De kubistiske malerne, estetiske meditasjoner -The Cubist Painters, Aesthetic Meditations

Guillaume Apollinaire , Les Peintres Cubistes, Méditations Esthétiques ( The Cubist Painters, Aesthetic Meditations ), utgitt av Eugène Figuière Éditeurs , samling "Tous les Arts", Paris, 1913 (omslag)

Les Peintres Cubistes, Méditations Esthétiques (engelsk, The Cubist Painters, Aesthetic Meditations ), er en bok skrevet av Guillaume Apollinaire mellom 1905 og 1912, utgitt i 1913. Dette var den tredje store teksten om kubisme ; etter Du "Cubisme" av Albert Gleizes og Jean Metzinger (1912); og André Salmon , Histoire anecdotique du cubisme (1912).

Les Peintres Cubistes er illustrert med svart-hvite fotografier av verk av Pablo Picasso , Georges Braque , Jean Metzinger , Albert Gleizes , Juan Gris , Marie Laurencin , Fernand Léger , Francis Picabia , Marcel Duchamp og Raymond Duchamp-Villon . Det er også gjengitt fotografier av kunstnerne Metzinger, Gleizes, Gris, Picabia og Duchamp. Totalt er det 46 halvtoneportretter og reproduksjoner.

Publisert av Eugène Figuière Éditeurs , samling "Tous les Arts", Paris, 1913, var Les Peintres Cubistes det eneste uavhengige bindet med kunstkritikk utgitt av Apollinaire, og representerte en svært original kritisk kilde til kubisme . Han belyser historien til den kubistiske bevegelsen, dens nye estetikk, dens opprinnelse, dens utvikling og dens forskjellige funksjoner.

Marie Laurencin , 1909, Réunion à la campagne ( Apollinaire et ses amis ), olje på lerret, 130 x 194 cm, Musée Picasso , Paris. Alternative titler: La Noble compagnie, Le Rendez-vous des amis : Gertrude Stein , Fernande Olivier , en muse, Guillaume Apollinaire, hunden Fricka, Pablo Picasso , Marguerite Gillot, Maurice Cremnitz og Marie Laurencin.

Apollinaire hadde først til hensikt at denne boken skulle være en generell samling av hans skrifter om kunst med tittelen Méditations Esthétiques i stedet for spesifikt om kubisme. Høsten 1912 reviderte han sidebevisene for å inkludere mer materiale om de kubistiske malerne, og la til undertittelen Les Peintres Cubistes . Da boken kom på trykk, ble den originale tittelen omsluttet i parentes og redusert i størrelse, mens undertittelen Les Peintres Cubistes ble forstørret og dominerte omslaget. Likevel vises Les Peintres Cubistes bare på halv tp og tp sider, mens hver annen side har tittelen Méditations Esthétiques , noe som tyder på at endringen ble gjort så sent at bare tittelsidene ble skrevet ut på nytt.

En del av teksten ble oversatt til engelsk og publisert med flere bilder fra den opprinnelige boken i The Little Review: Quarterly Journal of Art and Letters , New York, høst 1922.

Forfatter

Guillaume Apollinaire og André Rouveyre i 1914

Guillaume Apollinaire, en fransk poet, dramatiker, novelleforfatter, romanforfatter og kunstkritiker, tjente som et avgjørende grensesnitt mellom kunstnere og diktere fra begynnelsen av 1900 -tallet, og begynte i billedkunst og litterære kretser. Italiensk etter fødsel, polsk med navn (Wilhelm Albert Włodzimierz Apolinary Kostrowicki), parisisk etter eget valg, Apollinaire var en ledende skikkelse i tidlig modernistisk poesi, en permutabel skikkelse hvis arbeid gjentok symbolistene , kubistene og forutså surrealistene .

Som en aktiv skikkelse i veletablerte litterære tidsskrifter fra 1902 til hans død i 1918, spilte Apollinaire en avgjørende rolle i utviklingen av tidlig modernisme ved å grunnlegge sine egne kunstneriske tidsskrifter, ved å støtte gallerier og utstillinger, som en samler av avantgarde- kunst , og som en lidenskapelig tilhenger av en mangfoldig gruppe nye kunstnere. Hans gjennomgripende innflytelse på disse kunstnerne eksemplifiseres av et mangfold av portretter av Apollinaire malt av kunstnere som Henri Rousseau , Pablo Picasso, Jean Metzinger, Louis Marcoussis , Amedeo Modigliani , Marie Laurencin, Marcel Duchamp, Maurice de Vlaminck , Giorgio de Chirico , Mikhail Larionov , Robert Delaunay , Marc Chagall , Pierre Savigny de Belay og Henri Matisse .

