Tragedie - Tragedy

Tragedie (fra gresk : τραγῳδία , tragōidia ) er en sjanger av drama basert på menneskelig lidelse og, hovedsakelig, de forferdelige eller sorgsomme hendelsene som rammer en hovedperson . Tradisjonelt er intensjonen med tragedie å påkalle en medfølgende katarsis , eller en "smerte [som] vekker nytelse", for publikum. Mens mange kulturer har utviklet former som provoserer denne paradoksale responsen, refererer begrepet tragedie ofte til en spesifikk tradisjon for drama som har spilt en unik og viktig rolle historisk i selvdefinisjonen av den vestlige sivilisasjonen . Denne tradisjonen har vært mangfoldig og diskontinuerlig, men begrepet har ofte blitt brukt for å påkalle en kraftig effekt av kulturell identitet og historisk kontinuitet - " grekerne og elisabethanerne , i en kulturell form; hellenere og kristne, i en felles aktivitet", som Raymond Williams sier det.

Fra sin opprinnelse i teatret i antikkens Hellas for 2500 år siden, hvorfra det bare overlever en brøkdel av arbeidet til Aeschylos , Sofokles og Euripides , samt mange fragmenter fra andre diktere, og de senere romerske tragediene i Seneca ; gjennom sine entydige artikulasjoner i verkene til Shakespeare , Lope de Vega , Jean Racine og Friedrich Schiller til den nyere naturalistiske tragedien til Henrik Ibsen og August Strindberg ; Samuel Beckett 's modernistiske meditasjoner over døden, tap og lidelse; Heiner Müller postmodernistiske omarbeidelser av den tragiske kanonen, tragedien har forblitt et viktig sted for kulturelle eksperimenter, forhandlinger, kamp og endring. En lang rekke filosofer - som inkluderer Platon , Aristoteles , Saint Augustine , Voltaire , Hume , Diderot , Hegel , Schopenhauer , Kierkegaard , Nietzsche , Freud , Benjamin , Camus , Lacan og Deleuze - har analysert, spekulert i og kritisert sjangeren .

I kjølvannet av Aristoteles Poetics (335 fvt) har tragedie blitt brukt til å skille sjanger, enten på poesiens skala generelt (hvor det tragiske skiller seg mot episk og lyrisk ) eller i omfanget av dramaet (der tragedien motarbeides til komedie ). I moderne tid har tragedie også blitt definert mot drama, melodrama , det tragikomiske og episke teateret . Drama, i smal forstand, tverrgående over den tradisjonelle skillet mellom komedie og tragedie i en anti- eller generisk avskrivering fra midten av 1800-tallet og fremover. Både Bertolt Brecht og Augusto Boal definerer sine episke teaterprosjekter ( henholdsvis ikke-aristotelisk drama og Theater of the Undressed ) mot modeller av tragedie. Taxidou leser imidlertid episk teater som en inkorporering av tragiske funksjoner og dets behandlinger av sorg og spekulasjoner.

Etymologi

Aristoteles 'tragiske plottstruktur

Ordet "tragedie" ser ut til å ha blitt brukt for å beskrive forskjellige fenomener til forskjellige tider. Det stammer fra klassisk gresk τραγῳδία , innleid fra Trag (o) -aoidiā = "geit sang ", som kommer fra tragos = "bukk" og aeidein = "synge" ( jf "ode"). Forskere mistenker at dette kan spores til en tid da en geit enten var premien i en konkurranse med kordans eller var det et kor danset rundt før dyrets rituelle offer . I et annet syn på etymologien sier Athenaeus fra Naucratis (2. – 3. århundre e.Kr.) at den opprinnelige formen for ordet var trygodia fra trygos (druehøst) og ode (sang), fordi disse hendelsene først ble introdusert under druehøsting.

Aristoteles skrev i 335 fvt (lenge etter gullalderen i den athenske tragedien fra 500-tallet ) og gir den tidligste overlevende forklaringen på opprinnelsen til den dramatiske kunstformen i hans poetikk , der han argumenterer for at tragedien utviklet seg fra improvisasjonene til lederen av kor dityrambe ( salmer sunget og danset til ære for Dionysos , guden for vin og fruktbarhet):

Uansett, som kommer fra en improvisatorisk begynnelse (både tragedie og komedie - tragedie fra lederne i dithyramb og komedie fra lederne for de falliske prosesjonene som til og med nå fortsetter som en skikk i mange av byene våre), vokste [tragedien] litt etter lite, ettersom [dikterne] utviklet det som [ny del] av det hadde dukket opp; og gjennom mange endringer ble tragedien stoppet siden den hadde oppnådd sin egen natur.

