Florentinsk maleri - Florentine painting
Florentinsk maleri eller Florentinsk skole refererer til kunstnere i, fra eller påvirket av den naturalistiske stilen som ble utviklet i Firenze på 1300 -tallet, i stor grad gjennom innsatsen fra Giotto di Bondone , og på 1400 -tallet den ledende skolen for vestlig maleri . Noen av de mest kjente malerne ved den tidligere florentinske skolen er Fra Angelico , Botticelli , Filippo Lippi , Ghirlandaio -familien, Masolino og Masaccio .
Firenze var fødestedet for høyrenessansen , men på begynnelsen av 1500 -tallet ble de viktigste kunstnerne, inkludert Michelangelo og Raphael , tiltrukket av Roma, der de største oppdragene den gang var. Delvis fulgte dette Medici, hvorav noen ble kardinaler og til og med paven. En lignende prosess påvirket senere florentinske artister. I barokkperioden var de mange malerne som jobbet i Firenze sjelden hovedfigurer.
Før 1400
Den tidligste særegne toskanske kunsten, produsert på 1200 -tallet i Pisa og Lucca , dannet grunnlaget for senere utvikling. Nicola Pisano viste sin takknemlighet for klassiske former, det samme gjorde sønnen hans, Giovanni Pisano , som bar de nye ideene om gotisk skulptur inn i den toskanske folkemunne, og dannet figurer av naturalisme uten sidestykke. Dette ble gjentatt i arbeidet til pisanmalere på 1100- og 1200-tallet, særlig Giunta Pisano , som igjen påvirket slike storheter som Cimabue , og gjennom ham Giotto og de florentinske kunstnerne fra 1300-tallet .
Det eldste florentinske billedprosjektet i stor skala er mosaikkdekorasjonen av interiøret i kuppelen til Johannes døpt, som begynte rundt 1225. Selv om venetianske kunstnere var involvert i prosjektet, skapte de toskanske kunstnerne uttrykksfulle, livlige scener som viste følelsesmessige innhold i motsetning til den rådende bysantinske tradisjonen. Coppo di Marcovaldo sies å ha vært ansvarlig for Kristi sentrale skikkelse og er den tidligste florentinske kunstneren som er involvert i prosjektet. I likhet med panelene til Jomfru og barn malt for servittkirkene i Siena og Orvieto , noen ganger tilskrevet Coppo, har Kristus -figuren en følelse av volum.
Lignende verk ble bestilt for de florentinske kirkene Santa Maria Novella , Santa Trinita og Ognissanti på slutten av 1200 -tallet og begynnelsen av 1300 -tallet. Duccios panel på rundt 1285, Madonna with Child troner og seks engler eller Rucellai Madonna , for Santa Maria Novella, nå i Uffizi Gallery , viser en utvikling av det naturalistiske rommet og formen, og kan ikke ha vært opprinnelig ment som altertavler. Jomfruens paneler ble brukt på toppen av takskjermene, som ved basilikaen i San Francesco d'Assisi , som har panelet i fresken til verifikasjonen av Stigmata i Life of Saint Francis -syklusen. Cimabues Madonna fra Santa Trinita og Duccios Rucellai Madonna beholder imidlertid den tidligere stilen med å vise lys på draperi som et nettverk av linjer.
Giottos lyssans ville ha blitt påvirket av freskomaleriene han hadde sett mens han jobbet i Roma, og i hans narrative veggmalerier, spesielt de som ble bestilt av Bardi -familien , er hans figurer plassert i et naturalistisk rom og har dimensjon og dramatisk uttrykk. En lignende tilnærming til lys ble brukt av hans samtidige som Bernardo Daddi , deres oppmerksomhet på naturalisme ble oppmuntret av fagene som ble bestilt for franskiskanske og dominikanske kirker fra 1300-tallet , og skulle påvirke florentinske malere i de følgende århundrene. Mens noen var tradisjonelle komposisjoner som de som omhandlet ordenens grunnlegger og tidlige hellige, hadde andre, for eksempel scener med nylige hendelser, mennesker og steder, ingen presedens, noe som tillot oppfinnelse.