Jean Metzinger, ca. 1913, Le Fumeur (mann med rør) , olje på lerret, 129,7 x 96,68 cm, Carnegie Museum of Art , Pittsburgh, Pennsylvania. Utstilt på Salon des Indépendants i 1914 , Paris. Metzinger malte flere portretter av Apollinaire, 1909-10, 1911 og dette verket som ifølge Apollinaire "sies å være et portrett av meg selv". ·  ·  ·  ·
"Apollinaire, som Baudelaire", skriver Pamela A. Genova, "var en autodidakt kunstkritiker, og han begynte sin kunstteori naiv for den tekniske terminologien og de konvensjonelle forskriftene på feltet. Hans arbeid var spontant, fremdriftsfullt og foran sin tid, og som mange avantgarde- pionerer, ble han ofte misforstått, undervurdert eller ignorert. Men for en som begynte som en nybegynner i forståelse, analyse og promotering av maleri, er nøyaktigheten av Apollinaires smak uhyggelig, for hans favorittmalere [for eksempel kunstnerne han inkluderer i Les Peintres Cubistes ] regnes nå blant de mest innflytelsesrike kunstnerne i århundret ".
Guillaume Apollinaire våren 1916 etter granatsåret sitt i templet

Som en nær venn av alle kubistene, og Marie Laurencins kjæreste, var Apollinaire vitne til utviklingen av kubismen på egenhånd. Han var i nær kontakt med Le Bateau-Lavoir og dets vaner-inkludert Max Jacob , Maurice Princet , Picasso, Braque og Metzinger. Han var også i nær kontakt med Groupe de Puteaux (eller Section d'Or) , med base i de vestlige forstedene til Paris - inkludert brødrene Duchamp, Gleizes, Picabia og igjen Metzinger (som tidlig tilknyttet begge gruppene).

Apollinaire laget flere viktige forhold til avant-garde, som orfismen (på Salon de la Section d'Or i 1912) og surrealisme (om balletten Parade i 1917), og var den første til å adoptere begrepet "kubisme" på på vegne av sine medkunstnere (på Salon des Indépendants 1911, Brussel). Han skrev om disse og relaterte bevegelser som fauvisme , futurisme og simultanisme. Men hans mest overbevisende originale holdning finnes i Les Peintres Cubistes , i sin analyse av den nye kunstbevegelsen : "De nye kunstnerne krever en ideell skjønnhet, som vil være, ikke bare artens stolte uttrykk, men uttrykket for universet, i den grad det har blitt humanisert av lys. " ( Les Peintres Cubistes , s. 18)

Volum

Guillaume Apollinaires eneste bok om kunst, The Cubist Painters, Aesthetic Meditations er en usystematisk samling av refleksjoner og kommentarer. Den ble skrevet mellom 1905 og 1912, og ble til slutt utgitt i 1913. Bindet består av to deler og demonstrerer den poetiske visjonen til Apollinaire. Den første delen, "On Painting" ( Sur la peinture ), er et manifest for den nye kunstformen, som består av syv kapitler (22 sider), hvorav mye av teksten ble skrevet i 1912 og utgitt i Les Soirées de Paris the samme år.

Den andre og større delen av boken (53 sider), under overskriften "Nye malere" ( Peintres nouveaux ), analyserer arbeidet til ti kunstnere som er mest representative for bevegelsen i følgende rekkefølge: Picasso, Braque, Metzinger, Gleizes, Laurencin , Gris, Léger, Picabia, Duchamp, og i vedlegget, Duchamp-Villon. I avsnittet om Marie Laurencin inkluderte Apollinaire en tekst fra Henri Rousseau , først publisert i en anmeldelse av Salon des Indépendants fra 1911 (L'Intransigéant, 10. april 1911).

Henri Rousseau , The Muse Inspiring the Poet ( La muse inspirant le poète ), 1909, Kunstmuseum Basel . Dette verket skildrer Apollinaire og musa hans, Marie Laurencin

Inkludert er fire reproduksjoner av verkene til hver kunstner (med unntak av Rousseau), og portrettfotografier av Metzinger, Gleizes, Gris, Picabia og Duchamp.

