Italiensk klassisk musikk - Italian classical music
| Music of Italy | |
|---|---|
 | |
| Generelle temaer | |
| Sjangere | |
| Spesifikke former | |
| Gregoriansk sang | |
| Media og ytelse | |
| Musikkpriser |
|
| Musikkort |
|
| Musikkfestivaler | |
| Musikkmedier | Musikkmedier i Italia |
| Nasjonalistiske og patriotiske sanger | |
| nasjonalsang | " Il Canto degli Italiani " |
| Annen | " La Leggenda del Piave " |
| Regional musikk | |
| Lokale former | |
| Beslektede områder | |
Middelaldermusikk
Plainsong
Slettesang, også kjent som vanlig kjøpmann, og mer spesifikt gregoriansk , ambrosiansk og gallikansk sang , refererer generelt til en stil med monofonisk , ensledsagende, tidlig kristen sang utført av munker og utviklet i den romersk-katolske kirken, hovedsakelig i perioden 800-1000. Forskjellene kan være marginale - eller til og med store, i noen tilfeller. Disse forskjellene gjenspeiler det store etniske, kulturelle og språklige mangfoldet som eksisterte etter Romerrikets fall på den italienske halvøya. Ulike klostertradisjoner oppsto innenfor den romersk-katolske kirken i hele Italia, men på forskjellige steder og på forskjellige tidspunkter. Selv en musikalsk ikke-spesialist kan høre forskjellen, for eksempel, mellom den enkle toneproduksjonen i de ambosiske sangene fra Milano og sangene fra Benevento , som viser en tydelig "østlig" dekorativ kogger i stemmen, som gjenspeiler vokaltradisjonene til Gresk-ortodokse kirke . Likevel er likhetene store, til tross for forskjellene. Under alle omstendigheter ble den formelle gregorianske sangen innført i hele Italia innen 1100, selv om musikken til grekernes riter fortsatte å bli hørt på forskjellige steder på halvøya, spesielt de stedene som Byzantium en gang hadde holdt, som Ravenna eller på den sørlige halvøya , som hadde vært et tilfluktssted for de grekerne som flyktet fra de store bysantinske ikonoklastkonfliktene før år 1000. Åpenbart, hvor greske ritualer ble praktisert, ble sangene sunget på gresk språk og ikke på latin , slik de var i den romersk-katolske liturgien.
Musikk fra Trecento
Den Trecento , fra 1300 til 1420, var en periode med høy aktivitet i Italia i kunst, inkludert maleri, arkitektur, litteratur og musikk. Musikken til Trecento var banebrytende for nye uttrykksformer, spesielt i sekulær sang og i bruken av folkespråk, italiensk . I disse henseender kan musikken til Trecento virke mer å være et renessansefenomen ; imidlertid var det dominerende musikalske språket nærmere knyttet til det i senmiddelalderen , og musikologer klassifiserte generelt Trecento som slutten på middelalderen.
Sekulær musikk
Sekulær musikk før år 1500 var i stor grad arbeidet med ungdommer, trubadurer og mimer. Dette var en tid med den store språkformen i Italia - faktisk i hele Europa; det vil si at folk begynte å skrive og synge sanger på morsmålet sitt, som ikke var latin, men uansett hva slags merkevare fra middelalderens nyalatin som ble snakket i deres område. Dermed Dante viste med guddommelige komedie i 1300 at felles språk (hans ble kalt "toskanske" og ikke "italiensk" inntil så sent som 18-tallet) kunne være et redskap for fine litteratur. Logisk, det utvidet til tekstene til sangene som folk sang.
To punkter er verdt å nevne i denne forbindelse: (1) vi vet mye mer om sangene enn vi vet om den faktiske lyden til musikken. Ord ble skrevet ned med mye lettere enn melodier ble notert. (Se musikalsk notasjon ). Dermed vet vi at det var en levende troubador-tradisjon i det 12. århundre i Provence på deres språk, og vi vet at det var 1000 miles unna på øya Sicilia også en levende troubador-tradisjon ved Hohenstaufen- hoffet til Frederik II , sanger sunget i dialekten til folket (veldig mye påvirket, for eksempel av arabisk ), men det er en formodning om nøyaktig hvordan en av dem hørtes ut. Vi vet bare at sør-fransk folkemusikk i dag høres ganske annerledes ut enn siciliansk folkemusikk. Siden folkemusikk er relativt konservativ ved at den motstår rask forandring, kan vi anta at i det minste eksisterte noen av de åpenbare forskjellene i melodi, skalaer og tilnærming til vokalisering som eksisterer nå. Kall og respons karakter av mye populær korsang i middelalderen - det vil si en solist som synger en linje som deretter blir besvart av en gruppe - fant veien inn i middelalderens kirkemusikk som en måte å involvere alle medlemmer av menigheten.