1200-tallet var vitne til en økning i etterspørselen etter religiøse panelmalerier, spesielt altertavler, selv om årsaken til dette er uklar, skapte toskanske malere og trearbeidere fra 1300-tallet altarstykker som var mer forseggjorte, flersidede stykker med kompleks innramming. Tidens kontrakter bemerker at klienter ofte hadde et treverk i tankene når de bestilte en kunstner, og diskuterte de religiøse figurene som skulle avbildes med kunstnerne. Innholdet i de narrative scenene i predella -paneler nevnes imidlertid sjelden i kontraktene og kan ha blitt overlatt til de aktuelle artistene. Florentinske kirker ga mange serienske kunstnere i oppdrag å lage alterstykker, for eksempel Ugolino di Nerio , som ble bedt om å male et stort arbeid for alteret for Basilica di Santa Croce , som kan ha vært det tidligste polyptykelet på et florentinsk alter. Laugene, som kjente til stimulansen som eksternt håndverk brakte, gjorde det enkelt for kunstnere fra andre områder å jobbe i Firenze. Billedhuggere hadde sitt eget laug som hadde mindre status, og i 1316 var malere medlemmer av den innflytelsesrike Arte dei Medici e Speziali . Gildene selv ble betydelige kunstgjenstander og fra begynnelsen av 1300 -tallet hadde forskjellige større laug tilsyn med vedlikehold og forbedring av individuelle religiøse bygninger; alle laugene var involvert i restaureringen av Orsanmichele .
Naturalismen utviklet av de tidlige florentinske kunstnerne avtok i løpet av tredje kvartal på 1300 -tallet, sannsynligvis som en konsekvens av pesten. Store oppdrag, som altertavlen for Strozzi-familien (fra rundt 1354-57) i Santa Maria Novella, ble betrodd Andrea di Cione , hvis arbeid, og i hans brødres, er mer ikonisk i behandlingen av figurer og har en tidligere følelse av komprimert plass.
Tidlig renessanse, etter 1400
Firenze fortsatte å være det viktigste sentrum for italiensk renessansemaleri . De tidligste virkelig renessansebilder i Firenze stammer fra 1401, det første året i århundret kjent på italiensk som Quattrocento , synonymt med tidlig renessanse; de er imidlertid ikke malerier. På den datoen ble det avholdt en konkurranse om å finne en kunstner som skulle lage et par bronsedører for dåpen til St. John , den eldste gjenværende kirken i byen. Dåpen er en stor åttekantet bygning i romansk stil. Det indre av kuppelen er dekorert med en enorm mosaikkfigur av Kristus i Majestet som antas å ha blitt designet av Coppo di Marcovaldo . Den har tre store portaler, den sentrale ble fylt på den tiden av et sett med dører opprettet av Andrea Pisano åtti år tidligere.
Pisanos dører ble delt inn i 28 quatrefoil -rom, som inneholdt narrative scener fra Johannes døperens liv . Konkurrentene, hvorav det var syv unge kunstnere, skulle hver utforme et bronsepanel med lignende form og størrelse, som representerte Isaks offer . To av panelene har overlevd, det av Lorenzo Ghiberti og det av Brunelleschi . Hvert panel viser noen sterkt klassifiserende motiver som indikerer retningen som kunst og filosofi beveget seg på den tiden. Ghiberti har brukt den nakne figuren til Isak for å lage en liten skulptur i klassisk stil. Han kneler på en grav dekorert med akantusruller som også er en referanse til kunsten i det gamle Roma. I Brunelleschis panel minner en av tilleggsfigurene på scenen om en kjent romersk bronsefigur av en gutt som drar en torn fra foten. Brunelleschis skapelse er utfordrende i sin dynamiske intensitet. Mindre elegant enn Ghibertis, det handler mer om menneskelig drama og forestående tragedie.