Dette essayet er et landemerke i kunstkritikkens historie og syntetiserer de estetiske bekymringene for ikke bare kubistene, men Apollinaire selv. Volumet er verdsatt i dag som et referanseverk og et vintageeksempel på kreativ modernistisk skriving.

Dette var det tredje forsøket på å definere den nye billedtrenden som vokser i løpet av årene før første verdenskrig, etter Du "Cubisme" av Albert Gleizes og Jean Metzinger, 1912, og André Salmon , Histoire anecdotique du cubisme ( Anecdotal History of Cubism ), 1912.

I sin analyse av den nye kunstbevegelsen skiller Apollinaire mellom fire forskjellige typer kubisme; vitenskapelig, fysisk, orfisk og instinktiv. Den første, Scientific Cubism , er kunsten å male nye ensembler med elementer som ikke er lånt fra visjonens virkelighet, men fra kunnskapens virkelighet. Det er tendensen til "rent" maleri. Malerne Apollinaire -steder i denne kategorien er: Picasso, Braque, Metzinger, Gleizes, Laurencin og Gris.

Den andre, Fysisk kubisme , er disiplinen med å konstruere maleri med elementer som hovedsakelig er lånt fra visjonens virkelighet. Dens sosiale rolle er godt markert, men det er ikke en ren kunst. 'Fysikeren' som skapte denne trenden er Le Fauconnier.

Orfisk kubisme er kunsten å male med elementer lånt ikke fra den visuelle virkeligheten, men helt skapt av kunstneren og utstyrt av ham med en kraftfull virkelighet. Verkene til de orfiske kunstnerne presenterer samtidig en ren estetisk nytelse, en konstruksjon for sansene og en sublim mening. Dette er ren kunst, ifølge Apollinaire, som inkluderer arbeidet til R. Delaunay, Léger, Picabia og M. Duchamp.

Instinktiv kubisme er, ifølge Apollinaire, kunsten å male elementer ikke lånt fra den visuelle virkeligheten, men tyder på kunstnerens instinkt og intuisjon. Instinktiv kubisme inkluderer et veldig stort antall artister. Bevegelsen stammer fra fransk impresjonisme og spenner over ("sprer seg") over hele Europa.

Den historiske studien av kubisme begynte på slutten av 1920 -tallet , og trakk først fra Du "Cubisme" og Apollinaires Les Peintres Cubistes . Den kom til å stole sterkt på Daniel-Henry Kahnweilers bok Der Weg zum Kubismus (utgitt i 1920), som utelukkende fokuserte på utviklingen av Picasso, Braque, Léger og Gris. Begrepene "Analytisk kubisme" og "Syntetisk kubisme" som senere dukket opp (overskygger Apollinaires klassifiseringsopplegg) har vært allment akseptert siden midten av 1930-tallet. Begge begrepene er imidlertid historiske pålegg som skjedde etter fakta de identifiserer. Ingen fase ble utpekt som sådan på det tidspunktet tilsvarende verk ble opprettet. "Hvis Kahnweiler anser kubisme som Picasso og Braque," skrev Daniel Robbins , "er vår eneste feil ved å utsette andre kubisters arbeider for den begrensede definisjonens strenghet." Denne tolkningen av kubisme, formulert post facto som et middel til å forstå verkene til Braque og Picasso, er vanskelig å anvende på andre kubisters kunst hvis art fundamentalt skilte seg fra kategoriene 'Analytisk' eller 'Syntetisk', tvang Kahnweiler til å stille spørsmål ved deres rett til å være kalt kubister i det hele tatt. Ifølge Robbins, "Å antyde at bare fordi disse kunstnerne utviklet seg annerledes eller varierte fra det tradisjonelle mønsteret, fortjente de å bli henvist til en sekundær eller satellittrolle i kubisme, er en dyptgående feil."

Andre vilkår har dukket opp siden. I sin bok, The Cubist Epoch , deler Douglas Cooper kubismen i tre faser: "Early Cubism" (fra 1906 til 1908), da bevegelsen opprinnelig ble utviklet i ateliene Picasso og Braque; "Høy kubisme" (fra 1909 til 1914), hvor Juan Gris dukket opp som en viktig eksponent (etter 1911); og "Sent kubisme" (fra 1914 til 1921), den siste fasen av kubismen som en radikal avantgarde- bevegelse. Coopers restriktive bruk av disse begrepene for å skille arbeidet til Braque, Picasso, Gris og Léger (i mindre grad) innebar en forsettlig verdivurdering, ifølge Christopher Green.