De kompliserte polyfoniene til det som kalles Ars Nova begynte å bli hørt på 1300- og 1400-tallet; populære gjenstander som madrigaler brukte økende tette overlegg av forskjellige melodier som ble sunget samtidig, og poenget var å skape en sammenvevd og eufonisk lydtekstur; dette er IKKE det samme som harmoni , lyden av mange toner sammen for å danne et akkord. Det er en senere oppfinnelse. Ikke desto mindre representerer overgangen fra de monofoniske sangene til de mange samtidige melodiene av polyfoni en revolusjon i våre musikalske oppfatninger: å si, du kan ha mer en ting som høres ut samtidig og fortsatt synes det er hyggelig å lytte til.
Renessansen
De fleste tenker ikke på musikk når de hører begrepet renessanse . Likevel, i samme forstand som arkitekter, malere og billedhuggere fra 1500-tallet hyllet de nylig gjenoppdagede verdiene i det klassiske Hellas , forsøkte diktere og musikere i den perioden å gjøre det samme. Årene mellom 1500 og 1600 er den mest revolusjonerende perioden i europeisk musikkhistorie; det er århundret som harmoni ble utviklet og århundret som fødte opera .
Disse to utviklingene henger sammen. Leserne vil ha lagt merke til overgangen fra monofonien til gregorianske sanger til de kompliserte polyfonier av madrigaler og annen musikk i noen få århundrer før 1500. Neste skifte i musikalsk oppfatning innebærer et mindre vanlig begrep: homofoni; det vil si lyden av en harmonisk akkord eller progresjon av akkorder, ikke ment å skille seg ut, men som støtter en åpenbar melodi på toppen av harmonien.
Ønsket - kanskje behovet - for homofonisk musikk oppsto fra en rekke faktorer. For det første var det avvisning av altfor komplisert polyfoni av mange forskjellige melodier som kjørte samtidig: for det andre, en generell, ny musikalsk estetikk fra perioden, best oppsummert med ordene til Leonardo da Vinci i 1500, som sa at musikk var "den samtidige sammenhengen av proporsjonale deler" - det vil si lyden av notene basert på enkle aritmetiske rasjoner som 2: 1 (som produserer lyden fra en oktav), 3: 2 (som produserer lyden fra femte), og 5: 4 (som produserer lyden fra en stor tredjedel). Dermed, hvis du genererer toner med 400, 600, 800 og 1000 sykluser per sekund, har du alle tonene til den enkleste og mest harmoniske lyden i musikken vår - den store akkorden. Det er virkelig så enkelt. (Se Musical Acoustics .) Tredje på listen over faktorer som gjør 1500-tallet så viktig var renessansens ønske om å fortelle en historie, å sette folk opp på en liten scene og få dem til å synge sanger om gresk mytologi - historien om Orfeus , for eksempel. Det er vanskelig å gjøre hvis alle synger en melodi samtidig; således ga polyfoni plass for homofoni, og tidlig opera besto av relativt enkle melodier med tekster om gresk mytologi, sunget på italiensk og støttet av enkle harmonier. Den viktige byen i Italia i denne utviklingen av musikk på 1500-tallet var Firenze . (Se også: Florentine Camerata , Vincenzo Galilei , Jacopo Peri , Claudio Monteverdi , Palestrina , Arcangelo Corelli .)
Foruten Firenze, er to andre italienske byer spesielt verdt å nevne i perioden rundt 1600. Det er noe av en vennlig rivalisering mellom talsmenn for de to byene om hvilken som er viktigere i historien om musikkutviklingen i Italia. Venezia hevder med rette sin plass som fødested for kommersiell opera; Napoli peker på sin egen historie med kirkesponserte musikkonservatorier, institusjoner som utviklet seg til "mater-systemer", og gir komponister og utøvende musikere mye musikalsk liv i Italia og faktisk Europa som helhet. (Se også: Music of Venice og Music of Naples .)
17 th århundre
Perioden fra 1600 til 1750 omfatter musikk fra barokkens tid . Mange viktige ting skjedde i denne perioden. Den ene var en tilbakevending til de melodiske kompleksitetene i polyfoni; melodiene løp imidlertid innenfor et moderne, etablert system for harmoni basert på akkorder og dur og mindre skalaer. Dette sistnevnte elementet er en utvidelse av begrepet homofonisk musikk og tillot melodisk kompleksitet av enhver varians å øke til dominans over viktigheten av tekst. Kampen for dominans mellom tekst og musikk går tilbake til musikken til grekerne og pågår fortsatt i alle former for europeisk kunstmusikk og populærmusikk. Denne nye dominansen av melodi innen harmoni på bekostning av tekst førte til store endringer, inkludert utvidelse og oppfinnelse av orkesterets instrumentelle ressurser; tastaturet ble utvidet i begge retninger; produksjonen av instrumenter som de av Stradivarius ble en stor industri i Cremona; og instrumentalmusikk begynte å utvikle seg som et eget "spor", ganske bortsett fra den tradisjonelle rollen som å følge den menneskelige stemmen. Instrumentformer inkluderer slike ting som sonata og fuga. Kjente og innflytelsesrike musikalske figurer fra denne tidsperioden i Italia inkluderer Alessandro og Domenico Scarlatti , Benedetto Marcello og Antonio Vivaldi , som representerer viktigheten av henholdsvis Napoli og Venezia i denne perioden.
