en kontroll over "sugerne" som blir fratatt sin velstand, omtrent som sirkus-sideshow-lånetakerne blir lurt: Professor Echo og hans buktens dummy distraherer en "håpløst naiv og nyhetselskende" publikum som lommetyv Rosie avlaster dem fra lommeboken. Browning vender til slutt om "mental kontroll" for å tjene rettferdighet. Når bokholder Hector tar stilling i retten og vitner i sitt forsvar mot en falsk anklagelse om drap, bruker det reformerte Echo sin viljestyrke for å stille tiltalte, og bruker stemmen sin til å avgi vitnesbyrdet. Når Hector stiger ned fra standen, sier han til advokaten sin "Det var ikke jeg som snakket. Jeg sa ikke et ord." Browning bruker et sett med oppløsninger for å gjøre buktalerrollen helt klar.

Filmhistoriker Robin Blyn kommenterer betydningen av Echos tilståelse i rettssalen:

Professor Echos [moralske] konvertering representerer en av den endelige dommen om konvertering av kinoen til lydattraksjoner til en lydbasert narrativ kino disiplinert til realismens krav. Echos beslutning om å avbryte saksbehandlingen og tilstå, i stedet for å 'kaste stemmer' mot dommeren eller juryen, formidler i hvilken grad realistisk modus var blitt den regjerende estetiske loven. Videre, ved å nekte sin illusjonistiske gave, gir Echo av seg buktalighet som en utdatert og ineffektiv kunst ...

Med The Unholy Three ga Browning MGM en enorm billettkontor og kritisk suksess.

The Mystic (1925)

Mens Lon Chaney laget The Tower of Lies (1925) med regissør Victor Sjöström Browning, skrev og regisserte han et Aileen Pringle -kjøretøy, The Mystic . Bildet har mange av elementene som er typiske for Browning-oeuvre på MGM: Karnevaler, ungarske sigøynere og séanser gir den eksotiske mise-en-scenen , mens det melodramatiske plottet innebærer underslag og svindel. En amerikansk svindler Michael Nash ( Conway Tearle ) utvikler moralsk samvittighet etter å ha blitt forelsket i Pringles karakter, Zara, og er i samsvar med Brownings "temaer for reformasjon og ustraffet kriminalitet." og paret oppnår en lykkelig regning. Browning, en tidligere sideshow -utøver, er rask med å avsløre for sitt filmpublikum det illusjonistiske fakeriet som tjener til å hente ut en formue fra en godtroende arving, spilt av Gladys Hulette .

Dollar Down (1925): Browning fulgte The Mystic med en annen " skurkmelodrama som involverte svindlere" for Truart -produksjoner . Basert på en historie av Jane Courthope og Ethyl Hill, Dollar Ned stjernene Ruth Roland og Henry B. Walt .

Etter disse "mer konvensjonelle" krimfilmene begynte Browning og Chaney på sine siste filmer fra den sene stille perioden, "det merkeligste samarbeidet mellom regissør og skuespiller i kinohistorien; filmens premisser var opprørende."

Blackbird (1926)

Browning og Chaney ble gjenforent i deres neste spillefilm, The Blackbird (1926), en av de mest "visuelt arresterende" av deres samarbeid.

Browning introduserer Limehouse distriktsgangsteren Dan Tate (Chaney), alias "The Blackbird", som skaper en alter identitet, den fysisk deformerte kristne misjonæren "The Bishop." Tates påståtte "tvilling" -bror er en person han bruker for å regelmessig unngå mistanke fra politiet under "en falsk mantel av kristen godhet" - et bilde som er helt i strid med personligheten til The Blackbird. I følge filmhistoriker Stuart Rosenthal, "Tates maskerade som biskopen lykkes først og fremst fordi biskopens ansikt så troverdig gjenspeiler en dyp åndelig lidelse som er helt fremmed for tittelfiguren [Blackbird]."

Tates konkurrent i kriminalitet, "gentleman-tyven" Bertram "West End Bertie" Glade ( Owen Moore , blir romantisk involvert med en Limehouse kabaretsanger, Mademoiselle Fifi Lorraine ( Renée Adorée ). Den sjalu Tate prøver å ramme Bertie for drapet på en politimann, men er dødelig skadet i en ulykke i dekke av The Bishop. Tates kone, Polly ( Doris Lloyd oppdager ektemannens dobbelte identitet, og hedrer ham ved å skjule sin rolle som "Blackbird." Den reformerte Bertie og hans elsker Fifi er forent i ekteskap.

Chaneys pålitelige "quick-change" transformasjoner fra Blackbird til The Bishop-iboende for metodene for "showkultur"-blir "eksplisitt avslørt" for filmpublikummet, slik at Browning inviterer dem til å dele i bedrag.

Browning introduserer en rekke slapstick -elementer i Blackbird . Doris Lloyd, skildrer Tates ekskone Limehouse Polly, og demonstrerer hennes komiske skarphet i scener som en blomsterpike, og Brownings Limehouse-fyllere er "arketypiske for burlesk kino." Filmhistoriker Boris Henry påpeker at "det ville ikke være overraskende om kampene som Lon Chaney som Dan Tate mimer mellom hans to karakterer (Blackbird og The Bishop) ble inspirert av skuespiller-regissør Max Linders opptreden i Be My Wife , 1921. "

Filmhistoriker Stuart Rosenthal identifiserer Brownings karakterisering av Dan Tate/Blackbird som en skadedyrsart som mangler adel, en parasittisk åtseldyr som lever av ådsler og er uverdig for sympati. I død, ifølge filmkritiker Nicole Brenez, er Blackbird "fratatt [seg selv] ... døden er altså ikke lenger en vakker forsvinning, men en fryktelig ånde bort."

Selv om filmen ble beundret av kritikere for Chaneys opptreden, var filmen bare beskjedent vellykket i billettkontoret.

Veien til Mandalay (1926)

Enhver omfattende samtidsvurdering av Brownings The Road to Mandalay er problematisk. I følge Browning -biograf Alfred Eaker eksisterer bare en liten brøkdel av de originale syv hjulene. En 16 mm versjon overlever i en "fragmentert og oppløst tilstand" som ble oppdaget i Frankrike på 1980 -tallet.

I en historie som Browning skrev med manusforfatter Herman Mankiewicz , er The Road to Mandalay (ikke relatert til forfatteren Rudyard Kiplings dikt fra 1890 ), hentet fra karakteren "dødøyde" Singapore Joe ( Lon Chaney ), en bordelloperatør i Singapore. Som Browning selv forklarte:

[Historien] skriver seg selv etter at jeg har unnfanget karakterene ... det samme for The Road to Mandalay . Den første ideen var en mann som var så fryktelig stygg at han skammet seg over å åpenbare seg for sin egen datter. På denne måten kan man utvikle enhver historie.

Bildet utforsker et av Brownings mest vedvarende temaer: temaet til en forelder som hevder seksuell autoritet stedfortredende gjennom sine egne avkom. Som sådan etableres en oedipal fortelling, "en fortelling som dominerer Brownings arbeid" og anerkjent som sådan av samtidskritikere.

Joes datter, Rosemary ( Lois Moran ), nå en ung voksen, har blitt oppvokst i et kloster der faren forlot henne som et spedbarn sammen med onkelen, far James ( Henry B. Walthall ). Rosemary er uvitende om hennes foreldre; hun lever en kysk og arvelig tilværelse. Bordellvokteren Joe besøker butikken der hun jobber som kontorist. Hans forsøk på å få unormalt venn med jenta blir møtt med motvilje over hans fryktelige utseende. Joe bestemmer seg for å gjennomgå plastisk kirurgi for å oppnå en bebreidelse med datteren og forløse hans elendige historie. Far James tviler på brødrenes forpliktelse til å reformere og gjenopprette foreldreskapet. En konflikt dukker opp når Joes kohorter og rivaler i kriminalitet, "The Admiral" Herrington ( Owen Moore ) og engelske Charlie Wing ( Kamiyama Sojin ), medlemmer av "the black spiders of the Seven Seas " dukker opp på scenen. Admiralen møter Rosemary i det bisarre der hun jobber og blir umiddelbart slått av henne; hans virkelige vilje til å forlate sitt kriminelle liv vinner Rosemarys hengivenhet og et ekteskap blir arrangert. Når Joe oppdager denne utviklingen, slippes den fulle kraften i hans "seksuelle frustrasjoner" løs. Joes forsøk på å hindre datterens forsøk på å unnslippe kontrollen hans ender når Rosemary stikker faren hennes og sårer ham dødelig. Oppløsningen oppnås når den døende Joe samtykker i ekteskapet og far James utfører de siste ritualene med broren.

Filmkritiker Alfred Eaker bemerker: " Veien til Mandalay er fordervet, pop-freudiansk, stille melodrama når den er moden. Heldigvis nærmer både Browning og Chaney seg denne dumdristigheten av dumhet for alvor." Religiøse bilder vises ofte i Brownings filmer, "som omgir karakterene hans med religiøse ting." Browning, en murer , bruker kristen ikonografi for å understreke Joe's moralske fremmedgjøring fra Rosemary. Biograf Stuart Rosenthal skriver:

Mens Singapore Joe ser lengselsfullt på datteren ... viser krusifikser som [omgir henne] vitnesbyrd om hans kjærlighet til henne mens han paradoksalt nok fungerer som en barriere mellom dem.

Rosenthal legger til "" Religion for Browning -helten er en ekstra frustrasjonskilde - enda et misligholdt løfte. "

Som i alle Browning-Chaney-samarbeidene, var The Road to Mandalay lønnsom i kassa.

London After Midnight (1927)

Mens Browning's The Road to Mandalay (1926) eksisterer i en mye forverret 16 mm forkortet versjon, antas det ikke lenger at London After Midnight eksisterer, den siste utskriften ble ødelagt i en MGM -hvelvingsbrann i 1965.