Den nåværende trenden i klassifiseringen av kubistiske stiler gjenspeiler Apollinaires bredere syn på bevegelsen, mer enn andre. Kubisme er igjen ikke lenger definitivt knyttet til kunsten til en bestemt gruppe eller til og med en bevegelse. Det favner enormt ulikt arbeid; søker kunstnere i forskjellige sosiokulturelle miljøer og omgivelser. Og til tross for vanskeligheter med klassifisering, har kubisme, som spådd av Apollinaire i 1913, blitt kalt den første og den mest innflytelsesrike av alle bevegelser i kunsten fra 1900-tallet.

På maleri

Apollinaire understreket viktigheten av det han oppfattet som plastikkens dyder : renhet, enhet og sannhet; som alle ville beholde "naturen underlagt". Han beklaget de voldelige angrepene som ble utført mot kubistenes opptatthet av geometri; geometriske figurer er essensen av tegning. "Geometri, vitenskapen om rommet, dets dimensjoner og relasjoner, har alltid bestemt maleriets normer og regler."

Før kubismen hadde de tre dimensjonene til euklidisk geometri vært tilstrekkelig for kunstnere. Men ifølge Apollinaire, "er geometri for plastkunsten hva grammatikk er for forfatterens kunst". Artister, akkurat som forskere, behøvde ikke lenger begrense seg til tre romlige dimensjoner. De ble guidet av intuisjon, for å opptage seg selv med de nye mulighetene for romlig måling som inkluderte den "fjerde dimensjonen". Dette fiktive riket representerte "romets uendelighet som eviggjør seg i alle retninger til enhver tid". Dette utopiske uttrykket sto for aspirasjonen og forutsetningene til kunstnere som tenkte på egyptiske, afrikanske og oseaniske skulpturer; som mediterte over forskjellige vitenskapelige arbeider, og som levde "i påvente av en sublim kunst".

Nye malere

Picasso

En mann som Picasso studerer et objekt som en kirurg dissekerer en kadaver. ( Un Picasso étudie un objet comme un chirurgien dissèque un cadavre )

Picasso, med sine fly for å betegne volum, "gir en oppregning som er så fullstendig" at gjenstander blir fullstendig transformert, "takket være innsatsen fra tilskueren, som blir tvunget til å se alle elementene samtidig". På spørsmål om Picassos kunst er dypere enn edel, svarer Apollinaire: "Den avstår ikke fra observasjonen av naturen og virker på oss like nært som naturen selv."

Georges Braque

Det var Braque som på Salon des Indépendants i 1908 først stilte ut for offentlige verk hvis geometriske opptatthet begynte å dominere komposisjonen. Picassos arbeid, men ikke utstilt, skapte presedensen. Denne transformasjonen, trodde Apollinaire, var i perfekt harmoni med samfunnet der maleren utviklet seg. Braques rolle var "heroisk", kunsten hans "fredelig og beundringsverdig", skriver poeten, "Han uttrykker en skjønnhet, en skjønnhet full av ømhet, og den perlelignende kvaliteten på bildene hans utstråler vår forståelse. Han er en engelmaler. "

  • Georges Braque, 1908, Le Viaduc de L'Estaque (Viaduct at L'Estaque) , olje på lerret, 73 x 60 cm, Tel Aviv Museum of Art

  • Georges Braque, 1910, Violon, verre et couteau ( stilleben med fiolin, glass og kniv ), olje på lerret, 51 × 67 cm, oval, Nasjonalgalleriet, Praha

  • Georges Braque, 1911, Nature Morte (sokkelbordet) , olje på lerret, 116,5 x 81,5 cm, Georges Pompidou -senteret , Paris

  • Georges Braque, 1911–12, Mann med en gitar (figur, L'homme à la guitare) , olje på lerret, 116,2 x 80,9 cm, Museum of Modern Art

Jean Metzinger

Jean Metzinger

Metzinger, etter Picasso og Braque, var kronologisk den tredje kubistiske artisten, observerte Apollinaire. Apollinaire beskriver Metzinger og hevder at dette 'flotte malerarbeidet ennå ikke hadde blitt verdsatt fullt ut, til tross for design, komposisjon, kontrastlys og en generell stil'. Verkene hans ble "skilt ut" utover mange av verkene til hans samtidige. "Det var da Jean Metzinger, som begynte i Picasso og Braque, grunnla den kubistiske byen."