-  Poetics IV, 1449a 10–15

I det samme arbeidet prøver Aristoteles å gi en skolastisk definisjon av hva tragedie er:

Tragedie er altså en vedtakelse av en handling som er viktig og fullstendig, og av [en viss] størrelse, ved hjelp av språk beriket [med ornamenter], hver brukt separat i de forskjellige delene [av stykket]: den er vedtatt , ikke [bare] resitert, og gjennom medlidenhet og frykt påvirker det lettelse ( katarsis ) på slike [og lignende] følelser.

-  Poetics, VI 1449b 2–3

Det er en viss uenighet om tragediens dithyrambiske opprinnelse, hovedsakelig basert på forskjellene mellom formene på refrengene og dansestilene. En vanlig nedstigning fra pre- gresk fruktbarhet og begravelsesritualer har blitt foreslått. Friedrich Nietzsche diskuterte opprinnelsen til gresk tragedie i sin tidlige bok The Birth of Tragedy (1872). Her antyder han at navnet stammer fra bruken av et kor av geitlignende satyrer i de originale dithyrambs som den tragiske sjangeren utviklet seg fra.

Scott Scullion skriver:

Det er rikelig med bevis for tragoidia forstått som "sang for premiebukk". Det mest kjente beviset er Horace, Ars poetica 220-24 ("han som med en tragisk sang konkurrerte om en geit"); den tidligste er Parian Marble, en krønike innskrevet ca 264/63 f.Kr., som registrerer, under en dato mellom 538 og 528 fvt: "Thespis er poeten ... først produsert ... og som premie ble bilgeiten" (FrGHist 239A, epoke 43); den tydeligste er Eustathius 1769.45: "De kalte de konkurrerende tragediene, tydelig på grunn av sangen over bilgeiten" ...

gresk

Maske av Dionysos . Gresk, Myrina , 2. århundre fvt.

Athensk tragedie-den eldste formen for tragedie som overlever-er en type dansedrama som utgjorde en viktig del av bystatens teaterkultur. Etter å ha dukket opp en gang i løpet av 600 -tallet f.Kr., blomstret den i løpet av 500 -tallet f.Kr. (fra slutten av den begynte å spre seg over den greske verden), og fortsatte å være populær til begynnelsen av den hellenistiske perioden . Ingen tragedier fra 600 -tallet og bare 32 av de mer enn tusen som ble fremført på 500 -tallet har overlevd. Vi har komplette tekster bevarte av Aiskhylos , Sofokles og Euripides .

Athenske tragedier ble utført i slutten av mars/begynnelsen av april på en årlig statlig religiøs festival til ære for Dionysos. Presentasjonene hadde form av en konkurranse mellom tre dramatikere, som presenterte verkene sine på tre påfølgende dager. Hver dramatiker tilbød en tetralogi bestående av tre tragedier og et avsluttende tegneseriestykke kalt et satyrspill . De fire skuespillene inneholdt noen ganger koblede historier. Bare en komplett trilogi av tragedier har overlevd, Oresteia of Aeschylus. Det greske teatret var i det fri, på siden av en ås, og forestillinger om en trilogi og satyrspill var sannsynligvis det meste av dagen. Forestillinger var tilsynelatende åpne for alle borgere, inkludert kvinner, men bevis er lite. Teatret til Dionysos i Athen hadde sannsynligvis rundt 12 000 mennesker.

Alle korpartiene ble sunget (med akkompagnement av aulos ), og noen av skuespillernes svar på refrenget ble også sunget. Stykket som helhet ble komponert i forskjellige versemeter. Alle skuespillerne var mannlige og hadde på seg masker. Et gresk refreng danset og sang, men ingen vet nøyaktig hva slags trinn koret utførte mens det sang. Korsanger i tragedie er ofte delt inn i tre seksjoner: strophe ("snu, sirkler"), antistrofe ("motsvending, motsirkling") og epode ("etter-sang").