London After Midnight er mye ansett av arkivarens Den hellige gral og "den mest ettertraktede og diskuterte tapte filmen fra den stille epoken." En detaljert fotorekonstruksjon, basert på stillbilder fra filmen, ble satt sammen av Turner Classic Movies ' Rick Schmidlin i 2002.

London After Midnight er basert på Brownings egen fortelling med tittelen "The Hypnotist", og er et "mordmysterium i salongen" - dens makabre og gotiske atmosfære som ligner direktør Robert Wiene fra 1920 The Cabinet of Dr. Caligari .

Sir Roger Balfour blir funnet død på eiendommen til vennen Sir James Hamlin. Skuddskadet i hodet på Balfour virker selvpåført. The Scotland Yard inspektør og retts hypnotisør ansvarlig, "Professor" Edward C. Burke (Lon Chaney) mottar ingen rapporter om lureri og døden anses et selvmord. Fem år siden, og eiendommens nåværende beboere er skremt av en grusom, fanget skikkelse iført en kappe og topphatt som forfølger gangene om natten. Han blir ledsaget av en liklignende kvinnelig ledsager. Innbruddsparet er den forkledde inspektøren Burke, som skjedde som en vampyr (også spilt av Chaney), og hans assistent, "Luna, Bat Girl" ( Edna Tichenor ). Når de livredde innbyggerne ringer Scotland Yard, dukker inspektør Burke opp og gjenåpner saken til Balfour som et drap. Burke bruker sin doble rolle til å iscenesette en rekke utførlige illusjoner og anvendelser av hypnotisme for å oppdage morderens identitet blant Balfours tidligere medarbeidere.

Brownings "absurde" plott er plattformen hvor han demonstrerer magiske metoder og viser kultur, og gjengir de mystifiserende opptogene til "åndsteater" som påstår å operere gjennom det paranormale. Brownings filmatiske illusjoner utføres strengt gjennom mekaniske sceneapparater: ingen triksfotografering brukes. "illusjon, hypnotisme og forkledning" brukes for å etterligne det okkulte forestillinger og påskudd, men først og fremst for dramatisk effekt og bare for å avsløre dem som triks.

Etter at morderen er pågrepet, avslører Brownings inspektør Burke/The Man in the Beaver Hat utstyrene og teknikkene han har brukt for å trekke ut bekjennelsen, mens han systematisk deaktiverer rollebesetningene - og filmpublikummet - for enhver overnaturlig innflytelse på de foregående hendelsene. Filmhistorikere Stefanie Diekmann og Ekkehard Knörer observerer kortfattet at "Alt i alt ser Brownings scenarier [inkludert London After Midnight] ut som en lang rekke triks, fremført og forklart."

Lon Chaneys sminke for å lage den truende "Man with the Beaver Hat " er legendarisk. Biograf Alfred Eaker skriver: "Chaneys vampyr ... er en sminkekunstners glede og et skuespillers helvete. Fisketråd sløyfet rundt hans svarte øyekontakter, et sett med smertefullt innsatte, hai-lignende tenner som gir et fryktelig glis, et latterlig parykk under en topphatt, og hvit pannekakesminke oppnådde Chaneys kinky utseende. For å legge til effekten utviklet Chaney en feilaktig, inkongruøs tur for karakteren. "

London After Midnight mottok et blandet kritisk svar, men leverte godt på billettkontoret og "tjente over $ 1 000 000 i 1927 dollar mot et budsjett på 151 666,14 dollar."

Showet (1927)

I 1926, mens Lon Chaney var opptatt med å lage Tell It to the Marines med filmskaper George W. Hill , regisserte Browning The Show , "en av de mest bisarre produksjonene som dukket opp fra stille kino." ( Showet forutser hans påfølgende innslag med Chaney, et "terrorens karneval": The Unknown ).

Manusforfatter Waldemar Young baserte scenariet på elementer fra forfatteren Charles Tenny Jacksons The Day of Souls .

The Show er en tour-de-force demonstrasjon av Browning forkjærlighet for opptog av karneval sideshow handlinger kombinert med avslørende eksponering av teatralsk apparater og teknikker som skaper disse illusjoner. Filmhistoriker Matthew Solomon bemerker at "dette ikke er spesifikt for filmene hans med Lon Chaney." Faktisk, The Show har to av MGM ledende aktører: John Gilbert , som den skruppelløse ballyhoo Cock Robin, og Renée Adorée som hans stormfulle elskerinne, Salome. Skuespiller Lionel Barrymore spiller den drapsmessige gresk. Romantiske utroskap, jakten på en liten formue, et drap, drapsforsøk, Cock Robins moralske innløsning og forsoning med Salome utgjør handlingen og dens "saccarine" avslutning.

Browning presenterer en meny med sirkusopptredener av nye handlinger fra det fiktive "Palace of Illusions", inkludert kroppsløse hender som leverer billetter til kundene; en illusjonær halshugging av en bibelsk skikkelse (Gilbert som døperen Johannes ); Neptuna ( Betty Boyd ) Dronning av havfruene; den seksuelt uaktuelle Zela ( Zalla Zarana ) Half-Lady; og Arachnida ( Edna Tichenor , den menneskelige edderkoppen satt på nettet hennes. Browning avslører til slutt "hvordan trikset blir gjort", og forklarer de mekaniske enhetene til filmpublikummet - ikke til filmens karnevalbesøkere.

Den sentrale dramatiske hendelsen i The Show stammer fra et annet litterært verk, en "magisk lek" av Oscar Wilde med tittelen Salomé (1896). Browning utarbeider en forseggjort og "nøye koreografert" sideshow -gjenoppretting av Jokanaan 's bibelske halshugging (spilt av Gilbert), med Adorée som Salomé som leder den grusomme halshugningen, symbolsk for sadomasochisme og kastrering.

Showet fikk generelt gode anmeldelser, men godkjenningen ble dempet på grunn av Gilberts ubehagelige karakter, Cock Robin. Browning var nå klar til å lage sitt mesterverk fra den stille tiden, The Unknown (1927).

The Unknown (1927): En stille æra chef d'oeuvre

The Unknown markerer den kreative apogen for Tod Browning og Lon Chaney -samarbeidet, og blir ansett som deres mest fremragende verk i den stille tiden. Mer enn noen av Brownings stille bilder, innser han fullt ut et av sine sentrale temaer i The Unknown : sammenhengen mellom fysisk deformitet og seksuell frustrasjon.

Sirkusartist "Alonzo the armless", sigøynerknivkaster, fremstår som en dobbel amputert og støper knivene med føttene. Hans misdannelse er en illusjon (bortsett fra en todelt tommel), oppnådd ved å ta på seg et korsett for å binde og skjule hans friske armer. Den arbeidsdyktige Alonzo, søkt av politiet, driver med dette bedrag for å unngå påvisning og arrestasjon. Alfonzo har en hemmelig kjærlighet til Nanon ( Joan Crawford ), hans assistent i handlingen. Nanons far er den fornærmende (kanskje seksuelt) ringmesteren Zanzi ( Nick De Ruiz ), og Nanon har utviklet en patologisk aversjon mot enhver manns omfavnelse. Hennes emosjonelle dysfunksjon utelukker enhver seksuell intimitet med den svært virile Alfonzo, hans seksuelle dyktighet symbolisert ved hans knivkastende ekspertise og hans doble tommel. Når Alonzo myrder Zanzi under en krangel, blir drapet vitne til av Nanon, som bare oppdager den tosidige tommelen til farens overfallsmann.

Brownings tema om seksuell frustrasjon og fysisk lemlestelse manifesterer seg til slutt i Alfonsos symbolsk kastrering; han har villig armene sine amputert av en ulisensiert kirurg for å gjøre seg truende mot Nanon (og eliminere den inkriminerende bifid tommelen), for å vinne hennes kjærlighet. Den "marerittaktige ironien" ved Alfonsos offer er den mest skandaløse av Brownings plottoppfatninger og samsvarer med hans obsessive undersøkelse av "seksuell frustrasjon og emasculation". Når Alfonzo kommer seg etter operasjonen, vender han tilbake til sirkuset for å finne ut at Nanon har overvunnet hennes seksuelle aversjoner og giftet seg med sterkmannen Malabar ( Norman Kerry ). Den primære grusomheten i Alfonsos reaksjon på Nanons svik i å gifte seg med Malabar er instinktuell. Filmhistoriker Stuart Rosenthal skriver:

Omvendelsen til en animalistisk tilstand i Brownings kino fungerer som en måte å skaffe rå kraft til å bli brukt som et middel til seksuell påstand. Hendelsen som forårsaker regresjonen [til en dyrestat] og et søk etter hevn er i nesten alle tilfeller seksuelt.

Alfonzos forsøk på gjengjeldelse førte til hans egen fryktelige død i en " Grand Guignol -finale".

Det ukjente blir allment ansett som det mest fremragende av Browning-Chaney-samarbeidene og et mesterverk fra den sene stumfilmtiden. Filmkritiker Scott Brogan anser The Unknown som er verdig "kultstatus".

The Big City (1928)

En tapt film , The Big City -stjernene Lon Chaney, Marceline Day og Betty Compson , sistnevnte i hennes eneste opptreden i en MGM -film. Browning skrev historien og Waldemar Young manuset om "En gangster Lon Chaney som bruker en kostymesmykkebutikk som front for sin juveltyveri. Etter en konflikt med en rivaliserende gjeng, reformerte han og kjæresten hans Marceline Day."

Filmhistoriker Vivian Sobchack bemerket at " The Big City angår et nattklubberøveri, igjen, rivaliseringen mellom to tyver. Denne gangen spiller Chaney bare en av dem - uten vridd lem eller ansiktsdekkning." "Kritiker Stuart Rosenthal kommenterte The Big City : "... Chaney, uten sminke, i en karakteristisk gangsterrolle."