Ghiberti vant konkurransen. Hans første sett med dåpsdører tok 27 år å fullføre, hvoretter han fikk i oppdrag å lage en annen. I totalt 50 år som Ghiberti jobbet med dem, ga dørene en treningsplass for mange av artistene i Firenze. Siden de var narrative i emnet og ikke bare brukte ferdigheter i å arrangere figurative komposisjoner, men også den spirende ferdigheten til lineært perspektiv , skulle dørene ha en enorm innflytelse på utviklingen av florentinsk billedkunst. De var en samlende faktor, en kilde til stolthet og kameratskap for både byen og kunstnerne. Michelangelo skulle kalle dem Paradisets porter .
,_Masolino.jpg)
Brancacci kapell
I 1426 begynte to kunstnere å male en fresko -syklus av St. Peters liv i kapellet til Brancacci -familien, ved Karmelittkirken i Firenze. De ble begge kalt Tommaso og fikk tilnavnet Masaccio og Masolino , slovensk Tom og lille Tom.
Mer enn noen annen kunstner, anerkjente Masaccio implikasjonene i arbeidet til Giotto. Han videreførte praksisen med å male fra naturen. Maleriene hans viser forståelse for anatomi, forkortelse, lineært perspektiv, lys og studier av draperi. Blant verkene hans er figurene til Adam og Eva som ble utvist fra Eden , malt på siden av buen inn i kapellet, kjent for sin realistiske skildring av den menneskelige formen og av menneskelige følelser. De står i kontrast til de milde og vakre figurene som er malt av Masolino på motsatt side av Adam og Eva som mottar den forbudte frukten . Maleriet av Brancacci -kapellet ble ufullstendig da Masaccio døde kl. 26. Arbeidet ble senere ferdigstilt av Filippino Lippi . Masaccios arbeid ble en inspirasjonskilde for mange senere malere, inkludert Leonardo da Vinci og Michelangelo .
Utvikling av lineært perspektiv
I løpet av første halvdel av 1400 -tallet var oppnåelsen av effekten av realistisk rom i et maleri ved bruk av lineært perspektiv en stor opptatthet for mange malere, så vel som arkitektene Brunelleschi og Alberti som begge teoretiserte om emnet. Brunelleschi er kjent for å ha gjort en rekke grundige studier av piazzaen og det åttekantede dåpskapellet utenfor katedralen i Firenze, og det antas at han hjalp Masaccio med å lage sin berømte trompe-l'œil- nisje rundt den hellige treenighet han malte i Santa Maria Novella .
I følge Vasari var Paolo Uccello så opptatt av perspektiv at han tenkte på lite annet og eksperimenterte med det i mange malerier, det mest kjente var de tre slaget ved San Romano -bilder som bruker ødelagte våpen på bakken og åker på de fjerne åsene. å gi et inntrykk av perspektiv.
På 1450 -tallet demonstrerte Piero della Francesca , i malerier som The Flagellation of Christ , sin mestring over lineært perspektiv og også over lysvitenskapen. Et annet maleri eksisterer, et bybilde, av en ukjent kunstner, kanskje Piero della Francesca, som demonstrerer den typen eksperimenter Brunelleschi hadde gjort. Fra denne tiden ble lineært perspektiv forstått og regelmessig ansatt, for eksempel av Perugino i sin Kristus som gir nøklene til St. Peter i Det sixtinske kapell .
Forståelse av lys
Giotto brukte tonalitet for å skape form. Taddeo Gaddi i sin nattlige scene i Baroncelli -kapellet demonstrerte hvordan lys kunne brukes til å skape drama. Paolo Uccello , hundre år senere, eksperimenterte med den dramatiske effekten av lys i noen av hans nesten monokrome fresker. Han gjorde en rekke av disse i terra verde eller "grønn jord", og levde opp komposisjonene hans med innslag av vermilion. Den mest kjente er hans rytterportrett av John Hawkwood på veggen i Firenze katedral . Både her og på de fire profethodene som han malte rundt det indre urfeltet i katedralen, brukte han sterkt kontrasterende toner, noe som antydet at hver figur ble opplyst av en naturlig lyskilde, som om kilden var et faktisk vindu i katedralen .