Mange gamle greske tragedier brukte ekkyklêma som en teatralsk enhet, som var en plattform gjemt bak scenen som kunne rulles ut for å vise etterspillet etter en hendelse som hadde skjedd utenfor synsvinkel til publikum. Denne hendelsen var ofte et brutalt drap av en eller annen art, en voldshandling som ikke effektivt kunne skildres visuelt, men en handling som de andre karakterene må se virkningene av for at den skal ha mening og emosjonell resonans. Et godt eksempel på bruk av ekkyklêma er etter drapet på Agamemnon i det første stykket i Aeschylus ' Oresteia , da kongens slaktede kropp rulles ut i en storslått oppvisning for alle å se. Variasjoner på ekkyklêma brukes i tragedier og andre former den dag i dag, ettersom forfattere fremdeles synes det er en nyttig og ofte kraftfull enhet for å vise konsekvensene av ekstreme menneskelige handlinger. En annen slik enhet var en kran, mekanen , som tjente til å heise en gud eller gudinne på scenen da de skulle komme flygende. Denne enheten ga opprinnelse til uttrykket " deus ex machina " ("gud ut av en maskin"), det vil si overraskende inngrep av en uforutsett ekstern faktor som endrer utfallet av en hendelse.

Romersk

Scene fra tragedien Iphigenia in Tauris av Euripides. Romersk fresko i Pompeii.

Etter utvidelsen av Den romerske republikk (509–27 fvt) til flere greske territorier mellom 270–240 fvt, møtte Roma gresk tragedie . Fra de senere årene av republikken og ved hjelp av Romerriket (27 f.Kr.-476 e.Kr.) spredte teater seg vestover i Europa, rundt Middelhavet og nådde til og med Storbritannia. Mens gresk tragedie fortsatte å bli fremført gjennom den romerske perioden, markerer året 240 fvt begynnelsen på vanlig romersk drama . Livius Andronicus begynte å skrive romerske tragedier, og skapte dermed noen av de første viktige verkene i romersk litteratur . Fem år senere begynte Gnaeus Naevius også å skrive tragedier (selv om han ble mer verdsatt for sine komedier). Ingen fullstendig tidlig romersk tragedie overlever, selv om den ble høyt ansett i sin tid; historikere kjenner til tre andre tidlige tragiske dramatikere - Quintus Ennius , Marcus Pacuvius og Lucius Accius .

Fra imperiets tid overlever tragediene til to dramatikere - den ene er en ukjent forfatter, mens den andre er den stoiske filosofen Seneca . Ni av Senecas tragedier overlever, som alle er fabula crepidata (tragedier tilpasset greske originaler); Phaedra hans , for eksempel, var basert på Euripides ' Hippolytus . Historikere vet ikke hvem som skrev det eneste eksisterende eksemplet på fabula praetexta (tragedier basert på romerske emner), Octavia , men i tidligere tider ble det feilaktig tilskrevet Seneca på grunn av hans opptreden som en karakter i tragedien.

Senecas tragedier omarbeider de til alle tre av de athenske tragiske dramatikerne hvis arbeid har overlevd. Sannsynligvis ment å bli resitert på elitesamlinger, de skiller seg fra de greske versjonene i sine lange erklærende, narrative handlingsberetninger, deres påtrengende moralisering og bombastiske retorikk. De dveler ved detaljerte beretninger om fryktelige gjerninger og inneholder lange reflekterende solilokvier . Selv om gudene sjelden dukker opp i disse skuespillene, er det mange spøkelser og hekser. Senekanske tragedier utforsker ideer om hevn , det okkulte, det overnaturlige, selvmord, blod og blod. Renessanseforskeren Julius Caesar Scaliger (1484–1558), som kunne både latin og gresk, foretrakk Seneca fremfor Euripides.

Renessanse

Innflytelse av gresk og romersk

Klassisk gresk drama ble stort sett glemt i Vest -Europa fra middelalderen til begynnelsen av 1500 -tallet. Middelalderens teater ble dominert av mystiske skuespill , moralske skuespill , farser og mirakelspill . I Italia var modellene for tragedie i senere middelalder romerske, spesielt verkene til Seneca, som interessen ble vekket på nytt av Paduan Lovato de 'Lovati (1241–1309). Hans elev Albertino Mussato (1261–1329), også fra Padua, skrev i 1315 den latinske verset tragedien Eccerinis , som bruker historien om tyrannen Ezzelino III da Romano for å markere faren for Padua som Cangrande della Scala fra Verona utgjør . Det var den første sekulære tragedien som ble skrevet siden romertiden, og kan betraktes som den første italienske tragedien som kan identifiseres som et renessansearbeid. De tidligste tragediene for å bruke rent klassiske temaer er Achilles skrevet før 1390 av Antonio Loschi fra Vicenza (c.1365–1441) og Progne for den venetianske Gregorio Correr (1409–1464) som stammer fra 1428 til 1429.