Det var "ingenting ufullstendig" i verkene til Metzinger. Arbeidene hans var "frukten av en streng logikk" skriver forfatteren. Når vi forklarer kunsten i vår epoke, vil "arbeidet hans være et av de sikreste dokumentene". Metzingers malerier inneholdt sin egen 'forklaring'. For Apollinaire var dette et tilfelle "unikt i kunsthistorien". For Apollinaire hadde Metzinger renhet; "meditasjonene hans tar vakre former hvis harmoni har en tendens til å nærme seg det sublime ... helt fratatt alt det som var kjent før ham. [...] Hvert av bildene hans inneholder en dom over universet og hele hans arbeid ligner et nattlig himmelfart. når det er klart, fritt for alle skyer og skjelvende med yndige lys. Det er ingenting ufullstendig i verkene hans, foredler poesien de minste detaljene. "

Albert Gleizes

Albert Gleizes

Verkene til Gleizes viser "kraftige harmonier", men Apollinaire advarer om å forveksle maleriene hans med den "teoretiske kubismen" til de "vitenskapelige malerne". Med henvisning til skriftene til Gleizes, siterer Apollinaire kunstnerens vilje til å "bringe kunsten tilbake til sine enkleste elementer".

Gleizes hadde forstått Cézannes innflytelse på kubistene, skriver Apollinaire. Gleizes 'arbeid, fortsetter han, har "en grad av plastisitet slik at alle elementene som utgjør de enkelte karakterene er representert med samme dramatiske majestet".

Majestet fremfor alt preget kunsten Gleizes, og brakte en oppsiktsvekkende innovasjon til samtidskunst, som få av de moderne malerne hadde gjort før. "Denne majestet vekker og provoserer fantasien ... tingenes uendelighet. Denne kunsten er kraftig ... realisert med en kraft av samme slag som den som realiserte pyramidene og katedralene, konstruksjonene i metall, broene og tunneler. "

Marie Laurencin

Kunsten Laurencin (og kvinner mer generelt) brakte en "ny visjon full av universets glede", en "helt feminin estetikk" skriver Apollinaire. Som kunstner plasserte han Laurencin mellom Picasso og Le Douanier Rousseau, ikke som en hierarkisk indikasjon, men som en erklæring om forhold. "Hennes kunst danser, som Salome, mellom Picassos, som som en ny døper Johannes bader alle kunstene i en lysdåp, og Rousseau, en sentimental Herodes." Forfatteren uttaler likhetene med dans og "rytmisk oppregning, uendelig nådig i maleriet".

"Feminine Art, kunsten til Laurencin, har en tendens til å bli en ren arabesk som ble menneskeliggjort av en oppmerksom observasjon av naturen, som, uttrykksfull, forlater enkel dekorasjon mens den forblir like behagelig."

  • Marie Laurencin, 1909, Réunion à la campagne ( Apollinaire et ses amis ), olje på lerret, 130 x 194 cm, Musée Picasso , Paris

  • Marie Laurencin, 1910–11, Les jeunes filles ( Jeune Femmes, Young Girls ), olje på lerret, 115 x 146 cm. Utstilt Salon des Indépendants , 1911, Moderna Museet, Stockholm

  • Marie Laurencin, 1911, Les jeunes femmes ( Die Jungen Damen, De unge kvinnene )

  • Marie Laurencin, Femme à l'éventail ( Kvinne med vifte ). Også gjengitt i Du "Cubisme"

Henri Rousseau

Rousseau hadde forsvunnet i september 1910. Apollinaire tydeliggjorde den store aktelsen de kubistiske malerne hadde for sine arbeider, og kalte Rousseau "Inhabitant of Delight". Det var for Apollinaire egenskapene til arbeidet hans som gjorde maleriet hans "så sjarmerende å se på". Få artister hadde blitt hånet i løpet av livet som Rousseau, og enda færre hadde møtt like stor roen på fornærmelser. Og lykkelig, skriver Apollinaire, kunne han "i fornærmelser og hån finne bevis på at selv de som ikke var hensiktsomme ikke kunne se bort fra arbeidet hans".