Piero della Francesca bar studiet av lyset videre. I flagellasjonen demonstrerer han en kunnskap om hvordan lys blir proporsjonalt spredt fra opprinnelsesstedet. Det er to lyskilder i dette maleriet, en innvendig i en bygning og den andre utvendig. Selv om lyset i seg selv er usynlig, kan den av den interne kilden beregnes med matematisk sikkerhet. Leonardo da Vinci skulle videreføre Pieros arbeid med lys.
Madonnaen
Den salige jomfru Maria , æret av den katolske kirke over hele verden, ble spesielt fremkalt i Firenze, hvor det var et mirakuløst bilde av henne på en kolonne på maismarkedet og hvor både katedralen "Our Lady of the Flowers" og den store dominikaneren kirken Santa Maria Novella ble navngitt til ære for henne.
Det mirakuløse bildet på maismarkedet ble ødelagt av brann, men erstattet med et nytt bilde på 1330 -tallet av Bernardo Daddi , satt i en forseggjort og overdådig utført kalesje av Orcagna . Bygningens åpne nedre etasje var lukket og dedikert som Orsanmichele .
Skildringer av Madonna og barnet var en veldig populær kunstform i Firenze. De tok alle former fra små masseproduserte terrakottatavler til praktfulle altertavler som Cimabue , Giotto og Masaccio . Små Madonnas for hjemmet var brød- og smørarbeidet til de fleste malerverksteder, ofte i stor grad produsert av juniormedlemmene etter en modell av mesteren. Offentlige bygninger og offentlige kontorer inneholdt også ofte disse eller andre religiøse maleriene.
_-_WGA01342.jpg)
Blant dem som malte andaktige Madonnas under den tidlige renessansen er Fra Angelico , Fra Filippo Lippi , Verrocchio og Davide Ghirlandaio . Senere var den ledende leverandøren Botticelli og verkstedet hans som produserte et stort antall Madonnas for kirker, hjem og også offentlige bygninger. Han introduserte et stort rundt tondo -format for store hjem. Peruginos Madonnas og helgener er kjent for sin sødme og en rekke små Madonnas tilskrevet Leonardo da Vinci , som Benois Madonna , har overlevd. Selv Michelangelo som først og fremst var en billedhugger, ble overtalt til å male Doni Tondo , mens de for Raphael er blant hans mest populære og mange verk.
Fødselsbrett
En florentinsk spesialitet var den runde eller 12-sidige desco da parto eller fødselsbrettet , hvor en nybakt mor serverte søtsaker til de kvinnelige vennene som besøkte henne etter fødselen. Resten av tiden ser det ut til at disse har blitt hengt på soverommet. Begge sider er malt, den ene med scener for å oppmuntre moren under graviditeten, og viser ofte en naken mannlig smårolling; visning av positive bilder ble antatt å fremme resultatet som er avbildet.
Maleri og trykk
Fra rundt midten av århundret ble Firenze Italias ledende sentrum for den nye grafikkindustrien , da noen av de mange florentinske gullsmedene gikk over til å lage tallerkener for graveringer . De kopierte ofte stilen til malere, eller tegninger levert av dem. Botticelli var en av de første som eksperimenterte med tegninger for bokillustrasjoner, i sitt tilfelle av Dante . Antonio del Pollaiolo var en gullsmed så vel som en skriver, og graverte sitt slag om nakenmennene selv; i sin størrelse og raffinement tok dette det italienske trykket til nye nivåer, og er fortsatt et av de mest kjente trykkene fra renessansen.
Beskyttelse og humanisme
I Firenze, på det senere 1400 -tallet, ble de fleste kunstverk, selv de som ble utført som dekorasjon for kirker, vanligvis bestilt og betalt av private lånetakere. Mye av formynderiet kom fra Medici -familien, eller de som var nært knyttet til eller i slekt med dem, for eksempel Sassetti, Ruccellai og Tornabuoni.