The Big City fikk MGM 387 000 dollar i fortjeneste.

Vest for Zanzibar (1928)

I 1928 begynte Browning og Lon Chaney på sitt nest siste samarbeid, vest for Zanzibar , basert på Chester M. De Vonde som spiller Kongo (1926). scenario av Elliott J. Clawson og Waldemar Young , ga Chaney to karakteriseringer: tryllekunstneren Pharos, og den senere paraplegiske Pharos som har tilnavnet "Dead Legs." En variant av det "ukjente foreldremotivet" Browning dramatiserer en kompleks fortelling om "tvangshevn" og "psykologisk skrekk". Biograf Stuart Rosenthal gjorde disse observasjonene om Chaneys skildringer:

Dead Legs er en av de styggeste og mest uforgjengelige av Brownings helter ... Chaney demonstrerte stor følsomhet for følelsene og drivene til de utstøtte Browning tenkte for ham å spille. Browning kan godt være den eneste filmskaperen som så på Chaney som mer enn en oppmuntrende gimmick. Mens mange av Chaneys filmer for andre regissører involverer gjengjeldelseshistorier, er han bare utstyrt med betydelig menneskelig kompleksitet bare i Browning -kjøretøyene.

Historien åpner i Paris, der Pharos, en tryllekunstner, blir gjammet av kona Anna ( Jacqueline Gadsden ) og kjæresten Crane ( Lionel Barrymore ). Pharos blir lam når Crane skyver ham fra en balkong og etterlater ham en parapleg. Anna og Crane flyr til Afrika. Etter et år får Phroso vite at Anna har kommet tilbake. Han finner kona død i en kirke, med en spedbarnsdatter ved siden av henne. Han sverger på å hevne seg både på Crane og barnet han antar var av Crane. Uten at Phroso vet det, er barnet faktisk hans. Rosenthal peker ut denne scenen for spesiell omtale:

Den religiøse symbolikken som dukker opp med jevne mellomrom i Brownings bilder tjener to antagonistiske mål. Når Dead Legs oppdager sin døde kone og hennes barn på katedralens prekestol, gir de høytidelige omgivelsene en fanatisk uigenkallelighet til hans løfte om å få "Crane and his brat pay". På samme tid ser Chaneys vanskelige og smertefulle bevegelser ut på magen på forsiden av kirken ut som en vill parodi på en religiøs beder hvis tro har blitt gjort til hån. Når Guds rettferdighet har mislyktes, er Dead Legs i ferd med å ta fatt på sitt oppdrag om rettferdighet.

Atten år senere driver den lamme Pharos, nå kalt Dead Legs, en afrikansk handelspost. Han går i hemmelighet på Cranes elfenbenvirksomhet ved å bruke lokale stammer og bruker triks og illusjoner for å vise varene. Etter mange års forventning forbereder Dead Legs seg på å klekke sin "makabre hevn": et skummelt dobbeltmord. Han innkaller Annas datter Maizie ( Mary Nolan ) fra det slemme bordellet og ginmøllen der han har forlatt henne for å bli oppdratt. Han inviterer også Crane til å besøke utposten sin for å avsløre identiteten til den skyldige som stjeler elfenbenet hans. Dead Legs har avtalt å få Crane myrdet, men ikke før han informerte ham om at han vil påberope seg den lokale dødsloven, som bestemmer at "en manns bortgang vil bli fulgt av hans kones eller barns død." Crane fraråder hånlig død av Legs for sin grove misforståelse: Maizie er Dead Legs 'datter, ikke hans, et barn som Pharos unnfanget sammen med Anna i Paris. Kran blir drept før Dead Legs kan absorbere betydningen av denne nyheten.

Filmens høydepunkt innebærer Dead Legs kamp for å redde sine egne avkom fra den vanlige dødsstraff som hans eget dødelige opplegg har satt i gang. Dead Legs lider til syvende og sist av konsekvensene av hans "fryktelig feildirigerte hevnstrøk." Det forløsende elementet som Browning-Chaney gir Pharos/Dead Legs skjebne med, bemerkes av Rosenthal: " Vest for Zanzibar når toppen av sin psykologiske skrekk når Chaney oppdager at jenta han bruker som bonde i sin hevnordning er hans egen datter . Dead Legs påtok seg sitt hevnoppdrag med full tillit til sin sakens rettferdighet. Nå blir han plutselig overveldet av erkjennelsen av sin egen skyld. At Barrymore som Crane begikk den opprinnelige overtredelsen på ingen måte reduserer den skylden. "

Dead Legs fysiske deformitet reduserer ham til å krype på bakken, og dermed til "et dyrs tilstand". Brownings kameraplassering fremhever hans slangelignende "slithering" og etablerer "dyrets transformasjon ved plutselig å endre den visuelle referanserammen til en som setter betrakteren på samme nivå som dyret på skjermen, og derved gjør ham sårbar for det, oppnådd ved å vippe kameraet opp på gulvnivå foran motivet i bevegelse [pleide] å fremheve Chaneys [Dead Legs] glidende bevegelser vest for Zanzibar. " Filmhistorikere Stephanie Diekmann og Ekkehard Knörer uttaler mer generelt "... tilskueren i Brownings filmer kan aldri forbli en voyeur; eller rettere sagt, han er aldri trygg i sin voyeuristiske posisjon ..."

Diekmann og Knörer plasserer også vest for Zanzibar innenfor rammen av Grand Guignol -tradisjonen:

Såvidt tomter er bekymret, er nærhet av Tod Browning kino til teater av Grand Guignol tydelig ... Fra kastreres lemlestelse av The Unholy Three (1925) til sadistisk grusomhet og bestialsk brutalitet blandet med orientalising kineseri av Where East Is East (1929); fra det fryktelig feildirigerte hevnøyet vest for Zanzibar (1928); til det ikke minst fryktelig vellykkede hevnplottet til Freaks (1932); fra den dobbelte kryssingen av The Mystic til de erotisk ladede vendingene i The Show : Bare på tomtenivå er alle disse nært i ånd og eksplisitt til Andre de Lordes teater for frykt og skrekk.

Til tross for at den ble karakterisert som en "cess-pool" av det sensurøse filmbladet Harrison's Reports , hadde West of Zanzibar stor suksess i billettluka.

Where East Is East (1929)

Tilpasset av Waldemar Young fra en historie av Browning og Harry Sinclair Drago , Where East Is East låner tittelen fra åpnings- og avslutningsversene til Rudyard Kiplings dikt fra 1889 " The Ballad of East and West ": "Oh! East is East, og West er vest, og aldri skal de to møtes ... "Brownings tilegnelse av begrepet" Where East Is East "er både ironisk og subversiv med hensyn til hans samtidige filmiske presentasjon av eurosentriske klisjeer i" øst "(vanlig tidlig 1900 -talls reklame, litteratur og film), og hans eksponering av disse memene som myter. Filmhistoriker Stefan Brandt skriver at dette verset ofte ble påkalt av vestlige observatører for å forsterke forestillinger som understreket "homogeniteten og den interne konsistensen til" Østen "" og påpeker at Kipling (født og oppvokst i Bombay , India) "langt fra var en -dimensjonal "når hans litterære verk" demonterer myten om etnisk essensialitet ":

Browning's Where East Is East ... gjenskaper lekende den symbolske dimensjonen i Kiplings setning. Uttrykket dukker ikke bare opp i filmens tittel; visjonen om øst som er forhandlet fram og vist i all sin absurditet her er veldig lik den som er knyttet til Kipling.

Biograf Bernd Herzogenrath legger til at "paradoksalt nok både essensialiserer filmen Østen som en universell og homogen enhet (" Where East Is East ") og dekonstruerer den som en vestlig myte bestående av bare fargerike [mannlige] fantasier." [parenteser og parenteser i original]

Det siste av Browning-Chaney-samarbeidet med en "skandaløst forutsetning" og deres siste stille ærafilm, Where East Is East ble markedsført av Metro-Goldwyn-Mayer "som et kolonialt drama i form av britisk imperialistisk skjønnlitteratur."

Where East Is East , som ligger i det "pittoreske franske Indo-Kina på 1920-tallet" angår innsatsen til storviltfangeren "Tiger" Haynes (Chaney) intervensjon for å stoppe sin elskede halvkinesiske datter Toyo ( Lupe Velez ) fra å gifte seg med Bobby " hvit gutt "Bailey, en vestlig frier og sønn av en sirkuseier. Han gir seg når Bobby redder Toyo fra en rømt tiger. Den asiatiske forføreren, Madame de Sylva ( Estelle Taylor ), Tigers tidligere kone og mor til Toyo - som forlot barnet sitt for å bli oppdratt av Tiger - kommer tilbake for å lokke Bobby fra Toyo og ødelegge parets planer om ekteskapslykke. Tiger iverksetter drastiske tiltak og frigjør en gorilla som sender Madame de Sylva, men sårer Tiger dødelig. Han lever lenge nok og er vitne til ekteskapet til Toyo og Bobby.