I 1515 skrev Gian Giorgio Trissino (1478–1550) fra Vicenza sin tragedie Sophonisbafolkemunne som senere skulle bli kalt italiensk. Hentet fra Livys beretning om Sophonisba , den karthaginske prinsessen som drakk gift for å unngå å bli tatt av romerne, holder den seg tett til klassiske regler. Det ble snart fulgt av Oreste og Rosmunda til Trissinos venn, florentinsk Giovanni di Bernardo Rucellai (1475–1525). Begge ble ferdigstilt tidlig i 1516 og er basert på klassiske greske modeller, RosmundaHecuba of Euripides , og OresteIphigenia in Tauris av samme forfatter; i likhet med Sophonisba , er de på italiensk og i tomme (urymmet) hendecasyllables . En annen av de første av alle moderne tragedier er A Castro , av portugisisk poet og dramatiker António Ferreira , skrevet rundt 1550 (men bare utgitt i 1587) i polymetrisk vers (det meste er blanke hendecasyllables), som omhandler drapet på Inês de Castro , en av de mest dramatiske episodene i portugisisk historie. Selv om disse tre italienske skuespillene ofte siteres, hver for seg eller sammen, som de første vanlige tragediene i moderne tid, så vel som de tidligste betydningsfulle verkene som ble skrevet i blanke hendelser, ble de tilsynelatende innledet med to andre verk på folkemunne: Pamfila eller Filostrato e Panfila skrevet i 1498 eller 1508 av Antonio Cammelli (Antonio da Pistoia); og en Sophonisba av Galeotto del Carretto fra 1502.

Fra rundt 1500 trykte eksemplarer, på originalspråkene, av verkene til Sophocles , Seneca og Euripides , samt komiske forfattere som Aristophanes , Terence og Plautus , var tilgjengelige i Europa, og i de neste førti årene så humanister og poeter oversette og tilpasse sine tragedier. På 1540-tallet ble det europeiske universitetsmiljøet (og spesielt fra 1553, jesuitthøyskolene) vert for et nylatinsk teater (på latin) skrevet av lærde. Innflytelsen fra Seneca var spesielt sterk i den humanistiske tragedien. Hans skuespill, med sine spøkelser, lyriske passasjer og retoriske taler, brakte en konsentrasjon om retorikk og språk over dramatisk handling til mange humanistiske tragedier.

De viktigste kildene for fransk tragisk teater i renessansen var eksemplet på Seneca og forskriftene til Horace og Aristoteles (og samtidskommentarer av Julius Caesar Scaliger og Lodovico Castelvetro ), selv om plott ble hentet fra klassiske forfattere som Plutarch , Suetonius , etc. ., fra Bibelen, fra samtidshendelser og fra novellesamlinger (italiensk, fransk og spansk). De greske tragiske forfatterne ( Sofokles og Euripides ) ville bli stadig viktigere som modeller innen midten av 1600 -tallet. Viktige modeller ble også levert av de spanske gullalder dramatikerne Pedro Calderón de la Barca , Tirso de Molina og Lope de Vega , hvorav mange av verkene ble oversatt og tilpasset den franske scenen.

Storbritannia

Edwin Austin Abbey (1852–1911) King Lear , Cordelias farvel

De vanlige formene er:

  • Omstendighetens tragedie : mennesker blir født inn i sine situasjoner, og velger dem ikke; slike tragedier utforsker konsekvensene av fødselsrett, særlig for monarker
  • Feilberegningens tragedie : hovedpersonens dømmefeil har tragiske konsekvenser
  • Hevnspill

På engelsk er de mest kjente og mest vellykkede tragediene de av William Shakespeare og hans elisabethanske samtid. Shakespeares tragedier inkluderer:

En samtid av Shakespeare, Christopher Marlowe , skrev også eksempler på tragedie på engelsk, særlig:

John Webster (1580? –1635?), Skrev også kjente skuespill av sjangeren:

Innenriks tragedie

Innenlandske tragedier er tragedier der de tragiske hovedpersonene er vanlige middelklasse- eller arbeiderklasseindivider. Denne undergenren står i kontrast til den klassiske og nyklassisistiske tragedien, der hovedpersonene er av kongelig eller aristokratisk rang, og deres undergang er både en statlig og en personlig sak.