På 1460 -tallet hadde Cosimo de 'Medici den eldre etablert Marsilio Ficino som sin bosatte humanistiske filosof, og lagt til rette for hans oversettelse av Platon og hans undervisning i platonisk filosofi , som fokuserte på menneskeheten som sentrum av det naturlige universet, på hver persons personlige forhold til Gud, og på broderlig eller "platonisk" kjærlighet som det nærmeste en kan komme til å etterligne eller forstå Guds kjærlighet.
I middelalderen ble alt knyttet til den klassiske perioden oppfattet som forbundet med hedenskap. I renessansen kom det stadig mer i forbindelse med opplysning. Figurene i den klassiske mytologien begynte å ta en ny symbolsk rolle i kristen kunst, og spesielt tok gudinnen Venus et nytt skjønn. Født fullstendig formet, av et slags mirakel, var hun den nye Eva , symbolet på uskyldig kjærlighet, eller til og med i forlengelsen et symbol på jomfru Maria selv. Vi ser Venus i begge disse rollene i de to berømte temperamaleriene som Botticelli gjorde på 1480 -tallet for Cosimos nevø, Pierfrancesco Medici, Primavera og Venus fødsel .
I mellomtiden utførte Domenico Ghirlandaio , en grundig og nøyaktig tegner og en av de beste portrettmalerne i hans alder, to sykluser med fresker for Medici -medarbeidere i to av Firenzes større kirker, Sassetti -kapellet i Santa Trinita og Tornabuoni -kapellet i Santa Maria Novella . I disse sykluser av Life of St Francis og Life of the Virgin Mary og Life of John the Baptist det var rom for portretter av beskyttere og av lånetakerne beskyttere. Takket være Sassettis beskytning er det et portrett av mannen selv, med arbeidsgiveren hans, Lorenzo il Magnifico , og Lorenzos tre sønner med sin lærer, den humanistiske dikteren og filosofen, Agnolo Poliziano . I Tornabuoni -kapellet er et annet portrett av Poliziano, ledsaget av de andre innflytelsesrike medlemmene av det platoniske akademiet, inkludert Marsilio Ficino.
Flamsk innflytelse
Fra omtrent 1450, med ankomsten til Italia av den flamske maleren Rogier van der Weyden og muligens tidligere, ble kunstnere introdusert for mediet med oljemaling . Mens både tempera og fresko lånet seg til skildringen av mønster, presenterte ingen av dem en vellykket måte å representere naturlige teksturer realistisk. Det svært fleksible mediet av oljer, som kunne gjøres ugjennomsiktig eller gjennomsiktig, og tillot endring og tillegg i flere dager etter at det ble lagt ned, åpnet en ny verden av muligheter for italienske kunstnere.
I 1475 ankom en stor altertavle av hyrdenes tilbedelse i Firenze. Malet av Hugo van der Goes på ordre fra familien Portinari, ble det sendt ut fra Brugge og installert i kapellet Sant 'Egidio på sykehuset i Santa Maria Nuova. Altertavlen lyser med intense røde og grønne, i kontrast til de blanke, svarte fløyelsdraktene til Portinari -giverne. I forgrunnen er et stilleben av blomster i kontrastbeholdere, den ene av glasert keramikk og den andre av glass. Glassvasen alene var nok til å begeistre oppmerksomheten. Men det mest innflytelsesrike aspektet av triptyken var den ekstremt naturlige og naturtro kvaliteten på de tre gjeterne med skjegg, slitne hender og uttrykk som spenner fra tilbedelse til undring til uforståelse. Domenico Ghirlandaio malte straks sin egen versjon, med en vakker italiensk Madonna i stedet for den langflammede flamske, og han selv, gestikulert teatralsk, som en av gjeterne.
Pavelig kommisjon i Roma
.jpg)
I 1477 erstattet pave Sixtus IV det ødelagte gamle kapellet i Vatikanet der mange av de pavelige gudstjenestene ble holdt. Interiøret i det nye kapellet, kalt Det sixtinske kapell til hans ære, ser ut til å ha vært planlagt fra starten av å ha en serie på 16 store fresker mellom pilastrene på mellomnivået, med en serie malte portretter av paver over dem.