I en nøkkelsekvens der amerikanske Bobby Bailey ( Lloyd Hughes ), med kallenavnet "hvit gutt", kort blir forført av den asiatiske Madame de Sylva (mor til Bobbys forlovede Toya), tilbyr Browning en klisjeaktig mellomtittelutveksling som blir trodd av hans filmatiske behandling. Filmhistoriker Stefan Brandt skriver: "Browning leker her med tvetydighetene som er involvert i den vanlige feillesingen av Kiplings dikt, og oppmuntrer sitt amerikanske publikum til å stille spørsmål ved de eksisterende mønstrene for kolonial diskurs og komme til konklusjoner som går utover tankegangen. Den romantiske versjonen av Orienten som et land med evig mystikk blir her avslørt som en eurosentrisk illusjon som vi ikke må falle offer for. "

Brownings presentasjon av den forlokkende Madame de Sylva - hvis franske tittel avviker fra hennes asiatiske opprinnelse - introduserer et av Brownings hovedtemaer: Reality vs. Appearance . Rosenthal bemerker at "fysisk skjønnhet som maskerer perversitet er identisk med den vanlige Browning -forutsetningen om respektabilitet som dekker korrupsjon. Dette er formelen som brukes i Where East Is East . Tigers tornede ansikt maskerer et vell av godhet, følsomt og varig farlig kjærlighet. Men bak det eksotiske skjønnheten til Madame de Silva ligger på en uhøflig, skummel måte og stygge ondskap. "

Dyrebildene som Browning investerer Where East Is East informerte Lon Chaneys karakterisering av Tiger Haynes, navnet alene identifiserte ham som både "tigerjeger og tigeren selv." Biograf Stuart Rosenthal kommenterer Browning-Chaney-karakteriseringen av Tiger Haynes:

Tigers bitterhet i Where East is East er et resultat av avsky for Madame de Silvas forræderi i fortid og nåtid. [Tiger Haynes] prøver desperat å overvinne [sin] indre forlegenhet, og ved å hevne seg, gjenopprette sine personlige følelser av seksuell dominans.

Som i Browning's The Unknown (1927) der hovedpersonen Alonzo blir tråkket i hjel av elefanter, "blir dyr ødeleggelsesagenter for Tiger [Haynes] i Where East Is East ."

Lydfilmer: 1929–1939

Etter å ha fullført Where East Is East , forberedte MGM seg på å lage sin første lydproduksjon, The Thirteenth Chair (1929). Spørsmålet om Brownings tilpasningsevne til filmindustriens uutslettelige overgang til lydteknologi er omstridt blant filmhistorikere.

Biografer David Skal og Elias Savada rapporterer at Browning "hadde tjent seg som en stumfilmregissør, men hadde betydelige vanskeligheter med å tilpasse talentene sine til snakkende bilder." Filmkritiker Vivian Sobchack bemerker at Browning, både i sin stille og lydkreasjon, "starter med det visuelle snarere enn i fortellingen" og siterer regissør Edgar G. Ulmer : "til slutten av karrieren prøvde Browning å unngå å bruke dialog; han ønsket å oppnå visuelle effekter. " Biograf Jon Towlson hevder at Brownings Freaks fra 1932 avslører "en regissør som har full kontroll over [lyd] -mediet, i stand til å bruke kameraet til å avsløre en rik undertekst under dialogen" og i strid med den generelle vurderingen av filmskaperne etter den tause tiden bilder.

Brownings lydverk består av ni funksjoner før han gikk av med filmskaping i 1939.

Den trettende stolen (1929)

Brownings første lydfilm, The Thirteenth Chair, er basert på et sceneskuespill "mordmysteriet" i 1916 av Bayard Veiller som først ble tilpasset film i en stille versjon fra 1919 og senere en lydinnspilling i 1937 .

Historien, som ligger i Calcutta , angår to drap begått ved sesanser. Illusjon og bedrag brukes for å avsløre morderen.

I en rollebesetning med noen av MGMs beste kontraktspillere, inkludert Conrad Nagel , Leila Hyams og Margaret Wycherly ungarsk-amerikanske Bela Lugosi , ble en veteran av stumfilmer og stjernen i Broadways Dracula (1924) vervet av Browning for å spille inspektør Delzante, da kl. gang Lon Chaney nektet å ta fatt på et snakkende bilde.

Det første av hans tre samarbeid med Lugosi, Brownings håndtering av skuespillerrollen som Delzante forventet den delen av grev Dracula i hans Dracula (1931). Browning gir Lugosi's Delzante bisarre eksentrisiteter, inkludert en guttural, ødelagt engelsk og sterkt aksentuerte øyenbryn, egenskaper som Lugosi gjorde kjent i sine filmroller som vampyrer. Filmhistoriker Alfred Eaker bemerker: "Serious awkwardness mars denne filmen, et produkt fra den overgangsperioden fra stille til det nye, imponerende lydmediet. På grunn av denne besværligheten er den trettende stolen ikke brun i beste form."

Utenfor loven (1930)

En nyinnspilling av Brownings stille versjon fra 1921 med Priscilla Dean og Lon Chaney i hovedrollen som dukket opp i to roller. Utenfor loven gjelder kriminell rivalisering blant gangstere. Det spiller Edward G. Robinson som Cobra Collins og Mary Nolan som hans moll Connie Madden. Filmkritiker Alfred Eaker kommenterte at Brownings nyinnspilling "fikk relativt dårlige anmeldelser."

Dracula (1931): Det første talkie -skrekkbildet

Brownings Dracula startet den moderne skrekkgenren, og den er fortsatt hans eneste "eneste sanne skrekkfilm." I dag står bildet som det første av Brownings to mesterverk fra lydtiden, kun konkurrert med hans Freaks (1932). Bildet satte i gang Universal Studios svært lønnsomme produksjon av vampyr- og monsterfilmer i løpet av 1930 -årene. Browning henvendte seg til Universals Carl Laemmle Jr. i 1930 for å organisere en filmversjon av Bram Stokers gotiske skrekkroman Dracula fra 1897 , tidligere tilpasset film av regissør FW Murnau i 1922.

I et forsøk på å unngå søksmål om brudd på opphavsretten, valgte Universal å basere filmen på Hamilton Deanes og Louis Bromfields melodramatiske sceneversjon Dracula (1924), i stedet for Stokers roman.

Skuespiller Lon Chaney, som deretter fullførte sin første lydfilm med regissør Jack Conway i en nyinnspilling av Brownings stille The Unholy Three (1925), ble utnyttet for rollen som grev Dracula. Dødelig syk av lungekreft trakk Chaney seg tidlig ut av prosjektet, et betydelig personlig og faglig tap for mangeårig samarbeidspartner Browning. Skuespilleren døde under innspillingen av Dracula . Den ungarske utvandringen og skuespilleren Bela Ferenc Deszo Blasco, som dukket opp under scenenavnet Bela Lugosi , hadde med hell utført rollen som grev Dracula i de amerikanske produksjonene av stykket i tre år. I følge filmhistoriker David Thomson, "da Chaney døde, ble det tatt for gitt at Lugosi ville ha rollen i filmen."

Lugosis skildring av grev Dracula er uløselig knyttet til vampyrsjangeren som ble etablert av Browning. Som filmkritiker Elizabeth Bronfen bemerker, "er beryktelsen til Brownings Dracula innen filmhistorien fremfor alt annet i den uhyggelige identifikasjonen mellom Bela Lugosi og hans rolle." Browning fastslår raskt hva som ville bli Draculas - og Bela Lugosis - sine qua non : "Kameraet fokuserer gjentatte ganger på Draculas hypnotiske blikk, som sammen med hans særegne artikulasjon skulle bli hans filmatiske varemerke." Filmhistoriker Alec Charles observerer at "Første gang vi ser Bela Lugosi i Tod Brownings Dracula ... ser han nesten direkte inn i kameraet ... Browning gir publikum den første av de berømte intense og direkte inn i kameraene Lugosi ser ut , en blikkstil som ville bli duplisert gang på gang av slike som Christopher Lee og Lugosis mindre etterlignere ... "Lugosi omfavnet skjermpersonen sin som den fremtredende" aristokratiske østeuropeiske vampyren "og ønsket sin typecasting velkommen, og forsikret hans" kunstneriske arv " ".

Filmkritiker Elizabeth Bronfen rapporterer at Brownings filmatiske tolkning av manuset har blitt mye kritisert av filmforskere. Browning siteres for å ikke ha gitt tilstrekkelig "montasje eller skudd/omvendte skudd", "fortellingens usammenhengthet" og hans antatte dårlige håndtering av den "usannsynlige dialogen" som minner om "filmet teater." Bronfen bemerker videre kritikerens klager om at Browning ikke klarte visuelt å registrere den ikoniske vampyrkatalogen: punktere sår på ofrenes nakke, suget av nytt blod, en innsats som trenger inn i hjertet av grev Dracula. Videre visualiseres ingen "transformasjonsscener" der udøde eller vampyrer forvandler seg til ulv eller flaggermus.

Filmkritikere har tilskrevet disse "påståtte feilene" til Brownings mangel på entusiasme for prosjektet. Skuespiller Helen Chandler , som spiller Draculas elskerinne, Mina Seward, kommenterte at Browning virket frakoblet under skytingen, og overlot regien til kinematograf Karl Freund.

Bronfen understreker de "økonomiske begrensningene" som Universal -ledere pålegger, strengt begrenset autorisasjon for spesialeffekter eller komplekse tekniske bilder, og favoriserer et statisk kamera som krever at Browning "skyter i rekkefølge" for å forbedre effektiviteten. Bronfen antyder at Brownings egne tematiske bekymringer kan ha fått ham - i dette, 'det første talkie -skrekkbildet' - til å privilegere det talte ordet over visuelle triks. ":

Brownings bekymring var alltid med de bisarre ønskene til de på sosiale og kulturelle marginer. Det er nok for ham å gjengi fantasiene sine som naturskjønne fragmenter, som verken krever en sammenhengende eller oppsiktsvekkende historielinje ... teatraliteten i hans filmiske gjengivelse understreker både forslagets kraft som stammer fra grev Draculas hypnotiske blikk og professor Van Helsings vilje makt, så vel som forførelsen som overføres ved å forgrense stemmene til det marginale og monstrøse ... selv valget av et statisk kamera virker logisk, når man ser det som et forsøk på å nyte de nyoppdagede lydmulighetene som et forførende medium filmskrekk.