Den antikke greske teoretikeren Aristoteles hadde hevdet at tragedien bare skulle angå store individer med store sinn og sjeler, fordi deres katastrofale undergang ville være mer følelsesmessig kraftig for publikum; bare komedie skal skildre folk fra middelklassen. Den innenlandske tragedien bryter med Aristoteles 'forskrifter, og tar for seg kjøpmenn eller borgere hvis liv har mindre konsekvenser i den store verden.

Fremkomsten av den innenlandske tragedien innledet sjangrets første faseskift med mindre fokus på den aristoteliske definisjonen av sjangeren og mer på definisjonen av tragedie i omfanget av dramaet, der tragedien står i motsetning til komedie, dvs. melankolske historier. Selv om utnyttelsen av viktige elementer som lidelse, hamartia, moral og opptog til slutt knytter denne tragedien til resten. Denne varianten av tragedie har ført til utviklingen og utviklingen av tragedier i moderne tid, spesielt de som passerte midten av 1800-tallet, for eksempel verkene til Arthur Miller , Eugene O'Neill og Henrik Ibsen . Nylig behandlede temaer som sprang ut fra den innenlandske tragediebevegelsen inkluderer: urettmessige domfellelser og henrettelser, fattigdom, sult, avhengighet , alkoholisme , gjeld, strukturelle overgrep , barnemishandling , kriminalitet , vold i hjemmet , sosial skygging , depresjon og ensomhet.

Klassiske innenlandske tragedier inkluderer:

Opera

Samtidig med Shakespeare ble en helt annen tilnærming til å lette tragediens gjenfødelse tatt i Italia. Jacopo Peri refererer i forordet til Euridice til "de gamle grekerne og romerne (som etter manges mening sang sine iscenesatte tragedier gjennom å representere dem på scenen)." Peris og hans samtidiges forsøk på å gjenskape gammel tragedie ga opphav til den nye italienske musikalske sjangeren opera. I Frankrike ble tragiske operaverk fra Lullys tid til omtrent Glucks tid ikke kalt opera, men tragédie en musique ("tragedie i musikk") eller et lignende navn; den TRAGÉDIE LYRIQUE regnes som en tydelig musikalsk sjanger. Noen senere operakomponister har også delt Peris mål: Richard Wagners konsept om Gesamtkunstwerk ("integrert kunstverk") var for eksempel ment som en tilbakevending til idealet om gresk tragedie der all kunst ble blandet i tjeneste for dramaet. Nietzsche skulle i sin fødsel av tragedien (1872) støtte Wagner i hans påstander om å være en etterfølger av de gamle dramatikerne.

Nyklassisk

Fransk skuespiller Talma som Nero i Racines Britannicus .

I store deler av 1600 -tallet var Pierre Corneille , som satte sitt preg på tragediens verden med skuespill som Medée (1635) og Le Cid (1636), den mest suksessrike forfatteren av franske tragedier. Corneilles tragedier var merkelig u-tragiske (hans første versjon av Le Cid ble til og med oppført som en tragikomedie), for de hadde lykkelige ender. I sine teoretiske verk om teater omdefinerte Corneille både komedie og tragedie rundt følgende antagelser:

  • Scenen-både i komedie og tragedie-skulle inneholde edle karakterer (dette ville eliminere mange lavkarakterer, typiske for farsen, fra Corneilles komedier). Edle karakterer skal ikke fremstilles som forferdelige (kritikkverdige handlinger skyldes vanligvis ikke-edle karakterer i Corneilles skuespill).
  • Tragedie omhandler statens saker (kriger, dynastiske ekteskap); komedie handler om kjærlighet. For at et verk skal være tragisk, trenger det ikke ha en tragisk slutt.
  • Selv om Aristoteles sier at katarsis (rensing av følelser) bør være målet for tragedien, er dette bare et ideal. I samsvar med periodens moralske koder bør skuespill ikke vise at ondskap blir belønnet eller adel blir forringet.

Corneille fortsatte å skrive skuespill gjennom 1674 (hovedsakelig tragedier, men også noe han kalte "heroiske komedier") og mange fortsatte å være suksesser, selv om "uregelmessighetene" i hans teatermetoder stadig ble kritisert (særlig av François Hédelin, abbé d'Aubignac ) og suksessen til Jean Racine fra slutten av 1660 -årene signaliserte slutten på hans forrang.