I 1480 ble en gruppe kunstnere fra Firenze bestilt med arbeidet: Botticelli, Pietro Perugino , Domenico Ghirlandaio og Cosimo Rosselli . Denne fresko -syklusen skulle skildre historier om Moses 'liv på den ene siden av kapellet, og historier om Kristi liv på den andre med freskomaleriene som utfyller hverandre i tema. Jesu fødsel og Moses 'funn var tilstøtende på veggen bak alteret, med et altertavle av Jomfruens antagelse mellom dem. Disse maleriene, alle av Perugino, ble senere ødelagt for å male Michelangelos siste dom .
De resterende 12 bildene indikerer virtuosen som disse kunstnerne hadde oppnådd, og det åpenbare samarbeidet mellom individer som normalt brukte svært forskjellige stiler og ferdigheter. Maleriene ga full evne til deres evner, da de inkluderte et stort antall figurer av menn, kvinner og barn og karakterer som spenner fra veiledende engler til rasende faraoer og djevelen selv. Hvert maleri krevde et landskap . På grunn av størrelsen på figurene som kunstnerne ble enige om, tar landskapet og himmelen i hvert bilde hele den øvre halvdelen av scenen. Noen ganger, som i Botticellis scene i The Purification of the Leper , er det flere små fortellinger som finner sted i landskapet, i dette tilfellet The Temptations of Christ .
Peruginos scene med Kristus som gir nøklene til St. Peter er bemerkelsesverdig for klarheten og enkelheten i komposisjonen, skjønnheten i det figurative maleriet, som inkluderer et selvportrett blant tilskuerne, og spesielt perspektivbybildet som inkluderer referanse til Peters tjeneste til Roma ved tilstedeværelsen av to triumfbuer , og sentralt plassert en åttekantet bygning som kan være et kristent dåp eller et romersk mausoleum .
Høy renessanse
Firenze var fødestedet til høyrenessansen , men på begynnelsen av 1500 -tallet ble de viktigste kunstnerne tiltrukket av Roma, der de største oppdragene begynte å være. Delvis fulgte dette Medici, hvorav noen ble kardinaler og til og med paven.
Leonardo da Vinci
Leonardo , på grunn av omfanget av sine interesser og den ekstraordinære graden av talent som han demonstrerte på så mange forskjellige områder, blir sett på som den arketypiske " renessansemannen ". Men det var først og fremst som maler han ble beundret i løpet av sin egen tid, og som maler dro han på kunnskapen han fikk fra alle sine andre interesser.
Leonardo var en vitenskapelig observatør. Han lærte ved å se på ting. Han studerte og tegnet blomstene på åkrene, vassdragene ved elven, formen på steinene og fjellene, måten lyset reflekterte fra løvverk og gnistret i en juvel. Spesielt studerte han den menneskelige formen, dissekerte tretti eller flere ukravede kadavere fra et sykehus for å forstå muskler og sener.
Mer enn noen annen kunstner avanserte han studiet av "atmosfære". I maleriene hans som Mona Lisa og Virgin of the Rocks brukte han lys og skygge med en så fin subtilitet at det i mangel av et bedre ord ble kjent som Leonardos "sfumato" eller "smoke".
Samtidig med å invitere betrakteren inn i en mystisk verden med skiftende skygger, kaotiske fjell og virvlende torrenter, oppnådde Leonardo en viss grad av realisme i uttrykket for menneskelige følelser, forhåndsdefinert av Giotto, men ukjent siden Masaccios Adam og Eva . Leonardos siste kveldsmat , malt i refektoriet til et kloster i Milano, ble målestokken for religiøst narrativt maleri for det neste halve årtusenet. Mange andre renessansekunstnere malte versjoner av det siste måltidet , men bare Leonardos var bestemt til å bli gjengitt utallige ganger i tre, alabaster, gips, litografi, gobeliner, hekler og bordtepper.
Bortsett fra den direkte virkningen av verkene selv, ble Leonardos studier av lys, anatomi, landskap og menneskelig uttrykk spredt delvis gjennom hans raushet til et følge av studenter.