Scenariet følger vampyren grev Dracula til England hvor han jakter på medlemmer av den britiske øvre middelklassen, men blir konfrontert av nemesis professor Van Helsing, ( Edward Van Sloan ) som besitter tilstrekkelig viljestyrke og kunnskap om vampyrisme for å beseire grev Dracula. Filmhistoriker Stuart Rosenthal bemerker at "Browning -versjonen av Dracula beholder den viktorianske formaliteten til den opprinnelige kilden i forholdet mellom de normale karakterene. I denne atmosfæren er den sydende, ustoppelige ondskapen personifisert av greven en materialisering av viktoriansk morals største frykt."

En rekke sekvenser i Dracula har fått spesiell omtale, til tross for kritikk angående den "statiske og stagiske kvaliteten på filmen." Den dramatiske og skumle åpningssekvensen der den unge advokaten Renfield ( Dwight Frye ) blir formidlet i en trener til grev Draculas transsylvanske slott, er en av de mest diskuterte og berømte bildene. Karl Freund 's ekspresjonistiske teknikk er i stor grad kreditert med sin suksess.

Browning bruker "en favorittinnretning" med et dyremontasje tidlig i filmen for å etablere en metaforisk ekvivalens mellom fremveksten av vampyrene fra kryptene deres og de små parasittiske skadedyrene som angri slottet: edderkopper, veps og rotter. I motsetning til Brownings tidligere filmer, er Dracula ikke en "lang serie med [illusjonistiske] triks, fremført og forklart", men snarere en anvendelse av filmiske effekter "som presenterer vampirisme som vitenskapelig verifisert" virkelighet "."

Til tross for at Universal -ledere redigerte deler av Brownings film, var Dracula enormt vellykket. Åpnet ved Roxy Theatre i New York City , tjente Dracula 50 000 dollar på 48 timer, og var Universals mest lukrative film om depresjonstiden . Fem år etter utgivelsen hadde den tjent inn over en million dollar over hele verden. Filmkritiker Dennis Harvey skriver: "" Draculas enorme popularitet fulgte Brownings retur til MGM, under svært gunstige økonomiske vilkår og beskyttelse av mangeårig alliert, produksjonssjef Irving Thalberg . "

Iron Man (1931)

Den siste av Brownings tre lydfilmer han regisserte for Universal Studios, Iron Man (1931) blir stort sett ignorert i kritisk litteratur.

Beskrivet som "en advarsel om bokseren som en fysisk mektig mann brakt ned av en kvinne", mangler Brownings bokshistorie de makabre elementene som vanligvis dominerer kinoen hans. Filmhistoriker Vivian Sobchack bemerker at "Iron Man, i emne og handling, generelt sett blir sett på som ukarakteristisk for Brownings andre verk." Tematisk viser bildet imidlertid en kontinuitet i samsvar med hans obsessive interesse for "situasjoner med moralsk og seksuell frustrasjon."

Filmkritiker Leger Grindon siterer de fire "undermotivene" anerkjent av Browning -biograf Stuart Rosenthal: "utseende som skjuler sannhet (spesielt fysisk skjønnhet som en maske for skurk), seksuell frustrasjon, motstridende tendenser i en hovedperson som ofte blir projisert på alter egoer og til slutt manglende evne til å tildele skyld. " Disse temaene er tydelige i Iron Man.

Skuespiller Lew Ayres , etter sin skjermdebut i Universals uhyre vellykkede anti-krigstema All Quiet on the Western Front (1930), spiller Kid Mason, en lett boksemester. Dette sportsdramaet angår kampen mellom Kid's venn og manager George Regan Robert Armstrong , og bokserens utroskapskone Rose ( Jean Harlow ) for å seire i en konkurranse om hans hengivenhet og lojalitet.

I stedet for å i stor grad stole på "redigering og komposisjon som uttrykksfulle verktøy", beveget Browning seg fra et stasjonært kamera "mot en iøynefallende bruk av kamerabevegelse" under påvirkning av Karl Freund , kinematograf på Dracula fra 1931 . Iron Man viser denne "transformasjonen" i Brownings filmatiske stil da han kom inn i lydtiden. Leger Grindon gir denne vurderingen av Brownings siste bilde for Universal:

Iron Man er ikke en anomali i Tod Brownings karriere; snarere er det et verk som vitner om kontinuiteten i hans tematiske bekymringer, i tillegg til å vise frem sitt voksende anlegg med kameraet etter arbeidet med [kameramannen] Karl Fruend ...

Selv om det ikke er tilgjengelig å tjene penger på Iron Man, er et mål på suksessen angitt i de to nyinnspilningene filmen inspirerte: Some Blondes Are Dangerous (1937) og Iron Man (1950).

Browning kom tilbake til MGM -studioene etter å ha fullført Iron Man for å ta fatt på den mest kontroversielle filmen i karrieren: Freaks (1932).

Magnum opus: Freaks (1932)

Etter den spektakulære suksessen til Dracula (1931) på Universal, returnerte Browning til MGM -studioer, lokket av en sjenerøs kontrakt og likte produksjonssjef Irving Thalbergs regi. I påvente av en gjentagelse av hans nylige suksess på Universal, godtok Thalberg Brownings historieforslag basert på Tod Robbins 'sirkus-tema "Spurs" (1926).

Studioet kjøpte rettighetene og vervet manusforfatter Willis Goldbeck og Leon Gordon til å utvikle manuset med Browning. Thalberg samarbeidet tett med regissøren om pre-produksjon, men Browning fullførte all selve innspillingen på filmen uten forstyrrelser fra studioledere. Metro-Goldwyn-Mayers president, Louis B. Mayer , registrerte sin avsky for prosjektet fra starten og under innspillingen, men Thalberg grep vellykket inn på Brownings vegne for å fortsette med filmen. Bildet som dukket opp var Brownings "mest beryktede og bisarre melodrama."

Et "moralspill", sentrerer Freaks rundt den grusomme forførelsen av en sirkus sideshow midget Hans ( Harry Earles ) av en statuesque trapezartist Cleopatra ( Olga Baclanova ). Hun og kjæresten hennes, sterkmannen Hercules ( Henry Victor ), planlegger å myrde den lille Hans for arvepenger etter å ha ydmyket ham seksuelt. Freaksamfunnet mobiliserer til Hans 'forsvar, og gir alvorlig rettferdighet overfor Cleopatra og Hercules: den tidligere trapez -skjønnheten blir kirurgisk forvandlet til en sideshow -freak.

Browning vervet en rekke med artister stort sett samlet fra karnevalsfreak -show - et fellesskap og et miljø som regissøren begge var intimt kjent. Sirkusfreakene fungerer som dramatiske og komiske spillere, sentrale i historiens utvikling, og fremstår ikke i sine respektive sideshow -rutiner som nyheter.

To hovedtemaer i Brownings arbeid - "Seksuell frustrasjon" og "Virkelighet vs. utseende" - utspringer i Freaks fra konflikten som ligger i den fysiske inkompatibiliteten mellom Cleopatra og Hans. Hans svikfulle fantasi om å vinne kjærligheten til Cleopatra-"forførende, moden, listig og selvsikker"-fremkaller hennes forakt og fremkaller "grusomme seksuelle spøk" i strid med hennes attraktive fysiske sjarm. Browning gir den moralske begrunnelsen for den siste regningen med Cleopatra før hun har oppdaget Hans formue og planlegger å myrde ham. Filmhistoriker Stuart Rosenthal forklarer:

Det er her Browning rettferdiggjør avbrudd i et individs seksuelle likeverd som årsak til gjengjeldelse. Cleopatras beslutning om å gifte seg med dvergen for sin rikdom og deretter avhende ham, er i seg selv ikke et betydelig fremskritt i skurk ... hennes mest avskyelige forbrytelse begås når hun erter Hans ved å provoserende slippe kappen til gulvet, og deretter kneely gladelig å la offeret erstatte det her på skuldrene ... Denne typen utnyttelse virker langt mer uanstendig enn den ganske rene drapshandlingen.

Browning tar for seg et annet tema som er grunnleggende for arbeidet hans: "Inability to Assign Guilt". Freaksamfunnet forsinker dommen over Cleopatra når hun fornærmer Frieda ( Daisy Earles ), dvergutøveren som elsker Hans. Deres sosiale solidaritet advarer tilbakeholdenhet, men når angrepet på Hans blir grovt, handler de ensomt for å straffe lovbryteren. Browning fritar freaks for enhver skyld: de er "helt berettiget" i sin gjengjeldelse. Stuart Rosenthal beskriver denne læren, "kjernen" i Brownings sosiale ideal:

Freaks er filmen som er mest eksplisitt om nærheten til likhet og gjengjeldelse. Freaksene lever etter en enkel og utvetydig kode som man forestiller seg kan være kjernen i Brownings ideal for samfunnet: 'Fornærm en av dem, og fornærm dem alle' ... hvis noen prøver å skade eller dra fordel av et av deres nummer, hele kolonien reagerer raskt og sikkert på å finne passende straff.

Browning filmatisk stil i Freaks er informert av forskriftene til tysk ekspresjonisme , og kombinerer en dempet dokumentarlignende realisme med "chiaroscuro skygge" for dramatisk effekt.

Bryllupsbankett -sekvensen der Cleopatra og Hercules brutalt nedbryter Hans er "blant de mest diskuterte øyeblikkene av Freaks " og ifølge biograf Vivian Sobchack "et mesterverk av lyd og bilde, og helt unikt i unnfangelse og realisering."

Den siste sekvensen der freaks utfører sin "sjokkerende" hevn og Cleopatras skjebne blir avslørt "oppnår det mest vedvarende nivået av høy terror i ethvert Browning-bilde."