Jean Racines tragedier-inspirert av greske myter, Euripides , Sofokles og Seneca- kondenserte plottet sitt til et tett sett med lidenskapelige og pliktbundne konflikter mellom en liten gruppe edle karakterer, og konsentrerte seg om disse karakterenes dobbeltbindinger og geometri av deres uoppfylte ønsker og hat. Racines poetiske ferdigheter var representasjonen av patos og amorøs lidenskap (som Phèdres kjærlighet til stesønnen), og hans innflytelse var slik at følelsesmessig krise ville være den dominerende tragediemåten til slutten av århundret. Racines to sene skuespill ("Esther" og "Athalie") åpnet nye dører til bibelsk emne og til bruk av teater i utdanningen av unge kvinner. Racine møtte også kritikk for sine uregelmessigheter: da skuespillet hans, Bérénice , ble kritisert for ikke å inneholde dødsfall, bestred Racine det konvensjonelle synet på tragedie.

For mer om fransk tragedie på 1500- og 1600 -tallet, se fransk renessanselitteratur og fransk litteratur fra 1600 -tallet .

Senere utvikling

Mot slutten av det attende århundre, etter å ha studert forgjengerne, ønsket Joanna Baillie å revolusjonere teateret og trodde at det kunne brukes mer effektivt for å påvirke folks liv. For dette formål ga hun en ny retning til tragedien, som hun definerer som 'avsløring av menneskesinnet under herredømme over de sterke og faste lidenskapene, som tilsynelatende ikke er provosert av ytre omstendigheter, vil fra små begynnelser ruke i brystet, til alle jo bedre disposisjoner, alle naturens rettferdige gaver bæres ned foran dem '. Denne teorien praktiserte hun i sin 'Series of Plays on the Passions' i tre bind (fra 1798) og i andre dramatiske verk. Hennes metode var å lage en serie scener og hendelser som var ment å fange publikums nysgjerrighet og 'spore lidenskapens fremgang, og påpeke de stadiene i fiendens tilnærming, da han kan ha blitt bekjempet mest vellykket; og hvor lidelsen han skal passere kan anses å forårsake all elendigheten som følger. '

Borgerlig

Borgerlig tragedie (tysk: Bürgerliches Trauerspiel) er en form som utviklet seg i Europa fra 1700-tallet. Det var en frukt av opplysningstiden og fremveksten av den borgerlige klassen og dens idealer. Det kjennetegnes ved at hovedpersonene er vanlige borgere. Den første virkelige borgerlige tragedie var en engelsk spiller, George Lillo 's The London Merchant; eller, History of George Barnwell , som først ble fremført i 1731. Vanligvis sies Gotthold Ephraim Lessings skuespill Miss Sara Sampson , som først ble produsert i 1755, å være den tidligste Bürgerliches Trauerspiel i Tyskland.

Moderne utvikling

I modernistisk litteratur har definisjonen av tragedie blitt mindre presis. Den mest grunnleggende endringen har vært avvisningen av Aristoteles 'påstand om at sann tragedie bare kan skildre dem med makt og høy status. Arthur Millers essay "Tragedy and the Common Man" (1949) hevder at tragedie også kan skildre vanlige mennesker i hjemlige omgivelser og dermed definere innenlandske tragedier. Den britiske dramatikeren Howard Barker har argumenterte hardt for at tragedien skal gjenfødes i samtidsteateret, særlig i sitt bind Arguments for a Theatre . "Du kommer ut av tragedien utstyrt mot løgner. Etter musikalen er du noens lure," insisterer han.

Kritikere som George Steiner har til og med vært forberedt på å hevde at tragedie ikke lenger kan eksistere i sammenligning med dens tidligere manifestasjoner i klassisk antikk. I The Death of Tragedy (1961) skisserte George Steiner egenskapene til gresk tragedie og tradisjonene som utviklet seg fra den perioden. I forordet (1980) til en ny utgave av sin bok konkluderte Steiner med at 'dramaene til Shakespeare ikke er en renascens av eller en humanistisk variant av den absolutt tragiske modellen. De er snarere en avvisning av denne modellen i lys av tragisk komiske og "realistiske" kriterier. ' Delvis forklares denne egenskapen til Shakespeares sinn av hans sinnsbøyning eller fantasi som var 'så omfattende, så mottakelig for mangfoldet av forskjellige erfaringsordner'. Sammenlignet med dramaet i gresk antikk og fransk klassisisme er Shakespeares former 'rikere, men hybrid'.

Mange bøker og skuespill fortsetter å bli skrevet i tradisjonen med tragedie til i dag. Eksempler inkluderer Froth on the Daydream , The Road , The Fault in Our Stars , Fat City , Rabbit Hole , Requiem for a Dream , The Handmaid's Tale .