Juan Gris

Rousseau hadde malt to portretter av Apollinaire: "Jeg så ham ofte på jobb, og jeg kjenner omsorgen han ga til de minste detaljene; ​​han hadde evnen til å beholde den originale og definitive oppfatningen av bildet sitt alltid før han hadde innsett det ; og han overlot ingenting, fremfor alt, noe vesentlig, til tilfeldighetene. Dens nervøse utførelse, variasjon, sjarm og delikathet i toner gjør dette verkets fortreffelighet. Hans bilder av blomster viser sjarmen og vektene i sjelen og hånden til Douanier. "

Juan Gris

Gris hadde "meditert over alt det moderne" og malte "for å tenke bare nye strukturer" og "materielt rene former". Apollinaire sammenligner arbeidet til Gris med den "vitenskapelige kubismen" til Picasso, "hans eneste mester", en type tegning som var geometrisk individualisert, "en dypt intellektuell kunst, etter fargen bare en symbolsk betydning". Verkene hans hadde "renhet, vitenskapelig oppfunnet", og "fra denne renheten vil det sikkert komme paralleller".

  • Juan Gris, 1912, La Guitare ( gitar og briller ), olje på lerret, 30 x 58 cm, privat samling

  • Juan Gris, 1912, Les Cigares ( pakken med sigarer ), olje på lerret, 22 x 28 cm, privat samling

  • Juan Gris, 1912, Portrett ( Etude pour le Portrait de Germaine Raynal ), blyant og kull på papir, 36 x 26,5 cm, privat samling

  • Juan Gris, 1912, Man in a Café , olje på lerret, 127,6 x 88,3 cm, Philadelphia Museum of Art . Bare den øvre halvdelen av dette maleriet ble gjengitt i Les Peintres Cubistes

Fernand Léger

Léger beskrives som en talentfull artist. "Jeg elsker kunsten hans fordi den ikke er hånlig, fordi den ikke kjenner til servilitet, og fordi den ikke begrunner. Jeg elsker dine lyse farger [ couleurs légers ], O Fernand Léger! Fantasi løfter deg ikke til eventyrland, men den gir deg alle dine gleder. "

  • Fernand Léger, 1910, Nakenbilder i skogen ( Nus dans la forêt ), olje på lerret, 120 x 170 cm, Kröller-Müller Museum

  • Fernand Léger, 1911, Étude pour trois portretter ( studie for tre portretter ), olje på lerret, 194,9 × 116,5 cm, Milwaukee Art Museum

  • Fernand Léger, 1912, Les Fumées

  • Fernand Léger, La Femme en Bleu (Woman in Blue) , 1912, olje på lerret, 193 x 129,9 cm, Kunstmuseum Basel

Francis Picabia

Francis Picabia

Akkurat som impresjonistene og fauvene "oversatte Picabia lys til farge" og kom til "en helt ny kunst". Fargen hans var ikke bare en "lys transponering" uten "symbolsk betydning". Det var en "form og lys av det som er representert".

Som i verkene til Robert Delaunay, var farge for Picabia "den ideelle dimensjonen", en som inkorporerte alle andre dimensjoner. Formen var symbolsk, mens fargen forble formell. Det var "en helt legitim kunst, og sikkert en veldig subtil". Fargen var mettet med energi og forlenget i rommet.

Tittelen for Picabia var intellektuelt uatskillelig fra verket den refererte til, og spilte en rolle som faktiske objekter. Analogt med Picabias titler, virkelige objekter, "er de billedlige arabeskene i bakgrunnen til Laurencins bilder. Med Albert Gleizes blir denne funksjonen tatt av de rette vinklene som beholder lyset, med Fernand Léger av bobler, med Metzinger av vertikale linjer, parallelt med sider av rammen kuttet av sjeldne echelons. " Apollinaire fant ekvivalens i verkene til alle de store malerne. "Det gir billedintensitet til et maleri, og dette er nok til å rettferdiggjøre dets legitimitet."