Freaks ble gitt generell utgivelse først etter at 30 minutter med opptak ble fjernet av Thalberg for å fjerne deler som ble ansett som støtende for publikum. Selv om Browning hadde en lang historie med å lage lønnsomme bilder på MGM Freaks, var det en "katastrofe" i billettkontoret, selv om han fikk blandede anmeldelser blant kritikere.

Brownings ry som en pålitelig filmskaper blant Hollywood -etablissementet ble ødelagt, og han fullførte bare fire bilder til før han trakk seg fra bransjen etter 1939. Ifølge biograf Alfred Eaker avsluttet " Freaks i realiteten Brownings karriere."

Raske arbeidere (1933)

I kjølvannet av den kommersielle fiaskoen i Freaks fra 1932 , fikk Browning i oppdrag å produsere og regissere (ukreditert) en tilpasning av John McDermotts skuespill Rivets .

Manuset for Fast Workers av Karl Brown og Laurence Stallings dramatiserer de gjensidige utroskapene, ofte humoristiske, som plager et meny à trois bestående av en høyhusbygger og forfører Gunner Smith ( John Gilbert ), hans medarbeider og sidekick, Bucker Reilly ( Robert Armstrong ) og Mary ( Mae Clarke ), en attraktiv " gullgraver " som søker økonomisk og emosjonell stabilitet under den store depresjonen . Browning tar for seg alle de tematiske modusene som vanligvis motiverer karakterene hans. Filmhistoriker Stuart Rosenthal skriver:

I Fast Workers er de fire varianter av frustrasjon så godt integrert seg imellom at det er vanskelig, om ikke umulig å si hvor en slutter og en annen begynner. Disse sammenhengene gjør den til en av de mest forvirrende av Brownings filmer, spesielt med hensyn til moral og rettferdighet.

De svik, ydmykelser og gjengjeldelser som plager karakterene, og den moralske legitimiteten til deres oppførsel er fortsatt uløst. Rosenthal kommenterer Brownings ambivalens: " Fast Workers er Brownings siste kyniske ord om umuligheten av et individ å oppnå rettferdighet, uansett hvor rettferdig hans sak er, uten å kritisere seg selv. Overfladisk har ting blitt satt til rette. Gunner og Bucker er igjen venner og sammen er lik en hvilken som helst ond kvinne. Likevel befinner Gunner seg, den personen som er mest skyldig, seg i den sikreste posisjonen, mens den i utgangspunktet velmenende Maria blir avvist og fordømt av begge menn. " Et fremragende eksempel på Brownings evne til visuelt å formidle terror - en teknikk han utviklet i den stille tiden - blir demonstrert når Mary oppfatter at Bucker, som han blir hanket av, avslører hans drapsmord.

Metro-Goldwyn-Mayer forpliktet 525 000 dollar til filmens produksjonsbudsjett, en ganske høy sum for en relativt kort innslag. Til syvende og sist rapporterte MGM inntekter på bare 165 000 dollar på filmen etter utgivelsen, noe som resulterte i et nettotap på 360 000 dollar på filmen.

Vampyrens merke (1935)

Browning kom tilbake til et bilde med vampyr-tema med sin Mark of the Vampire fra 1935 . I stedet for å risikere en juridisk kamp med Universal Studios som hadde rettighetene til Brownings Dracula fra 1931 , valgte han en reprise av sin vellykkede stille æra London After Midnight (1927), laget for MGM og med Lon Chaney i en dobbeltrolle.

Med Mark of the Vampire følger Browning plottet innbilskhet ansatt i London After Midnight : En etterforsker og hypnotisør søker å avsløre en morder ved hjelp av en "vampyrmaskerade" for å få fram hans tilståelse. Browning avviker fra sin stumfilm fra 1927 ved at her sleuth, professor Zelen ( Lionel Barrymore ), i stedet for å stille seg som en vampyr selv i en dobbel rolle, ansetter en gruppe talentfulle thesbianere for å iscenesette et forseggjort hoax for å lure mordmistenkte Baron Otto von Zinden ( Jean Hersholt ). Bela Lugosi ble vervet for å spille hovedvampyren i troppen, grev Moro. Som en direkte etterkommer av Brownings filmer med karnevalstema, tilbyr Browning filmpublikummet en sjenerøs dose gotisk ikonografi: "hypnotiske transer, flagrende flaggermus, skumle kirkegårder, stønnende organer, spindelvev tykke som gardiner-og bundet det hele sammen med biter av uklar østeuropeisk folklore ... "

Som sådan får Mark of the Vampire publikum til å stoppe vantro i skepsisen til vampyrer gjennom en rekke iscenesatte illusjoner, bare for å sterkt frata dem troverdigheten i filmens siste minutter. Browning komponerte angivelig de konvensjonelle plot -scenene som en sceneproduksjon, men dempet det statiske inntrykket gjennom redigeringsprosessen. I scener som skildret det overnaturlige, brukte Browning fritt et kamera i bevegelse. Filmhistoriker Matthew Sweney observerer "skuddene med [spesialeffekter] ... overmanner de statiske bildene der filmens plot og frikopling finner sted ... og skaper en visuell spenning i filmen."

Kinematograf James Wong Howes belysningsmetoder ga filmen en spektral kvalitet som komplimenterte Brownings "sans for det uvirkelige". Kritiker Stuart Rosenthal skriver:

"Den delikate, silkely onde teksturen [som preger bildene] er like mye en triumf for James Wong Howes belysning som for Brownings følelse av det uvirkelige. Howe har badet settene sine i den lysende gløden som er fri for harde skygger og kontraster som markerer Freunds arbeid i Dracula . "

Mark of the Vampire er mye sitert for sitt berømte "sporingsskudd på trapperommet" der grev Mora ( Bela Lugosi ) og datteren Luna ( Carol Borland ) stiger ned i en staselig promenade. Browning kutter deres fremgang med bilder av skadedyr og giftige insekter, visuelle ekvivalenter for vampyrene når de kommer ut av sine egne krypter på jakt etter næring. Rosenthal beskriver sekvensen på ett minutt:

"... Bela Lugosi og flaggermus-jenta [Carol Borland] stiger ned i spindelvevdekket trapp til det forlatte herskapshuset, deres fremgang er delt inn i en serie skudd, som hver innebærer kontinuerlig bevegelse av enten kameraet, spillerne eller begge deler. Dette skaper inntrykk av en jevn, ujordlig glidende bevegelse ... glimt av flaggermus, rotter og insekter fremhever den jevne, bevisste utviklingen til det forferdelige paret ... effekten er desorienterende og betrakteren blir ille i stand fordi han er helt utenfor hans naturopplevelse. "

I en annen bemerkelsesverdig og "utsøkt redigert" scene presenterer Browning en lesbisk inspirert forførelse. Grev Mora, i form av en flaggermus, innkaller Luna til kirkegården der Irene Borotyn ( Elizabeth Allan ) (datter av mordofferet Sir Karell, venter i transe.) Når vampyren Luna ivrig omfavner offeret sitt, ser grev Moro voyeuristisk på godkjennelse . Borlands Luna ville inspirere karakteren Morticia i TV -serien The Addams Family .

Lydsporet til Mark of the Vampire er bemerkelsesverdig ved at det ikke bruker orkestermusikk bortsett fra å følge åpnings- og avsluttende studiepoeng. Melodiske passasjer, når de blir hørt, tilbys bare spillerne. Lydeffektene fra innspillingsregissør Douglas Shearer bidrar betydelig til filmens atmosfære. Filmhistoriker Matthew Sweney skriver:

"Den eneste tilfeldige musikken ... som består av stønn og nattlige dyrelyder, er kanskje minimalistisk, men den brukes ikke minimalt, og forekommer eksplisitt gjennom filmen for å score vampyrscener ... skremmende scener er ikke punktert med orkestrale crescendoer, men av babyer som gråter, kvinner som skriker, hester niker, klokker slår. "

Den klimatiske coup-de-grace oppstår når morderens vantro med hensyn til eksistensen av vampyrer reverseres når Browning filmisk skaper en forbløffende illusjon av den vingede Luna på flukt som forvandler seg til et menneske. Rasjonalisten Baron Otto, et vitne til denne legerdemain, blir omgjort til en troende på det overnaturlige og tilstår, under hypnose, drapet på broren Sir Karell.

I de siste fem minuttene av Mark of the Vampire blir teaterpublikummet konfrontert med "teaterfellen" som Browning har lagt gjennom bildet: ingen av de overnaturlige elementene i filmen er ekte - "vampyrene" er bare skuespillere som er engasjert i en bedrag. Dette blir eksplisitt når Bela Lugosi, som ikke lenger er karakter som grev Moro, erklærer overfor en medskuespiller: "Så du meg? Jeg var større enn noen ekte vampyr!"

The Devil-Doll (1936)

I denne, den nest siste filmen i karrieren, skapte Browning et verk som minner om hans samarbeid med skuespilleren Lon Chaney i den stille tiden, i det "bisarre melodramaet" The Devil-Doll .

Basert på romanen Burn, Witch, Burn (1932) av Abraham Merritt , ble manuset laget av Browning med bidrag fra Garrett Fort , Guy Endore og Erich von Stroheim (direktør for Greed (1924) og Foolish Wives (1922)), og "selv om den har sine fryktelige øyeblikk, som Freaks (1932), er The Devil-Doll ikke en skrekkfilm."

I The Devil-Doll låner Browning en rekke av plot-enhetene fra The Unholy Three fra 1925 .