Teorier

Å definere tragedie er ingen enkel sak, og det er mange definisjoner, hvorav noen er uforenlige med hverandre. Oscar Mandel, i A Definition of Tragedy (1961), kontrasterte to vesentlig forskjellige måter å komme til en definisjon på. Først er det han kaller den avledede måten, hvor tragedien antas å være et uttrykk for en orden i verden; "i stedet for å spørre hva tragedien uttrykker, har den avledede definisjonen en tendens til å spørre hva som uttrykker seg gjennom tragedie". Den andre er den materielle måten å definere tragedie på, som starter med kunstverket som antas å inneholde verdens orden. Substansielle kritikere "er interessert i kunstens bestanddeler, snarere enn dens ontologiske kilder". Han kjenner igjen fire underklasser: a. "definisjon ved formelle elementer" (for eksempel de antatte "tre enhetene"); b. "definisjon etter situasjon" (der man for eksempel definerer tragedie som "å vise en god manns fall"); c. "definisjon etter etisk retning" (der kritikeren er opptatt av meningen, med "intellektuell og moralsk effekt); og d." definisjon etter emosjonell effekt "(og han siterer Aristoteles" krav om medlidenhet og frykt ").

Aristoteles

Aristoteles skrev i sine arbeids Poetikken at tragedien er preget av alvor og innebærer en flott person som opplever en reversering av formue ( Peripeteia ). Aristoteles definisjon kan inkludere en endring i formue fra dårlig til godt som i Eumenides , men han sier at endringen fra godt til dårlig som i Oedipus Rex er å foretrekke fordi dette fremkaller medlidenhet og frykt hos tilskuerne. Tragedie resulterer i en katarsis (emosjonell rensing) eller helbredelse for publikum gjennom deres opplevelse av disse følelsene som svar på lidelsen til karakterene i dramaet.

Ifølge Aristoteles burde "strukturen til den beste tragedien ikke være enkel, men kompleks og en som representerer hendelser som vekker frykt og medlidenhet - for det er sært for denne formen for kunst." Denne reversering av formue må være forårsaket av den tragiske helten Hamartia , som ofte oversatt som enten en karakterbrist , eller som en feil (siden den originale greske etymologi spor tilbake til hamartanein , en sports begrep som refererer til en bueskytter eller spyd -thrower mangler målet sitt). I følge Aristoteles, "Ulykken skyldes ikke [generell] ondskap eller fordervelse, men av en eller annen feil eller skrøpelighet." Omvendelsen er det uunngåelige, men uforutsette resultatet av en handling som helten har utført. Det er også en misforståelse at denne reverseringen kan oppstå av en høyere makt (f.eks. Loven, gudene, skjebnen eller samfunnet), men hvis en karakters undergang er forårsaket av en ekstern årsak, beskriver Aristoteles dette som et uhell og ikke en tragedie.

I tillegg kan den tragiske helten oppnå en viss åpenbaring eller anerkjennelse ( anagnorisis -"å vite igjen" eller "vite tilbake" eller "vite hele tiden") om menneskelig skjebne, skjebne og gudens vilje. Aristoteles omtaler denne typen anerkjennelse "en endring fra uvitenhet til bevissthet om et bånd av kjærlighet eller hat."

I poetikk ga Aristoteles følgende definisjon på gammelgresk av ordet "tragedie" (τραγῳδία):

Tragedie er en etterligning av en handling som er beundringsverdig, fullstendig (sammensatt av en introduksjon, en midtdel og en slutt), og som har størrelse; på et behagelig språk, hver av artene atskilt i forskjellige deler; fremført av skuespillere, ikke gjennom fortelling; gjennom synd og frykt for renselse av slike følelser.

Vanlig bruk av tragedie refererer til enhver historie med en trist slutt, mens for å være en aristotelisk tragedie må historien passe til kravene som er definert av Poetics . Ved denne definisjonen kan sosialt drama ikke være tragisk fordi helten i det er et offer for omstendigheter og hendelser som er avhengige av samfunnet han lever i og ikke av de indre tvangene-psykologiske eller religiøse-som bestemmer hans fremgang mot selvkunnskap og død. . Nøyaktig hva som utgjør en "tragedie", er imidlertid en sak som ofte diskuteres.