Det var ikke et spørsmål om abstraksjon, men om "direkte nytelse". Overraskelse spilte en viktig rolle. "Kan smaken av fersken kalles abstrakt?" tenkte forfatteren. Hvert bilde av Picabia "har en bestemt eksistens, hvis grenser er satt av tittelen". Picabias malerier var så langt fra a priori abstraksjoner at "maleren kan fortelle deg historien til hver enkelt av dem. Dans på våren er ganske enkelt uttrykk for en plastisk følelse som oppleves spontant i nærheten av Napoli".

  • Francis Picabia, Paysage (landskap)

  • Francis Picabia, 1911–12, Paysage à Cassis ( landskap på Cassis ), olje på lerret, 50,3 × 61,5 cm, privat samling

  • Francis Picabia, 1912, L'Arbre rouge ( Paysage )

  • Francis Picabia, 1912, Tarentelle , olje på lerret, 73,6 x 92,1 cm, Museum of Modern Art , New York

Marcel Duchamp

Marcel Duchamp

Til dags dato hadde Duchamps produksjon vært for sparsomme og skilte seg betydelig fra det ene maleriet til det neste. Apollinaire nølte med å gjøre noen generelle generaliseringer, og noterte heller Duchamps tilsynelatende talent og at han forlot "utseendekulten". For å frigjøre kunsten sin fra alle oppfatninger, skrev Duchamp titlene på maleriene selv. "Denne litteraturen, som så få malere har klart å unngå, forsvinner fra kunsten hans, men ikke poesien. Han bruker former og farger, ikke for å gjengi utseende, men for å trenge inn i det vesentlige i formene og formelle farger ... Kanskje det vil være en kunstners oppgave som er løsrevet fra estetiske bekymringer, og som en intensjon om det energiske som Marcel Duchamp, å forene kunst og mennesker. "

blindtarm

Duchamp-Villon

Skulpturens avgang fra naturen har en tendens til arkitektur, skriver Apollinaire: "Den utilitaristiske enden som de fleste samtidige arkitekter tar sikte på er ansvarlig for arkitekturens store tilbakeslag i forhold til de andre kunstene. Arkitekten, ingeniøren burde ha sublime mål: å bygge det høyeste tårnet, forberede seg på tid og eføy de vakreste av ruinene, å kaste over en havn eller en elv en bu som er mer dristig enn regnbuen, og til slutt å komponere til en varig harmoni, den mektigste noensinne forestilt av mennesker. Duchamp -Villon hadde denne titaniske oppfatningen av arkitektur. En skulptør og en arkitekt, lys er det eneste som teller for ham; men i all kunst er det også bare lyset, det uforgjengelige lyset, som teller. "

  • Raymond Duchamp-Villon, 1911, Baudelaire

  • Raymond Duchamp-Villon, 1911, Vasque-dekorasjon (detalj)

  • Raymond Duchamp-Villon, 1912, Croquis pour le Soleil

  • Raymond Duchamp-Villon, 1912, Study for La Maison Cubiste, Projet d'Hotel (kubistisk hus)

Merk

Foruten kunstnerne som Apollinaire skriver om i foregående kapitler, var det andre kunstnere og forfattere knyttet, "enten villig eller ikke", til den kubistiske bevegelsen. Vitenskapelig kubisme ble forsvaret av Ricciotto Canudo , Jacques Nayral, André Salmon , Joseph Granié, Maurice Raynal , Marc Brésil , Alexandre Mercereau , Pierre Reverdy , André Tudesq, André Warnod  [ fr ] , Georges Deniker, Jacques Villon og Louis Marcoussis . Fysisk kubisme ble støttet i pressen av forfatterne oppført ovenfor, i tillegg til Roger Allard  [ fr ] , Olivier Hourcade , Jean Marchand , Auguste Herbin og Véra. Orfisk kubisme ble forsvaret av Max Goth , Pierre Dumont og Henry Valensi  [ fr ] . Noen artister assosiert med instinktiv kubisme ble støttet av Louis Vauxcelles , René Blum (ballett) , Adilphe Basler, Gustave Kahn , Filippo Tommaso Marinetti og Michel Puy. I følge Apollinaire inkluderte denne trenden Henri Matisse , Georges Rouault , André Derain , Raoul Dufy , Auguste Chabaud , Jean Puy , Kees van Dongen , Gino Severini og Umberto Boccioni . I tillegg til Duchamp-Villon inkluderte andre kubistiske skulptører Auguste Agéro , Alexander Archipenko og Constantin Brâncuși .

Se også

Referanser

Eksterne linker