Michelangelo
I 1508 lyktes pave Julius II med å få billedhuggeren Michelangelo til å gå med på å fortsette det dekorative opplegget til Det sixtinske kapell. Taket i Det sixtinske kapell ble konstruert på en slik måte at det var tolv skrånende pendenter som støttet hvelvet som dannet ideelle overflater å male de tolv apostlene på . Michelangelo, som hadde gitt etter for pavens krav med liten nåde, utviklet snart et helt annet opplegg, langt mer komplekst både i design og ikonografi. Omfanget av arbeidet, som han utførte med en hånd, bortsett fra manuell assistanse, var titanisk og tok nesten fem år å fullføre.
Pavens plan for apostlene ville tematisk ha dannet en billedlig kobling mellom Det gamle testamentet og Det nye testamente på veggene og pavene i portrettgalleriet. Det er de tolv apostlene , og deres leder Peter som den første biskopen i Roma, som lager den broen. Men Michelangelos opplegg gikk motsatt retning. Temaet for Michelangelos tak er ikke Guds store plan for menneskehetens frelse. Temaet handler om menneskehetens skam. Det handler om hvorfor menneskeheten og troen trengte Jesus.
Overfladisk sett er taket en humanistisk konstruksjon. Figurene er av overmenneskelig dimensjon og, i tilfelle av Adam , av en slik skjønnhet at det ifølge biografen Vasari virkelig ser ut som om Gud selv hadde designet figuren, snarere enn Michelangelo. Men til tross for skjønnheten i de enkelte figurene, har Michelangelo ikke forherliget den menneskelige staten, og han har absolutt ikke presentert det humanistiske idealet om platonisk kjærlighet . Faktisk viser Kristi forfedre, som han malte rundt den øvre delen av veggen, alle de verste aspektene ved familieforhold, og viser dysfunksjon i så mange forskjellige former som det er familier.
Vasari berømmet Michelangelos tilsynelatende uendelige oppfinnelseskrefter ved å lage stillinger for figurene. Raphael , som fikk en forhåndsvisning av Bramante etter at Michelangelo hadde senket penselen og stormet til Bologna i et temperament, malte minst to figurer i etterligning av Michelangelos profeter, den ene i kirken Sant 'Agostino og den andre i Vatikanet , portrettet hans av Michelangelo selv i The School of Athens .
Raphael
Med Leonardo da Vinci og Michelangelo er Raphaels navn synonymt med høyrenessansen, selv om han var yngre enn Michelangelo med 18 år og Leonardo med nesten 30. Det kan ikke sies om ham at han i stor grad avanserte maleriets tilstand som sine to kjente samtidige gjorde det. Snarere var arbeidet hans kulminasjonen på alle utviklingene i høyrenessansen.
Raphael hadde lykke til å bli sønn av en maler, så karriereveien hans, i motsetning til Michelangelos sønn av mindre adel, ble avgjort uten krangel. Noen år etter farens død jobbet han i det umbriske verkstedet i Perugino , en utmerket maler og en ypperlig tekniker. Hans første signerte og daterte maleri, utført i en alder av 21, er Jomfruens trolovning , som umiddelbart avslører sin opprinnelse i Peruginos Kristus som ga nøklene til Peter .
Raphael var en bekymringsløs karakter som uten skam benyttet seg av ferdighetene til de kjente malerne hvis levetid omfattet hans. I hans arbeider trekkes de individuelle egenskapene til mange forskjellige malere sammen. De avrundede formene og lysende fargene til Perugino, den naturtro portretteringen av Ghirlandaio, realismen og belysningen til Leonardo og Michelangelos kraftige tegning ble forenet i maleriene av Raphael. I sitt korte liv henrettet han en rekke store altertavler, en imponerende klassisk freskomaleri av sjønymfen, Galatea, enestående portretter med to paver og en berømt forfatter blant dem, og mens Michelangelo malte taket i Det sixtinske kapell , en serie vegger fresker i Vatikanet kamre i nærheten, hvorav den School of Athens er unikt betydelig.