Paul Lavond ( Lionel Barrymore ) har tilbrakt 17 år i fengsel på Devil's Island , innrammet for drap og underslag som ble begått av hans økonomiske medarbeidere. Han rømmer fra fengselet med den andre innsatte, den syke Marcel ( Henry B. Walthall ). Den dødssyke forskeren røper for Lavond sin hemmelige formel for å forvandle mennesker til miniatyr, animerte dukker. I allianse med Marcels enke Malita ( Rafaela Ottiano ) frigjør den hevngjerrige Lavond en hær av små levende "dukker" for å kreve en forferdelig gjengjeldelse mot de tre "uhellige" bankfolkene. Biograf Vivian Sobchack erkjenner at "premissene som hevnplottet hviler på er utrolige, men den visuelle erkjennelsen er så fascinerende at vi likevel trekkes inn i en verden som virker ganske troverdig og rørende" og minner seerne på at "det er noen ganske komiske scener i filmen ... "

Barrymores doble rolle som Lavond og hans cross-dressing persona, den eldre Madame Mandilip, en dukkebutikkinnehaver, er påfallende lik Lon Chaneys professor Echo og hans transvestitt-motstykke "Granny" O'Grady, en papegøyebutikkeier i The Unholy Three ( 1925). Filmkritiker Stuart Rosenthal bemerker at Browning resirkulering av denne karakteriseringen som en tomtenhet "er ytterligere bevis på utskiftbarheten til Brownings helter, som alle ville opptrådt identisk hvis de fikk samme sett med omstendigheter."

Tematisk presenterer The Devil-Doll en versjon av Browning "indirekte" seksuell frustrasjon. Her forblir Lavonds datter Lorraine ( Maureen O'Sullivan ), uvitende om farens identitet. Stuart Rothenthal forklarer:

"Lionel Barrymore i The Devil-Doll gjør et forsøk [som Lon Chaney i The Road to Mandalay (1926) og West of Zanzibar (1928)] for å beskytte datteren mot forlegenhet og ulykke ved å skjule identiteten sin for henne selv etter at han har På en ironisk måte, ved å nekte seg selv sin datter, straffer han seg selv for forbrytelsene han begikk i løpet av sin selvfritakelse ... Det var tydeligvis ikke den mest beklagelige konsekvensen [av oppsettet hans] år tilbrakte han i fengsel, men fremmedgjøring av datterens kjærlighet og respekt. "

Rosenthal påpeker en annen parallell mellom The Devil-Doll og The Unholy Three (1925): "Lavonds bekymring for datteren og nektet å misbruke kreftene hans markerer ham som en god mann ... når hans hevn er fullført, som Echo [i The Unholy Three ], demonstrerer Lavond en svært gunstig natur. "

Browning dyktig bruk av kameraet og de bemerkelsesverdige spesialeffektene som skildrer "miniatyr" -folket er både urovekkende og fascinerende, regissert med "uhyggelig dyktighet".

Filmhistorikere Stefanie Diekmann og Ekkehard Knörer rapporterer at den eneste direkte koblingen mellom Brownings fascinasjon for "det groteske, de deformerte og perverse" og tradisjonene til den franske Grand Guignol er skuespilleren Rafaela Ottiano som spiller dukkebesatt vitenskapsmann Matila. Før hennes birolle i The Devil-Doll likte hun "en fremtredende karriere som Grand Guignol-utøver."

Kort tid etter ferdigstillelsen av The Devil-Doll døde Browning-mentoren ved MGM Irving Thalberg i en alder av 37 år. Browning mottok ingen skjermkreditt for filmen. Det ville gå to år før hans siste film: Miracles for Sale (1939).

Mirakler til salgs (1939)

Miracles for Sale (1939) var den siste av de førti-seks spillefilmene Browning laget for Universal- og MGM-studioer siden han begynte å regissere i 1917. Brownings karriere hadde holdt seg unna i to år etter å ha fullført The Devil-Doll i 1936.

I 1939 ble han i oppgave å tilpasse Clayton Rawson 's låst-rom mysterium , døden fra en Top Hat (1938).

Robert Young fremstår som "The Amazing Morgan", en tryllekunstner og "leverandør av magisk showutstyr." Florence Rice spiller oppfinnelsen, Judy Barkley. I denne gjentar hans filmatiske " svanesang ", Browning "besettende, kjente temaer om falsk spiritualisme, magiske handlinger [og] transformasjon gjennom forkledninger ..." og, som med praktisk talt alle Brownings utforskninger av illusjonskunsten og " rike av teatralsk magi ", gir hans denoumae" en impirisk løsning "på mysteriemordet.

Miracles for Sale åpner med en oppsiktsvekkende sekvens som inkluderer en grafisk illusjon som viser en "lemlestelse under midjen". Filmkritiker Stuart Rosenthal skriver:

"På sidelinjen til en slagmark, angriper en orientalsk militæroffiser en vakker kvinnelig spion for å ha sendt etterretning som har ført til bombingen av et skolehus. Han beordrer henne plassert i et barns kiste ('Du forstår hvorfor vi bare har små kister tilgjengelig 'håner han) med hodet og føttene stikkende ut fra hver ende, og ber mennene sine om å maskingevære kisten på midten. Etter at den grusomme ordren er utført, til [film] seerens forundring, avsløres det at henrettelsen er bare en variant av det tradisjonelle 'sag-en-kvinne-i-halv'-stuntet. Illusjonen tilbys for salg av' The Amazing Morgan '[Robert Young], en leverandør av tryllekunstnerutstyr ... "

Til tross for dette "inspirerte støtet" i begynnelsen av filmen, er Miracles for Sale det mest "studiobundne" av Brownings lydverk, og ifølge filmkritiker Stuart Rosenhal "den eneste Browning -produksjonen som virkelig ser ut som en MGM -studiojobb ..."

Mirakler til salgs tapte penger på billettkontoret, og returnerte bare 39 000 dollar til MGM på en investering på 297 000 dollar. Kritisk evaluering var generelt positiv.

På begynnelsen av 1940 -tallet var Brownings makabre følelser ikke lenger velkomne i et Hollywood som ønsket "glamour og prestisje". Browning ble summert avsluttet på MGM av produsent Carey Wilson etter utgivelsen av Miracles for Sale og ble etter regissørens egen konto " blackballed " fra Hollywood som filmskaper. Stephanie Diekmann og Ekkehard Knörer tilbyr denne vurderingen av Brownings siste filminnsats:

"Brownings post- Freaks- filmer var i seg selv nær parodier på det som hadde gjort ham til en av de store regissørene på 1920-tallet. Det eneste unntaket er hans fantastiske svanesang , Miracles for Sale, som i den farciske formen for screwball-komedie fremkaller en verden av feller og håndflater, av krokeri og lureri-kort sagt verden av Tod Brownings teater, en siste gang. Hans er en karriere som hverken endte med et smell eller hvisking, men en forestilling som gjør narr av en publikum som tror det de ser. "

Filmhistoriker Alfred Eaker legger til at "hele strukturen til Miracles for Sale er en illusjon i seg selv, noe som gjør det til et sublimt gardinopprop for regissøren ..."

Browning tilbød av og til manus til MGM, men sluttet til slutt helt fra filmindustrien og trakk seg i 1942 til sitt hjem i Malibu, California .

Siste år og død

Brownings kone Alice døde i 1944 av komplikasjoner fra lungebetennelse, og etterlot ham en eneboer på sin retrett i Malibu Beach. På den tiden hadde Browning blitt så isolert fra Hollywood -virksomheten at Variety feilaktig publiserte en nekrolog det året for Browning, og forvirret ektefellenes død for den tidligere regissøren.

I 1949 tildelte Director's Guild of America et livsmedlemskap til Browning; på tidspunktet for hans død hadde æren bare blitt gledet av fire av Brownings kolleger.

Browning, nå enker, levde isolert i nesten 20 år, "en alkoholisert eneboer." I 1962 ble han diagnostisert med kreft i strupehodet. Den kirurgiske prosedyren som ble utført for å rette opp tilstanden gjorde ham stum.

Tod Browning døde alene hjemme i Malibu 6. oktober 1962.

Postume kritisk vurdering

Vivian Sobchack : "... Browning ble noen ganger kalt Edgar Allan Poe på kinoen [og] mye beundret av surrealistene . Brownings kreasjoner var selvfølgelig også en kommersiell kino. Filmene antyder en mann med humor og medfølelse som hadde en mørk og melankolsk fascinasjon for fysisk deformitet og for det eksotiske og ekstraordinære, og som allikevel observerte livets rariteter med upartisk objektivitet og litt glede. En sørlending som stakk av med sirkuset; en tidligere Vaudevillian og tryllekunstner som reiste verden rundt før han ble filmskaper, [litterær] estet og øldrikker, fremfor alt historieforteller, var Browning både poet og pragmatiker. "

Alfred Eaker : "Browning selv fortsetter å bli avvist av mindre innsiktsfulle kritikere, som vurderer mannen og hans arbeid etter moderne underholdningsstandarder eller til og med anklager den store empatiske artisten for utnyttelse. Brownings stilling er fortsatt lav. Verken han eller noen av filmene hans har mottatt en eneste ære av en stor institusjon for filmgjenkjenning eller bevaring. "

Stuart Rosenthal : "Selv om enhver forfatters arbeid gjentatte ganger vil understreke spesifikke tanker og ideer, er Browning så aggressiv og ubarmhjertig i jakten på visse temaer at han ser ut til å være neurotisk fiksert på dem. Han blir uunngåelig tiltrukket av situasjoner med moralsk og seksuell frustrasjon ... [w] hat skiller Browning fra seg er hans unormale fascinasjon for de deformerte skapningene som befolker filmene hans - en fascinasjon som ikke alltid er helt intellektuell, og en der han er ekstremt glad. "

Filmografi

Regissør

Skuespiller

• Intoleranse (1916) - Crook (ukreditert)
• Dracula (1931) - Harbormaster (stemme, ukreditert, siste filmrolle)