18 th århundre
Fra begynnelsen av 1700-tallet til slutten av det århundret omfatter det historikere kaller "klassisk musikk". (Merk at denne bruken av begrepet "klassisk" ikke samsvarer med hva ikke-historikere mener når de sier "klassisk musikk" - altså all opera og symfonisk musikk, i motsetning til "populærmusikk".)
Begrepet "klassisk" er passende for denne musikkperioden ved at det markerer standardiseringen av musikalske former som symfonien og konserten . Dermed blir begrepet "klassisk" brukt i renessansens forstand av klassisk gresk filosofi - platonisk form , ideen om at ting som skjønnhet eksisterer evig som idealer, og at kunstnerens jobb - i dette tilfellet komponistens jobb - blir satt på det ideelle. Dermed har vi for eksempel en symfoni formalisert som et standardverk i fire satser for orkester, og så videre.
Det fysiske anlegget for komposisjon og fremføring av musikk i Italia utviklet seg sterkt i løpet av dette århundret. Det er perioden de store operahusene i Napoli og Milano ble bygget: henholdsvis San Carlo Theatre og La Scala . Det er også alderen til fremveksten av den napolitanske - og deretter italienske - tegneserieoperaen . Det er også viktig å refinere en viss følelse av balanse mellom tekst og musikk i operaen, hovedsakelig gjennom metastasioens librettoer .
Viktige italienske komponister i dette århundret er: Giovanni Battista Pergolesi , Niccolò Piccinni , Giovanni Paisiello , Luigi Boccherini , Domenico Cimarosa , Muzio Clementi , Luigi Cherubini , Giovanni Battista Viotti og Niccolò Paganini . Det er også alderen "italiensk musikk" ble så å si internasjonal, med mange av disse italienske komponistene som begynte å jobbe i utlandet.
19 th århundre
Dette er århundret med romantikk i europeisk litteratur, kunst og musikk. Romantikken i musikk er preget av mange av de samme egenskapene som definerer århundrets litteratur og maleri: mindre oppmerksomhet mot klassisismens formaliteter, mer involvering av menneskelige lidenskaper som kjærlighet, heltemot, mot, frihet, etc., som alle er en direkte utvekst av humanismen fra den franske opplysningstiden . Italiensk opera har en tendens til å forlate den komiske operaens lette hjerte for den mer seriøse prisen på italiensk lyrisk romantikk. Selv om den stadig populære Rossini absolutt er et unntak fra det, blir italiensk musikk fra 1800-tallet dominert i begynnelsen av slike som Bellini , Donizetti , og så selvfølgelig de siste femti årene av århundret av Giuseppe Verdi , det største musikalske ikonet i italiensk historie. Det er også tiden for den tidlige karrieren til Giacomo Puccini , kanskje den største komponisten av ren melodi i italiensk musikkhistorie, og absolutt den siste. Puccini er broen til alderen til den nye musikken i det 20. århundre.
20 th århundre
Romantikken i all europeisk musikk holdt helt sikkert fast gjennom århundreskiftet. I Italia fortsatte musikken til Verdi og Puccini å dominere i en årrekke. Andre italienske romantiske komponister - i det minste komponister som fortsatte å komponere i tonale tradisjoner for vestlig musikk (i motsetning til den nye sonligheten og dissonansene i Europa etter første verdenskrig - komponister som "kom seg" inn i det 20. århundre inkluderer Arrigo Boito , Ruggiero Leoncavallo , Pietro Mascagni , Francesco Cilea og Ottorino Respighi .
Likevel var det uunngåelig at italienske komponister ville svare på romantikkens falmende verdier og kynisme som i mange europeiske kunstneriske kvartaler ble provosert av ting som første verdenskrig og slike kulturelle / vitenskapelige fenomener som psykoanalyse der - i det minste ifølge Robert Louis Stevenson - "alle menn har hemmelige tanker som ville skamme helvete." Romantikken - til tross for den langvarige populariteten blant operagjengere - døde i første verdenskrig. Romantisk musikk i Italia kan imidlertid ikke sies å ha dødd under sin egen tyngde, som man kan si om de overlange og overorkestrerte verkene til den senromantiske musikken i Tyskland som ga vei til minimalistisk musikk . Men abstraksjon og atonalitet og rett og slett "vanskelig" musikk kom til Italia etter Puccinis død. Blant de viktigste italienske navnene i musikk fra det 20. århundre er Luciano Berio , Luigi Dallapiccola , Goffredo Petrassi og Luigi Nono .