Denne fresken skildrer et møte med alle de mest lærde gamle athenerne, samlet i en storslått klassisk setting rundt Platons sentrale skikkelse , som Raphael berømt har modellert etter Leonardo da Vinci . Den grublende figuren til Heraklit som sitter ved en stor steinblokk, er et portrett av Michelangelo , og er en referanse til sistnevnte maleri av profeten Jeremia i Det sixtinske kapell. Hans eget portrett er til høyre, ved siden av læreren Perugino.
Men hovedkilden til Raphaels popularitet var ikke hans hovedverk, men hans små florentinske bilder av Madonna og Kristusbarnet. Om og om igjen malte han den samme klumpete, rolige blonde kvinnen og hennes rekkefølge av lubne babyer, den mest kjente sannsynligvis var La Belle Jardinière ("Madonna i den vakre hagen"), nå i Louvre . Hans større verk, den sixtinske madonna , som ble brukt som design for utallige glassmalerier , kom på 2000 -tallet for å gi det ikoniske bildet av to små keruber som har blitt gjengitt på alt fra papirservietter til paraplyer.
Tidlig manisme
De tidlige mannistene i Firenze, spesielt studentene til Andrea del Sarto som Jacopo da Pontormo og Rosso Fiorentino , er kjent for langstrakte former, usikre balanserte positurer, et kollapset perspektiv, irrasjonelle omgivelser og teaterbelysning. Som leder for First School of Fontainebleau var Rosso en stor kraft i introduksjonen av renessansestil til Frankrike.
Parmigianino (student av Correggio ) og Giulio Romano (Raphaels hodeassistent) beveget seg i lignende stiliserte estetiske retninger i Roma. Disse kunstnerne hadde modnet under påvirkning av høyrenessansen, og stilen deres har blitt karakterisert som en reaksjon på eller overdrevet forlengelse av den. I stedet for å studere naturen direkte, begynte yngre kunstnere å studere hellenistisk skulptur og malerier av tidligere mestere. Derfor blir denne stilen ofte identifisert som "antiklassisk", men den gang ble den betraktet som en naturlig progresjon fra høyrenessansen. Den tidligste eksperimentelle fasen av manisme, kjent for sine "antiklassiske" former, varte til rundt 1540 eller 1550. Marcia B. Hall , professor i kunsthistorie ved Temple University, bemerker i sin bok After Raphael at Raphaels for tidlige død markerte begynnelsen på manisme i Roma.
Senere manerer
Bronzino (d. 1572), en elev av Pontormo, var stort sett en hoffportrettist for Medici -hoffet, i en litt frigid formell mannistisk stil. I samme generasjon huskes Giorgio Vasari (d. 1574) langt bedre som forfatteren av Lives of the Most Excellent Malers, Sculptors og Architects , som hadde en enorm og varig effekt for å etablere omdømmet til den florentinske skolen. Men han var den ledende maleren av historiemaleri i Medici -hoffet, selv om arbeidet hans nå generelt sett blir anstrengt etter virkningen som Michelangelos arbeid har, og unnlater å oppnå det. Dette hadde blitt en vanlig feil i florentinsk maleri i tiårene etter 1530, da mange malere prøvde å etterligne gigantene fra høyrenessansen.
Barokk
I barokkperioden var Firenze ikke lenger det viktigste malingsenteret i Italia, men var viktig likevel. Ledende artister født i byen, og som i motsetning til andre tilbrakte mye av karrieren der, inkluderer Cristofano Allori , Matteo Rosselli , Francesco Furini og Carlo Dolci . Pietro da Cortona ble født i Storhertugdømmet Toscana og gjorde mye arbeid i byen.
Se også
Referanser
Videre lesning
- "Firenze kunstliv og organisasjon", The Oxford Companion to Western Art . Ed. Hugh Brigstocke. Oxford University Press , 2001. ISBN 0-19-866203-3 .
- Pope-Hennessy, John & Kanter, Laurence B. (1987).Robert Lehman Collection I, italienske malerier. New York, Princeton: The Metropolitan Museum of Art i samarbeid med Princeton University Press. ISBN 0870994794.CS1 -vedlikehold: flere navn: forfatterliste ( lenke ) (se indeks)