Se også

• Liste over mennesker fra storbyområdet Louisville

Sitater

Generelle kilder

• Alford, Steven E. 1995. Dark Carnival: The Secret World of Tod Browning av David Skal . 14th Avenue. http://www.14thavenue.net/Resources/browning.html Hentet 15. april 2021.
• Andrew, Geoff. 1989. Tod Browning: Regissør/produsent. Sitert i TSPDT fra Andrew's The Film Handbook (1989) https://www.theyshootpictures.com/browningtod.htm Hentet 10. april 2021.
• Barson, Michael. 2021. Tod Browning, amerikansk regissør . Britannica. https://www.britannica.com/biography/Tod-Browning Hentet 15. april 2021.
• Blyn, Robin. 2006. Between Silence and Sound: Ventriloquism and the Advent of the Voice in The Unholy Three. i The Films of Tod Browning, redaktør Bernd Herzogenrath, 2006 Black Dog Publishing. London. s. 117–127. ISBN  1-904772-51-X
• Brandt, Stefan. 2006. "White Bo [d] y in Wonderland: Cultural Alterity and Sexual Desire in Where East if East " , i The Films of Tod Browning , redaktør Bernd Herzogenrath, 2006 Black Dog Publishing. London. s. 95–113. ISBN  1-904772-51-X
• Brenez, Nicole. 2006. Body Dreams: Lon Chaney og Tod Browning - Thesaurus Anatomicus i The Films of Tod Browning, redaktør Bernd Herzogenrath, 2006 Black Dog Publishing. London. s. 95–113. ISBN  1-904772-51-X
• Brogan, Scott. 2008. Det ukjente. San Francisco Silent Film Festival, 2008. https://silentfilm.org/the-unknown/ Hentet 15. januar 2021.
• Bronfen, Elizabeth. 2006. Snakker med øyne: Tod Brownings Dracula og dets fantomkamera . I The Films of Tod Browning, redaktør Bernd 2006 Black Dog Publishing. London. s. 41-47 ISBN  1-904772-51-X
• Cady, Brian. 2004. Raske arbeidere . Turner klassiske filmer. https://www.tcm.com/tcmdb/title/2447/fast-workers/#articles-reviews?articleId=78396 Hentet 26. mai 2021.
• Conterio, Martyn. 2018. Hvor skal jeg begynne med Tod Browning. https://www2.bfi.org.uk/news-opinion/news-bfi/features/where-begin-tod-browning Hentet 15. januar 2021.
• Darr, Brian. 2010. Vest for Zanzibar . Sanser for kino. CTEQ-merknader på FilmIssue 55 https://www.sensesofcinema.com/2010/cteq/west-of-zanzibar/ Hentet 16. mai 2021.
• Diekmann, Stefanie og Knörer, Ekkehard. 2006. The Spectator's Spectacle: Tod Brownings Theatre in The Films of Tod Browning , Bernd Herzogenrath, redaktør. Black Dog Publishing. London. ISBN  1-904772-51-X s. 69-77
• Eaker, Alfred. 2016. Tod Browning Retrospective https://alfredeaker.com/2016/01/26/todd-browning-director-retrospective/ Hentet 26. februar 2021.
• Eisenberg, Joel . 2020. The Legend and Mystique of London After Midnight . Medium.com. https://medium.com/writing-for-your-life/the-legend-and-mystique-of-london-after-midnight-d5dca35d41dd Hentet 6. mai 2021.
• Erickson, Harold . Unk. år. Storbyen . Allmovie.com https://www.allmovie.com/movie/v84974 Hentet 12. mai 2021.
• Evans, John og Banks, Nick. 2020. Skrekkhistoriker David J. Skal snakker TCM 'Fright Favorites' Book: The Conskipper Interview. Conskpper.ocm https://conskipper.com/horror-historian-david-j-skal-tcm-fright-favorites-book-interview/ Hentet 15. mai 2021.
• Grindon, Leger. 2006. Tod Brownings tematiske kontinuitet og stilistiske utvikling i Iron Man. I Herzogenrath, Bernd (red.). Filmene til Tod Browning. Black Dog Publications. ISBN  1-904772-51-X
• Hanke, Ken. 2007. Tod Browning: Regissør/produsent. Sitert i TSPDT fra Hankes 501 filmregissører, 2007 https://www.theyshootpictures.com/browningtod.htm Hentet 10. april 2021.
• Harvey, Dennis. 2019. Vest for Zanzibar. San Francisco Silent Film Festival. https://silentfilm.org/west-of-zanzibar-2/ Hentet 10. mai 2021.
• Henry, Boris. 2006. Tod Browning og Slapstick -sjangeren . i The Films of Tod Browning, redaktør Bernd Herzogenrath, 2006 Black Dog Publishing. London. s. 41-47 ISBN  1-904772-51-X
• Herzogenrath, Bernd. 2006. The Monstrous Body/Politics of Freaks in The Films of Tod Browning, i The Films of Tod Browning, redaktør Bernd Black Dog Publishing. London. s. 181-200. ISBN  1-904772-51-X
• Kalat, David. 2013. Mirakler til salgs. Turner klassiske filmer. https://www.tcm.com/tcmdb/title/687/miracles-for-sale#articles-reviews?articleId=649919 Hentet 6. juni 2021.
• Koller, Michael. 2001. Det ukjente . Sanser for kino. https://www.sensesofcinema.com/2001/cteq/unknown/ Hentet 12. mai 2021.
• Miller, Frank. 2008. Blackbird (1926). Turner klassiske filmer. https://www.tcm.com/tcmdb/title/1091/the-blackbird/#articles-reviews?articleId=211625 Hentet 5. mai 2021.
• Morris, Gary og Vieira, Mark A. 2001. Tod Brownings Freaks (1932): Production Notes and Analysis. Bright Lights Film Journal. https://brightlightsfilm.com/todd-brownings-freaks-1932-production-notes-analysis/#.YF4bdyjYq00 Hentet 19. mai 2021.
• Nixon, Rob. 2003. Dracula (1931) . Turner klassiske filmer. https://www.tcm.com/tcmdb/title/73563/dracula/#articles-reviews?articleId=33868 Hentet 15. mai 2021.
• Robinson, David . 1968. Hollywood i tjueårene . Paperback Library, New York. Library of Congress katalogkortnummer 68-24002
• Rosenthal, Stuart. 1975. Tod Browning: The Hollywood Professionals, bind 4. The Tantivy Press. ISBN  0-498-01665-X
• Skal, David J. og Savada, Elias . 1995. Dark Carnival: The Secret World of Tod Browning, Hollywoods Master of the Macabre . Anchor Books/Doubleday, New York. ISBN  0-385-47406-7
• Sobchack, Vivian . 2006. The Films of Tod Browning: An Overview Long Past in The Films of Tod Browning in The Films of Tod Browning, redaktør Bernd Herzogenrath, 2006 Black Dog Publishing. London. s. 21–39. ISBN  1-904772-51-X
• Solomon, Matthew. 2006. Staging Deception: Theatrical Illusionsim in Browning's Films of the 1920s in The Films of Tod Browning, Editor Bernd Herzogenrath. s. 49-67 Black Dog Publishing. London. ISBN  1-904772-51-X
• Stafford, Jeff. 2003. Det ukjente . Turner klassiske filmer. https://www.tcm.com/tcmdb/title/2297/the-unknown#articles-reviews?articleId=516 Hentet 20. mars 2021.
• Sweney, Matthew. 2006. Mark of the Vampire in The Films of Tod Browning, redaktør Bernd Herzogenrath. s. 49-67 Black Dog Publishing. London. ISBN  1-904772-51-X
• Toole, Michael. 2003. Djeveldukken. Turner klassiske filmer. https://www.tcm.com/tcmdb/title/3340/the-devil-doll/#articles-reviews?articleId=36829 Hentet 29. mai 2021.
• Towlson, Jon. 2012. ' An Abomination on the Silver Sheet': Til forsvar for Tod Brownings ferdigheter som regissør i Sound Era (on Freaks). Bright Lights Film. https://brightlightsfilm.com/tod-browning-director-in-the-sound-era-analysis-of-the-opening-of-freaks/#.X_x2vmjYq00 Hentet 15. januar 2021.
• Towlson, Jon. 2017. ' SKITNE, SLANTE FRITTER!': TOD BROWNING, LON CHANEY, FREAKS OG EUGENICS BEVEGELSE (DEL 1). Diabolique Magazine, 27. november 2017. https://diaboliquemagazine.com/dirty-slimy-freaks-tod-browning-lon-chaney-freaks-eugenics-movement-part-1/ Hentet 15. april 2021.
• Towlson, Jon. 2017. ' SKITNE, SLANTE FRITTER!': TOD BROWNING, LON CHANEY, FREAKS OG EUGENICS BEVEGELSE (DEL 2). Diabolique Magazine, 27. november 2017. https://diaboliquemagazine.com/dirty-slimy-freaks-tod-browning-lon-chaney-freaks-eugenics-movement-part-2/ Hentet 15. april 2021.
• Wood, Bret. 2006. In The Know (West Of Zanzibar) - TRIVIA . Turner klassiske filmer. https://www.tcm.com/tcmdb/title/2081/west-of-zanzibar/#articles-reviews?articleId=152303 Hentet 10. mai 2021.
• Wood, Bret. 2006. The Gist (Mark Of The Vampire) - THE GIST . Turner klassiske filmer. https://www.tcm.com/tcmdb/title/82936/mark-of-the-vampire#articles-reviews?articleId=149029 Hentet 25. mars 2021.

Videre lesning

• Dark Carnival (1995) ( ISBN  0-385-47406-7 ) av David J. Skal og Elias Savada .
• The Films of Tod Browning (2006) ( ISBN  978-1-904772-51-4 ) redigert av Bernd Herzogenrath.

Eksterne linker

• Verker av eller om Tod Browning på Internet Archive
• Tod Browning på IMDb
• Tod Browning bibliografi via UC Berkeley Media Resources Center
• Tod Browning på AllMovie
• Tod Browning på Find a Grave
• Tod Browning på Virtual History