I følge Aristoteles er det fire tragedier:

1. Kompleks, som involverer Peripety og Discovery

2. Lidelser, slike tragedier kan sees i de greske mytologiske historiene om Ajaxes og Ixions

3. Karakter, en tragedie av moralsk eller etisk karakter. Tragedier av denne art finnes i Fthiotides og Peleus

4. Skuespill, det med et skrekklignende tema. Eksempler av denne art er Phorcides og Prometheus

Hegel

GWF Hegel , den tyske filosofen som er mest kjent for sin dialektiske tilnærming til epistemologi og historie, brukte også en slik metodikk på hans tragedie -teori. I sitt essay "Hegels teori om tragedie" introduserte AC Bradley først den engelsktalende verden for Hegels teori, som Bradley kalte den " tragiske kollisjonen ", og stod i kontrast til de aristoteliske forestillingene om den " tragiske helten " og hans eller hennes "hamartia" "i påfølgende analyser av Aeschylus ' Oresteia -trilogi og av Sophocles' Antigone . Hegel selv argumenterer imidlertid i sin seminal " The Phenomenology of Spirit " for en mer komplisert teori om tragedie, med to komplementære grener som, selv om de er drevet av et enkelt dialektisk prinsipp, skiller gresk tragedie fra den som følger Shakespeare. Hans senere foredrag formulerer en slik teori om tragedie som en konflikt mellom etiske krefter, representert med karakterer, i gammel gresk tragedie, men i Shakespeare-tragedien gjengis konflikten som en av subjekt og objekt, om individuell personlighet som må manifestere selvdestruktive lidenskaper fordi bare slike lidenskaper er sterke nok til å forsvare individet mot en fiendtlig og lunefull ytre verden:

Heltene i den gamle klassiske tragedien møter situasjoner der de, hvis de bestemt bestemmer seg for den etiske patosen som alene passer deres ferdige karakter, nødvendigvis må komme i konflikt med den like [ gleichberechtigt ] etiske kraften som konfronterer dem. Moderne karakterer, derimot, står i et vell av mer tilfeldige omstendigheter, innenfor hvilke man kan opptre på denne eller den måten, slik at konflikten, selv om den er forårsaket av ytre forutsetninger, fremdeles i hovedsak er forankret i karakteren. De nye individene, i sine lidenskaper, adlyder sin egen natur ... rett og slett fordi de er det de er. Greske helter handler også i henhold til individualitet, men i gammel tragedie er slik individualitet nødvendigvis ... et selvstendig etisk patos ... I moderne tragedie bestemmer imidlertid karakteren i sin særegenhet i samsvar med subjektive ønsker ... slik at kongruitet av karakter med ytre etisk mål ikke lenger utgjør et vesentlig grunnlag for tragisk skjønnhet ...

Hegels kommentarer til et bestemt skuespill kan bedre belyse teorien hans: "Sett utad kan Hamlets død oppstå ved et uhell ... men i Hamlets sjel forstår vi at døden har lurket fra begynnelsen: endetets sandbank nok hans sorg og ømhet, slik sorg og kvalme under alle livsvilkår ... vi føler at han er en mann som indre avsky nesten har inntatt godt før døden kommer over ham utenfra. "

Lignende dramatiske former i verdensteateret

Gammelt indisk drama

Forfatteren Bharata Muni , i sitt arbeid med dramatisk teori A Treatise on Theatre ( sanskrit : Nātyaśāstra , नाट्य शास्त्र, ca. 200 fvt - 200 e.Kr.), identifiserte flere raser (som medlidenhet, sinne, avsky og terror) i de følelsesmessige svarene publikum for sanskritdramaet i det gamle India . Teksten antyder også forestillingen om musikalske moduser eller jatis som er opprinnelsen til forestillingen om de moderne melodiske strukturene kjent som ragas . Deres rolle i å påkalle følelser blir understreket; Derfor sies komposisjoner som understreker notene gandhara eller rishabha å provosere "tristhet" eller "patos" ( karuna rasa ), mens rishabha fremkaller heltemod ( vira rasa ). Jatis er utdypet nærmere i teksten Dattilam , komponert omtrent samtidig som avhandlingen .

Det berømte gamle indiske eposet , Mahabharata , kan også på noen måter være relatert til tragedie. I følge Hermann Oldenberg bar det originale eposet en gang en enorm "tragisk kraft". Det var vanlig i sanskritdrama å tilpasse episoder fra Mahabharata til dramatisk form.

Se også

Merknader

Referanser

Kilder

Eksterne linker